viernes, 29 de mayo de 2020

Obsolete Man " A Short History of Decay"

Obsolete Man " A Short History of Decay" Usa Hardcore  2020
1. Ennui
2. Violence
3. Stoic
4. Guilt
5. Defeat

Robby: Cantante
Dev : Bajo
Gino: Guitarra
Scott : Batería

Interesante mezcla entre Hardcore y Powerviolence desde San Francisco, este es su ep de debut. Ennui es un corte que arranca con " ruidismo" un sonido Noise y tirando de distorsión para luego buscar un ritmo lento y agresivo, rozando el Sludge y el metal industrial gracias a su agresividad innata, digamos que es una especie de introducción para luego buscar un cambio de ritmo acelerado y alocado al máximo.
Violence es la cara más amarga del Hardcore, la faceta más agresiva. Un sentimiento Punk en el trabajo de la batería con los ritmos acelerados, caóticos siempre en todos los aspectos con un cantante que se desgañita y apostando por cambios de ritmo sinceros y suaves de un Punk muy simple para luego tirar de mezcla de estilos.
Stoic no llega ni al minuto, un discurso hablado de inicio y enseguida se montan su fiesta con pasajes de D- Beats y rozando el Powerviolence y mezclándolo con Hardcore con ciertas pinceladas de Chaotic Hardcore y Sludge.
Con Guilt vuelven al formato de larga duración, rozando los tres minutos. Me gusta ese aspecto compositivo que tienen de tirar de Punk simple en ciertas fases de los temas porque es un contrapunto con esos cambios de ritmo bestiales que tienen, tal es el contrapunto que debido a la suavidad inicial logran siempre sorprendente con la tormenta posterior.
Defeat es el último tema del trabajo y de nuevo vuelven a sorprender pese a su extrema sencillez, la mezcla está genial trazada, muy fluída en todo momento esa mezcla de estilos musicales. Muchas ganas de verlos en directo para saber si son capaces de mantener esta intensidad tan brutal. Una banda de Hardcore de las de antes con un sonido muy Underground y potente.
https://obsoleteman.bandcamp.com/album/a-short-history-of-decay
Álbum Completo


jueves, 28 de mayo de 2020

Rock Twice " Rock Twice"

Rock Twice " Rock Twice" Alemania Hard Rock 2020
1.Hellfire
2.World Skate Day
3.Fake News
4.Your Second Life
5.That's Not You
6.Little Soul
7.Easaly
8.Eleanor Rigby
9.Want Your Soul
10.Always Right
11.Evry Evry Song
12.World Skate Day Abbey Road

Ulli Zett: Guitarra
N.K Robin: Teclado
Gina Johnson: Cantante
Marty Priest: Bajo
Joe G. Farmer: Batería

Esta es una banda alemana veterana que acaba de lanzar su primer trabajo, puro Hard Rock en la típica tradición alemana. Hellfire es un tema llamativo aunque le falta fuerza, en el trabajo del teclado le dan un aire neoclásico y muy añejo que me recordó a los Deep Purple en la era Joe Lynn Turner que duro un suspiro y está muy olvidada por los fans. World Skate Day arranca con un trabajo en la guitarra sureño, la cantante, Gina, no tiene una gran voz en cuanto a potencia se refiere pero tiene gancho en las composiciones pero a esta banda siempre le falta una marcha más.
Fake News es una balada con cierto toque Blues y muy ochentero en los coros no lo trabajan bien y no están bien sincronizados me quedo con la versatilidad de Gina que sabe en tonos bajos sonar más emotiva y es un rock tan suave que me recordó a Alanah Myles. No es buena idea poner dos baladas seguidas porque baja mucho la tensión pero lo hacen esta Your Second Life es una balada donde destaca su pasaje acústico y a caballo entre los Led Zeppelin/ Rush y los Mr Big.
Thats not You pues es un rock básico y rudimentario sin chispa alguna hasta el momento es el peor tema del disco. Se les nota en todo momento las fuentes musicales de donde beben, son grandes fanáticos de los Deep Purple. Nueva balada con Little Soul de las tres, la menos convincente. Easaly es un corte que lo más interesante es el ritmo al galope que se marcan y el atajo que coge su guitarrista hacia el Blues, me recordó a la Nwobhm y a los Samson en la era Nicky Moore.
Eleanor Rigby y Always Right, la primera una balada con coros de nuevo los coros muy mal ejecutados y sin ninguna fuerza y este segundo tema de Funk, la tensión del álbum baja a los mínimos pero también hay que admitir que tienen elegancia y es que recuerdan a bandas bastante olvidas como por ejemplo los alemanes Viva liderados por Barbara Schenker que es la hermana de Rudolf y de Michael y que lideró a esta banda en los ochenta, un tema como Always Right pues recuerda a esta banda.
El problema de este álbum es que acabas saturado con tanta balada y es que es un álbum pausado y algo azucarado, sigue la tónica con Evry Evry Song y se echa en falta la participación de la guitarra un poco de más agresividad. Un tema muy de los sesenta para cerrar el trabajo con World Skate Day Abbey Road, con influencias de los MC5 y por supuesto Janis Joplin, me parece una buena forma de cerrar el trabajo. Muy parado el disco pero aún así por salirse del típico Hard Rock comercial y buscar otro tipo de influencias musicales considero que merece la pena darle una escucha.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 2/5
Producción: 2/5

Puntuación: 5,25/10

Brave " The Oracle"

Brave " The Oracle" Brasil Power Metal 2020
1. Intro
2. Firestorm
3. The Oracle
4. We Fight For Odin
5. Valhalla
6. Wake The Fury
7. Fall To The Empire
8. We Burn The Heart

Carlos Bertolazi: Guitarra
Sidney Milano: Cantante
Ricardo Carbonero: Guitarra, Bajo
Carlos Alexgrave: Batería

Lo mejor del metal brasileño siempre en Metalbrothers.es. Los Brave son una banda de Itu ( Sao Paulo) banda creada en 1998 que presenta su tercer larga duración. Las cosas claras desde el primer momento es una banda de Heavy/ Power con influencias básicas: Manowar, Grave Digger, Bathory, Iron Maiden, Accept, Motorhead, King Diamond, Sarcófago, Mercyful Fate, Running Wild.
La Intro tiene melodía pero su desarrollo se me hace corto y me sabe a poco. Firestorm tarda demasiado tiempo en arrancar, de su primera parte destaco la buena labor del bajo pero se eternizan en un ritmo que no les lleva a ninguna parte y hay un buen solo melódico pero que no pega con el acompañamiento rítmico. Más clásico y más directo al grano el tema que le da título al álbum, The Oracle con una pincelada de Nwobhm y de Speed Metal alemán en el trabajo de la guitarra, el cantante con una voz tirando a grave pero también buscando el agudo, que le sale algo forzado.
We fight for Odin es un medio tiempo donde le falta tensión a todos los niveles pero siempre tienen buenos acompañamientos a la guitarra, tirando de la influencia del Us Power Metal de los Omen y compañía pero como os decía el acompañamiento le falta potencia. Valhalla hace honor a su nombre y tira de un ritmo acústico, busca la épica en el solo de guitarra y tira luego de un medio tiempo de metal clásico, no tienen demasiado feeling pero es un tema más elaborado.
Wake the Fury prescinde del Power y se centra en un Speed Metal mezclado con Heavy clásico, una mezcla simple entre Accept, Running Wild y los Judas Priest, de nuevo el momento estrella del tema vuelve a ser el trabajo en el solo de la guitarra que de nuevo no tiene que ver demasiado con el desarrollo del tema, son esas desconexiones las que les penalizan un tanto. Fall of the Empire suena a cromo repetido, hacen falta más temas que aporten algo diferente y a medida que avanza el trabajo se olvidan un poco del trabajo del bajo que en los primeros compases le daba un aire más oscuro y técnico a la banda.
Se guardan para el final una balada acústica épica con toque medieval como es We Burn the Heart, la idea es buena pero sucede lo de siempre, les falta gancho e ideas, demasiado lineal el trabajo aunque suena clásico y siempre con los buenos momentos protagonizados por su guitarrista.

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6/10


Vual " To End all Life"

Vual " To End all Life" Usa Sludge 2020
1. Cancer Beast
2. Spreading the Poison
3. Nethescurial
4. We are the Vanguard
5. The Human Law
6. Finally, Fields of Silence

Vok: Cantante
Leech: Cantante

Dos cantantes americanos que contratan a músicos de sesión para sacar su proyecto adelante. Son los Vual una banda plural de las que suelen abundar hoy en día, buscan una mezcla de estilos musicales diferentes y debutan con este trabajo. Cancer Beast es un corte de siete minutos que empieza muy bien pero a medida que avanza se estanca, de todas formas, buena idea. Inicio acústico y atmosférico para luego eternizarse en un medio tiempo siempre con el Black y el Doom en el horizonte.
Spreading the Poison arranca con un riff de puro Black Raw y con un trabajo en bajo y batería lento que recuerda al Crust Punk por momentos. Siempre buscan el cambio de ritmo lento y corrosivo donde en el trabajo de la distorsión se cuela el Sludge.
Nethescurial es un tema donde de nuevo buscan recrear esa atmósfera pesada y opresiva, le dan gran importancia a esto y quizás pecan de conformistas en el desarrollo de nada sirve que el envoltorio sea el espectacular si el contenido no está a la altura es algo en lo que deben trabajar de cara al futuro, no obstante es un pecado muy común en las bandas de hoy en día.
We are the Vanguard es el corte más interesante y eso que no entra ni a la primera ni a la segunda escucha pero es que tiene partes muy creativas. Lo malo es que como suele ser habitual en cualquier tipo de metal americano, le conceden una gran importancia al estribillo y no tanto a las partes instrumentales salvo en este tema que rozan el Avantgarde por momentos.
The Human Law es de los pocos temas cortos y de los pocos temas veloces de todo este trabajo, al menos en un primer momento pues enseguida recuperan ese tono pesado, lento y buscando siempre la atmósfera lo que algunos etiquetan como " Occult Metal" que en realidad no quiere decir nada y es una simple mezcla de estilos musicales.
Finally, Fields of Silence, de nuevo buscando el pasaje acústico que sin ser ninguna maravilla técnica, si tiene garra, oscuridad y les queda como anillo al dedo como ese acompañamiento con platillos en la batería, en el desarrollo de nuevo vuelven a pecar de los excesos de siempre.
Deberían tener más contundencia en los cambios de ritmo y apostar claramente por el Crust Punk o una mezcla entre Black y Crust que muestran pero de forma muy tímida. Me gusta mucho la atmósfera conceptual que generan en todos los temas pero les falta desarrollar esas partes instrumentales, trabajar más la distorsión sobre todo, lo que se refiere al Sludge que al igual que las partes de Black/ Crust pasan bastante de puntillas.
https://vualhate.bandcamp.com/album/to-end-all-life
Álbum Completo


Metrayer " Interval Rupture"

Metrayer " Interval Rupture" Thrash Metal España 2020
1. World Into Dust
2. Wake Up Unexpected
3. Shattered Hourglass
4. Under A Decayed Nation
5. We Rule
6. I'ts Time For Demise
7. Primal Instinct
8. Weightless (Instrumental)
9. Distant Blaze


Javi Mosh : Cantante, Bajo
Adrián G. Ruiz: Guitarra
Jonás Martín: Guitarra
Emma Wicked: Batería

En el 2011 empezó la aventura musical de esta banda isleña los Metrayer de Tenerife que presentan su segundo larga duración. Lo suyo es un Thrash Metal influenciado por los clásicos de los ochenta. World into Dust es un medio tiempo presidido por un riff obsesivo de la vieja escuela y muy bien secundado en el solo de guitarra con un riff rítmico oscuro que me recordó a los Testament.
Wake up Unexpected sin un exceso de potencia tiene todo el sabor clásico del mundo, me gusta cuando aceleran la maquinaria y como buscan el solo de la guitarra siempre con elaboración previa y dándole a su idea de Thrash un ligero toque tanto técnico como atmósferico pues es en los solos de guitarra y los puentes instrumentales donde sacan lo mejor que llevan dentro.
Shattered Hourglass es el tema más enfocado hacia la vieja escuela de todo el trabajo. Un poco de Thrash americano a lo Vio-lence, Forbbiden, Viking...etc, tirando de platillos en la batería y apostando por un medio tiempo donde el riff va progresando de forma constante durante todo el tema, menos gancho que en los anteriores temas pero la misma elaboración. Turno ahora para Under a Decayed Nation donde la distorsión de la guitarra se alterna con el solo de guitarra desde el primer momento, siempre sus dos guitarristas dándole un plus al sonido de esta banda tinerfeña que también me recuerdan a los Evildead y a los Death Angel.
We Rule es un medio tiempo mucho más sucio y menos orientado hacia el Thrash, más emparentado con el Crossover y es que tarde o temprano llegaría la hora del Mosh, quiero destacar el papel de su cantante en este tema. I'ts Time For Demise quiero destacar a Enma García a la batería, apodada como Enma Wicked que hace una buena labor durante todo el trabajo. Me gusta la efervescencia en los cambios de ritmo, el papel que juega la distorsión es importante, siempre con esencia Punk y el Crossover en las partes más aceleradas de los temas.
Primal Extinct es el tema más elaborado de todo el trabajo, recuerda a Heathen y Vio-lence. Buena elaboración acústica y melódica en el inicio, apoyo en el estribillo con coros para su cantante para pasar el mazo y la distorsión en la guitarra que sirve para cambiar el ritmo, todo perfectamente atado e hilvanado.
Weightless es un tema instrumental y es que es lógico que se tiren al ruedo con un tema instrumental pues la técnica en las guitarras merecía un tema para ellos solos, me sorprende la oscuridad que son capaces de generar en este tema. Distant Blaze es el último tema del álbum y son otros siete minutos de tema donde de nuevo no dejan nada al azar. Interesante interludio acústico con muy buena labor del bajo y cambiando de ritmo de forma violenta con un riff doblado frenético y con cierta originalidad, en líneas generales muy buena labor de estos tinerfeños.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,5/10


Kizio " Suicida"

Kizio " Suicida" 1998 Thrash/ Groove Españistán
1. Suicida
2. Ritual. Belial
3. Negligencia
4. Cuna de inmundicia
5. Pérdida Devoción


Karlos: Bajo
Javi : Batería
Kosti: Guitarra
Dani : Guitarra
Ivan : Cantante

Kizio fue una banda de los noventa de Pamplona, una banda que se unió a la fiebre de Pantera, era lo que imperaba por aquella época, lo que se dice una banda de su tiempo. El único miembro que conozco y que tuvo una carrera en el metal es Kosti que paso por Sparto.
En 1998 firman por el sello Producciones Grunge y lanzan este trabajo compuesto por cinco temas. En estos temas te vas a encontrar muy pocas sorpresas. Es el típico sonido de los noventa. Puro Groove, medio tiempo, ritmo básico con poco bombo y sonido seco en la batería y voz rozando lo gutural con coros en el estribillo.... no hay más cera que la que arde, suena efectivamente con mucha garra y 100 % orientado hacia el sonido de Pantera.... eso sí, con el clásico toque del Rock radical Vasco ( Kizio son de Pamplona, pero está completamente ligado esta región al sonido de Euskadi, es lo mismo) y tiene ese toque Punk.
Suena básico y rudimentario..... si lo piensas detenidamente, pues oye.... a nivel instrumental correcto sin más, el típico sonido de una época. En cuanto a la creatividad o técnica pues la justa.... pero aún así... ahí esta la clave. Este es uno de esos álbumes que te conquista pese a su sencillez, porque tiene en el fondo algo especial y es que la música de Kizio es un ladrillo en la cara, así de claro, puro cemento armado que no te deja indiferente, quizás por eso hay regresado a los escenarios. Precisamente porque el público nunca se olvido de ellos.

Dismember " Indecent and Obscene"

Dismember " Indecent and Obscene" Suecia Death Metal 1993
1. Fleshless
2. Skinfather
3. Sorrowfilled
4. Case # Obscene
5. Souldevourer
6. Reborn In Blasphemy
7. Eviscerated (Bitch)
8. 9th Circle
9. Dreaming In Red


Matti Kärki : Cantante
David Blomqvist : Guitarra
Robert Sennebäck : Guitarra
Richard Cabeza : Bajo
Fred Estby : Batería

La palabra que mejor define la música de Dismember para mi sería: voracidad. El logo de Dismember tatuado en la piel a sangre y en esta ocasión la portada es significativa pues ellos llevan tatuado en la piel su forma de hacer música, son automatismos que salen solos ya sin pensar pues es lo que hacen en este disco, siguen de dulce.
Le veo eso sí un punto débil y aunque hay muchos fans que dicen que esta es su mejor obra, yo la verdad es que no lo veo. El trabajo de la batería no me convence en ningún momento, suena blando y sin variedad rítmica y en muchas fases de los temas, también tengo que hablar de la estructura de los temas que por momentos suena bastante lineal y poca ambiciosa.
Voraces si, ambiciosos no lo han sido nunca. Hay que tener en cuenta una cuestión, estamos en 1993, las reglas del juego son diferentes, impera el Grunge, el Groove, el Rock alternativo, el Nu Metal, el Hardcore... hay que hacer algo diferente e incluso el que quiere seguir sonando como siempre, ve alterado su trabajo por culpa de las producciones de aquella época que sonaban todas igual.
Es un poco lo que le pasa a Dismbember en este trabajo. Si el álbum suena lineal por momentos es debido a por que es lo que se llevaba de aquella, Se buscaban el estribillo, el ritmo mareante, ir al grano y dejarse de florituras. El sonido de batería blando y lineal, muy típico de la época. Incluso ese trémolo de guitarra, esa tonalidad grave tan típica del Death sueco, se puede decir que sigue siendo evidente en su música, su principal baza pero está completamente disfigurada en este álbum. Cede terreno en favor del clásico Groove y algún que otro elemento de Hardcore.
En el trabajo de solos de guitarra.... sin ninguna importancia, distorsión y algún solo esporádico que dentro del tema es completamente secundario, en su primera época no trabajaron nunca el solo de guitarra salvo en su primer álbum.
Los Dismember de siempre pero con un sonido de los noventa. De todas formas , este trabajo forma parte de la era clásica de Dismember y siempre fue uno de los favoritos del público. Quizás por su garra, quizás por su sonido sucio pero el caso es que es un álbum básico en su discografía.
https://www.youtube.com/watch?v=aesektkLMq4
Álbum Completo

Mighty Wrath Biografía

Esta fue una banda de metal cristiano creada en Estados Unidos a mediados de los ochenta, banda que solo editó un único trabajo que no tuvo repercusión alguna antes de desaparecer. La banda estaba formada por los siguientes músicos: Don Atkins al bajo, Faisal Khoder a la batería, John Shine a la guitarra ( sin lugar a dudas, el músico más destacado de estos Mighty Wrath) y al micro, Ray Morales, un cantante bastante peculiar, ninguno de estos sigue en activo.

Tan solo editaron en toda su carrera un single que fue publicado en 1986 en formato siete pulgadas vinilo. " White Lady/ He Died Alone", un vinilo con un tema por cada cara. Este trabajo fue publicado por el sello Azra Records, un sello californiano de Hard Rock y Heavy Metal creado en 1978. En el roster de este sello figuraban bandas como: Anaconda, Axemaster, Armed Force, Commander, Cassle, Gallows Pole, Dark Angel, Sin, Stilletto, Rychus Sin, Vixen....etc. Este sello estuvo en activo hasta 1993. Después de editar este único single los Mighty Wrath se separaron. Era una banda de Hard Heavy melódico de temática cristiana.

Proclamación republicana

Las ciudades de Sahagún (León), Éibar (Guipúzcoa) y Jaca (Huesca) fueron las tres únicas ciudades que proclamaron la república un día antes de la fecha oficial, el 13 de abril de 1931. El Gobierno de la II República española les concedería posteriormente el título de Ilustrísimas Ciudades. La primera ciudad en la que se izó la bandera tricolor fue Éibar, a las 6:30 de la mañana del 14 de abril, y en la tarde de ese mismo día le siguieron las principales capitales españolas, incluyendo Valencia, Barcelona y Madrid, en las que las candidaturas republicanas obtuvieron mayorías muy holgadas.


El escritor eibarrés Toribio Echeverría recuerda, en su libro Viaje por el país de los recuerdos, la proclamación de la Segunda república en Éibar de esta forma:

...y antes de las seis de la mañana habíase congregado el pueblo en la plaza que se iba a llamar de la República, y los concejales electos del domingo, por su parte, habiéndose presentado en la Casa Consistorial con la intención de hacer valer su investidura desde aquel instante, se constituyeron en sesión solemne, acordando por unanimidad proclamar la República. Acto seguido fue izada la bandera tricolor en el balcón central del ayuntamiento, y Juan de los Toyos dio cuenta desde él al pueblo congregado, que a partir de aquella hora los españoles estábamos viviendo en República. (Toribio Echeverría, Viaje por el país de los recuerdos)

Silver Shadow

Silver Shadow II, en oro de 24 kt (1979). Coche encargado por un petrolero de Oklahoma, pertenece actualmente a un coleccionista privado español.Debido a problemas financieros causados por el largo desarrollo del nuevo turborreactor RB211 para el Lockheed L-1011 Tristar, en 1971 Rolls-Royce se había declarado insolvente, y el 4 de febrero de 1971 fue llevado a concurso de acreedores, ya que se consideraba que había alcanzado la situación económica de bancarrota.1​

Debido a su importancia estratégica, la compañía fue nacionalizada por el gobierno Conservador de Edward Heath.


En 1973, el negocio de automóviles se separó de la marca como Rolls-Royce Motors. El negocio principal de motores de aviación y marina fue mantenido como empresa pública hasta 1987, que fue privatizado como Rolls-Royce plc, una de las muchas privatizaciones del gobierno de Margaret Thatcher.

En 1980 Rolls-Royce Motor Cars fue adquirido por Vickers. Vickers decide deshacerse de la marca justo en el momento en el que la nostalgia se incorpora a las tendencias y crece fuertemente la demanda de modelos y marcas inspirados en el pasado.

En 1998 Vickers decidió vender la marca de automóviles Rolls-Royce. El grupo Volkswagen hizo ofertas por la compañía, pero parecía que BMW, que ya suministraba motores y otros componentes para Rolls-Royce y Bentley, tenía mayores posibilidades. No obstante, la oferta de BMW de 340 millones de libras fue superada por Volkswagen por 430 millones de libras.

Esto estaba lejos del final de la historia. Rolls-Royce plc, la fábrica de motores de aviación, decidió que vendería las patentes y licencias del nombre y logotipo de Rolls-Royce a BMW, no a Volkswagen, que había adquirido los derechos de la mascota "Spirit of Ecstasy" y del diseño del radiador. BMW adquirió los derechos del nombre y logotipo "RR" por 40 millones de libras, ciertamente para muchos analistas la más valiosa propiedad de la marca; Volkswagen declaró que ellos realmente solo querían la marca Bentley.

El Cuervo

El doctor Vollin (Lugosi), un excelente pero maniático neurólogo obsesionado con Poe, es convencido por un juez para volver a la práctica y salvar a su hija que sufrió un accidente automovilístico. Vollin logra curar totalmente a la joven, a quien ve como su "Lenore". El médico planea torturar y asesinar al novio y al padre de la chica, y así quedarse con ella; para ello utiliza a un asesino fugitivo (Karloff) que está huyendo desesperadamente de la policía.Los médicos se muestran muy pesimistas y dan como única alternativa llamar al retirado Doctor Vollin (Bella Lugosi), un eminente neurólogo, que inicialmente se negará a ayudarles, pero que tras la visita del padre de la chica, el juez Tatcher, Una película que me ha sorprendido desde el primer minuto, ya que solo arrancar tenemos una impactante escena inicial con el coche de Jean conduciendo a toda velocidad y bajo una fuerte tormenta, accidentándose al salirse en una curva. Con un ritmo que no tendrá ningún descanso desde ese momento y que sabe sacar un provecho increíble de su duración (58 minutos), sabiendo ir al grano sin que ello perjudique el resultado final. Lugosi y Karloff, dos de los gigantes del cine de terror de esos años, vuelven a coincidir aquí para dar con su mera presencia una gran personalidad a la película.Los personajes de ambos están bien marcados y les van como anillo al dedo; en la primera aparición de Lugosi con la sombra de un cuervo disecado reflejándose en la pared de su despacho (y recitando el poema de Poe en el que se basa esta historia) ya intuimos que es un personaje como mínimo algo desquiciado. Por su parte, Karloff, haciendo de criminal, tendrá un interesante diálogo con él tratando acerca de la fealdad y la relación de esta con el poder de dañar a sus semejantes (evidentemente nada gratuito y base de lo que ocurrirá después).La ambientación está cuidada y se ve reforzada por una combinación perfecta entre algunos elementos tan clásicos de ambientación gótica (el laboratorio escondido tras una entrada secreta, los aparatos de tortura construidos según los relatos de Poe) y elementos tan modernos como una consola que le permiten controlar a su antojo toda la casa, cerrando ventanas con planchas de acero, pasadizos ocultos, activando ascensores secretos que mueven habitaciones y que son todo un acierto.Hay que destacar el buen maquillaje de Karloff (que de nuevo hace un gran papel), pero en algún plano cercano se echa en falta una mejor labor en la construcción del ojo paralizado, siendo un poco triste que se note tanto que simplemente está pintado sobre el maquillaje. Lugosi, un poco sobre actuado como en la mayoría de sus actuaciones, da vida a un demente con una crueldad que está incluso por encima de los cánones de esa época y sorprende alguna de las torturas planeadas por este genio del mal.
Destacaría algunas escenas que seguro que han inspirado muchas películas, como la sala llena de espejos con Karloff disparando contra ellos, o la parte final con los elementos de tortura (esa habitación en la que se van estrechando las paredes hasta aplastarte me recuerda a Indiana Jones o la sala de basuras de Star Wars).
El final está bien resuelto, pero como suele ser habitual, se ahorran algunos detalles que habrían sido jugosos y acaba un poco precipitadamente (ignoro si aquí la censura hizo algún recorte). Una muy buena película para todos los que quieran disfrutar con un clásico del cine de terror que no debería estar tan olvidado como está y que os animo que rescatéis.

Lili Alvárez

Lilí Álvarez fue una pionera en el tenis femenino español y fue la jugadora más dominante de su país en el 1920. Entre 1926 y 1928 consiguió tres finales consecutivas en Wimbledon. En 1929 Álvarez hizo equipo con la jugadora holandesa Kornelia Bouman para ganar el título en dobles femeninos en Roland Garros. Dos años antes, perdería el título de dobles mixto formando dúo con Bill Tilden.

El primer torneo que ganó fue el campeonato de Ginebra en 1919 con 14 años. En los Juegos Olímpicos de París de 1924, participó en dobles femenino junto a Rosa Torras, siendo las dos primeras mujeres deportistas en unos Juegos Olímpicos de verano. Y con José Miguel Fernández Liencres jugó en dobles mixto, llegando hasta cuartos de final.


Lilí Álvarez tuvo una brillante actuación en los torneos franceses de tierra batida celebrados en la Costa Azul. Campeonatos como Montecarlo, Cannes, Niza,8​9​ Menton o Le Tonquet (París),10​ fueron torneos habituales en el palmarés de Lilí durante casi toda la década de los 20 y principios de los 30.

En Inglaterra conquistó en 1926 el torneo de Beckenham,11​ derrotando en la final a la octocampeona del Abierto de Estados Unidos Molla Mallory, y sería preludio de su buena actuación en el torneo de Wimbledon.

En 1930, Lilí Álvarez ganó el torneo de Roma, campeonato considerado como el tercero más importante de Europa; ninguna española logró alzar la copa de campeona hasta que lo hizo Conchita Martínez en 1993. En invierno viaja a Sudamérica donde gana los torneos de Río de Janeiro12​ y Buenos Aires.13​ Tras una recaída en su rendimiento que la lleva a retirarse en 1932, vuelve a reaparecer en 1937.

Lilí Álvarez ganó dos veces el Campeonato de España de Tenis, en 19298​ y en 1940, cerrando así su carrera tenística un año después tras ganar la final del torneo de Santander (1941)

Primera vuelta a España

A comienzos de 1935, Clemente López Dóriga, en colaboración con Juan Pujol, director del diario Informaciones, organizó la I Vuelta ciclista a España con un recorrido de 14 etapas y 3431 km en total. La primera etapa se disputó entre Madrid y Valladolid. Aquel año se vivió el primer gran duelo de la historia de la Vuelta entre el belga Gustaaf Deloor, a la postre vencedor, y el español Mariano Cañardo, subcampeón. La II edición de la Vuelta, que se celebró a pesar de la delicada situación política del país, significó la revalidación del título de Deloor que mantuvo el liderato desde el primero hasta el último día. Tras estas dos primeras ediciones, la ronda española sufrió un parón a causa de la Guerra Civil Española.


En 1941 se reanudó la prueba con una participación casi totalmente española y con muy poca representación extranjera. Aquel año tuvo lugar la disputa de la primera etapa contrarreloj de la Vuelta. Julián Berrendero se proclamó vencedor de la ronda española, título que revalidó un año después. Asimismo, Berrendero se convirtió en rey de la montaña durante tres ediciones consecutivas.

A causa de la Segunda Guerra Mundial y la precaria situación económica del país, volvió a producirse otro parón en la disputa de la Vuelta ciclista.

En 1945, el Diario Ya se hizo cargo de la organización y volvió a disputarse la competición, aunque de nuevo con una pobre participación extranjera. En esta ocasión fue Delio Rodríguez quien se hizo con la victoria final. Aquel año también se instauró por primera vez la clasificación por puntos, aunque no fue estable hasta 1955. Se disputaron cuatro ediciones más hasta 1950 momento en el cual el «Diario Ya» renunció a organizar definitivamente la Vuelta a España.

Hasta 1955 no se volvió a celebrar la ronda española y a partir de ese año se hizo cargo de ella el diario El Correo Español/El Pueblo Vasco. Desde entonces, la Vuelta a España se ha disputado anualmente. Además, la Vuelta pasó a celebrarse de manera estable entre los meses de abril y mayo, mientras que anteriormente su celebración había oscilado entre los meses de abril y agosto. Otra variación fue el número de participantes, hasta entonces muy bajo, que se vio duplicado, así como una asistencia mayor de grandes figuras extranjeras y nacionales

sellos republicanos


Padre Millán Baloncesto

Está consensuado que el deporte del baloncesto fue introducido en España en 1921, a través del padre escolapio Eusebio Millán, que había estado diez años como misionero en Cuba, donde conoció este deporte introducido en la isla por los soldados que la invadieron en 1906. El padre Millán implantó el nuevo deporte en las Escuelas Pías de San Antón, en Barcelona.

En España, en esas fechas (igual que ahora) existía verdadera pasión por el fútbol, y parecía rarísimo que un deporte de equipo y de balón pudiese jugarse con las manos. Se hizo necesario un acuerdo con los alumnos para que, a duras penas, aceptasen el baloncesto.


El Padre Millán se apasionó con este deporte e hizo una gran labor de proselitismo, hasta que en 1922 consiguió formar el primer club español de baloncesto: el Laietá Basket Club, el popular Layetano.
Pero lo cierto es que el baloncesto español estaba demasiado aislado del resto del mundo como para progresar, y se seguía jugando de manera muy rudimentaria en campos de fútbol y con 7 contra 7. En 1927, la visita de un club argentino para jugar contra la selección española (a la que derrotó 16-50) supuso una auténtica revolución, pasándose al juego a 5 contra 5 y en canchas de medidas reglamentarias, se buscó documentación en el extranjero, y se investigó sobre las técnicas y tácticas de este deporte, que comenzaba a destacar ya en buena parte del mundo.

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Canal Youtube Metalbrothers.es

economía

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tita reportaje: Adú

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Regresan los Savage Grace

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nuevo disco de Vandenberg

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Noumenon " Ego Nothingness Lust"

Noumenon " Ego Nothingness Lust" Turquía Black Metal 2020
1. Fading Away
2. Malefic Being
3. Paiting of Insolence
4. The Fuits of Lust Garden
5. The Facts of Being Ingnoble
6. Between the Curse and Doubt

Proyecto individual desde Izmir ( Turquía) Somos la única web del mundo que reseña todos los estilos musicales, la única que reseña álbumes independientes y la única que le da una oportunidad a las bandas amateur, y así seguiremos.
Este artista turco define su proyecto como un trabajo de Black Metal melódico, vamos a entrar en materia para salir de dudas. Fading Away es el primer corte, rozando casi los ocho minutos de duración. Medio tiempo con un riff que no provoca ninguna sensación, cambia de ritmo con un trémolo bastante pobre, la voz gutural no es lo suyo y el trabajo de la base rítmica casi inaudible.
En cambio en Malefing Being si que hay un trabajo en la base rítmica más sólido y además de un riff algo más elaborado que sin sonar fuerte pues al menos genera cierta tensión en el tema. A mejorar los cambios de ritmo ni tienen lógica y además suenan demasiado abruptos.
Paiting of Insolence es el primer ritmo acústico de todo el trabajo que precede a un cambio de ritmo donde entra el trémolo de la guitarra con cierta oscuridad y acompañado de los Blast Beats es el mejor momento de todo el trabajo aunque el desarrollo con esa voz hablada y sin profundizar demasiado en ese ritmo pues acaba lastrando esta buena idea. The Fuits of Lust Garden es un tema lento y de nuevo vuelven a intentar generar esa atmósfera oscura propia del Black ortodoxo actual a caballo entre lo que te hacen por ejemplo en Polonia los Mgla y el Black griego de los Rotting Christ.
The Facts of Being Ignoble es un nuevo ritmo acústico, se le da bien y es uno de los puntos fuertes sobre los que apoya su trabajo pero en el desarrollo es donde cojea pues al final todos los temas tienen las mismas características pues tienen todos una estructura similar que tira siempre del mismo desarrollo. Between the Curse and Doubt con un toque más orientado hacia el Post Metal mezclado con el Black, yo diría que es el único tema que logra reflejar cierta melodía pues hay que recordar que este artista vende su proyecto como de Black Metal melódico. Es interesante y debe mejorar en ciertos aspectos compositivos como trabajar su voz, elaborar ritmos más complejos y trabajar la base rítmica, pero en líneas generales pues yo diría que cumple. Pues lo importante en el  Black es tener sentimiento más que técnica y eso lo tiene.
https://thebandnoumenon.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 2/5
Producción: 3/5

Puntuación: 4,25/10



Ghidorah " Self Immolation"

Ghidorah " Self Immolation" Usa Grindcore 2020
1. SR- 388
2. Ad Infinitum
3. Killing Intent

Banda de Grindcore procedente de Texas. Podría realizar juegos de palabras nada creativos como decir que su música me recuerda a la Matanza de Texas pero no estoy aquí para hacer florituras verbales de puro relleno sino para hablar de música.
Son de Texas, banda de Grindcore muy violenta y con una mezcla interesante. Escucho SR- 388 y me encuentro ante una banda que propone un Grind de mezcla con otros estilos. Para empezar nos encontramos ante un medio tiempo cuando el Grind siempre viaja acelerado, el trabajo en la distorsión roza el Crust Punk en muchas ocasiones. Lo mejor de esta banda son los cambios de ritmo, aunque nada creativos ni técnicos, tienen garra y tiran del sonido de la vieja escuela, emulando a Carcass y Napalm Death en sus inicios y derivados.
Ad Infinitum sigue la estela marcada por el anterior tema, un desarrollo mayor, pasamos del minuto y veinte segundos a los dos minutos y veinte segundos. Quiero destacar de este tema el cambio de ritmo a medio tiempo, una mezcla entre Crossover y Hardcore de la vieja escuela y es que les sale natural, sin tener una gran calidad ni una definición nítida de esa mezcla de estilos musicales, esta banda Texana es capaz de generar algo bien oscuro que funciona desde la primera escucha.
Killing Intent es el último corte y me sirve para definir su estilo musical porque en este tema mezclan todo lo que fue apareciendo en los dos anteriores cortes. Tienen siempre esa distorsión en tonalidad aguda y ese cambio de ritmo acelerado que es propio del Crust Punk. Tienen ritmos lentos con una tonalidad más grave donde se pasan al Powerviolence y con estribillos de Hardcore en esta primitivo y finalizan con esas aceleraciones y ese trabajo en la guitarra del viejo Grindcore. Funciona y suena clásico y aguerrido a partes iguales.

https://ghidorahtx.bandcamp.com/album/self-immolation
Álbum Completo

Tlepsh " Dynasty of Blood"

Tlepsh " Dynasty of Blood" Jordania Death/ Thrash 2020
1. Sigil of Subjugation
2. Post Genocidal Paradigm
3. By the Night's Darkest
4. Age of Decay
5. Beta
6. Blight


Jordania esconde los tesoros arqueológicos más importantes de la humanidad en sus tierras aridas. Este país árabe limita con Siria, Irak Israel, Palestina, Arabia Saudí y el Mar Rojo, es una de las zonas más conflictivas del planeta. Cultura influenciada por fenicios y otomanos, el islamismo en Jordania es moderado y sigue mandando el rey y es un país desértico de tribus, sistema de clanes o familias que imponen sus leyes. Esto permite cierta cintura a las bandas de Jordania que no tienen las restricciones que si hay en otros países vecinos como Irak o Arabía Saudí, pero aún así la existencia de estas bandas en el país no es nada sencilla, por eso los miembros de Tlpesh permanecen en el anonimato. Esta banda de Death/ Thrash melódico debuta con el álbum " Dynasty of Blood"
Desde Amman ( la capital de Jordania) los Tlpesh y todo el sabor árabe del mundo, como se nota ese cruce de culturas ( fenicia, romana, árabe, otomana) en su música, tienen desde el primer tema, Sigil of Subjugation ese toque oriental, esa visión completamente diferente que enriquece sus temas.
Os va a sorprender para bien la producción de este trabajo. La portada por ejemplo y la producción corren a cargo de artistas suecos así que este proyecto está apoyado desde Europa. Post Genocidal Paradigm, con unas letras que cargan tintas contra la realidad del país, razón por la cual deciden permanecer en el anonimato y no es un proyecto individual como la inmensa mayoría de bandas del país y de la comunidad árabe, se nota que es una banda.
¿ Death/ Thrash melódico? Es lo que nos venden, por momentos suenan a Thrash Metal sin más como en  By the Night's Darkest. No tienen demasiado gancho pero aún así hay un músico que destaca por encima del resto que es su guitarrista que es el que les da ese toque oriental. Si hay tributos constantes a Chuck Schuldinner por ejemplo en el trabajo de la guitarra. Pero se diferencia también con unos solos de auténtico postín, que solo puedo calificar de Heavy Metal melódico. Difícil su colocación en un tema de Death/ Thrash en ocasiones se evade el guitarra solista del tema.
Age of Decay suena oscuro, tiene la intensidad de unos Sentenced y el clasicismo de unos Vader, Possessed o los alemanes Protector. Vivimos en un mundo globalizado, cada vez es más difícil sonar con personalidad, pero vuelvo a destacar el papel de su guitarrista.
Se toman mucho trabajo en la elaboración de sus temas como en Beta con constantes cambios de ritmo, yo considero.... vamos a ver, de Death melódico como se anuncian no tienen nada pues no tienen esa melodía ni tienen sentido del ritmo yo considero que deben dar un paso hacia el progresivo donde se encontrarían mucho más cómodos.
El Thrash se les da bien pero desde un punto de vista técnico como en Blight donde también suma en positivo el trabajo del batería. Tienen elementos de Death técnico a lo Melechesch o los Death y su guitarrista está sobresaliente, merece la pena conocer a esta banda.
https://tlepsh.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10



2112 " Nuestro mejor fracaso"

2112 " Nuestro mejor fracaso" Argentina Rock Progresivo 2020
1. Los caminos del diligente
2. Un perro que decidió volar
3. El jardín de mi casa
4. Hace mil años
5. Frío y distante robot metálico
6. El mejor lechón del mundo
7. Parque recreativo para zombis buenos


Sergio Moscatelli: Batería
Juan Tambussi: Guitarra
Gabriel Costa: Bajo, Cantante

Respeto máximo por esta banda argentina que durante toda su trayectoria nado contracorriente. Esta banda nace en Buenos Aires en 1983 con el nombre de Fahrenheit y en 1986 se lo cambian a 2112 ( en honor a un álbum de Rush... que grandes los canadienses) Cinco álbumes llevan, hace ocho años que no lanzaban nada nuevo.
Los caminos del Diligente con mucha variedad. Para empezar ritmos progresivos con un riff bastante creativo y alternando con pasajes acústicos ( que son un tributo a los Rush) y que la verdad es que pegan nada con la parte inicial del tema por ponerle una pega, se evaden mucho del tema por su espíritu creativo y libre.
Escucho un perro que decidió volar y pienso en varias cosas. Primero que sus letras son muy buenas y originales y eso es oxígeno en estado puro, ya estoy harto de princesas, de castillos, de Dioses con ira y de pollas en vinagre, quiero letras poéticas o letras sociales pero algo de calidad y de eso van muy sobrados.
Gancho no tienen demasiado no os voy a mentir pero son muy creativos sobre todo su guitarrista que de nuevo lo vuelve a hacer en el tema El jardín de mi casa, me recuerda un tanto al guitarrista de Mr Big Paul Gilbert, sobre todo en sus trabajos en solitarios, al menos en las partes más eléctricas y veloces porque esta banda de Argentina siempre busca el interludio acústico.
Hace mil años sigue en su línea progresiva y creando a través de los ritmos que propone su guitarrista Juan Tambussi todo un veterano que debería ser mucho más valorado de lo que es, porque que pedazo de interludio instrumental crea en este tema, una sólida base de Hard Rock del bueno y un solo de Blues Rock.
Frio y distante Robot Metálico, con esos interludios acústicos en esta ocasión con una mayor oscuridad y que sentimiento en la guitarra acústica, no tendrán mucho gancho pero clase tienen por arrobas y elegancia también y recuerdan a los clásicos del Rock progresivo argentino de los sesenta y setenta que por cierto estamos preparando un artículo extenso para la web. Como siempre, Pappo vivió esa etapa con Pappo Blues, ese es el personaje más importante de la historia del metal argentino, a veces pienso que todo gira entorno a su figura.
El mejor lechón del mundo es un interludio instrumental, atmosférico muy en la línea de Status Quo y finalizamos con Parque recreativo para zombis buenos, donde surge una voz gutural que no viene a cuento, demasiadas ideas: Blues Rock, Jazz Fussion, Groove, Djent, Math Rock, Psych Rock... lo quieren abarcar todo y por ahí está el fallo de este álbum, que tiene sus buenos momentos esporádicos.

Feeling: 2/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 4/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6,25/10

Sewer Trench " The Optimism Sessions"

Sewer Trench " The Optimism Sessions" Inglaterra Crust Punk 2020
1. War
2. Fuck Sewer Trench
3. Winter

Hadley Sharp: Cantante
Jay Moth: Guitarra
Kez Oliveira: Bajo
Alex Monad : Batería

A día de hoy el Crust Punk ya no tiene nada que ver con sus orígenes. Los pioneros fueron los Discharge y los Amebix. El Crust Punk es una variante del Hardcore más rápida y más oscura. Los Amebix por ejemplo eran vegetarianos y en sus letras defendían los derechos de los animales. La esencia del Crust Punk inglés se extendió primero a Suecia donde surgieron iconos como Anti- Cimex y luego a Japón donde en los ochenta creció una escena de lo más interesante. Pero eso es el pasado, la esencia se perdió a día de hoy es un estilo musical que se mezcla con otros y pocas bandas suenan ya a verdadero Crust Punk... ¿ Dije todas? No, todavía quedan bandas que se niegan a arrojar la toalla y que siguen tributando a los Extreme Noise Terror, Discharge, Doom, Anti- Cimex, Amebix, y una de esas pocas bandas que quedan son los ingleses Sewer Trench banda de Londres creada en el 2012.
Funcionan a golpe de demo y esta es su quinta y siempre de forma independiente. War es un corte donde nos van a amartillar la cabeza con dos elementos clásicos a más no poder dentro de este estilo. Primero esa distorsión en la guitarra con el bajo por encima del riff y luego el sonido de la batería a golpe de platillo.
Fuck Sewer Trench de nuevo se vuelve a llevar la palma por su trabajo al bajo pero en esta ocasión con un ritmo más acelerado en la base rítmica, más Punk el ritmo y con un trabajo en el coro de puro Hardcore, calidad musical tienen la justa pero intenciones de demolición todas.
Winter es el tema más largo con unos cuatro minutos y medio que arranca con un original solo de bajo que es secundado por la voz de su cantante en un tono bastante depresivo que recuerda a los experimentos de los Amebix, la banda más creativa y revolucionaria de este estilo y me arriesgo a decir que una de las bandas más creativas del planeta. Los Sewer Trench tienen un sonido musical en peligro de extinción y son una banda que merece la pena seguir.
https://sewertrench1.bandcamp.com/album/the-optimism-sessions-2
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Lacrimal " Insano Desodio"

Lacrimal " Insano Desodio" España Death Metal 1995
1. Intro
2. Sin piedad
3. No vida muerta
4. Insano Desodio
5. Morbo Loco
6. Mentes Perturbadas

Frank: Bajo
Negro: Batería
Robert: Guitarra
Dani : Guitarra
Jordi "Pani": Cantante

Cuantas bandas olvidadas y que injusto en muchos casos, así sucede con Lacrimal. Esta fue una banda de Badalona que fue creada en 1995. No se nada sobre esta banda, tan solo que Frank sigue en activo y que engrosó en el 2010 las filas de Ktulu, banda de Hospitalet que fue fundada en los ochenta y que hacen una especie de Metal Industrial mezclado con Groove.
Esta fue su única demo que salió a través del sello Grunge Records, quien tiene este trabajo tiene un tesoro. La Intro no me dice nada pero si en cambio Sin Piedad, que buen tema este. Lo primero que te llama la atención es la voz de Pani, es un buen cantante que valdría para lo que le echaran, también para el Black. Hay buenos solos de guitarra pero les falta confiancia para tirar de desarrollo y hacer algo más creativo y menos encorsetado pero hay que tener en cuenta de que se trata de un debut y hay que asegurar a los fans y para ellos hay que tirar de ritmos clásicos, tales como los ritmos lentos de No vida Muerta donde en los pasajes más lentos recuerdan a Death y Autopsy.
En la batería hay un buen trabajo por momentos. Os hablaba de los solos de guitarra, diría que a medida que se van sucediendo los temas van creciendo en prestaciones y desenvoltura como en Insano Desodio. Como todos estos productos de los noventa dentro del Death Metal pues la producción un lastre pero aún así, esto es Under y lo que es bueno se disfruta con una producción de lujo o una mierda de producción y los Lacrimal tenían muy buenas armas.
El guitarrista va ganando en desenvoltura y a su vez el bajista también nos va dejando pinceladas de calidad como en Morbo Loco. Las letras no me dicen gran cosa pero el sonido es perfecto. Un poco de lentitud y de Death/ Doom americano a lo Autopsy, ritmos clásicos de Death/ Thrash por supuesto pero es que tenían un sonido tan oscuro y agresivo que si siguiesen juntos seguramente acabarían apostando por el Brutal Death. Una pequeña joya del museo nacional del metal.
https://www.youtube.com/watch?v=yZ5IoCzED0A
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Dismember " Like an Everflowing Stream"

Dismember " Like an Everflowing Stream" Suecia 1991 Death Metal
1. Override of the Overture
2. Soon to Be Dead
3. Bleed For Me
4. And So Is Life
5. Dismembered
6. Skin Her Alive
7. Sickening Art
8. In Death's Sleep
9. Deathevocation
10. Defective Decay

Matti Kärki: Cantante
David Blomqvist: Guitarra
Robert Sennebäck: Guitarra
Richard Cabeza: Bajo
Fred Estby: Batería

Llego el turno de hablar de uno de los álbumes más clásicos que nos dejo el Death Metal a lo largo de su historia. Los Dismember se crearon en 1988 y empezaron a grabar una serie de demos hasta llegar a su álbum de debut este " Like an Ever Flowing Stream". Este trabajo es fundamental en el desarrollo de la escuela del Death sueco y sobre el que pivota todo lo que saldría a continuación, es más, sigue sonando fresco más de veinte años después y sigue siendo un trabajo de culto y una fuerte influencia para cualquier banda de Death Metal de hoy en día.
No exento de política el álbum, pues el tema Skin Her Alive fue prohíbida en Inglaterra, acusada de contener una letra obscena.  Curioso que este álbum fue lanzado por la Nuclear Blast.... y ya sabéis lo que opinamos de este sello en Metalbrothers.es. Puede que sea el sello más potente a día de hoy y todas sus bandas las orientan hacia un mercado comercial y todas han bajado su nivel, menos alguna banda que tiene personalidad propia y sonido ya muy definido que no necesita de ninguna pincelada comercial como es el caso de los Paradise Lost. Pero esto eran los inicios de la Nuclear Blast como sello y era en sus inicios un sello Underground y de metal extremo que quería competir con Relapse Records por ejemplo.
Para hablar de Dismember hay que hablar previamente de Carnage. Efectivamente suena muy similar a lo que te hacían en Carnage. Esta fue una banda sueca, uno de los pioneros del Death Metal en el país que tuvo una breve carrera de 1988 a 1990. Lanzaron dos demos, un split y un larga duración, cuando lo dejaron, tres de los miembros de Carnage fundaron Dismember.
Muy influenciados por los Carnage y por los primeros Entombed pero es que esto es el pescado que se muerde la cola, todos se influenciaban a otros. Pincho los primeros trabajos de Entombed y chicos/as.... ¿ Que queréis que os diga? Me suena más malsano, más oscuro, más demoníaco este primer larga duración de los Dismember.
El trono de esta banda se empieza a construir a través de los siguientes matices que marcan la diferencia. Lo primero es el trémolo de guitarra que es la marca de la casa, el eje sobre el que gira el Death sueco. Extraído de Carnage, evidentemente. Es un riff agresivo, veloz y siempre en una tonalidad grave que acompaña en todo momento el tema. Después hay que destacar los solos de guitarra muy en la línea de Slayer en sus primeros trabajos, también de Sepultura y por supuesto de Mantas/ Death, pura distorsión pero también con un punto técnico interesante. Lo que siempre me intereso de este trabajo es que va directo al grano y que no pierde intensidad en ningún momento. Grandes dosis de Groove y bien escogidos sin abusar en ningún momento. Con su punto de atmósfera sin abusar tampoco, suena agresivo de inicio a fin. Seguramente los Dismember tengan discos más elaborados, creativos y técnicos, los iremos viendo poco a poco... pero este trabajo es una piedra angular en su carrera y para el Death sueco en general.
https://www.youtube.com/watch?v=sy6ZW2HxY8k
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Lynx Biografía

Hay hasta cinco bandas según la Metal Archives que se llaman Lynx pero yo en concreto, os quiero hablar de los Lynx de Brunswick ( Maryland) Una banda americana bien curiosa. Esta banda de Heavy/ Power tan solo editó una demo, pero hablemos primero de sus músicos. Andrew Shives al bajo, una vez que dejó Lynx se unió a los Oblivion, una banda de Thrash Metal que editó varias demos. Del 92 al 93 fue bajista de los Fear Factory, sigue ligado a la música.  Arney Stewart a la batería, no se le conoce más actividad musical que con los Lynx. Mike Baron a la guitarra que hacia finales de los noventa tuvo un breve paso por la banda de Death técnico los Psychotogen. Jeff Blickenstaff a la guitarra rítmica, dejó la música al igual que el cantante de esta banda, David Hyden.


Metal With Bite fue su único trabajo, una demo publicada de forma independiente en 1987 en formato cassette. Toda una rareza que los coleccionistas buscan hoy en día. Esta era una banda de Heavy/ Power bastante oscura y curiosa pues la temática de sus letras eran sobre los derechos de los animales entre otras cosas. Una demo compuesta por seis temas y con una duración de 22 minutos, una banda curiosa y no exenta de técnica. Una lástima la producción de esta demo pero aún así, se vislumbra la calidad compositiva de esta extraña banda americana en cada tema.

Mugardos

Los primeros documentos manuscritos que hablan de Mugardos ("Mogardos") datan de 1105, cuando la mitad de la villa pertenecía al Monasterio de Caaveiro. En otro documento de 1235 aparece un abad llamado Tenón como poseedor de la otra mitad.

Posteriormente, coincidiendo con el ascenso de la Casa de Andrade de la mano de Enrique II de Castilla, estas tierras pasan a ella. Fernán Pérez de Andrade funda el convento de Santa Catalina de Montefaro en 1393 y según un documento redactado en Caamouco, le entrega en 1397 "a vila de Mugardos e todos seus servizos e colleitas e tallas e tributos... e todos serventíos que soien façer para que o feçeren des i en deante ao dito moesteiro". A su vez los caballeros con casafuerte en Caamouco administrarían las torres de Franza y Boado.


La peste de 1404 llevó a los vecinos de Ferrol a prometer el Voto de Chanteiro, romería anual por el mar hasta Mugardos y a pie hasta Chanteiro. Esta tradición se mantuvo hasta 1839, año en que las autoridades eclesiásticas suspendieron el voto, dado que consideraban que la fiesta daba lugar a "escenas poco edificantes para la moral", con protestas de los vecinos de Ares y Mugardos.

El gerente de Mugardos, Ramón Mariño da Barreira obtiene, después de un largo proceso, la liberación del señorío de Montefaro en 1805. Asimismo se le concede escudo municipal y el título de Real Villa.

En las proximidades de la población se encuentra situado el Castillo de La Palma -donde fue encarcelado el exteniente coronel de la Guardia Civil Antonio Tejero-, y el Castillo de San Martín del siglo XVI; entre este último y el de San Felipe se tendía una cadena que impedía la entrada a los navíos enemigos, actualmente en ruinas.

George Stacy

Poco hizo al saber de Peter Parker, después de enamorarse de su compañera de clase de la Universidad Estatal Empire, Gwen Stacy, que su padre era el capitán George Stacy, uno de los miembros de la policía más antiguos respetados de la policía de Nueva York. Pero incluso en el retiro, el capitán Stacy mantiene con los acontecimientos en el departamento y había tomado un gran interés en Spider-Man. No pasó mucho tiempo antes de que John Jameson llama al Capitán Stacy de su retiro para ayudar en la devolución de un dispositivo llamado el Nulificador - lo que podría hacer que cualquier aparato eléctrico o mecánico no funciona - que el Doctor Octopus. Había engañado a un amnésico Spider-Man para que robe.2​

Después de asegurar con seguridad el arma, el capitán Stacy entrevistó a Peter, que se cree fue mantenido cautivo con Doc Ock y Spider-Man. Después de la entrevista, el capitán Stacy reveló a Peter que había pasado tiempo estudiando la carrera de Spider-Man, y que estaba contento de haber conocido a Peter, conocido por fotografiar al trepamuros en numerosas ocasiones.

Que se identificó como un firme partidario de Spider-Man, el Capitán Stacy deseaba que el trepamuros redimido en el ojo público. También tomó un gusto inmediato a Peter, y abiertamente animó a la creciente vínculo entre el joven y su hija Gwen. Poco después en un club de baile que empleaba a Mary Jane Watson, el capitán Stacy fue sometido a un trance hipnótico a través de una cámara aparejado operado por Mary Jane que tomaron fotos de él sin saber que estas acciones estaban ayudando a Wilson Fisk (también conocido como Kingpin). Stacy se vio obligado en una trastienda donde fue sometido a un lavado de cerebro adicional por el inventor de la cámara, el Dr. Winkler.

A pesar de los esfuerzos de Spider-Man, George volvió a ser programado para seguir las instrucciones del pivote central. Como tal, el capitán Stacy más tarde robó registros de la policía para el pivote central, mientras que la cámara automática de Spider-Man capturó el robo. Peter dio las fotos a J. Jonah Jameson, la esperanza de que esta aparente traición de la familia Stacy en realidad ayudar a acelerar el descubrimiento de la inocencia del capitán. Mientras que George y Gwen intentaron huir, fueron secuestrados por los hombres del pivote central y mantenidos cautivos en uno de los laboratorios de Norman Osborn, donde el Dr. Winkler trabajó. El pivote central pretende eliminar a los Stacy una vez que se utilizaron para atraer a Spider-Man en las manos de trituración. Mientras Spider-Man luchó contra el pivote central, Osborn llegó y abordó los secuaces del pivote central que sostiene al capitán Stacy a punta de pistola. Aunque el pivote central huyó, y Winkler aparentemente murió, fueron rescatados por el capitán Stacy. El testimonio de Osborn a la policía ha exonerado al capitán Stacy.


El Capitán Stacy comenzó a sospechar Peter y Spider-Man eran la misma persona. Después de que un Peter febril admitió ser Spider-Man delante de sus amigos, incluyendo el capitán Stacy, Parker pidió al Prowler imitar a Spider-Man, entonces Peter y el trepamuros podían ser vistos juntos.4​Sin embargo, el capitán Stacy podrían no ser engañados. Llamado a la acción de una noche, el capitán Stacy observaba la batalla de Spider-Man contra el Doctor Octopus en un tejado por encima de la ciudad. Una multitud se había reunido en las inmediaciones de ver el enfrentamiento. Como los dos lucharon con ferocidad, pedazos de concreto comenzaron a desalojar de la cubierta y la lluvia sobre los espectadores de abajo. Al ver a un niño de pie bajo la mampostería caída, el capitán Stacy saltó para proteger al niño - y pagó por su acto de heroísmo con su propia vida. El abandono del asalto, Spider-Man se bajó a tiempo para oír las últimas palabras del capitán Stacy, "Sé bueno con ella, hijo! ¡Sé bueno con ella. Ella te ama mucho".5​6​7​

Durante la historia de Dead No More: The Clone Conspiracy, Chacal usó un clon de George Stacy para convencer a la clonada Gwen Stacy de trabajar con él como su socio comercial en New U Technologies.8​Cuando el Doctor Octopus aprieta un interruptor que activa el Virus Carrión en todos los clones y hace que comiencen a descomponerse rápidamente, incluidos George y Gwen.9​George se deteriora en los brazos de Gwen, le dice a su hija que mantenga a Spider-Man a salvo mientras pueda mientras el clon de George muere.

Lviv

Leópolis o Lviv (en ucraniano: Львів; romanización: L'viv, pronunciación: Acerca de este sonido [lʲʋiw] (?·i)) es una ciudad de Ucrania y capital de la óblast de Leópolis con una población de 724 713 habitantes. La ciudad es uno de los centros culturales, educativos, científicos e industriales más importantes del país.


Leópolis fue fundada por el rey Daniel de Galitzia entre los años 1231 y 1235, la ciudad fue mencionada por primera vez en 1256. Alrededor del año 1272 tras la disolución de la Rus de Kiev, la ciudad se convirtió en la capital del Reino de Galitzia-Volynia. Poco después de la muerte del príncipe Yuri Boleslav, Leópolis fue gobernada por el Reino de Polonia durante más de cuatro siglos. En 1356 la ciudad recibió el Derecho de Magdeburgo; durante la Edad Media, Leópolis fue un importante centro comercial. Bajo el dominio austriaco, la ciudad se convirtió en un centro importante de movimientos nacionalistas ucranianos y polacos. Después del colapso del imperio austrohúngaro en el otoño de 1918, Leópolis fue durante un corto período de tiempo la capital de la República Popular de Ucrania Occidental, pero después de la Guerra de Independencia de Ucrania, la ciudad se transladó a la Segunda República Polaca. En 1939 en la guerra polaco-soviética la ciudad fue transferida a la Unión Soviética, dentro de la RSS de Ucrania, y más tarde fue ocupada por la Alemania nazi en la segunda guerra mundial. Después de la guerra, en la conferencia de Yalta se acordó en 1945 que el este de Galitzia, incluido Leópolis, seguiría siendo parte de la RSS de Ucrania. En 1946, tuvo lugar un intercambio de población entre Polonia y la URSS, que junto con las secuelas de la guerra, tuvo un impacto significativo en la población polaca de Leópolis. Con la disolución de la unión soviética en 1991, Leópolis pasó a ser parte de la actual Ucrania.

El centro histórico de Leópolis está declarado como patrimonio de la humanidad por la Unesco. La ciudad tiene el mayor número de monumentos arquitectónicos en Ucrania, debido a ello, en 2009 la ciudad recibió el título de capital cultural de Ucrania. La ciudad ocupa periódicamente una posición de liderazgo en las calificaciones de atractivo turístico y de inversión.

The Good the Bad and the Ugly • Main Theme • Ennio Morricone


Locomia


Jhon Singer Sargent

Antes del nacimiento de Sargent, FitzWilliam, su padre, (n. 1820, Gloucester, Massachusetts) fue cirujano ocular en el Hospital Wills Eye (Filadelfia) durante el periodo 1844–1854. Después de que el hermano mayor de John muriera a la edad de dos años, su madre Mary (de soltera Singer) sufrió una crisis nerviosa, y la pareja decidió marcharse para recuperarse. Fueron nómadas expatriados durante el resto de su vida.3​ Con residencia habitual en París, los padres de Sargent se desplazaban regularmente según la estación del año a alojamientos en la costa y la montaña de Francia, Alemania, Italia y Suiza. Estando Mary embarazada, se detuvieron en Florencia debido a una epidemia de cólera. John Singer Sargent nació allí en 1856. Un año más tarde nació su hermana Mary. Después de su nacimiento, muy a su pesar, FitzWilliam renunció a su puesto en Filadelfia y aceptó las súplicas de su esposa para permanecer en el extranjero.4​ Vivieron modestamente, gracias a una pequeña herencia y a sus ahorros, llevando una vida tranquila junto a sus hijos. Evitaron, generalmente, actos sociales y a otros estadounidenses, excepto a sus amigos del mundo del arte.5​ Estando en el extranjero nacieron cuatro hijos más, de los cuales solo dos sobrevivieron más allá de la infancia.


Aunque su padre era un paciente profesor de asignaturas básicas, el joven Sargent era un niño inquieto, más interesado en actividades al aire libre que en sus estudios. Su padre escribió "es todo un observador de la naturaleza". Su madre estaba bastante convencida de que viajar a lo largo de Europa, visitando museos e iglesias, daría al joven Sargent una educación satisfactoria. Diversos intentos de escolarizarlo formalmente terminaron en fracaso, debido principalmente a su vida itinerante. La madre de Sargent era una artista aficionada y su padre un diestro dibujante médico.7​ Pronto, ella le proporcionó cuadernos de dibujo y le animó a que dibujara las excursiones que realizara. El joven Sargent trabajó con cuidado en sus dibujos, copiando con entusiasmo imágenes de embarcaciones del semanario ilustrado The Illustrated London News y realizando detallados bocetos de paisajes.8​ FitzWilliam tuvo esperanzas en que el interés de su hijo en las embarcaciones y el mar le llevara a una carrera profesional en el sector naval.

A los trece años de edad, su madre escribió de John que "dibuja muy bien y tiene un ojo extraordinariamente rápido y correcto. Si pudiéramos permitirnos el darle lecciones realmente buenas, pronto sería un pequeño artista."9​ A los trece recibió lecciones de acuarela de Carl Welsch, un paisajista alemán.10​ Aunque su educación distó mucho de ser completa, Sargent creció hasta convertirse en un joven culto y cosmopolita, experto en arte, música y literatura.11​ Hablaba con facilidad francés, italiano y alemán. A los diecisiete fue descrito como "terco, curioso, resuelto y fuerte" (por su madre) pero tímido, generoso y modesto (por su padre).12​ Tenía conocimiento de primera mano de muchos de los grandes maestros, escribiendo en 1874 que "en Venecia he aprendido a admirar inmensamente a Tintoretto y a considerarlo quizás solo por detrás de Miguel Ángel y Tiziano."13​

Una tumba para el Sheriff


martes, 26 de mayo de 2020

Cochambre " Doom Über Alles"

Cochambre " Doom Über Alles" Death Metal Galiza 2020
1. Flesh and Bones
2. Doom Über Alles
3. Disturbing the Priest with a Hammer
4. Black Hole in His Head Full of Maggots
5. How Many Bodies
6. Stench of Life
7. I Hate
8. Bright Lights
9. Bloody Winter
10. Technocannibal
11. To End my Suffering

Lars Mengele: Batería
Vladimyr Kumar St Martin: Guitarra
Sergey K. Zzyzwicz: Cantante

Me encanta el sentido del humor gallego, es algo que nos caracteriza y nos diferencia del resto. En su carta de presentación del Facebook los Cochambre te hablan de sus ventas de discos con más de 17 millones de ventas, de sus más de 3500 conciertos, de sus continuas apariciones en la MTV y te lo hacen con 250 seguidores en su cuenta de Facebook, es la retranca gallega.
Pero no pienses que es una banda de coña, pues sería caer en un craso error. Hay mucha variedad en su música por ejemplo el tema Flesh and Bones suena a Death melódico y me recuerda a los Hipocresy, nada que ver con la parte melódica el corte Doom über Alles, más bien con un Death con elementos Groove que te recuerda a los Entombed.
Disturbing the Priest of the Hammer sigue emparentado con el Death nórdico de los noventa con más oscuridad en el riff. En estos primeros tres temas lo que más llama la atención del sonido de estos vigueses es sin duda alguna la gran voz gutural de su cantante.
Black Hole in his head Full of Maggots pues siguen la buena tónica general, ni esto es Old school aunque tienen pinceladas claras de ello ni se casan con nada en concreto es un Death bastante plural sin demasiada fuerza, quizás estaría mejor orientar su música hacia el Death/ Thrash.
How Many Bodies muy clásico, recordando a las bandas del Death/ Thrash de los inicios. No me convence nada el sonido de la batería es lineal y blando y le resta muchísimo al sonido de la banda, recrean una buena atmósfera pero es que le conceden demasiada importancia al estribillo y me falta desarrollo instrumental. Stench of Life es un tema que clama contra la iglesia y sobre todo contra los vende humos que tanto abundan sobre todo en época de crisis, puro Groove y elementos de Hardcore.
I Hate es un medio tiempo con un trabajo rítmico distinto pero no avanza hacia ningún sentido por momentos aunque cuando llega el estribillo logran de nuevo darle una orientación hacia el Death melódico, bastante repetitivo pero hay que admitir que con gancho. Bright Lights de nuevo deudor del sonido de los Entombed ya sean los Entombed o los Entombed A.D.
Me falta mayor ambición compositiva, son buenos o mejor dicho, son intensos como en Bloody Winter pero es que hay muy poco riesgo en sus temas. Technocannibal es uno de los mejores cortes de todo el álbum donde demuestran por encima de todo que el dominio del Groove es su mejor arma.
Death and Roll, Death con elementos Hardcore y Groove algo de Death melódico, así durante todo el trabajo. Este álbum finaliza con To end my Suffering un tema con un ritmo bastante dinámico aunque siempre les falta ambición pero todo llegará.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,5/10

Grimah " Intricacies of Bowed Wisdom"

Grimah " Intricacies of Bowed Wisdom" España Black Metal 2020
1. Vacuous Trip
2. Blaze Against Grime
3. Thus Spake the Stone
4. Veiled By Blossom's Essence
5. Façade of Futile Reflections
6. Péndulo de agonía y desdén

Maars: Bajo
Ludwigar: Cantante, Guitarra, Batería

Desde Cuenca esta interesante banda de Black Metal que después de publicar un Single en el 2017 debuta con su primer larga duración a través del sello Vertebrae. Vacuous Trip es una Intro que introduce una buena atmósfera y que serviría para cualquier estilo musical. Blaze Against Grime es un tema donde demuestran su buen hacer y sobre todo, sus intenciones. Es una banda que sobre todo destaca por su melodía, más que melodía yo diría emotividad y a toda pastilla. Buen trabajo de la batería, no es que tenga un ritmo potente y agresivo pero es rico en matices y tienen esa melodía que a mi me recordó al Unblack Metal y también al Black Metal francés, saliendo del típico foco del Black nórdico y es que en el Black ya corren otros vientos desde hace mucho tiempo, solo hay que ver la escena polaca liderada por Mgla pues es lo que se lleva hoy en día.
Thus Spake the Stone con un ritmo acelerado donde de nuevo regresa ese perfecto equilibrio entre agresividad y melodía entre la esencia del Black Metal nórdico de toda la vida y el Black que se lleva hoy en día con mezcla de estilos Ocho minutos que no se hace aburrido en ningún momento pues logran mantener la intensidad gracias al riff y a los ritmos acelerados y más lentos que va proponiendo su batería. Este tema cuenta con la colaboración de un cantante y un guitarrista adicional.
Veiled By Blossom's Essence con un nuevo trémolo de guitarra sencillo pero aplastante, tienen feeling y compositivo, eso está claro y en este tema se produce un ligero acercamiento al Ambient y al Post Metal. Muy en la línea del Black francés que está emparentado con el Unblack Metal, el Unblack se caracteriza por sus letras religiosas emulando el White Metal que no es el caso de esta banda cuyas letras son existencialistas pero si tienen en común con el Unblack la melodía. Dentro del Black galo hay varias variantes esta el técnico liderado por Deathspell Omega o Blut aus Nord, de mezcla, progresivo y creativo y emparentado con el Avantgarde y luego esta el Black galo más melódico Antaeous, Aosoth... en esa línea va el tema  Façade of Futile Reflections, es el corte más melancólico de todo el trabajo.
Quizás les falta un nivel de complejidad mayor para la estructura de los temas y un trabajo más contundente en la batería y una mayor presencia del bajo por ponerles un pero. El caso es que pocas objeciones se pueden poner a un trabajo tan profesional que tiene su finalización con Péndulo de agonía y desdén, el tema a nivel técnico más interesante, dejando un poco de lado esa melodía siempre con velocidad y buscando algo más atmosférico y oscuro muy en la línea de lo que se lleva hoy en día en el Black, desde Cuenca los Grimah, una banda llamada a hacer grandes cosas.
https://grimah.bandcamp.com/
Álbum Completo

Feeling: 4/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,5/10

Artach " Chronicles of Black Winter"

Artach " Chronicles of Black Winter" Canadá Black Metal 2020
1. Eternal Black Winter
2. Permafrost
3. Leviathan... Rise
4. Ice Raven
5. Frozen in Time
6. The Fallen Ones
7. When the Forest Ends
8. Fire & Ice

Fíochmhar: Batería, Cantante
Fíochmhar: Guitarra, Bajo

Dos músicos que hacen la labor de cuatro y que se reparten el trabajo en la parte vocal, la batería, el bajo y la guitarra lo suficiente para marcarse este álbum de debut. Desde St Jhon ( Canadá) los Artach que debutan con estas crónicas de un invierno negro.
El tema Eternal Black Winter tiene sentimiento y buenas ideas pero se repite demasiado e insisten una y otra vez en la misma idea haciéndola un poco pesada. Ellos se venden como una banda de Epic Black Metal no lo veo en ningún momento.
Hay algún momento oscuro en las composiciones como en el inicio de Permafrost donde tiran de un trémolo de guitarra oscuro y veloz que suena a Black nórdico de toda la vida pero no es donde se sienten cómodos, más que Epic Black yo diría que esto es un Heavy/ Black en toda regla.
Leviathan... Rise refuerza mi idea del Heavy/ Black que se lleva hoy en día pero habría que introducir un matiz. Bandas de Heavy/ Black como Slaegt, Deitus, Mgla, Bölzer o Balmog ( en su último trabajo) pues tienen un toque vanguardista, de mezcla de estilos es mucho más atmosférico e intenso en cambio esta banda canadiense es clásica a más no poder.
¿ Que quiero decir? Pues que te escuchas temas como Ice Raven y estás ante la influencia de los Bathory, eso para empezar y después los Venom, los Hellhammer los suizos Messiah y tantos otros, por momentos suena simplemente a Heavy Metal básico con un toque oscuro.
Me gusta la intensidad de esta banda lo que no me gusta es su falta de garra y les falta a toneladas aunque tienen alguna que otra idea interesante que rompe la monotonía como el trabajo casi progresivo en el riff en el tema Frozen in Time que le da un toque oriental al trabajo y que es una oda a Chuck Schuldinner. De echo en The Fallen Ones vuelven a repetir fórmula demostrando quizás que el Black Metal no es lo suyo y que se encontrarían mucho más cómodos en otro estilo musical como el Death/ Thrash o un Heavy con toques Black y Death.
When the Forest End no tengo nada malo que decir ni de este tema ni de ninguno, pues hay trabajo, es lógico y tiene una estructura bien hilvanada pero es más de lo mismo y suena por momentos bastante lineal. Fire & Ice es un tributo a Bathory y con un trémolo de guitarra recrean una atmósfera muy intensa, pero esa intensidad se va perdiendo con el paso de los minutos. Suena muy bien pero le falta riesgo y agresividad.
https://artach.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6/10

Toundra " Das Cabinet des Dr. Caligari"

Toundra " Das Cabinet des Dr. Caligari" España Post Metal 2020
01. Titelsequenz
02. Akt I
03. Akt II
04. Akt III
05. Akt IV
06. Akt V
07. Akt VI


Alberto: Bajo
Esteban : Guitarra
Alex Pérez: Batería
Macón: Guitarra

Los madrileños Toundra, banda de Post Metal instrumental estrenan su sexto larga duración que sale a través del sello Inside Out Music , 72 minutos de música en un formato de dos vinilos de doce pulgadas y un Cd, una edición muy cuidada.
Esta obra está inspirada en el Gabinete del Doctor Caligari, película muda alemana de 1920 dirigida por Robert Wine, permitidme  profundizar un poco en la obra mientras vamos reseñando los temas, así unimos música y concepto.
Titelsequenz es el primer corte de un minuto y cuarenta segundos de duración, atmosférico y melódico con un ritmo muy pausado en la línea de los Pelican. En cuanto a la película tengo que decir que destaca por dos aspectos, la pericia y la creatividad para ser desarrollada y la temática. En su primera parte su estilo visual es muy oscuro y retorcido. Todas las imágenes es como si viéramos la película a través de un espejo curvo y la sensación es de verlo todo distorsionado, líneas curvas y oblicuas toman parte y que decir del vestuario y de la decoración. Sillas extremadamente altas, sombras y rayos de luz pintados en los sets, marcos de las ventanas enormes, cuadros torcidos.... todo es expresionismo puro y duro, vanguardista muy influenciado por Dalí.
Viajamos a Akt I un tema de enorme belleza. En su primera parte con un ritmo tribal en la batería parece que la tormenta va a estallar en cualquier momento, esperando el típico cambio de ritmo explosivo del Post Metal pero en vez de eso llega un cambio de ritmo suave, atmosférico y de belleza y sobre todo que inspira nostalgia. Así llegamos al Akt II y sus doce minutos de duración, todos los temas menos el primero superan los diez minutos de duración pero en ningún momento se nos hace largo ni en ningún momento echamos en falta la figura de un cantante.
Por cierto me gusta que se respeten los títulos en alemán. Titelsequenz traducido al castellano es secuencia del título y Akt es acto sin más, es como si fuera el libreto de una obra de teatro. Son los pasajes rítmicos de inteligencia y belleza y estás esperando siempre la explosividad y no llega en este cambio lo que llega es un pasaje marcial, estoico y atmosférico muy cinemático.
En una factura técnica y retomando la película, tengo que decir que el gabinete del doctor Caligari, que a los que no vistéis la película nunca os sonará a que un grupo pop español de los ochenta pillo el nombre para su banda pues fue rodada en un estudio sin ninguna toma en el exterior, buscan un experimento vanguardista en toda regla.
Vamos alternando, música y película, vamos con Akt III. Siempre con un poso algo oscuro para luego abrir paso con los ritmos acústicos de enorme belleza y muy clásicos, muy de los setenta, en los primeros tiempos de los galeses Budgie ya te hacían esto, siempre el ritmo tribal en la batería para darle intensidad y buscando pasajes repetidos para darle un toque conceptual a la obra.
El Gabinete del Doctor Caligari posiblemente es la primera película de verdadero terror. Famosa por su rodaje que influenció a todos los directores que vinieron detrás por el uso de distorsiones extremas y sus angulos discordantes, también su argumento es bueno. Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.
Akt IV es quizás el ritmo más pausado de todo el trabajo y cuando se produce el cambio de ritmo siempre hay un poso intenso y melódico detrás, en este trabajo echo en falta algo de riesgo, echo en falta dejarse llevar por la psicodelia y que suene algo más extremo y es que se han inspirado en una de las películas más arriesgadas de todos los tiempos.
Akt V a mi me transmite angustia por momentos con un buen trabajo de la guitarra, siempre con suavidad e inteligencia, pero para mi gusto hay demasiados ritmos pausados y poca agresividad y de nuevo buscan el rollo cinemático tirando de sintetizadores y recrear algo que roza por momentos el Darkwave mientras la guitarra sigue a lo suyo, tan suave que en vez de Post Metal roza una mezcla de Shoegaze con Ambient sin más historia.
La película tiene un prólogo y un epílogo estableciendo una analepsis, nadie lo había echo anteriormente, la técnica de la narración enmarcada. La película es la pionera del cine de terror y del Thriller y su argumento es una crítica vedada al autoritarismo que regiría el destino alemán años después ( y es que el gobierno Nazi siempre odio a los artistas expresionistas)
En el tema Akt VI me encuentro el único pasaje que podría catalogar de psicodélico, un gran pasaje protagonizado por el bajista y después sus ritmos tribales en la percusión y el trabajo rítmico suave y conceptual que rige todo el álbum.
La idea de basarse en esta obra maestra del cine me parece genial. Que haya pasajes repetidos y quieran darle un rollo conceptual me parece muy lógico pero como dije echo en falta más garra, más creatividad y dejarse llevar también por la psicodelia y sobre todo dejarse embaucar por el espíritu malsano que encierra esta película que simboliza la maldad. La idea en sí es arriesgada pero cuando escuchas el álbum, al menos yo, no tengo la sensación de que el riesgo fuera tanto y cumple y es un buen álbum pero yo creo que podría haber dado mucho más de sí.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10