viernes, 31 de enero de 2020

Goat Terror " Unholy March"

Goat Terror " Unholy March" Death/ Black Bielorrusia 2019
1. Thou I Proclame (III Nails to Each God)
2. Unholy March (Death to All Alive)
3.  World, Sacrificed to Satan

Omega: Batería
Alpha: Cantante, Guitarra, Bajo

Típico producto de Sentient Ruin Laboratories que ficha a esta banda de Minsk para producir su primer trabajo. Minsk es la capital de Belarus o Bielorrusia, ambos nombres están aceptados. Desde la separación de la Unión Soviética, Bielorrusia es la única de las quince naciones nuevas que se quedó en tierra de nadie. Lo digo porque la llamada Rusia Blanca, es decir Bielorrusia, la mayoría de su población busca anexionarse con Rusia y a su vez han pactado cientos de acuerdos ambos gobiernos y siempre van de la mano, sobre la mesa de Putin en el mes de febrero había una posible anexión con Bielorrusia que de momento a quedado descartada ( porque la zona está empobrecida y sería más una carga que un beneficio para Rusia)
En cuanto a lo musical, pues calco con sus vecinos rusos. Pero os hablaba de Sentient Ruin Laboratories, sello californiano que ficha a bandas de todo el planeta que toquen Black/ Death/ Crust/ Drone y Noise y además casi por ese orden.
Este sello son sobre todo fanáticos de sonidos sucios y en eso estos Goat Lord van muy sobrados. De calidad no van demasiado sobrados todo hay que decirlo pero al menos transmiten sensación de fuerza en todo momento como en el tema Thou I Proclame ( III Nails to Each God)
La producción está muy lograda suena corrosiva en todo momento y además sirve para maquillar su más que evidente falta de técnica y de ideas. El sonido de la guitarra rítmica es lo más conseguido con el de la batería que suena como un cañón en todo momento quizás en el tema Unholy March ( Death to All Alive) deja un poco espacio a un torpe intento de recrear atmósfera.
Suena caótico y lascivo a golpe de Blast Beats y que no sea la batería lo más llamativo de todo es la voz grave de su cantante que en World, Sacrificed to Satan es lo más destacado del tema. Es un Black/ Death indefinido el que practica esta banda que tiene cierta esencia de Blasphemy, la banda canadiense y de los filipinos Deiphago pero suenan mucho más sucios y además caóticos recordando un poco a los Impaled Nazarene y con la típica producción sucia de Sentient Ruin Laboratories que ya es como una denominación de origen.
https://sentientruin.bandcamp.com/album/unholy-march
Álbum Completo

Total Death " La noche oscura del alma"

Total Death " La noche oscura del alma" Death/ Doom Ecuador 2019
1. La sombra del alma
2. Esperanza vencida
3. Inesperado abandono


Danny Molina: Batería
Ider Farfán: Guitarra, Cantante
Carlos Moreno : Bajo
José Santelices : Teclado, Cantante

Os quiero hablar de los reyes del metal extremo en Ecuador, ellos son los Total Death una banda creada en Quito en 1991 que han publicado cuatro largas duraciones y bastantes Ep y demás. Empezaron su carrera como una banda de Black/ Death y con el paso de los años se pasaron al Death/ Doom.
Pero su carrera no siempre fue regular tuvieron trabajos que fueron machacados por la crítica como su álbum del 2007 aunque hay que decir que la producción también colaboró en esa mala impresión. Citan entre sus influencias a las siguientes bandas: Entombed, Napalm Death, Repulsion, Paradise Lost, Dismember, Unleashed, Katatonia, My Dying Bride, Moonspell, The Gathering, Morbid Angel, Anathema, Autopsy, Asphyx, Pestilence, Morgoth, Opeth, Tiamat, Rotting Christ, Carcass, Death y sí, algo tienen de ellas.
A día de hoy le conceden mucha importancia al trabajo del teclado como en Inesperado Abandono y de sonido latino no tiene absolutamente nada. Ahora mismo por ejemplo, van a actuar en un festival de México, más concretamente en Monterrey.
A día de hoy, hay que olvidarse ya de sus inicios de Black/ Death primitivo porque se han pasado a un Death/Doom melódico y emotivo en ocasiones muy en la línea de los My Dying Bride pero no me parece un mal camino.
No tienen mucho que ver con el sonido típico del metal extremo en Ecuador, es una banda de éxito que emula al sonido europeo y americano y sobre todo es una banda que cuenta con Ider Farfán para mi gusto el mejor guitarrista de Ecuador y uno de los mejores del continente, en sus manos el sonido de la banda pasa a otra dimensión, tiene clase a raudales y sobre todo mucho sentimiento, el caso es que el sonido que logra ser melancólico y desesperanzado como en Esperanza Vencida o La sombra del alma, consigue tener un plus de agresividad muy mayor del que por ejemplo tienen los My Dying Bride, es una banda muy interesante.

Svrm " Позбавлення"

Svrm " Позбавлення" Black Ambient Ucrania 2020
1. У пеклі
2. Над свіжими
3. Позбавлення
4. Старість
5. Шлях до смерті

S: Cantante, Todos los instrumentos

El Black Metal ambiental y atmosférico en Ucrania goza de extraordinaria salud. Los Drudkh son la banda que abrieron el camino y en este país surgieron muchas bandas que siguen sus pasos. La música de Svrm sigue ese tono es una banda individual de un músico talentoso y joven apodado S que en realidad se llama Sergey Tatchenko de la ciudad de Jarkov.
У пеклі nos abre paso y sigue la estela de su anterior obra, un tema muy en la línea de lo que es el Black Metal en este país, siempre ambiental y con un poso de melodía melancólica muy fuerte, no hay estilo musical solo hay buenos músicos y este lo es.
Над свіжими sigue el buen camino. Una de las cosas que mejor hace es introducir la parte acústica a sus temas, siempre en un plano secundario y combinando con la guitarra eléctrica, recreando una buena melodía que sabe como desarrollar en todo momento.
  Hay que hablar de la estructura de los temas y Позбавлення nos servirá como ejemplo. Ese trémolo en la guitarra prolongado hasta el infinito y para después buscar el cambio de ritmo con la típica aceleración es típico del Black Metal mezclado con el Post Metal.
Fijaos que lo que hace tampoco es tan técnico pero tiene sentimiento y si en el progresivo valoramos la técnica por encima de todo, en el Death metal la agresividad, en el Doom la oscuridad, en el metal la combinación de melodía y fuerza en el Thrash la potencia... pues en el Black Metal muchos pensarán que se busca la agresividad y la oscuridad pero si estás dentro del Underground sabrás que lo que se busca es el sentimiento y este músico lo tiene.
Старість finaliza de forma abrupta y también le puedo poner el pero del trabajo de la batería que suena un tanto blando pero es típico del sonido de los Drudkh que es la banda que influencia por completo a este proyecto individual, la guitarra y la melodía que genera es el eje central del tema que hace que funcione todo el engranaje del tema como en Шлях до смерті, un final pausado y a la altura, donde de nuevo esa melodía triste que nada tiene que ver con el Black Metal depresivo lo embarga absolutamente todo, es sentimiento, es melancolía y aunque suena algo blando por momentos y puede que le falte ambición y técnica en otros, lo cierto es que emociona y eso es lo que debería buscar cualquier banda practique el estilo que practique, que al oyente se le remueva algo escuchando el disco, este artista lo consigue.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,25/10

Aceton Biografía

Aceton fue una gran banda con muy poca suerte. Eran de Eslovaquia de una región que se llama Presov. La banda se creo en 1991, una banda de Thrash Metal que luchó siempre por un contrato sin conseguirlo.

Debutaron de forma independiente con su primera demo " Večný strach" compuesta de 6 temas cantados en eslovaco  y editada en forma cassette. En 1994 crean su propio sello Aceton Studio para lanzar su segunda demo " Nezmyselný svet" compuesta por seis temas donde subían mucho de calidad y buscaban un sonido más oscuro que les acercaba al Death/ Thrash. En su última demo publicada en 1995 de nuevo por Aceton Studio intentaron dar un giro comercial a su propuesta y se pasaron al inglés con un estilo musical más blando " Shadows of the Past". En 1995 se les pierde la pista.
Varios años después el sello del país vecino, Underground Records de la República Checa publica sus tres demos en formato CD. La formación era: Juraj Slavkovský al bajo, Peter Zavacký a la batería, Stanislav Madzin a la guitarra, Radomír Madzin como cantante. Los hermanos Madzin después crearon la banda Bastila pero no llegaron a publicar nada y lo dejaron al poco tiempo.

Nails

Cine para consumados enfermos de lo independiente, de lo raro, y, por supuesto, del cine más áspero, seco e inhumano. Los trabajos de Andrey Iskanov son un punto y aparte en lo que podríamos llamar, la historia del cine. Sin cortes ni tapujos, sin grandes presupuestos, nada de actores o actrices conocidos o conocidas, un equipo de trabajo corto, pero eficaz, y amantes o amante de las historias más desconsoladoras y frías. Es como se presenta o da a conocer este Ruso, que promete seguir levantando ampollas con sus historias en cada unos de los festivales donde aterriza.

La primera incursión de Iskanov en el cine fue con Nails, de la que os voy a contar unas cuantas cositas en breves momentos. Pero antes, debo de avisaros nuevamente, y no quiero con esto ni hacerme pesado, ni un gran entendido de la materia, es que el subconsciente de este Señor parece trabajar bajo las órdenes del algún ser maligno venido de otro mundo, y, dispuesto a perturbar todas las mentes posibles dañándolas lo máximo posible y, robarlas posteriormente para traficar con ellas.

Nails cuenta la vida de un asesino mentalmente perturbado por el gobierno Ruso, que desilusionado de la vida se aísla en un sórdido apartamento de fachada grisácea, de una de ciudad desalmada de Siberia del Este. Este asesino escucha voces en su cabeza y decide experimentar con la trepanación. Pero dicha ocupación lo perturbará más aún, y comenzará entonces a ver una realidad que se escapa de sus manos y que no podrá soportar. La locura acaba de comenzar.

Asesinatos a quemarropa, trepanación con clavos del diez, paranoias en forma y estética bien colorida, y, unos pocos metros cuadrados que terminarán por amargarte y retorcerte las tripas sin compasión, incluso sin dejarte decir, basta. Andrey y sólo en una hora, es capaz de hacernos enfermar con su personaje perturbado por la sociedad, mostrándonos el lado más oscuro y trágico del ser humano y sus decisiones tan trascendentales, amargas, dolorosas e increíbles.

Sánchez Guerra

Alejado de la jefatura del Partido Liberal —y más concretamente, de Sagasta y de Moret—,n. 1​ Sánchez Guerra se acabaría integrando en el Partido Conservador.12​ Mantuvo durante estos años una estrecha relación con el político mallorquín Antonio Maura, antiguo liberal que también se había pasado a las filas conservadoras.

Sánchez Guerra seguiría concurriendo a los comicios, ahora como candidato conservador, revalidando su acta de diputado por Cabra en todas las elecciones celebradas hasta 1923 —excepto en las elecciones de 1918, que lo hizo por el distrito de Córdoba capital—.10​ Con la formación de un gabinete presidido por Francisco Silvela, en diciembre de 1902, Sánchez Guerra fue nombrado gobernador civil de la provincia de Madrid.13​14​

Fue ministro de la Gobernación entre el 5 de diciembre de 1903 y el 5 de diciembre de 1904 en un gobierno Maura.15​ Asimismo fue gobernador del Banco de España entre julio y diciembre de 1903 y entre enero de 1907 y septiembre de 1908.


A pesar de haber sido gran amigo de Maura, tras la fractura del Partido Conservador en 1913 se mantuvo junto a la Corona y la facción idónea del partido, desatando la ira de los mauristas disidentes, que le tildaron de traidor,16​ y poniendo fin a su amistad con el político mallorquín.17​ Asumiría el cartera de Fomento entre el 14 de septiembre de 1908 y el 21 de octubre de 1909, bajo la presidencia de Antonio Maura.18​ Volvería a ejercer la cartera de Gobernación, nuevamente en un gobierno presidido por Dato entre el 27 de octubre de 1913 y el 9 de diciembre de 1915, y entre el 11 de junio y el 3 de noviembre de 1917.19​

Ejerció la responsabilidad de la presidencia del Congreso desde julio de 1919 hasta marzo de 1922,20​ en concreto, en las legislaturas de 1919-1920, 1920-1921 y 1921-1922.21​

Antes de su última etapa ministerial, entre el 8 de marzo y el 7 de diciembre de 1922, fue presidente de unos de los gabinetes conservadores que se sucedieron tras el asesinato de Eduardo Dato. Siendo presidente del Consejo de ministros también se hizo cargo de forma interina de la cartera de la Guerra a partir del 15 de julio. En este gobierno se agrupaban mauristas, conservadores y un miembro de la Lliga Regionalista. Durante su gobierno, que en un viaje a la moderación en cuanto a la política de orden público restableció las garantías constitucionales puestas en suspenso por el conde de Romanones,22​ trató de acabar con el pistolerismo patronal en Barcelona mediante la destitución de Severiano Martínez Anido, el gobernador, y Miguel Arlegui,23​ jefe de la policía de Barcelona. En noviembre de 1922 abolió mediante real decreto las Juntas de Defensa.

Tom Tolbert

Jugó durante sus dos primeras temporadas como universitario con los Anteaters de la Universidad de California en Irvine, participando apenas en 10 partidos en total. En 1985 buscó más minutos en el pequeño community college de Cerritos, donde promedió 16,2 puntos y 7,8 rebotes por partido, que le sirvieron para ser reclutado por los Wildcats de la Universidad de Arizona, donde en dos temporadas promedió 12,5 puntos y 5,4 rebotes por partido,1​ llegando a disputar la Final Four de la NCAA en 1988.


Fue elegido en la trigésimo cuarta posición del Draft de la NBA de 1988 por Charlotte Hornets,2​ con los que sólo llegó a disputar 14 partidos, en los que promedió 2,9 puntos y 1,5 rebotes,3​ antes de ser despedido en el mes de diciembre.4​ Tras verse sin sitio en las plantillas de la NBA, decidió aceptar la oferta del CB Canarias de la liga ACB, donde jugó 17 partidos en los que promedió 26,7 puntoas y 8,4 rebotes.5​

En 1989 regrasa a su país, fichando por Golden State Warriors como agente libre por un año,4​ quedándose finalmente tres temporadas. La mejor fue la primera de ellas, en la que promedió 8,8 puntos y 3,4 rebotes, siendo titular en 21 partidos.6​ Tras ser despedido antes del comienzo de la temporada 1991-92, a los pocos días ficha por Orlando Magic,4​ donde se convierte en titular al lado de hombres como Shaquille O'Neal o Nick Anderson, acabando el año con 8,1 puntos y 5,7 rebotes por partido.7​

Jugó dos temporadas más en la NBA, con Los Angeles Clippers y nuevamente con los Hornets,4​ pero siendo uno de los últimos hombres del banquillo.

Robert Millar

En 1986, Walter Planckaert se retira como corredor en activo y pasa al cuerpo técnico de Panasonic. Entre las incorporaciones de corredores destacan los nombres de Erik Breukink, Robert Millar y Johan van der Velde.7​8​

Vanderaerden se mantiene como uno de los principales contribuyentes al amplio palmarés anual de la formación neerlandesa, y consigue ganar, entre otras carreras menores, dos etapas del Tour del Mediterráneo, el E3 Prijs Vlaanderen-Harelbeke, A través de Flandes y los Tres días de La Panne. Van der Velde se impone también en la Flecha Brabançona, en la temporada de clásicas de primavera.

En la Vuelta a la Comunidad Valenciana, Bert Oosterbosch gana la etapa prólogo y Jos Lammertink vence en la 2ª etapa. Eric van Lancker logra dos triunfos parciales en la prestigiosa París-Niza y otro en la Vuelta a Suiza. También en Suiza, el equipo suma otras tres etapas, ganadas por Van Lancker, Breukink y Nulens.

En la Vuelta a España, Planckaert repite los dos triunfos de etapa de la edición anterior, mientras que Robert Millar, que acude como líder del equipo y vigente subcampeón de la Vuelta, vence en la 6ª etapa, con final en los Lagos de Covadonga. El escocés retiene el liderato durante cinco etapas, pero finalmente lo pierde en beneficio del ganador final, Álvaro Pino. Millar terminó 2º en la general por segundo año consecutivo.

En el Giro de Italia, lo más destacable son las victoria de etapa de Johan van der Velde y Eric van Lancker. Van der Velde, además, termina 2º en la clasificación por puntos.

En el Tour de Francia 1986, el equipo gana la 4ª y la 7ª etapa, gracias a Van der Velde (que además fue líder durante dos días) y Planckaert. A pesar de no ganar ninguna etapa, Vanderaerden se impuso en la clasificación por puntos.


Phil Anderson, por su parte, logra imponerse en la clásica París-Tours, valedera para la Copa del Mundo. A nivel individual, Jos Lammertink se convirtió en campeón de Holanda de ruta.

En 1987 se mantiene estable de nuevo la estructura del equipo, destacando el refuerzo del alemán Dietrich Thurau.9​ Obtienen buenos resultados en las clásicas de inicio de temporada, con victorias de Phil Anderson en la Milán-Turín, Eddy Planckaert en el E3 Prijs Vlaanderen, Teun van Vliet en Omloop Het Volk y Gante-Wevelgem y Eric Vanderaerden en el G.P. Eddy Merckx y la París-Roubaix, así como en los Tres días de La Panne.

En el Tour del Mediterráneo la escuadra suma tres nuevos triunfos de etapa, de manos de Millar, Planckaert y Vanderaerden. Van Vliet, revelación de la temporada, también suma la Vuelta a los Países Bajos y etapas en Tirreno-Adriático y Vuelta a Suiza. Otros dos ciclistas lograron también triunfos de etapa en la Vuelta a Suiza, Peter Winnen y Dietrich Thurau.

El Giro de Italia 1987 supone una de las mejores actuaciones de Panasonic a nivel de Grandes Vueltas. Erik Breukink vence en la 1ª etapa en línea y se enfunda la maglia rosa durante tres jornadas. Otras dos etapas se suman al palmarés del equipo, la 5ª vencida por Eddy Planckaert y la 21ª ganada por Robert Millar. Millar también consigue la clasificación de la montaña, y el Panasonic gana la clasificación por equipos, tras meter a cuatro corredores entre los mejores clasificados: dos en el podio, Millar 2º y Breukink 3º, y otros dos en el top ten, Phil Anderson 7º y Peter Winnen 8º.

En el Tour de Francia 1987, Erik Breukink se impone en la 13ª etapa y termina 2º en la clasificación de los jóvenes.

Juguete años 30


Thorgal

Tras el episodio de Alinoé, en que por primera vez se revelan los poderes mentales de Jolan, Thorgal y su familia se instalan en una isla desierta buscando la paz y la tranquilidad. Nuestro protagonista zarpa en busca de víveres pero naufraga, y es acogido por Tjall el impetuoso y su tío, el armero Arghun Pie de Árbol. Thorgal necesita dinero para comprar una nueva barca, por lo que decide participar en un torneo de arqueros, asociándose a la mercenaria Kriss de Valnor. Ante la creciente peligrosidad de las pruebas, Thorgal decide compartir el premio con Tjall y Arghun, lo que indigna a Kriss de Valnor, que huye con el dinero del premio. Finalmente, Thorgal vuelve a encontrarse con Kriss y recupera el dinero necesario para comprar una barca y regresar a su isla.

Arghun y su sobrino acompañan a Thorgal a pasar una temporada en la isla, pero la paz se ve turbada por el secuestro de Jolan y Arghun. Kriss de Valnor se presenta en la isla y anuncia que retendrá a Jolan como rehén hasta que Thorgal le ayude a completar una misión encomendada por un desconocido que es en realidad Xargos, el abuelo de Thorgal. Xargos se hace llamar ahora Tanatloc y es el dios de una comunidad indígena americana, los xinjins, que tienen ciertas similitudes con los mayas. La intención de Tanatloc es frenar la tiranía sanguinaria de Ogotaï, en realidad su yerno Varth, el verdadero padre de Thorgal, quien ha fundado en la zona una ciudad llamada Mayaxatl, y persigue conquistar el mundo.

Mientras Jolan y Arghun son llevados al país Qâ, Thorgal, Kriss de Valnor, Tjall y Aaricia atraviesan el océano en un barco volador, y se les deposita en la selva, con la misión de apoderarse de la corona de Ogotaï, aparentemente una especie de casco mágico que confiere sus poderes al tirano. Al mismo tiempo, en el país Qâ, Tanatloc descubre que Jolan es su biznieto y le ayuda a desarrollar sus poderes mentales. En la jungla, Thorgal cae gravemente enfermo, y él y Aaricia son abandonados por Kriss y Tjall, que traiciona a Thorgal por amor a Kriss. Sin embargo, Jolan, con la ayuda de Tanatloc, cura a distancia a Thorgal utilizando sus poderes. Tanatloc fallece, y sus seguidores aclaman a Jolan como su sucesor, con el nombre de Hurukan. Thorgal y Aaricia se reúnen con Tjall y Kriss, y llegan a la ciudad de Mayaxatl, donde cuentan con un cómplice, un general del ejército de Ogotaï, quien les revela que su verdadera misión es acabar con el tirano. Tras varias vicisitudes, Thorgal y Kriss entran en el palacio de Ogotaï. Tjall muere ayudando a Thorgal. Este descubre que Ogotaï es su padre, Varth, e intenta hablar con él. Kriss de Valnor intenta asesinar a Ogotaï, sin conseguirlo, y es transformada por él en una anciana. Thorgal consigue hablar con Ogotaï, quien no acepta que sea realmente su hijo y, en el instante en que comprende que es cierto, es asesinado por Kriss de Valnor.


Todos regresan al país Qâ, donde se reúnen con Jolan y Arghun. Sin embargo, a causa de una conspiración palaciega para evitar que Jolan se marche con Thorgal, este, Aaricia y Arghun son condenados a morir en la Boca del Sol. Para conseguir la ayuda de Kriss de Valnor, Jolan utiliza sus poderes para devolverle la juventud. Ella, sin embargo, se niega a ayudarle, pues todo lo que desea es abandonar el país Qâ con la recompensa de los xinjins, y coge al niño como rehén para tener el paso franco. Mientras tanto, Thorgal y sus amigos han logrado escapar, gracias a la intervención de las mujeres indígenas de Arghun. Rescatan a Jolan del poder de Kriss y todos se embarcan de nuevo hacia su tierra, excepto Arghun, que se queda a vivir en el país Qâ. Kriss, por su parte, se ve obligada a abandonar su tesoro para salvar la vida.

La saga del país Qâ es la más importante de la serie Thorgal. En álbumes sucesivos se utilizan algunos objetos procedentes de este arco argumental, como la espada-sol o la corona de Ogotaï.

Carmen de Burgos

Desde el primer momento el matrimonio constituyó una desilusión para Carmen, ya que su marido resultó ser un vividor que le era infiel y sus tres primeros hijos fallecieron prematuramente. Desde 1898, comienza a pasar cada vez más tiempo en el hogar paterno y alejada de su marido. En agosto de 1901, tras la muerte su hijo Arturo, nacido en 1893, decide abandonar a su marido para comenzar una nueva vida sin él en Madrid, llevándose consigo a su única hija superviviente, María (de los Dolores Ramona Isabel) Álvarez de Burgos, nacida en 1895. Inicialmente, se instaló con su tío el senador Agustín de Burgos y Cañizares, pero después de que éste intentara propasarse con ella abandona su casa.

A partir de 1902 colaboró con el periódico El Globo, en el que escribía una columna titulada Notas femeninas, que analizaba asuntos como ‘La mujer y el sufragio’ o ‘La inspección de las fábricas obreras’. En 1903, Augusto Suárez de Figueroa fundó el Diario Universal y la contrató para llevar una columna diaria titulada Lecturas para la mujer, bajo el seudónimo de «Colombine», sugerido por el propio editor. Era la primera vez en España que una mujer fue reconocida como periodista profesional. En su columna Carmen de Burgos trataba de modas y modales pero introducía ideas que ya se estaban popularizando en otros países europeos. Hizo campaña para que se legalizara el divorcio, lo que le valió la admiración de Giner de los Ríos y Blasco Ibáñez, pero ataques por parte de la Iglesia y de los sectores conservadores que buscaron desacreditarla. En 1905 consiguió una beca del Ministerio de Instrucción Pública para estudiar los sistemas de enseñanza de otros países, y viajó durante casi un año por Francia, Italia y Mónaco.


En 1907 fue admitida en la Asociación de la Prensa de Madrid, junto con Consuelo Álvarez Pool, Violeta.

A finales de 1906 retomó su labor docente y periodística y lanzó una campaña en el Heraldo de Madrid a favor del sufragio femenino con una columna titulada «El voto de la mujer». A su regreso de Francia, creó una reunión semanal denominada ‘La tertulia modernista’, a la que acudían escritores, periodistas, músicos, artistas plásticos, poetas y artistas extranjeros de paso por Madrid. Allí conoció a Ramón Gómez de la Serna, entonces un desconocido estudiante de diecinueve años, veinte años menor que ella, que se convierte en su admirador. Puntualmente, todos los días iba Ramón a visitarla a su casa a las cinco de la tarde, escribían juntos y luego paseaban por los cafés de la Puerta del Sol hasta medianoche. Sobre 1909 iniciaron una larga relación amorosa y literaria. Además, aquella tertulia se mantuvo varios años y estuvo en el origen de la Revista Crítica (1908-1909), de la que llegaron a salir seis números, en los que colaboraron Eduardo Zamacois, Salvador Rueda, Enrique Díez Canedo, Juan Ramón Jiménez, Antonio de Hoyos y Vinent, Rafael Cansinos-Assens, Ramón Gómez de la Serna y Tomás Morales, entre otros. También eran asiduos de la tertulia Eduardo Barriobero y José Francés. En 1907, con la llegada al gobierno del conservador Antonio Maura, el ministro de Instrucción Pública Rodríguez-San Pedro la destinó a Toledo para alejarla de Madrid, según su biógrafa Concepción Núñez. Pero Carmen seguía volviendo a su casa de Madrid todos los fines de semana para animar la tertulia literaria que había cread

jueves, 30 de enero de 2020

Korrosive " Melting from Within"

Korrosive " Melting from Within" Canadá 2019 Speed Metal
1.Acidized
2. Deathless
3. Bananamosh
4. Fatal Strike

Rad Zarei : Cantante
Christian Omandam: Guitarra
Kaveh Afshar: Batería
Radek Murawski: Bajo

Toronto es una de las ciudades más internacionales de todo el planeta y en esta ciudad que es un poco el reflejo de la globalización se concentran muy buenas bandas de los estilos más variopintos desde hace décadas y es que Toronto siempre apostó por la cultura.
Los Korrosive son una banda de Speed Metal con un ligero toque Trash que se crearon en el 2016. Quieren ser la banda de Speed más potente del planeta o al menos esa es su intención pero la fuerza sin control no es nada y esa es la primera de las conclusiones con esta banda.
Acidized contiene la voz del cantante que está completamente rota y tiene apoyo en los coros para doblar la fuerza si cabe. La producción es muy sucia y le sienta mal al álbum y sirve entre otras cosas, para tapar carencias técnicas como un bajo que no aporta nada y un sonido de batería que se podría llevar el premio a uno de los peores sonidos de batería de lo que va de año.
Deathless sigue igual con la pobreza rítmica elevada al cubo y con la fuerza que quieren transmitir es un pecado que no se  pueden permitir pero tampoco en la amalgama de riffs se muestran demasiado creativos, poca variedad de muy escasa calidad y es que nos queda al menos la idea clara de que quieren emular a los Razor en sus inicios pero no lo logran.
Bananamosh pues se pasa del Speed Metal al Crossover o esa es la intención. El Mosh es el movimiento típico del Crossover y es un intento que nuevamente vuelve a caer en saco roto. La banda siempre intenta en los cambios de ritmo hacerlo con pegada y pasarse del Speed Metal al Thrash pero en el caso de este tema con solos de guitarra incluídos que aparecen y desaparecen sin aportar nada, esa cadencia rítmica tan típica del Crossover no aparece en ningún momento.
Fatal Strike si pensaba que los anteriores temas presentan mal sonido y están mal definidos en cuanto a estilo, este tema se lleva la palma. La música de Korrosive es como un traje que les queda cinco tallas más grande, no están cómodos ni saben definir en ningún momento su historia. Una producción muy discreta, un trabajo de batería y bajo que solo pueden ser calificados como pésimos, unos solos de guitarra que no aportan nada, un estilo sin definir y nula capacidad de gancho en sus temas, un mundo por mejorar.
https://korrosivemetal.bandcamp.com/album/melting-from-within-ep
Álbum Completo


Complaints Department " Affirmation Junkie"

Complaints Department " Affirmation Junkie" Noise Inglaterra 2019
1. The stench of repitition
2.Thats no reason to dress like a cunt
3. Death, forwards
4. Affirmation Junkie
5.  Bossa nova (someone else's)baby
6. Korean Rubber Facemask
7. mummy issues:daddy issues
8. You've worn freedom of expression out

Es un músico de Londres que lleva un par de años en esto de la música. Toma fotos antiguas de Londres y las retoca con mal gusto, eso en cuanto a las portadas. En cuanto a lo musical para este álbum a contado con varios músicos como un batería y un guitarrista que participa con un solo de guitarra que van a darle algo de riqueza rítmica a su trabajo y la va a necesitar pues precisamente el sentido del ritmo no existe para este artista.
Es algo difícil de encontrar en un estilo como este. Hablar tema a tema no tendría ningún sentido así que vamos con las particularidades de este proyecto. Esta banda inglesa está enfocado hacia el Drone/ Noise con toque electrónico.
Ya desde el primer tema, The Stench of Repitition que hace honor a su nombre, da igual que valores el tema por el inicio o por el final pues es como si fuera una línea recta en donde no sucede nada, ritmos atonales y graves sin más historia.
Quizás en el siguiente tema nos sorprende con un acercamiento al metal industrial con un trabajo electrónico y de nuevo se eterniza en el ritmo que crea. Hay en ocasiones como en Death, Forwards donde trata de ser minimalista y con esto quiero decir que con un trabajo de una serie de secuencias grabadas como ritmo y con una acústica se defiende sin más.
Para ser un álbum de Noise me falta suciedad y oscuridad, quizás la consigue más o menos en Affirmation Junkie pero se pierde en vericuetos que no le llevan a ninguna parte como es tirar de una parte electrónica que es un callejón sin salida y que le aporta un toque psicodélico pero que no le lleva a buen puerto como el artista desearía.
Está claro que este proyecto tiene algo de creativo pero no acierta con la tecla en ningún momento. Una de las claves de estilos tan Underground como puede ser el Noise o el Drone es la oscuridad y recrear una atmósfera cruda y es algo que no consigue en ningún momento pues la esencia del Noise se va perdiendo por culpa de darle tanta importancia a la parte electrónica que lo contamina todo sin aportar nada en especial, la escucha con el transcurso de los temas se vuelve un tanto engorrosa.
https://complaintsdepartment.bandcamp.com/album/affirmation-junkie
Álbum Completo

Feeling: 1/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 2/5
Producción: 2/5

Puntuación: 2/10






Charcoazul " Charcoazul"

Charcoazul " Charcoazul" Chile Black Metal 2019
1. Catástrofe
2. Perro Narciso
3. Nomenclatura del Terror
4. No te ansío más
5. Balbuceo
6. La confusión del ayer

B.C: Batería
C.V: Bajo
V: Cantante
A.G: Guitarra
L.E: Coros

Es el primer trabajo grabado por esta banda chilena, es un ensayo en su propio local que alguién grabó con un celular y lo han subido a su cuenta de Bandcamp en forma de demo, como su primer trabajo, además fue grabado en una única toma, todo seguido.
El sonido de Charcoazul merece la pena, espero que no pulan nada de cara al futuro. Me gusta en la música la sinceridad, hoy en día escuchas una cosa en el local de ensayo que luego no se corresponde para nada con lo que la banda hace en el estudio de grabación temas completamente maquillados.
Catástrofe hace honor  a su nombre, es un tema caótico con un sonido de batería que tira de platillos a toda velocidad y sin bajar el nivel ni una sola vez, no se como le da el pulso ni se como a su cantante le da la garganta para no callarse ni una sola vez, Black raw sin calidad instrumental pero duro.
Perro narciso tiene algo más de variedad, al menos en cuanto a  los ritmos de la batería donde el bombo se introduce y lo combina siempre con los platillos, el riff es lento y mareante, sin sentido del ritmo alguno pero logra sonar caótico al menos.
Nomenclatura del Terror puede ser una de las claves de esta demo y sobre todo del futuro de esta banda chilena pues es un tema original y que rompe por completo con el esquema que venían ejecutando. Más acorde con otros estilos como el Black/ Noise o el RABM, vertientes diferentes del Black Metal con mucha influencia del Punk en ambos casos y un intento de introducir una atmósfera a los temas diferentes.
No te ansío más no dura más de un minuto, un bajo para iniciar el tema y luego el caos, influencia del Crust Punk, puede ser una carta interesante para jugar de cara al futuro. En cambio con el tema Balbuceo lo que hace la banda es orientar su propuesta hacia el mismo derrotero, quieren sonar a Black Raw pero a la vez quieren tener un sonido entre el Black ortodoxo y el ambiental mezclado con el Noise para sonar diferentes, utilizan otro ritmo de batería diferente y las mismas ideas.
La confusión del ayer es un tema interesante pero que tiene fases del tema que caen un poco en la desidia, así que si lo pulen seguramente que sacaran adelante un buen tema pues hay momentos buenos, como las partes más lentas lideradas por su guitarrista. Los Charcoazul son una banda interesante, si siguen trabajando en esos aspectos diferenciadores para salir del canón clásico del Black pueden triunfar.
https://charcoazul.bandcamp.com/album/charcoazul
Álbum Completo

Behemoth " Live from Maida Vale"

Behemoth " Live from Maida Vale" Polonia Black Metal 2020
1. Wolves ov Siberia
2. God=Dog
3. Eclessia Diabolicca Catholica
4. Bartzabel

Nergal: Guitarra, Cantante
Inferno: Batería
Orion: Bajo

Para arrancar el año, el sello Nuclear Blast lanza este pequeño trabajo en directo de los Behemoth, más que nada para los coleccionistas, por la portada siempre artística de la banda y por tener todos los lanzamientos de Behemoth, más allá de eso, no hay otro interés.
Es un álbum en directo aunque un directo.... diferente. Estos temas fueron grabados en directo, efectivamente, pero en la radio como hacían en los ochenta las bandas de la Nwobhm. Fueron grabados en Maida Vael el 18 de octubre del 2018 en la BBC Radio 1 de Londres. Es la promoción del álbum del 2018 " I Loved you at your darkest" cuyo segundo tema era Wolves ov Siberia. Que suena excesivamente diferente, un poco menos atmosférico y más sucio, lo típico, no cuentan con los arreglos del estudio de grabación pero no pierde ni su aire marcial ni su épica bizarra.
Del tema God=Dog ya han echo diferentes versiones y es que Nuclear Blast es un sello que explota demasiado el producto y produce un poco de hartazgo por momentos pero esto es un negocio como otro cualquiera, aunque sea venido a menos Es un tema cuyo videoclip fue censurado, publicidad que les viene de auténtico lujo y siguiendo el mismo estilo que su anterior trabajo, orientados ultimamente hacia un Black más plural y cada día más entre lo épico y lo sinfónico. Eclessia Diabolicca Catholica .... es que se tocan todos los primeros temas de su último álbum.es un tema interesante, primero porque sigue la línea marcada por el anterior tema, se aprovecha de su riff y le da un aire conceptual y continuista. Muy sugerente el inicio para buscar un cambio de ritmo veloz donde introducen el riff de Behemoth de toda la vida que recuerda a God Dethroned o Belphegor, sin tanto maquillaje suenan como un trueno.
Finalizamos con Bartzabel. es un tema con inicio acústico con la misma dinámica que el anterior corte, cuando lo hacen sencillo y se dejan de tanta programación es cuando brillan. El cambio de ritmo te coge por sorpresa y saben regresar a él con una inteligencia emocional altísima y es que Nergal es por algo uno de los músicos más valorados de la actualidad. Excelente acompañamiento acústico con un coro melódico y épico que te quedará grabado, el mejor tema de los cuatro.

Mop " Видение Мурмана"

Mop " Видение Мурмана" Rusia Black Metal 2020
1. Видение Мурмана
2. Лесоморие.ч2
3. Пересекая Северное море
4. Ведьмы
5. Мертвецы

Prosinets: Bajo
Studeny: Cantante

Estamos ante una de las bandas más sorprendentes. Son los Mop de Murmansk, esta es una ciudad portuaria rusa al nordeste del país, que queda ubicada en la península de Kola y es bañada la ciudad precisamente por el río de Kola que acaba desembocando en el gélido mar de Barents. La ciudad menos rusa de Rusia, hace frontera con Finlandia y Noruega. Este dato es importante, que la ciudad de Murmansk donde proceden estos dos músicos haga frontera con Finlandia y Noruega, pues la música de Mop está muy salpicada por la influencia de estos dos países.
No han querido salir de casa y han creado su propio sello Assault Records para publicar su material a gusto y sin depender de nadie. Es una banda creada en 1996, ya se les puede considerar unos veteranos de la escena musical y unos clásicos del Black Metal en Rusia.
No se prodigan en el estudio de grabación de echo su primer y único álbum hasta la fecha fue grabado en el 2007 por eso choca que en el 2020 lancen hasta dos álbumes al mercado. Siguen manteniendo la esencia de los primeros tiempos. No es que su música solo consista en un bajo y un cantante, Prosinets y Studeny ( bajo y cantante) son los dos únicos miembros fijos y los que componen las letras y la música, el resto son músicos de sesión que colaboran esporadicamente.
Видение Мурмана es un poco el reflejo de lo que es está banda, no es que su música sea compleja, es que desde sus inicios, se niegan a encasillarse y así te pueden sonar al típico Pagan ruso con buen gusto a la hora de combinar guitarra acústica con acento eslavo mezclado con teclado para darle un aire ambiental más que épico y los típicos cambios de ritmo rudos y sucios del Black Raw ruso.
Лесоморие.ч2 más de lo mismo. Sus composiciones de larga duración suelen presentar un esquema bastante similar y un desarrollo largo donde primero buscan la atmósfera el ritmo lento y pagano para luego darte el hachazo con el cambio de ritmo. Pero a su vez es una banda que se permite licencias, saliéndose de los tópicos de su estilo musical como en el tema Пересекая Северное море, donde el bajo se marca un solo, donde la guitarra tira de solo melódico y donde se muestran creativos y es que por momentos en su carrera se han dejado llevar por la creatividad y han querido emular a los franceses Deathspell Omega, esta banda rusa tiene originalidad pero no tienen la técnica de los galos. Мертвецы incluso contiene elementos de Neofolk.
La clave de este álbum es que los Mop suenan más variados que nunca, con una mezcla de estilos amplia sin excesiva garra pero con muy buen gusto compositivo y es que aunque aveces se vayan por las ramas y pierdan el hilo del tema con sus florituras musicales, es una banda que siempre mereció la pena y está reconocida a nivel underground.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,25/10



Fostioner " Backsgrind Boys"

Fostioner " Backsgrind Boys" Grindcore España 2019
1. Fostioner 2049
2. Jes Extender
3. La edad de oro del pop español
4. Teleindiscreta
5. ¿ Donde está el Dioni?
6. Larger than life ( Backstreet Boys Cover)
7. I want it That Way ( Backstreet Boys Cover)
8. Folk Metal
9. Medieval Bukkake
10. This is the Way
11. El metal de los noventa
12. Parque Jurásico
13. Steven Seagal: Decisión crítica
14. Me Come el payaso
15. Mundo 666

Satanic Sufu: Bajo, Cantante
Unholy Arce: Batería
Koke Devasteitor: Guitarra
Brutal Impious Gotrack: Cantante

Fostioner es una banda de Grindcore que lleva haciendo reír al público desde el 2010, después de dos Ep, presentan su primer larga duración. Son los Gigatrón del Thrash. Parodían a los Backstreet Boys, pues entendería la parodia en los noventa cuando ese grupo estuvo en auge pero ahora no le encuentro sentido, creo que la realidad que vive España y su ciudad, Madrid, con el alcalde que tiene y con la presidencia que tienen ahora en la comunidad tras la marcha de Carmena, da para escribir mil canciones parodicas pues es un puro esperpento.
Fostioner 2049 arranca con el típico sonido del telediario de hace siglos y en Jes Extender pues un anuncio de juguetes combinado con una especie de Grindcore de manual que suena tan blando que roza el Thrash/ Crossover sin más historia.
Quizás en Teleindiscreta pues nos encontramos un ritmo diferente en la base rítmica y un intento de solo de guitarra melódico introducido con calzador. ¿ Dónde está el Dioni? Pues otro e esos personajes que tuvieron su momento de gloria con su historia del furgón, participando en programas y hasta grabando canciones pero un personaje ya de los de antes que a nadie le importa.
Folk Metal son veinte segundos de tema siguiendo la filosofía de los microtemas. Medieval Bukkake es el único tema que me convence al menos el trabajo de la guitarra. Definitavamente el Grindcore, es tan solo un disfraz, es la utilización de su velocidad, de su vertiente humorística y de su estructura, temas cortos y con la introducción de elementos humorísticos. Pero no los considero una banda de Grindcore al uso y menos que nada una banda cañera. El caso es que del Grindcore también adoptan la voz gutural la " Pig Growls" que también es utilizada en el Brutal Death, Goregrind y el Slamming. Les aporta un poco de electricidad a su idea musical.
El Metal de los noventa.... si nos olvidamos de la letra, por momentos es como si quisieran dar un paso adelante y sonar más serios y contundentes pero nunca logran romper ese equilibrio y se quedan en banda de humor. Fostioner tiene mecanismos de Grindcore pero suena basicamente a Punk con algo de Thrash y Hardcore en su vertiente más blanda. En cuanto a las letras.... pues creo que el humor está sobrevalorado y que hacer reír es un asunto muy serio, confieso que no me hizo ni pizca de gracia ni me han removido nada del pasado al recordarme a personajes como el Dioni o Steven Seagal que no me dicen nada y creo que ya no se conectan con la realidad a día de hoy pero una cosa es escucharlos sentado en tu sofá y otra cosa es escucharlos en un pub, estoy seguro de que saldrían ganando. Metalbrothers.es no puntúa nunca los álbumes de humor.
https://fostionerband.bandcamp.com/
Álbum Completo

Woorms " Twitching, as Prey"

Woroms " Twitching, as Prey" Usa Sludge 2020
1.  Take His Fucking Leg
2. Unicorn Corn
3. Silence and the Saints
4. Escape Goat
5. Fine Is a Good Servant
6. Beauty Is a Trick of Light and Sorrow
7. Four White Horses
8. Fire Is a Bad Master
9. Deaf Heaven Sits
10. God Brotherer

Jhon Robinson: Bajo, Cantante
Aaron Polk: Batería
Joey Carbo: Guitarra, Cantante


Woorms nos propone un viaje musical cada vez más conciso es una banda ambiciosa que quiere crecer y experimentar a partes iguales y considero que van por el buen camino. Banda de Baton Rouge ( Louisiana) creada en el 2017 y que presenta su segundo larga duración. Todavía no nos han dado tiempo de digerir su primer trabajo " Slake" que salió a inicios del 2019 y ahora un año después quieren seguir en la cresta de la ola.
No voy a decir que han logrado dar un paso adelante porque es más de lo mismo pero si que se puede decir en cambio que se han consolidado con este trabajo. El sello inglés Sludgelord le publica de nuevo un trabajo a esta banda americana.
Única diferencia respecto a su primer trabajo, este es más psicodélico que el anterior. Vamos a situarnos, esta banda americana no presenta el típico sonido de Sludge que se lleva hoy en día, con esto quiero decir que no es una banda excesivamente agresiva ni atmosférica que es lo que se suele llevar. Take His Fucking Leg es el primer corte y denota lo que os decía un gusto por el rock Psych pero con un trabajo muy distorsionado en guitarra y bajo.
Precisamente es lo que más valoro de ellos, la mezcla que realizan que suena clásica, cierto que nada arriesgada pero por momentos suena muy bien como en Unicorn Corn, donde se nota esa esencia del Punk que quizás es algo que están perdiendo las bandas de Sludge de hoy en día que derivan más hacia el Post Metal/ Sludge del combo Melvins- Neurosis, pues los tiros no van por ahí.
Loable el trabajo de la base rítmica en Escape Goat o Fire is a Bad Master, con un desarrollo sostenido que no es agresivo para nada pero si elaborado y con una distorsión que siempre les va a acercar a una mezcla entre Sludge, Punk y Psych Rock.
La voz del cantante es grave y ronca no me queda demasiado bien respecto a lo que es el sonido del grupo pero tampoco es algo a tener en cuenta pues hay que hay estribillos cantados, no tienen ningún peso en ninguno de los temas de este álbum.
Lo mejor de este disco aparte de lo elaborada que está el sonido de la base rítmica es cuando se dejan llevar por el Rock Psych y esos riffs que son como paredes de hormigón de puro Sludge tan esenciales que parecen extraídos del vientre  materno del género como en God Brotherer y esa es la clave de su sonido. Es un buen trabajo pero yo considero que les falta un paso adelante para acabar de conquistar el mundo del Sludge. Aún así es una banda valorada en su zona de confort, en su área de influencia pero les falta dar el salto internacional.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

Gutted Alive " Killing Desire"

Gutted Alive " Killing Desire" Usa Brutal Death 2019
1. Intro
2. Purveyor In Filth
3. Carver Of Flesh
4. Chopped Up For Chum
5. Cold Steel Slash Wound
6. Stump Grinder
7. Murderous Creation
8. Soaking In Torment
9. Eternal Decay
10. Deranged And Enraged

Brandon Graves: Batería
Jason "AHQK the Dragon Slayer" Acquilano: Guitarra, Cantante
Ryan Michael : Cantante
Adam Shampine: Bajo

Esta banda de Rochester ( Nueva York) empieza a tener visibilidad dentro de la escena del Brutal Death y eso que no crean nada nuevo pero es que lo que hacen suena tan clásico, tan puro dentro del estilo que convence en su mayoría de momentos.
Después de la Intro la banda tira de Purveyor in Filth con unos cambios de ritmo muy buenos donde tiran de un ritmo de batería persistente para luego buscar los D- Beats y la aceleración en el riff, sencillo a más no poder pero también hiriente. Con un ritmo todavía más clásico en Carver of Flesh donde demuestran que mezclan el Brutal Death con el Death más clásico, en este tema lento que no tiene nada que ver con el Slamming pese a su lentitud nos vamos a encontrar con influencia de los Autopsy entre otros.
Chopped Up For Chum si que es un tema de puro Brutal Death a golpe de martillazo constante, Blast Beats como principal ingrediente del tema. Cannibal Corpse, Aborted, Nile, Skinless, Disgorge entre las influencias de esta banda americana.
Cold Steel Slash Wound es un tema que va creciendo en intensidad gracias a la labor de la base rítmica con gran protagonismo para el bajo que es el que genera la aceleración. La voz gutural con esos toques de Growls o la llamada " Pig Voice" que se utiliza para el Grindcore que aporta variedad al trabajo vocal. Quizás en el tema Stump Grinder se repiten demasiado y son ideas que ya expusieron anteriormente pero es que en el Brutal Death es difícil innovar y más si no es técnico como es el caso de esta banda. Lo más logrado de esta banda son los momentos de Death clásico como en Murderous Creation que me recordó a los holandeses Altar y que también presenta riffs de los Death es uno de los temas más efectivos del trabajo.
Buscan a través de la base rítmica que sea el motor del tema y el que lo lleve a otro derrotero como en Soaking in Torment donde de nuevo vuelven a tirar de ritmos lentos con una batería blanda que es una de las características principales de esta banda y sucede lo mismo con Eternal Decay, a medida que van avanzando los temas se van repitiendo y la creatividad decae. Deranged and Enraged es el último corte de nuevo vuelven a sacar su mejor faceta que es cuando apuestan por el Death clásico por momentos. A la guitarra le falta soltura aunque cumple, por momentos el bajo está mucho más acertado. Les falta algo de complejidad en sus estructuras y temas más variados entre sí pero lo cierto es que este álbum entra a la primera.
https://guttedalive.bandcamp.com/
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,75/10

Stray " Suicide"

Stray " Suicide" Inglaterra Rock 1971
1. Son of the Father
2. Natures Way
3. Where Do Our Children Belong
4. Jericho
5. Run Mister Run
6. Dearest Eloise
7. Do You Miss Me
8. Suicide

Gary Giles: Bajo
Ritchie Cole: Batería
Steve Gadd: Cantante
Del Bromham: Guitarra, Teclado, Cantante

Es el primer álbum de Stray el que la gente recuerda pero para mi gusto es muy superior este Suicide, su verdadera obra maestra. Son of the Father es un tema colosal. Arranca con órgano hammond y acústicas en la tradición del rock sinfónico y progresivo, algo que harían después los Sabbath en su etapa más progresiva, los Stray les influenciaron y lo combinan con mucha distorsión en la guitarra acercándose al proto metal. Natures Way sigue explorando su vena melódica muy en la línea de los Led Zeppelin y sus temas acústicos con un ritmo de bajo marcado que aporta algo de Funk y esos coros agudos celestiales creciendo poco a poco en prestaciones en el tema.
Run Mister Run es un tema alegre muy en la línea del rock más comercial, a mi me recuerda a los Taste. Desentona un poco dentro de este álbum pero buscan alternativas, es un trabajo de temas sueltos como quién dice. Jericho es otro de esos temas acústicos con un ritmo de batería bastante original que va creciendo en intensidad a medida que pasan los minutos y busca un tema al galope donde destacan los ritmos sureños, suena a los Animals y también recuerda a otra banda de calidad máxima pero maldita como es el caso de Stray, hablo de los Badfinger... a los que llamaban en sus tiempos los nuevos Beatles.
Dearest Eloise es una suite instrumental con la psicodelia en los teclados de los Doors con un ritmo de guitarra que recuerda al Blues más suave y es una balada de calidad, suave y un guante que después recogerían los galeses Budgie.
Do You Miss Me? es un corte alegre con un gran ritmo en la base rítmica, que natural les salen todas las líneas armónicas de los temas y como fluye todo en la misma dirección. Empezaron en sus primeros tiempos tocando Blues Rock y a medida que pasaron los años se pasaron al rock progresivo. Decía que este era un álbum de temas sueltos y hay que matizar, es un trabajo que está a caballo entre los dos estilos musicales que practicaron.
Suicide es un tema muy en la línea de su primer álbum, improvisación y más electricidad, dejando entrever cosas que después llegarían como el Stoner el Heavy Metal y el Doom, es una banda olvidada pero que abrió muchos caminos para las bandas que vendrían después y este es un gran álbum.



Vam Cyborg " Actos de Maldad"

Vam Cyborg " Actos de Maldad" 1983 España Pop Rock
1. Actos de Maldad
2. Radioactividad

Vam Cyborg es una banda que fue creada en Zaragoza en 1975 por Vicente Aguilera Morillas. Un grupo único dentro de su especie, incomparable y diferente a todos. En sus primeros momentos buscaban mezclar el rock sinfónico más experimental con la música electrónica con un toque bastante oscuro.
El problema para Vam Cyborg es que nunca fue una formación estable, variando de todo, desde número de músicos pasando por diferentes instrumentos, pero casi siempre utilizando el Moog, sintetizadores, computadores de ritmo y letras muy típicas de la movida madrileña.
También utilizaban secuenciadores, samplers y todo tipo de máquinas electrónicas modificadas para crear sonidos y ritmos. Decía en su día el creador de esta banda que cualquier tipo de maquinaria electrónica o motor tiene su propio tono y tenía razón.
" Quiero anarquía como profesión. Ya sé que está mal. Estoy pensando en ti, en la oscuridad, cometer actos de maldad, ya sé que está mal" así decía la letra de Actos de Maldad que cautivo durante un tiempo sobre todo al público madrileño.
Son uno de los pioneros de la música electrónica en España y son una banda fundamental en Aragón y el desarrollo de la escena aragonesa, por estos tiempos también estaba otra banda que ya reseñamos en su día, los también maños los Cocadictos de Punk, era otro rollo pero eran las dos bandas más punteras del momento y las que abrieron el camino.
En 1981 Vam Cyborg era un dueto electrónico que tocaron en el País Vasco y Aragón y en sus conciertos tiran de proyección de imágenes , maquillajes y siempre fueron muy teatrales, salieron en el programa Tocata... el mítico Tocata.


Rock Bergarde Biografía

Una banda bastante desconocida estos de Rock Bergarde. No estaban en una ciudad donde el Heavy Metal tuviera una fuerte escena y eso es un poco lo que les sucedió pero tienen su mérito y lo tienen porque estamos en los inicios de la década de los ochenta y unas cuantas bandas en Usa se intentan abrir paso dentro del Hard Heavy.

Una de las que crearon escuela y que abrieron caminos para los demás fueron los Quiet Riot y los Riot. Estos Rock Bergarde eran un quinteto procedente de Houston que como os decía en 1982, la fecha en la que esta banda se creo, pues apenas había escena musical en la ciudad. Si empezaba a haber en Nueva York y Los Ángeles y se extendía a otras zonas como Chicago y demás.
Aún así consiguieron un contrato discográfico con un pequeño sello llamado Rok, del que se desconoce todo. Tan solo sé que este sello llegó a grabar dos álbumes, el de Rock Bergarde y un single de los suecos afincados en Inglaterra los E.F Band, banda de la Nwobhm. El único álbum de Rock Bergarde se titulo " The Attack is On". Un trabajo editado por el sello Rok en formato vinilo que es imposible de conseguir a día de hoy. Álbum con diez temas y uno de ellos una curiosa versión de The Supremes, mucha calidad no tenían pero ahí queda su debut registrado en Metalbrothers.es, el mayor banco de datos metalero de la historia. Un único álbum en 1983 y luego la desaparición.

El último tango en París



No fucking Names!

Campeonato ciclista España 1913

El XIII Campeonato de España de Ciclismo en Ruta se disputó en Vitoria el 1 al 4 de agosto de 1913 sobre un recorrido de 100 kilómetros.


El Campeonato, organizado por la U.V.E., coincidió con la celebración de la Vuelta a las Vascongadas. En total, fueron cuatrto etapas con principio y final en Vitoria. El ganador de la prueba fue Juan Martí, que se impuso en la clasificación general. José Magdalena fue el claro dominador de las dos primeras etapas pero no pudo mantener el nivel en la dos siguientes. Lorenzo Oca y Joaquín Larrañaga completaron el podio

Pili y Mili

Pili y Mili eran una pareja artístico cómica de cine española compuesta por las gemelas Pilar ("Pili") y Aurora Bayona Sarriá ("Mili", de 'Emilia', el nombre artístico que utilizaba), nacidas el 10 de febrero de 1947 en la ciudad de Zaragoza, España.

Desarrollaron una breve carrera en teatro y revista en Barcelona para luego entrar en el mundo del cine con el nombre artístico de "Pili y Mili", y obtuvieron gran éxito desde 1963 hasta 1970 en España, México, Argentina e Italia, entre otros países.1​2​

En 1970 "Mili" se casó con un empresario de espectáculos mexicano, por lo que el dúo se disolvió; mientras que por su parte "Pili" continuó su carrera como actriz, pero ahora con su nombre de pila, Pilar Bayona.

Sacas de presos

Las sacas de presos –mencionados abreviadamente en el argot de la época como sacas– son situaciones de violencia ocurridas en las cárceles de diversas partes de España principalmente durante el periodo que duró la guerra civil,1​ aunque tuvieron continuidad durante los primeros años de la dictadura de Francisco Franco. El procedimiento consistía en la extracción masiva y sistemática de presos de las cárceles con el objeto de ser asesinados o trasladados. Las víctimas eran sacadas con criterios globales, militares, religiosos, de


estatus social, etc. Estos sucesos fueron de los más controvertidos y polémicos de la guerra civil española, y fueron eventos realizados en ambos bandos.2​3​ El fenómeno ocurrió principalmente a finales del año 1936. La definición de «saca» puede provenir del verbo «sacar» o del nombre «saca» –como sinónimo de montón o cierta cantidad–. Sea como sea fue una de las formas de violencia empleadas durante la contienda como lo fueron los paseos y las checas.4​ El precedente fue sin duda la generosa aplicación del asesinato paralegal sin habeas corpus en la forma llamada Ley de fugas.

El Público

En junio de 1933, cuando se publicaron dos páginas en la revista Los cuatro vientos, todavía no había una versión definitiva de la obra. Como era su costumbre, Lorca escribía y reescribía una y otra vez el texto, realizando lecturas de las nuevas versiones entre los amigos.9​ Martínez Nadal ha afirmado haber visto dos copias definitivas escritas a máquina pocas semanas antes de la muerte del autor, en una lectura que el poeta había dado a un grupo de amigos en el restaurante Buenavista, a la que el mismo Nadal sólo llegó hacia el final.1​10​ Todas estas variantes se han perdido, a excepción de un único manuscrito, probablemente una primera versión en la que falta un acto, que Lorca entregó en un paquete cerrado el 13 de julio de 1936 a Martínez Nadal, el último día que ambos pasaron en Madrid, antes de que Lorca volviese en tren a Granada. Martínez Nadal conservó el manuscrito bajo llave durante cuarenta años, hasta su publicación en 1976.11​ La narración de Martínez Nadal presenta algunas dudas, ya que resulta curioso el interés de Lorca de preservar un manuscrito, cuando existían por lo menos versiones definitivas.12​

Marcelle Auclair, en su obra Enfances et mort de García Lorca (1968), afirma que Dulce María Loynaz habría roto y tirado a la papelera un manuscrito de 53 páginas de El público, debido a que la obra le pareció absurda y escandalosa. Loynaz posteriormente negó, tanto haber destruido documentos de Lorca, como haber afirmado tal cosa; aseguró que el manuscrito había sido un regalo del granadino para su hermana Flor Loynaz, poetisa también, y que el manuscrito había sido destruido por Carlos Manuel Loynaz, poeta y hermano de Flor y Dulce María, en una de sus crisis. Desgraciadamente, la desaparición o destrucción de obras de Lorca relacionadas con la homosexualidad, aunque no sólo esas, es una constante. Como ejemplo se puede mencionar la desaparición de los manuscritos de La bola negra, una obra teatral que trataba sin rodeos la represión de los homosexuales por la sociedad, y La destrucción de Sodoma, otro drama que, como indica su nombre, trataba el tema.13​ Naturalmente, tampoco fue favorecedor para su conservación que García Lorca fuese descuidado con sus manuscritos y prefiriese la transmisión oral a la escrita, ni la resistencia de la familia a publicar cualquier texto relacionado con la sexualidad de Lorca

Unabomber

En 1995, Unabomber había enviado al periódico The New York Times una carta en el que hacía públicas sus quejas hacia las nuevas tecnologías y había pedido la publicación de un artículo largo a cambio de no enviar más bombas. Estuvieron dudando unos meses sobre su publicación, ya que no creían en su promesa de parar sus envíos, aunque dedujeron que hicieran lo que hicieran las bombas proseguirían y que, al hacer público un documento escrito por él, alguien podría identificarle.

Recibieron miles de llamadas de personas que creían conocer a Unabomber y tenían miles de sospechosos. El hermano de Kaczynski lo reconoció en este documento, entre otras cosas, por una frase clave «No puedes comerte la tarta y seguir teniéndola», la cual era típica de su hermano, aunque no podía creer que fuera un asesino. Investigó el documento y las cartas enviadas y alertó a las policías, pero entre tantos sospechosos uno que no poseía siquiera agua corriente tenía más difícil la fabricación de una bomba.

Cuando investigaron a este sospechoso se percataron de que había una probabilidad de que fuera él, por lo que pidieron a su hermano que señalara en un mapa el lugar donde se encontraba su cabaña, lo detuvieron y al comprobar las pertenencias que había en la cabaña dedujeron que los actos habían sido premeditados. También encontraron su diario y un cuaderno de notas en el cual se describía la fabricación de sus bombas.14​

Kaczynski está encarcelado en ADX Florence, cárcel federal de máxima seguridad ubicada en el Estado de Colorado15​ que tiene el número de la Agencia Federal de Prisiones 04475–046.1Aquel artículo largo que Unabomber ofreció a The New York Times fue finalmente publicado el 19 de septiembre de 1995 tanto por The New York Times como por The Washington Post.17​ Llevaba por título La sociedad industrial y su futuro, aunque es conocido popularmente como El manifiesto de Unabomber. Este escrito llama a una revolución mundial contra las consecuencias de la sociedad moderna, denominada en el manifiesto "sistema tecno-industrial".18​ Argumenta que la "Revolución Industrial y sus consecuencias han supuesto un desastre para la humanidad",19​ en parte porque el sistema tecnoindustrial "tiene que obligar a la gente a comportarse de un modo que está cada vez más alejado de los patrones naturales de la conducta humana".20​ Esto provoca, según el manifiesto, trastornos psicológicos ejemplificados por el izquierdismo. Con este término, Unabomber hace referencia a las personas "sobresocializadas" que reprimen sus inclinaciones naturales y se avergüenzan cuando su forma de comportarse o hablar son contrarios a las expectativas de la sociedad.21​ Esto les lleva a rebelarse contra la sociedad, paradójicamente. Un izquierdista "toma un principio moral establecido, lo adopta como propio y, entonces, acusa a la sociedad convencional de violar dicho principio", poniendo el manifiesto de ejemplos de esos principios morales a la igualdad, la ayuda a los pobres, la paz o el rechazo del maltrato a los animales.22​ La sociedad industrial y su futuro postula la existencia de una necesidad humana (probablemente de origen biológico) de experimentar lo que llama el “proceso de poder” que consta de cuatro elementos: meta, esfuerzo, consecución de la meta y autonomía. Sugiere además que en sociedades primitivas este proceso se experimentaba mejor que en la sociedad tecnoindustrial en la cual las metas vitales son sustituidas paulatinamente por metas artificiales que no satisfacen el proceso de poder.23​ Por otra parte, Unabomber argumenta que la libertad se ve cada vez más amenazada y limitada por el desarrollo de la sociedad tecnoindustrial y por ello defiende la necesidad de una revolución contra ella

Monster Brawl


Pero fuera de comparaciones, la película de Jesse T.Cook rompe cualquier regla o molde estipulada/o, mostrándonos otros personajes que sin darse de mamporros como nuestros protagonistas tan caracterizados, si que tienen su parte de peso o risa, en este caso, en la monstruosa película. Científicos locos, militares retirados más locos aún, antiguos luchadores, azafatas o los propios comentaristas de las peleas que consiguen mantener un poco a flote el producto y no verlo caer directamente al pozo nada más empezar. “Monster Brawl” tiene a ratos, diálogos chispeantes, alguna que otra secuencia que destacar… y que no voy a revelar y en general y principalmente, ese gustillo de poder ver nuevamente y todos juntos a estos clásicos del cine de terror. Pero básicamente, lo grande del trabajo de Jesse es como he dicho antes, su originalidad o sinopsis que estará en cientos de webs o blogs.

La historia en si narra el increíble torneo a muerte de lucha libre en el cual competirán algunos de los monstruos más míticos de la historia y que servirá para determinar cual de ellos es el más poderoso de todos los tiempos –ahí es nada-. En total son ocho los luchadores/as y cuatro por conferencia. Monstruos a un lado, héroes al otro. Y sinceramente, esta historia hubiera sido perfecta para un mediometraje y no es por desagradecer la infinita información que se nos da, sino, y como decía unos renglones más arriba, porque se repite hasta hacerte desesperar y ya no importa la hora a la que la pude ver en el festival –todos éramos monstruos y héroes igualmente-, importa y mucho, el que se quedara atrapado el guionista (Jesee) en el fango del pantano y eso le perjudicara seriamente la mente y sus manos a la hora de pensar y escribir.

miércoles, 29 de enero de 2020

Ayas " Heaven and Earth"

Ayas " Heaven and Earth" Armenia Hard Heavy 2019
1. Ayas
2. The Twentieth Century's Citizen
3. The Border of Centuries
4. Super Murder (for You)
5. Bloodie Beast
6. Heaven and Earth
7. You'll Never Do It!
8. Follow the Trails of Centuries
9. Cruel Fate
10. Torn Corpses
11. Under the Sun rays
12. The Cruel Fate
13. The Twentieth Century's Citizen
14. The Border of Centuries
15. Heaven and Earth
16. You'll Never Do It!
17. Hands Off!!
18. Intro
19. Follow the Trails of Centuries
20. Under the Sun Rays
21. Follow the Trails of Centuries
22. Island of Candles
23. Spirit of Fire
24. The Night Is the Blood of Ahriman


Arthur Mitinyan: Teclados, Cantante
Areg Nazaryan: Bajo
Hovhannes Kuloghlyan: Guitarra
Arutyun Keshishyan: Batería

El Metal en Armenia noestá muy reconocido, hubo bandas locales en los primeros años ochenta pero los primeros en abrir el camino fueron los Asparez que fueron los primeros en grabar un disco para el sello soviético Melodiya, la primera banda armenia en grabar un álbum. Ayas se creó en 1986 con la siguiente formación: Arthur Areskin (cantante), Yuri Torosyan (Guitarra), Armen Eghiarzyan (Bajo), Egishe Marutyan (Batería) y Arthur Mitinyan (Teclados) este último es el compositor y creador de esta banda.
En enero del 87 la banda se llamaba Farvatter pero en marzo del 87 el nombre se cambia a Ayas y ya se queda así de forma definitiva. El nombre de Ayas es el nombre de un club náutico que hay en Yerevan. También este nombre es el de una pequeña ciudad que hay en Turquía, que en la civilización antigua se llamaba Aegea. Esta ciudad perteneció a la comarca de Cilicia, era un importante puerto marino del reino de Armenia en el siglo XIII. Ayas también fue el nombre del primer barco que se construyó en Armenia.
Esta banda debutó en 1988 con el álbum “Yerkink u Yerkir” un álbum que la banda grabó en la capital de Armenia, Yerevan, de forma independiente y con escasos medios y nula promoción. No había cultura metalera en Armenia y la banda no tenía muchas posibilidades. En 1991 graban una demo de forma independiente titulada Dazan Bacht.
La banda se separa en 1995 cuando Arthur Mitinyan se va a vivir a Moscú. Regresaron en el 2008 cuando el teclista regresó a su Yerevan natal. Actualmente la banda sigue junta y ofrecen algún concierto de forma esporádica por Armenia y los países vecinos. Hasta 24 músicos pasaron por esta banda, Ayas siempre fue una formación de supervivientes, en realidad es como si fuera tan solo el proyecto de su teclista. De la actual formación tan solo hay un miembro original, Arthur Mitinyan el resto son nuevos. La música de Ayas es una combinación muy original entre Heavy y Thrash, el punto de originalidad lo pone su teclista que dota a los temas de una atmósfera oriental que le queda muy bien a las composiciones.
Arthur Mitinyan es el líder de esta banda, lo dejaron cuando se fue a vivir a Moscú y cuando regresó a la capital armenia, Yerevan la banda retomó la actividad. Su último trabajo hasta la fecha fue una demo en 1991. Ahora vuelven a la carga con formación nueva solo sobrevive Arthur y el sello sueco I Hate recopila todos sus temas en este muy buen recopilatorio de estupendo sonido y que nos acerca al metal de la Europa del Este. Digo lo de estupenda producción porque han respetado el sonido original así que es como si nos acercásemos a los años ochenta. Ayas es una banda de Hard Heavy clásico que a mi me recuerdan en cuanto a sonido a los Black Coffee rusos y son grandes fanáticos de los Deep Purple y tienen esa esencia del rock más clásico pero a la vez tienen un ligero toque Doom en sus temas, están más activos que nunca y están ofreciendo una gira sinfónica por su país.

Vermiforme " Iris La condena del génesis en el lodoso valle de los gusanos"

Vermiforme " Iris La condena del génesis en el lodoso valle de los gusanos" Sludge Uruguay 2019
1. Ciclo I: Gestación
2. Ciclo II: Procesión
3. Ciclo III: Ofrenda


Vermis: Cantante, Guitarra
Nox : Bajo
Tenêbrae: Batería

La escena uruguaya siempre fue potente aunque quizás no tenga la visibilidad que tienen otros países latinos como Brasil, Chile, Colombia, Argentina o Perú por ejemplo que en los últimos tiempos está viviendo una etapa dorada en cuanto a salida de nuevas bandas pero aunque no tenga su vistosidad, la escena metalera en Uruguay está muy arraigada desde los ochenta gracias a pioneros como los Alvacast.
Vermiforme son únicos en su país pues es la única banda que se dedica al Sludge y además desde un punto de vista muy particular. Banda creada en Canelones en el 2011 todos sus miembros proceden de una banda llamada Kamuflaje. Presentan su tercer larga duración un trabajo con tres temas de larga duración.
Ciclo I: Gestación es el primer corte. Lento a más no poder destaca el papel del bajo distorsionado por completo y como mezclan por momentos ese Sludge que no es el típico emparentado con el Hardcore ni recrea atmósfera de ningún tipo, solo lo mezclan con una base rítmica de Doom que trata de ser ocultista y jurásica en el desarrollo de ritmos, vale que no tienen feeling alguno a nivel compositivo pero son originales y no se parecen a nadie.
 Las influencias son claras quiero decir, como por ejemplo Black Sabbath, Melvins, Electric Wizard, Tool, Down, Crowbar, Eyehategod, Ephel Duath, Portal... estas influencias musicales surgen en el tema Ciclo II: Procesión pero de una forma completamente distinta. Ni te vas a encontrar con la épica de los Sabbath, ni con la mezcla de Melvins ni con el occult metal de los Electric Wizard por ejemplo pero en cambio si tienen su esencia.
Cierran el trabajo con Ciclo III: Ofrenda que es el tema más oscuro de todo el trabajo. El tema más orientado hacia el Sludge un estilo que ya no solo en Uruguay sino en toda Sudamérica no calo demasiado hondo y aún así esta banda en Uruguay son populares, primero por su puesta en escena tan lúgubre y segundo porque son pioneros de este estilo en su país. Aunque hay cantante, la verdad es que en los temas, que los tres pasan de los diez minutos de duración, no tiene ninguna repercusión en el desarrollo de los temas siendo lo más destacado su parte instrumental. Siempre van en sus composiciones de menos a más y con esto quiero decir que hay pasajes realmente lentos con lo mínimo, el sonido de bajo y la batería con un ritmo muy pausado hasta que entra esa electricidad a golpe de distorsión tan típica del Sludge y derivados, no tienen los temas gancho alguno pero es que es una banda experimental.
https://vermiforme.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Feeling: 1/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6/10


Paskinel " Paskinel"

Paskinel " Paskinel" Heavy Metal Argentina 2019
1.Asesino Serial
2.La Parka
3.Depresión
4.Oscura Tentación
5.Espejismo
6.Barbie
7.Herederos
8.Diablo Rutero
9.En Cuna De Hierro (Intro)
10.En Cuna De Hierro
11.Un Bar En El Infierno

Pelu Rocha: Batería
Nico Roa: Guitarra
Miguel Salinas: Cantante
Alex Paskinel: Bajo, Cantante

Paskinel es una banda argentina creada en el 2013 en Avellaneda que debuta con este ´labum, ellos mismos nos aclaran quién fue Paskinel en su cuenta de Facebook " Paskinel fue un asesino serial en la antigua ciudad Rusa de Yekaterinmburgo (hoy Ekaterimburgo) de la zona céntrica del país. El degollaba a sus víctimas con una guadaña de mano. Este personaje no fue muy conocido, pero la fiereza de sus actos lo popularizo en esos pueblos de la Rusia Bolchevique o Repúblicas Soviéticas Rusas en el año 1922 tras la caída del Imperio Ruso y ejecución del último Zar Nicolás II. De ahí nuestro nombre y las insignias"
Asesino Serial trata sobre la mente enferma de un asesino en serie, seguramente el asesino en serie más famoso de la antigua Unión Soviética fuera Chikalito el carnicero de Rostov un auténtico demente. La Parka es un tema más veloz y con esencia más rockera que recuerda al British Steel de los Judas Priest es muy sincera su apuesta musical. En Depresión me encuentro con un medio tiempo donde elaboran más el estribillo con más melodía y gancho, siempre con un metal clásico en vena que recuerda en todo a los clásicos de la escena argentina como son:  Hermética, Alma fuerte, Logos y si miramos al extranjero claramente Judas Priest, Black Sabbath e Iron Maiden.
Hablando de Black Sabbath tributo en el inicio del tema Oscura tentación a golpe de bajo para luego introducir un medio tiempo machacón que recuerda a los Judas Priest con mucha más agresividad en la batería. Espejismo a caballo entre el Power Metal y el Speed Metal pero siempre dentro del esquema de metal clásico y con ese sonido aguerrido sin maquillaje de algún tipo tan típico de este país. Del tema Barbie quiero destacar la melodía que recrea el bajo mientras la guitarra solista ejecuta el solo, bajando de revoluciones para pasarse al rock para luego tirar de una buena melodía en la guitarra con riffs doblados melódicos en Herederos y siguiendo una línea también melódica en Diablo Rutero.
En Cuna de hierro es una introducción melódica pero no instrumental para luego introducir el siguiente tema de mismo título donde ejecutan unos ritmos típicos de Maiden solo que versión acelerada. Un Bar del infierno es un tema con estribillo muy rockero para finalizar el álbum. Quizás de técnica no vayan sobrados pero suenan potentes por momentos aunque no siempre y sinceros, brillan más cuando tiran de doble bombo, riffs más aguerridos y velocidad.

Feeling: 2/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6,25/10



Thoren " Gwarth II"

Thoren " Gwarth II" Usa Death Metal 2020
1. Gwarth
2. Naeg
3. Thaw Gur
4. Vex
5. Gorthad
6. Raun Raeg
7. Egladhrim
8. Lithui
9. Suith
10. Firen

Anthony Lipari : Guitarra
Joseph Paquette : Bajo
Alex Cohen : Batería
Kenny Grohowski: Batería



En los últimos tiempos proliferan bandas instrumentales pero suelen estar en la línea de otros estilos musicales como suele ser el Post Metal, en cambio Thoren es una banda de Death Metal técnico. Tienen detalles muy curiosos, la mezcla que realizan no es gratuíta y fruto de la improvisación sino que está lograda y muy pensada sobre todo.
Su música es para sentarse y degustarla con el paso de las escuchas pues con el paso de las escuchas podrás ir sacando en limpios diferentes conclusiones en temas como Gwarth, Naeg o Thaw Gur... seguramente cuando pensamos en Death técnico se nos viene a la mente la última época de los Death o los Atheist pero estamos en el 2020 y ese ejemplo aunque parezca que fue ayer, ya quedó atrás, ahora se lleva la mezcla de estilos mucho más agresiva y en cierta manera es como si regresáramos a los noventa. ¿ Porque digo esto? Fácil, porque las modas son cíclicas y así lo entienden los Thoren, el sonido es muy de los noventa, sobre todo la producción tan sucia que presentan los temas.
Thoren es una banda de Sterling Heights ( Michigan) que fue creada en el 2013 y presenta su tercer larga duración a través del sello Drylands, el álbum saldrá a la venta el 7 de febrero y tengo que decir que es la continuación de su anterior trabajo del 2018.
Como ya os avise, no es un álbum para todos los públicos debido primero a su nulo aspecto comercial. Que no haya la figura de un cantante ya os de menos pues en los tiempos que corren ya estamos más que acostumbrados a no tenerla pero es que tampoco hay ni un rastro de melodía o de algo que resulte ligero para el oyente, todo es sesudo, agresivo y sobre todo roza la psicodelia por momentos.
Firen y Vex son los dos temas más representativos para hablar del sonido de la banda. El trabajo del bajo es muy oscuro, de tonalidad grave y sobre todo es muy técnico y persistente, muy en la línea del Brutal Death técnico de los Suffocation. En las partes lentas tiran de distorsión y recuerdan mucho al Sludge y el trabajo de batería está constantemente cambiando de ritmo sin llevar un rumbo fijo, creativo como suele ser un esquema de Post Metal, sin guión, es decir sin el típico estribillo o solo de guitarra y tirar de partes repetidas todo el rato. Shred, Djent y Death técnico mezclado incluso con partes lentas de Slamming nada se les resiste como músicos pero lo más brillante es ese toque en la guitarra que roza la psicodelia. No es para todos los gustos solo para los más elitistas o avezados en el progresivo más extremo pero con el paso de las escuchas tiene su recompensa, es una banda que abre nuevas vías de sonido y solo por eso, merecen todo mi respeto. Por cierto que el batería de esta banda toca en Imperial Triumphant la banda más original de los últimos años, aunque hasta tres baterías han llegado a usar y a varios por tema.

Feeling: 1/5
Originalidad: 5/5
Técnica: 4/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,25/10

Boiled in Bleach " Demo I"

Boiled in Bleach " Demo I" Grindcore Usa 2019
1. Cutthroat Attitude
2. Drowned in Screams
3. Eaten Alive by Rats

No hay información sobre esta banda tan solo os puedo decir que son de San Antonio y que vamos a asistir a una fiesta caníbal del Underground, a lo más sucio, mugriendo, indecoroso que escuché en lo que va de año y el que entienda de Underground sabrá que lo que digo es un halago en toda regla.
Hoy en día dentro del Grindcore ya está todo inventado. Al igual que otros estilos, viven de la mezcla de estilos a eso le llaman innovación pero es como mezclar cualquier tipo de comida, no es nada novedoso y se lleva haciendo toda la vida así nacieron nuevos estilos musicales a golpe de mezcla en los sesenta pero a día de hoy está todo inventado.
Digamos que estos Boiled in Bleach realizan una mezcla entre estos tres factores: Grindcore, Blackened Death mezclado con Grind y sobre todo mucho Noise, siendo este tercer subgénero musical el definitivo y el que más personalidad les da a su sonido.
Cutthroat Attitude es un corte que arranca con un sonido de radio dando noticias fúnebres para luego tirar de Blast Beats con una distorsión tan exagerada y una voz del cantante tan retocada que rara vez se escucha algo tan sucio y Metalbrothers.es lleva más de 2000 reseñas este año de diferentes estilos musicales así que tiene su mérito. Drowned in Screams sigue la misma estela y podría decir que es un tema que conecta a la perfección con el primer tema, suena igual y finaliza con esa voz hablada que parece extraída de una radio del primer tema.
Pero si hay un tema que destaca por encima de todos ese es sin duda Eaten Alive by Rats donde logran un sonido de batería diferenciador, donde aislan el sonido de la batería que suena muy por encima del resto de trabajo de distorsión como ya dije mezcla de Grindcore con Noise y le da una personalidad muy buena. Desde luego el debut no puede ser más prometedor y estamos hablando de una de las bandas de Grindcore con el sonido más extremo de los últimos años, ojalá que sigan por este camino.
https://boiledinbleach.bandcamp.com/releases
Álbum Completo