sábado, 29 de agosto de 2020

Sinister " Deformation of the Holy Realm"

Sinister " Deformation of the Holy Realm" Holanda Death Metal 2020
01. The Funeral March
02. Apostles of the Weak
03. Unbounded Sacrilege
04. Unique Death Experience
05.Scourged by Demons
06 Suffering from Immortal Death
07. Deformation of the Holy Realm
08. Oasis of Peace - Blood from the Chalice
09. The Ominous Truth
10. Entering the Underworld


Aad Kloosterwaard: Cantante
Toep Duin: Batería
Ghislain van der Stel: Bajo
Michal Grall: Guitarra

Junto a los Asphyx son la banda holandesa de Death Metal más veteranas y las más conocidas a nivel internacional. Sinister es una banda creada en 1988 que después de varias demos, Splits y ep, debutaban en 1992 con su primer larga duración " Cross the Styx", su gran contribución al estilo y su obra maestra, aunque sus álbumes de 1993 y 1995 están también a la altura. En cambio de 1998 al 2003 sacaron tres álbumes muy flojos donde seguían la moda del Groove y la corriente alternativa y que supuso el cese de actividad en la banda. Regresaron en el 2005 y desde aquella han publicado un buen puñado de álbumes pero muy irregulares, son a día de hoy, capaces de lo mejor y de lo peor.
La banda presenta su catorceavo álbum de estudio " Deformation of the Holy Realm". En esta formación tan solo sobrevive como miembro original su cantante ( que durante muchos años fue el batería de la banda) en este disco en concreto se estrenan dos nuevos fichajes para Sinister. Banda recomendada para fans de Vader, Deicide, Morbid Angel, Benediction, Baphomet, Thanatos, Cannibal Corpse o Vital Remains.
The Funeral March es una intro sinfónica que no pega nada con el segundo tema, Suffering From Immortal Death. Redobles bestiales de batería y suciedad total para luego buscar un cambio de ritmo sencillo pero aguerrido con mucha presencia del bajo y como siempre ese toque a los Deicide.
Apostles of the Week se recrea en el Groove y en el medio tiempo con alternancia de voces guturales recreando un ritmo espeso y crudo muy típico de los noventa, los Morbid Angel en sus tiempos de gloria. Unbounded Sacrilege con un ritmo bastante dinámico en la batería pero a tenor de lo escuchado, les falta un poco de brillo en los riffs y esa creatividad..... pero no tablas.
Unique Death Experience de nuevo con un sonido de batería bestial que vuelve a ser la mejor nota de este trabajo y en los ritmos acelerados que encuentran su razón de ser. No tendrá demasiado gancho pero son los clásicos temas que cobran vida en el directo.
Scourged by Demons.... zapatero a tus zapatos, sería la conclusión. Intento de recrear atmósfera, de sonar más a Groove que nunca y con el bajo amplificado, de rozar el Death/ Doom pero nunca fue una banda que recreara atmósferas geniales y cuando aceleran vuelven a lo de siempre, que en el fondo, es su valor seguro. Suffering From the Immortal Death con el mejor solo de guitarra, no tiene gancho pero está muy elaborado, como siempre con la base rítmica, recreando una pared de sonido, siempre intensos, siempre aguerridos y directos al grano.  Oasis of Peace - Blood from the Chalice más de lo mismo, de nuevo un torpe intento de recrear una atmósfera y vuelta al cambio de ritmo que vas a adivinar y finalizamos con The Ominus Truth, de nuevo tirando de la escuela americana, desde los Morbid Angel pasando por los Vital Remains. Sin brillo, lineal por momentos, todos los temas en la misma dirección, en la irregularidad instalados de los últimos años.... pero ojo. Pese a todo, disco asesino, directo a la yugular, con un trabajo bestial en la batería y riffs nada creativos pero son violentos, donde te tienen que poner la camisa de fuerza y son tema  que en directo sonarán demoledores.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción. 3/5

Puntuación: 7,25/10




Grave Digger " Fields of Blood"

Grave Digger " Fields of Blood" Alemania Power Metal 2020
01. The Clansman's Journey
02. All for the Kingdom
03. Lions of the Sea
04. Freedom
05. The Heart of Scotland
06. Thousand Tears
07. Union of the Crown
08. My Final Fight
09. Gathering of the Clans
10. Barbarian
11. Fields of Blood
12. Requiem for the Fallen

Chris Boltendahl: Cantante
Jens Becker: Bajo
Axel "Ironfinger" Ritt: Guitarra
Marcus Kniep: Batería

Han pillado carrerilla en los últimos tiempos y es que salen a álbum cada dos años. Banda alemana creada en 1980 con el nombre de Digger y después de Hawaii. En sus primeros tiempos sonaban a Speed Metal y luego se pasaron al Power Metal. Tienen una legión de fans que hagan lo que hagan siempre les va a sonar bien. Pero para el equipo de Metalbrothers.es desde los tiempos de Excalibur no sacan un buen álbum y ya llovió. Tienen una nueva revalida con este " Fields of Blood" su vigésimo álbum de estudio.
Tirando del clásico sonido de las gaitas escocesas antes de la batalla para enardecer a los suyos en The Clansman's Journey en algo que ya han echo hace muchos años, quizás quieren darle un toque a sus fans más acérrimos, diciéndoles que con este disco, vuelven a su sonido más clásico.
Escucho All for the Kingdom y efectivamente quieren regresar a los tiempos de Excalibur, el estribillo de este álbum es clavado a cualquiera de ese trabajo citado y también es un álbum con muchas reminiscencias del Tunes for War. La voz de Boltendahl, eso ya no hay por donde cogerlo, va a peor y ni con trucos de estudio se arregla. Estribillo repetitivo y solo de guitarra de neoclásico.
Lions of the Sea con un coro para empezar y un riff de los Judas Priest/ Accept/ Riot, así de simple pero a veces lo simple es lo que funciona. Este es un tema donde prescinden de su Power Metal y se centran en un Hard Heavy clásico ochentero y de los de toda la vida, me aburre de sobremanera los coros en todos los estribillos a lo Manowar, hace que todos los temas te suenen iguales.
Freedom va de menos a más. Arranca con un solo de guitarra muy rockero al que le sigue un ritmo de puro Judas Priest " Painkiller" que no me pega ni con cola y el típico estribillo de los Grave Digger que al igual que los Blind Guardian, todos te suenan iguales, buenas intenciones pero no pega ni con cola ninguna de las partes.
The Heart of Scotland lo dicho, intentando de nuevo sonar bélico, épico como en los inicios de la década de los noventa que fueron los años de gloria de Grave Digger cuando sonaban musculosos. Buscan el clásico tema lento y épico y las voces regrababan, lo de siempre pero hay que decir que el riff recrea una atmósfera muy buena y que funciona.
Scott Cochrane es el invitado que toca la gaita escocesa en el álbum, que por cierto ya la tocó en el Tunes of War y el Knight of the Cross.... es lo que buscan en este trabajo, regresar a esos dos álbumes de los noventa. Colaboran Sielk ( Iron Saviour) y Hacky Hackmann a los coros ( este hombre lleva haciendo coros para los Grave Digger desde hace veinte años y también los hace para Blind Guardian) En la balada Thousand Tears entran estas dos voces y más la de la invitada Noora Louhimo, cantante de Battle Beast, un tema soporífero.
Union of the Crown tratan de recuperar el tono con lo de siempre, el doble bombo, los coros, el aire metalero a lo Accept y siempre buscando la épica alegre que ya aburre un poco pues es que es siempre lo mismo desde hace muchos años. El aspecto lineal del trabajo de batería tampoco ayuda en nada al desarrollo de este tema.
Me quedo de piedra con My Final Fight porque es un ritmo al galope de juguete, festivo y alegre que roza la pachanga y te imaginas un tema de esta guisa para una banda para niños a lo Heavysaurius o algo por el estilo.... pero unos tíos tan veteranos haciendo esto... os digo que Judas Priest saca este tema y reúnen firmas para que se jubilen. Gathering of  the Clans tiene contundencia y es tan previsible como todos los demás temas. Digamos que la frescura y las ganas duran un par de temas al inicio y poco más, enseguida se les agota la gasolina.
Del tramo final tenemos a Barbarians que busca un sonido rockero a lo Axel Rudi Pell con cambio de ritmo básico y primitivo emulando a Accept y la melodía de las twin guitars en el solo de guitarra, lo más sencillo de todo el álbum, pues es de los mejores cortes. Fields of Blood es simplemente como un somnífero. El mundo de Grave Digger cabe en un renglón, me refiero a sus connotaciones musicales. Esto es igual que el cine. Si tu ves una película de Stallone y tratas de emitir un juicio de sus obras como si se tratara de una obra de Tarkovski.... por favor, hay cultura y luego está el ocio, pues la música de Grave Digger es ociosa y sin profundidad alguna y alargan el chicle durante diez minutos dándole un toque sinfónico que te desconecta por completo y buscan los coros de nuevo, el doble bombo y la gaita y a repetir el estribillo hasta la saciedad... oda a sí mismos. Requiem for the Fallen es un outro sinfónico instrumental.... desde luego la segunda parte del álbum se carga las buenas intenciones de los primeros temas.
Los Grave Digger con este nuevo trabajo " Fields of Blood" simplemente han revisionado su discografía y tratan de volver a los tiempos de Excalibur, Tunes of War y Knight of the Cross y para ello han recreado ritmos calcados a los de esos tres álbumes. Irregular, más de lo mismo y con algún momento de Heavy Metal clásico ( a la altura de cualquier banda debutante) que te despeja un poco y recrea lo que más funciona. Aún así tengo que decir que este es el mejor álbum de Grave Digger en años así que imagínate como serían los demás.

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 5,5 /10

Def Leppard " London to Vegas"

Def Leppard " London to Vegas" Inglaterra Hard Rock 2020
CD 01: Hysteria at the O2
01. Opening (Live)
02. Women (Live)
03. Rocket (Live)
04. Animal (Live)
05. Love Bites (Live)
06. Pour Some Sugar On Me (Live)
07. Armageddon It (Live)
08. Gods Of War (Live)
09. Don't Shoot Shotgun (Live)
10. Run Riot (Live)
11. Hysteria (Live / Medley)
12. Excitable (Live)
13. Love And Affection (Live)
14. Wasted (Live)
15. When Love And Hate Collide (Live)
16. Let's Get Rocked (Live)
17. Rock Of Ages (Live)
18. Photograph (Live)

CD 02: Hits Vegas, Live at Planet Hollywood
01. Die Hard The Hunter (Live)
02. Animal (Live)
03. Excitable (Live)
04. Foolin' (Live)
05. Too Late For Love (Live)
06. Billy's Got A Gun (Live)
07. Slang (Live)
08. Promises (Live)
09. Paper Sun (Live)
10. Let It Go (Live)
11. Mirror, Mirror (Look Into My Eyes) (Live)
12. Bringin' On The Heartbreak (Live)
13. Switch 625 (Live)
14. Let Me Be The One (Live)
15. We Belong (Live)
16. Have You Ever Needed Someone So Bad (Live)
17. Two Steps Behind (Live)
18. Now (Live)
19. Rocket (Live)
20. Let's Get Rocked (Live)
21. Hysteria (Live)
22. Love Bites (Live)
23. Armageddon It (Live)
24. Pour Some Sugar On Me (Live)
25. Let's Go (Live)
26. Action (Live)
27. Rock Of Ages (Live)
28. Photograph (Live)

Rick Savage: Bajo
Rick Allen: Batería
Phil Collen: Guitarra
Vivian Campbell: Guitarra
Joe Elliott: Cantante

Los británicos Def Leppard nos publican este " London to Vegas" un doble directo. El primero de ellos en Londres donde se giraban por el aniversario de su álbum Hysteria y el segundo en Las Vegas con 28 temas donde repasan toda su discografía. Se puede decir que de 1977 hasta 1992 su carrera dentro del Hard Rock solo puede ser catalogada como brillante, a partir de 1993 pues simplemente se cambiaron de estilo musical, al Pop. Su último trabajo fue publicado en el 2015 y están preparando un nuevo álbum.
El primer álbum de este directo es en Londres y pertenece a la gira aniversario del Hysteria. Este fue un álbum que la banda lanzó en agosto de 1987 y pasa por ser su álbum más exitoso con 30 millones de copias vendidas.... que se dice pronto, pero son cifras a las que ya nadie puede llegar. En 1984 Rick Allen sufre un accidente de tráfico mientras iba en su Corvette. Aún así sigue en la banda utilizando  utilizando una combinación de batería acústica y electrónica con un conjunto de pedales que dan el sonido que tendría si tocara con el brazo izquierdo y este suceso hizo que se retrasara la grabación de este álbum, además de la marcha del que iba a ser el productor de este álbum.
Por cierto que ese productor se llamaba Robert Lange que tenía otras ideas para este disco. La idea era hacer un auténtico pelotazo. Emular al Thriller de Michael Jackson pero en una versión rockera. Es decir, crear un álbum con hits para sonar en la radio. Cada canción fue grabada por cada miembro de forma individual. Digamos que sus anteriores trabajos aún contenían elementos de Metal, blando eso sí pero en este trabajo ya quieren dar el pelotazo comercial y lo consiguieron por cierto.
Los años pasan para todos y aunque los temas de ese álbum siguen sonando con cierto gancho la verdad es que los Def Leppard ya no son los mismos y desde los inicios de los noventa no te sacan nada potable que llevarte a la boca.  Aunque tengo que decir que con el paso de los años, ese álbum de Def Leppard me parece muy superficial, demasiados trucos de estudio y no suena nada natural.
Esta el segundo álbum en directo con 27 temas ( excesivos, nadie se va a escuchar un directo de 27 seguidos uno detrás de otro por muy fan que sea y encima que temas, repasando toda su discografía) Eso es lo malo de su segundo Cd, que recoje temas de 1993 para adelante y es que todo lo que grabaron después ya nunca fue lo mismo. Es como si los Iron Maiden se hacen un directo o lanzan un recopilatorio con todos sus hits y la segunda cara del álbum pues con temas que ellos consideren destacados de sus últimos álbumes cuando los Iron Maiden llevan 25 años sin sacar un buen disco.... pues lo mismo le sucede a los Def Leppard. Que te escuchas temas del álbum Retro Active o del Slang y se te cae el alma a los pies. Además hay que decir que son temas que no ganan en directo y tu ves a tios que rozan los setenta años tocándose temas como Slang que son producto de los noventa con todos los clichés comerciales habidos y por haber y es como si Will Smith encarnará de nuevo al príncipe de Bel- Air, pues no tiene ningún sentido.
Está bien el repaso a toda tu carrera pero cuando tu carrera es tan irregular y tan poco sólida, cuando llevas más de veinte años sin editar nada bueno y aún encima te tocas temas flojos uno detrás de otro... además otra cosa, aunque no fuera así y tuvieran una carrera tan sólida como la de Judas Priest y Savatage, pues es que un doble en directo con tantos temas, también resulta muy poco digerible, aunque en el caso de Def Leppard es todavía peor pues como dije es tema flojo tras tema flojo.
Tampoco merece este doble álbum en directo darle más vueltas. Simplemente es un aperitivo de cara a amenizar la vuelta de los Def Leppard. Su último trabajo fue publicado en el 2015, malo con avaricia, Pop Rock suave insignifcante que por supuesto los medios palmeros ensalzaron para no cabrear a sus fans, después de cinco años ya están en el estudio de grabación grabando su nueva obra.




Epilecete Thavatos " Demo"

 Epilecete Thavatos " Demo" Rusia Black Raw 2020

 1. Скорбь Фальстадского леса
2. Божья длань
3. Песня мёртвых
4. Þe alder hærskande væsende natur (Arckanum cover)


Puro Black Raw desde Rusia, muy acorde con las bandas del mismo estilo en este país. Ahora en Rusia se lleva el Black atmosférico o Ambient pero durante muchos años se llevo el Black Raw más sucio y agresivo y esta banda, Epilecete Thavatos, es lo que hace. Скорбь Фальстадского леса es el primer corte y funciona. Es tan sencillo como buscar una producción sucia, como buscar una distorsión en la voz del cantante hasta el punto que parezca un ladrido de un perro rabioso y buscar un riff sencillo pero que suene oscuro, cumplen todos los trámites para ejecutar un Black Raw de garantías.
 Божья длань es el segundo corte. Que hagan un Black Raw de garantías no significa que sea una banda que deja huella, porque no lo hace. En este corte se dedican a amontonar ritmos y detrás de esa producción sucia se encuentra una banda limitada tecnicamente, algo muy habitual dentro de este género, aún así tienen sus aspectos positivos como el trabajo en la batería, prescinde de los Blast Beats y recrea medio tiempos con mucha presencia del platillo.
 Песня мёртвых es el típico tema construído con un riff que abarca el tema de inicio a fin. Un riff que tiene cierta luz y aspecto melódico y que trata de sonar entre Pagan y épico, lo que falla es el acompañamiento y el desarrollo del riff donde a su guitarrista se le ven todas las costuras.
Þe alder hærskande væsende natur es una versión de la leyenda sueca del Black Metal los Arckanum, les queda bien esta versión pero la destrozan un poco, mil millones de veces superior la originalidad y superar el modelo original siempre debería ser más sencillo. Muchos defectos, falta de técnica total pero a fin de cuentas una banda oscura.

https://epilecetethavatos.bandcamp.com/album/demo
Álbum Completo

Caucasian Concentration Camp " Power. Domination. Vengeance"

Caucasian Concentration Camp " Power. Domination. Vengeance"  Noruega Noise 2020
1. Ready to Gallows
2. Feeding Oppressors to the Grending Wheel
3. Violent Intolerance of Intolerance
4. Whrite, White Parasites
5. Grinding Cop Skulls
6. Power Domination Vengeance
7. Perish by War

Tercer trabajo para esta banda noruega de RABM ( Red Anarchist Black Metal) En esta ocasión, más que un modo de filosofía ( pues muchas bandas del RABM, creen fervientemente en el comunismo y el anarquismo y hasta algunos de ellos se han afiliado al partido comunista) pero en el caso de esta banda nórdica, es imagen y fuente de inspiración pero no creencia. Porque en esta banda, Caucasian Concentration Camp, lo que nos vamos a encontrar es algo completamente alejado de las reglas del RABM salvo contadas pinceladas.
Por ejemplo, del RABM contiene su imagen y su temática. Pero el Rabm es deudor del Punk en el trabajo de la base rítmica, trata de imponer una atmósfera marcial y estoica en cada tema y son temas de corta duración directos al grano. Nada de eso aparece aquí salvo la imagen y también la suciedad.
Porque basicamente, los Caucasian Concentration Camp son una banda de puro Noise con imagen de RABM. El tema Ready to Gallows si que es Noise en estado puro, de lo más agresivo que encontré dentro de este género musical. En cambio en Feeding Oppressor to the Grending Wheel lo que nos vamos a encontrar es un acercamiento al Black. Se escucha una voz gutural que nos va a acompañar de inicio a fin del tema y una guitarra distorsionada al máximo, pero en un aspecto muy secundario y hay que ser muy veterano y estar muy dentro del Underground para poder extraerle el jugo a este trabajo, porque el Noise lo tapa todo y te pueden pasar desapercibido estos detalles.
Violent Intolerance of Intolerance, un tema corto de tres minutos directo al grano con todos los mecanismos del Noise pero con una fiereza extra. No existe la bondad humana y tan solo trata con temas como Whrite, White Parasites trasladarte al abismo del sonido. Sin estructura, sin melodía, sin el esquema clásico de guitarra, bajo, solo ruído y distorsión programado y procesado como el de Grinding Cop Skulls, absolutamente caótico.
Eso sí, resulta meritorio temas como Power Domination Vengeance que es como una mezcla entre Noise y metal Industrial y que cada tema suene diferente dentro de lo que cabe. El Noise está de moda amigos dentro del Underground y en Metalbrothers.es estamos a la que salta y todo lo que destaca a un plano internacional acaba apareciendo en nuestra web, la web de los Dioses, Metalbrothers.es, la mejor web del planeta. Esta banda de Noruega tira de Noise sucio a golpe de programación, distorsión y electrónica pero incorpora una voz y distorsión en la guitarra para darle un ligero toque de Black que se escucha en un plano secundario.... pero se escucha y sirve para otorgarle aún mayor suciedad.
https://caucasianconcentrationcamp.bandcamp.com/album/power-domination-vengeance
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,5/10

Moscú

tro monasterio notable de la ciudad es el Nuevo Monasterio de Nuestro Salvador, que salvaguarda a Moscú desde la orilla. Su construcción data del siglo XV y en él descansan los restos de la familia Románov. Otro monasterio notable es Monasterio Novodévichy, proclamado Patrimonio de la Humanidad en 2004.36​ Por último y no menos importantes son los monasterios en los alrededores de Moscú: el Monasterio de la Trinidad y San Sergio en Sérguiev Posad (considerado como La Meca de la Iglesia Ortodoxa Rusa y declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco37​), el monasterio de Volokolamsk de San José y el Monasterio de la Nueva Jerusalén cerca de la ciudad de Istra.

La ciudad posee, además de algunas joyas arquitectónicas de la antigüedad, ejemplos de arquitectura soviética como los rascacielos soviético-estalinistas denominados «las siete hermanas» ya que son siete edificios de similar diseño; entre ellos destaca la Universidad Estatal de Moscú y el hotel Ucrania. Otra obra de época soviética es el Metro de Moscú, una red de metro suntuosamente decorada y denominada por Stalin como «los palacios del pueblo». El Parque Gorki ofrece sus jardines para el descanso y la recreación.tro monasterio notable de la ciudad es el Nuevo Monasterio de Nuestro Salvador, que salvaguarda a Moscú desde la orilla. Su construcción data del siglo XV y en él descansan los restos de la familia Románov. Otro monasterio notable es Monasterio Novodévichy, proclamado Patrimonio de la Humanidad en 2004.36​ Por último y no menos importantes son los monasterios en los alrededores de Moscú: el Monasterio de la Trinidad y San Sergio en Sérguiev Posad (considerado como La Meca de la Iglesia Ortodoxa Rusa y declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco37​), el monasterio de Volokolamsk de San José y el Monasterio de la Nueva Jerusalén cerca de la ciudad de Istra.

La ciudad posee, además de algunas joyas arquitectónicas de la antigüedad, ejemplos de arquitectura soviética como los rascacielos soviético-estalinistas denominados «las siete hermanas» ya que son siete edificios de similar diseño; entre ellos destaca la Universidad Estatal de Moscú y el hotel Ucrania. Otra obra de época soviética es el Metro de Moscú, una red de metro suntuosamente decorada y denominada por Stalin como «los palacios del pueblo». El Parque Gorki ofrece sus jardines para el descanso y la recreación.Hay 1696 escuelas secundarias en Moscú, así como 91 centros de estudios superiores. Además de estos, hay 222 instituciones que ofrecen educación superior en Moscú, incluyendo 60 universidades estatales,40​ y la Universidad Estatal de Moscú M.V. Lomonósov, que fue fundada en 1755.41​ El edificio más importante de la universidad principal está situado en la Colina de los Gorriones (Vorobiovy Gory), tiene una altura de 240 metros y una vez terminado, fue el edificio más alto fuera de los Estados Unidos.42​ La universidad cuenta con más de 30.000 estudiantes de pregrado y más de 7000 estudiantes de posgrado, que tienen una opción de veinte y nueve facultades y 450 departamentos de estudio. Además, aproximadamente 10.000 estudiantes de secundaria toman cursos en la universidad, en la que trabajan más de dos mil investigadores. La Biblioteca de la Universidad Estatal de Moscú contiene más de nueve millones de libros, por lo que es una de las mayores bibliotecas de toda Rusia. Su fama en toda la comunidad académica internacional ha significado que más de 11.000 estudiantes extranjeros se han graduado de la universidad, con muchos que vienen a Moscú a aprender el idioma ruso.

La Universidad Técnica Estatal Bauman de Moscú, fundada en 1830, está situada en el centro de Moscú y ofrece más de 18.000 plazas de estudiantes de pregrado y 1.000 de postgrado con una educación en ciencia e ingeniería que ofrece una amplia gama de grados técnicos. Desde que abrió la matrícula a los estudiantes de fuera del país en 1991, esta universidad ha aumentado su matrícula internacional para un máximo 200 alumnos extranjeros.43​

El Conservatorio de Moscú, fundada en 1866 es una destacada escuela de música de Rusia, cuyos graduados incluyen a Serguéi Rajmáninov, Aleksandr Skriabin, Aram Jachaturián, Mstislav Rostropóvich, y Alfred Schnittke.

El Instituto Estatal de Cinematografía Panruso, abreviado como VGIK, es la institución educativa en cinematografía más antigua del mundo, fundada por Vladímir Gardin en 1919. Serguéi Eisenstein, Vsévolod Pudovkin y Alekséi Batálov figuran entre sus más distinguidos profesores y Mijaíl Vartánov, Serguéi Parajanov, Andréi Tarkovski, Nikita Mijalkov, Eldar Riazánov, Aleksandr Sokúrov, Yuri Norstein, Aleksandr Petrov, Vasili Shukshín y Konrad Wolf, entre los alumnos más distinguidos.

La Universidad de Relaciones Internacionales del Ministerio de Asuntos Exteriores de Rusia, abreviada como MGIMO, fue fundada en 1944, en Rusia sigue siendo la escuela más conocida de relaciones internacionales y diplomacia, con seis escuelas diferentes que se centran en las relaciones internacionales. Alrededor de 4500 estudiantes conforman el cuerpo estudiantil de la universidad y más de 700.000 rusos y extranjeros han pasado por sus aulas. Se pueden encontrar más de 20.000 libros raros en la biblioteca de esta universidad.

Entre otras instituciones destacadas están el Instituto de Física y Tecnología de Moscú, también conocido como Phystech, el Instituto de Aviación de Moscú y el Instituto de Ingeniería Física de Moscú. El Instituto de Física y Tecnología ha impartido clase a numerosos ganadores del Premio Nobel, incluidos Piotr Kapitsa, Nikolái Semiónov, Lev Landáu y Aleksandr Prójorov, mientras que el Instituto de Ingeniería Física es conocido por su investigación en física nuclear.44​ Otras instituciones, como la Academia Financiera, la Universidad Estatal de Gestión, la Academia de Economía Plejánov y la Escuela Superior de Economía ofrecen títulos en la gestión y la teoría económica.

Bergondo

Tiene a su disposición dos pabellones polideportivos, una biblioteca, una casa de la cultura (con gimnasio, salón de actos, información, aula de informática...) numerosas pistas en las diversas parroquias del municipio, el edificio "a Senra" restaurado recientemente (gimnasio, sala de actos, biblioteca, cafetería, aula de informática, exposiciones, sala de estar...), diversas aulas en distintas parroquias donde se realizan actividades. Por otra parte, cabe destacar que sus vecinos esperan ansiosos la construcción de una piscina y un campo de fútbol de hierba artificial. Sin embargo, habría que retroceder años y recordar quiénes y qué motivos tuvieron los que idearon La Senra. Era sobre los años 20 del siglo pasado, cuando los que habían emigrado de percataron que con las enseñanzas recibidas en la escuela no tenían bastante para defenderse en la vida, teniendo que hacerse autodidactas y asistir a clases complementarias después de largas horas de trabajo. Así que entre todos, aportaron sus ahorros y decidieron construir un Centro Cultural, donde entre otras materias, se enseñaba inglés. Pero llegó la guerra. Alguien decidió que allí se realizaban actividades masónicas...Y La Senra fue incautado al pueblo, pasando, en primer lugar a asentarse los soldados alemanes que, en teoría, defendían el Ferrol, y, una vez acabadala contienda, se apropió de las instalaciones Falange, que organizó una especie de "casa de colonias" para estudiantes universitarios de toda España, quienes por un módico precio, podían disfrutar de 15 días de vacaciones. Hay que decir, por otro lado, que estos estudiantes no tenían ningún tipo de filiación política. Así que cabe imaginar la bofetada moral que suponía, para aquellos que lo habían ideado ver instalados allí a unos "señoritos" cuando sus aportes monetarios se habían conseguido con sangre, sudor y lágrimas. Hay que añadir sin embargo, que estas personas no eran
en absoluto antifranquistas.Es un municipio con larga tradición joyera, en particular de la alta joyería. Se ubican en el municipio algunas de las empresas más importantes del sector como Balcarsa, Unión Joyera o Annique entre otras. Cuenta también con un importante polígono industrial, comercial y de servicios, con unas 300 empresas ubicadas en él. La tradición se remonta probablemente a la época de la expulsión de los judíos por Isabel La Católica, ya que muchos de los que inicialmente se dirigían a Coruña para embarcar a los Países Bajos, entonces de la Corona, al ver que en Galicia eran bien recibidos, que no había llegado la Inquisición que tardaría aún años por el difícil acceso a través de las montañas de Lugo, allí se instalaron, enseñando al pueblo su arte orfebrense y joyera(Ónega, J.R. 1982. Editora Nacional: Los judíos en el Reino de Galicia). Y uno de los lugares donde posiblemente arraigaron más fue en Bergondo. Desde hace al menos dos siglos, algunos bergondeses descubrieron que, comprando galones militares (en Ferrol principalmente) y fundiéndolos, podían obtener oro. Esto les dio la idea de que posiblemente muchas personas querían deshacerse de restos de joyas e incluso piezas dentales. extendieron el negocio primero a lugares próximos y posteriormente por toda España. Fueron los "prata e ouro" (plata y oro). Y cabe decir que no todos los prata e ouro fueron hombres, ya que una mujer, Xaviela Fraga, ya a principios del SXIX, al quedarse viuda con muchos hijos, lo ejerció. El desplazamiento de estas personas, a los que les interesaba llegar a los lugares más recónditos, era bastante duro, ya que en aquella época los medios de comunicación eran escasos por lo que la mayoría de veces tenían que realizar el camino a pie. Al llegar a un pueblo, se dirigían a la plaza y allí gritaban: !Plata y Oro! y la gente acudía a vender sus deshechos, que ellos pesaban, naturalmente, y pagaban al contado. Cuando finalizaba esta compra, se dirigían al pueblo más próximo y así sucesivamente, hasta que llegaba la noche. Y pernoctaban allí donde se encontrasen, que, evidentemente, no eran hoteles de lujo, cosa que por otro lado su bolsillo tampoco hubiese permitido. Iban siempre en grupo por miedo a los asaltadores de caminos, y, por supuesto, sin comentar a nadie la ruta a seguir. Del "género" como ellos le llamaban a lo adquirido, no se separaban ni para dormir, por el peligro al robo. Y así tras generaciones de mucho sacrificio, llegaron, ya a principios del SXX a estabelcerse en ciudades importantes: Madrid, Barcelona....que hoy, muchos de sus herederos todavía continúan. Pd: Soy Dios, dejen sus comentarios, me limpiare el culo con ellos, como los de Browser.

Clint Eastwood

egún un comunicado de prensa de la cadena de televisión CBS sobre la serie Rawhide, Universal Studios estaba rodando en Fort Ord cuando un asistente conoció a Eastwood y le ayudó a conseguir una entrevista con el director de la serie.26​ Según su biografía oficial, un hombre llamado Chuck Hill, que tenía contactos en la industria del cine, consiguió colar a Eastwood en los estudios Universal en Hollywood para que lo conociera el director de fotografía Irving Glassberg.26​ Éste le facilitó realizar una audición con el director Arthur Lubin, quien a pesar de quedar impresionado con su apostura y su 1,93 m de estatura,27​ cuestionó en un principio sus habilidades interpretativas28​ y le recomendó asistir a clases de interpretación. Lubin le consiguió su primer contrato en abril de 1954, por el que recibiría cien dólares a la semana.28​ Una vez contratado, Eastwood recibió críticas por su rigidez, su estrabismo y por pronunciar sus diálogos entre dientes, características todas estas que han sido seña de identidad del actor durante toda su carrera cinematográfica.

El primer papel de Clint Eastwood fue una breve actuación como asistente de laboratorio en las películas de 1955 Revenge of the Creature33​ y ¡Tarántula!, de Jack Arnold. Durante tres años interpretó pequeños papeles en otras películas como Lady Godiva, Never Say Goodbye o Escapade in Japan, además de una intervención con diálogo en Francis in the Navy.34​35​36​ En 1959 hizo una aparición especial en la serie de televisión Maverick como antagonista de James Garner, donde interpretó a un hombre que se quería casar con una chica rica por dinero.37​ Asimismo, tuvo un pequeño papel como aviador en La escuadrilla Lafayette y apareció en Ambush at Cimarron Pass, una película de baja calidad que el propio Eastwood considera lo peor de su carrera.

Tras un período alejado de las cámaras, Eastwood consiguió en el verano de 1958 el papel secundario de Rowdy Yates en la teleserie Rawhide de la CBS,41​42​ aunque no era un rol que entusiasmara al actor. Eastwood, que entonces tenía 28 años, no se sentía cómodo interpretando a este personaje porque pensaba que Rowdy era demasiado joven y tonto. Rawhide se estrenó en enero de 195943​ y en pocas semanas se convirtió en un éxito. Aunque la serie nunca ganó un Emmy, gozó de gran aceptación durante los años en que se emitió, de 1959 a 1965.44​ Los años en esta serie de televisión fueron de los más duros de la carrera del actor, pues filmaba doce horas diarias, seis días a la semana, a pesar de lo cual algunos directores lo criticaron por no trabajar lo suficiente.44​45​ A fines de 1963 la popularidad de la serie había decaído y fue cancelada a la mitad de la temporada televisiva de 1965-66.46​ Eastwood hizo su debut como director filmando varios anuncios de la serie, aunque no fue capaz de convencer a los productores para que le dejaran dirigir un episodio.47​ En la primera temporada de Rawhide, Eastwood ganaba 750 dólares por episodio y cuando fue cancelada le pagaron un finiquito de 119 000 dólares.

sellos soviéticos


Digo que no quiero comentarios y me llegan el doble. Está claro que no podéis vivir sin mi, lombrices... eso es lo que sois. Gusanos cegados por mi luz celestial.

jueves, 27 de agosto de 2020

Complex " Humana Involución"

Complex " Humana Involución" Chile Thrash Técnico 2020
1. Deus Miseri
2. Zona de Sacrificio
3. La Ira Del Olvidado
4. Nativa Depredacion
5. Lanzan Sus Dados
6. Humana Involucion
7. Fosil del Silencio
8. Balas Contra el Pueblo


Sebastián López: Batería, Bajo
Matías Celis: Guitarra
Juan Garrido: Guitarra
Sergio Carrasco: Guitarra, Bajo
Daniel Saavedra: Cantante

Los Complex son una banda procedente de Chile que fue creada en el 2010. Una banda de Thrash Técnico que editaron una demo en el 2013 y su primer larga duración en el 2015, cinco años después vuelven a la carga con su segundo larga duración " Humana Involución".
Thrash técnico... suena apetecible. Deus Miseri es una Intro que valdría para cualquier estilo y no me dice nada. Zona de Sacrificio con un sonido de batería bastante mejorable. Buena distorsión en la guitarra y dando muchas vueltas, me recuerdan por momentos a Xentrix, cantante con voz muy ruda y potente que no creo que le quede bien al sonido de la banda.
El aspecto progresivo viene solo dado en el solo de guitarra de todas formas me sabe siempre a poco, La ira del Olvidado tiene buenos momentos a la guitarra que son cortados de cuajo para introducirte el estribillo que no me termina de encajar en el puzzle.
Uno de los temas más sugerentes es el de Nativa Depredación ya que viene introducido por un aspecto sinfónico al que le falta desarrollo y ejecutan un medio tiempo donde destaca el solo de guitarra y se muestran con energía y carácter en el desarrollo del tema. Con Lanzan sus dedos, tirando del típico Groove que utilizaban los Megadeth de los noventa, con un ritmo de batería va a más con el paso de los segundos y buscando una aceleración para introducir el estribillo con fuerza. Humana Involución es el tema que le da título al disco. Es un tema que suena muy ochentero, busca una atmósfera sencilla recreada a golpe de acústica y el cantante busca otro tipo de registro más teatral en su voz, se puede decir que a medida que van sucediéndose los temas, estos chilenos van ganando enteros.
Fósil del silencio es el tema más aguerrido de todo el trabajo. De nuevo el mismo esquema que en todos los temas anteriores. Buscando en el solo de guitarra la técnica y la brillantez, muy buen guitarrista el señor Matías Celis que hace una buena pareja con Juan Garrido. Pues me recuerda a Xentrix o a Slammer  y todo el Thrash americano mezclado con Power como pueden ser los Sanctuary por ejemplo. Balas contra el pueblo no añade ningún matiz nuevo a la música de esta banda chilena pero sigue ese aspecto ascendente, quiero decir que con el paso de los temas esta banda cada vez va a más.
Apoyados en unas letras correctas, en un rodaje previo pues son músicos expertos que realizan un Thrash con elementos de Heavy y Power y alguna pincelada técnica en el solo de guitarra pero no los puedo considerar una banda progresiva. Por ejemplo, el último tema trata sobre el golpe de estado militar que vivió Chile en los setenta, el golpe de estado que acabó con la muerte de Salvador Allende y el alzamiento del tirano Pinochet, son valientes.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,25/10

Ancillotti " Hell on Earth"

Ancillotti " Hell on Earth" Italia Heavy Metal 2020
01. Fighting Man
02. Revolution
03. Firewind
04. We Are Coming
05. Blessed by Fire
06. Broken Arrow
07. Another World
08. Frankenstein
09. Till the End


Sandro "Bid" Ancillotti: Bajo
Brian Ancillotti : Batería
Luciano "Ciano" Toscani: Guitarra
Daniele "Bud" Ancillotti : Cantante

Daniele " Bud" Ancillotti es uno de los cantantes más veteranos y carismáticos de la escena italiana. Es el cantante de los Strana Officina, una de las bandas pioneras del metal en Italia y montó su propio proyecto y lanza este " Hell on Earth" su tercer trabajo, puro Heavy Metal clásico. Por cierto, al igual que en Strana Officina,  Ancillotti es una banda familiar que está compuesta por su hermano Bid y su hijo Brian.
Su primer álbum era muy bueno, el segundo del 2016, bastante lineal y cuatro años después llega su nueva obra.
Fighting Man es un medio tiempo con una ligera capa de Groove y una melodía que va entrando poco a poco con solos de guitarra veloces y de puro Rock. Revolution tiene una línea continuista respecto a su anterior tema. Otro medio tiempo que te recuerda en todo a los Accept, está claro que la creatividad no es lo suyo, le falta mordiente y variedad al trabajo de la batería, no me convencen los solos del disco.
Letras tirando a futuristas y tratan de dotar de cierta atmósfera a los temas como en Firewind, un tanto recargado en el estudio de grabación.
We are Coming hay que ir a su esencia que no es otra que el puro Hard Heavy más básico y primitivo. Judas Priest y Riot en el horizonte, las mismas influencias que en Strana Officina aunque como Ancillotti las melodías no le salen tan finas. Blessed by Fire es un calco del British Steel de los Judas Priest pero sin gancho.
Broken Arrow busca eternizarse en el medio tiempo, esta vez el estribillo es bueno, lo que no funciona del todo es el riff aunque en el solo de guitarra al buscar la distorsión con el Delay, le da algo de chispa al tema. Another World como los dos primeros temas, tratan de darle un aire más aguerrido a la composición, tirando un poco de la esencia del Power Metal alemán y es que salvando mucho ( muchísimo diría yo) pues tiene algo de esencia de los Scanner.
Frankestein recrea una atmósfera melódica no demasiado elaborada en el estribillo... es un poco el problema de este trabajo, la falta de gancho. Aunque en su segunda parte, cuando el tema se recrudece a través del ritmo de batería, otra vez al estilo de los Priest, pues funciona mejor.
Till the End es el tema con el cual cierra el disco, el más aguerrido y directo al grano, un cruce entre los Grave Digger de los ochenta y los Accept. Ancillotti y su familia con este tercer larga duración han decidido hacer algo más veloz, agresivo y con tintes de Power. El álbum es sólido pero sin brillo, no hay tema destacado en este trabajo, tampoco tema mediocre, aunque de creatividad este álbum anda muy escaso.  Cuando debutó Ancillotti en solitario nos atrapo con sus melodías porque eso es lo que mejor se le da, quizás debería regresar a su esencia.

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6/10

Grindpad " Violence"

Grindpad " Violence" Holanda Thrash Metal 2020
01. My Name Is Violence
02. Burn the Rapist
03. Toxic Terror
04. The Knife Is Sharper Than Ever
05. Justice Part 1: Crime
06. Justice Part 2: Punishment
07. Revuelta
08. Blood, Sweat and Pride
09. Mature Love
10. MK Ultra
11. To Those About to Die


Axel Bonacic: Guitarra
Jan-Gerard Dekker: Guitarra
Olivier van der Kruijf: Cantante
Paul Beltman: Batería
Rik van Gageldonk: Bajo

Desde Utretcht ( Holanda) los Grindpad, una banda de Death/ Thrash creada en el 2006, después de cuatro Ep, la banda lanza su primer larga duración a través de Iron Shield Records. Slayer, Exodus, Anthrax, Metallica, Biohazard, Testament, Sacred Reich, Municipal Waste.... entre sus influencias.
My Name is Violence.... la primera en la frente, huracán sonoro que no llega a los dos minutos de duración que te recuerda en todo a Rumble Militia y los Sodom de los noventa, cruce de Thrash/ Death y de Crossover.
La portada te hace soñar con la película tiburón que fue un éxito en los ochenta, hasta el punto que en los ochenta, la gente americana se lo pensaba dos veces antes de meterse en el agua ( bendita inocencia) y así llegamos a Burn the Rapist donde el nombre de una banda va a acudir a nuestra mente, Sacred Reich. Efectivamente, son un calco de esa banda más las dos que cite anteriormente, como en Toxic Terror, típicas notas del bajo antes de arrancar con distorsión el riff y cobrar velocidad y tirar de coros.
The Knife is Sharper than ever tiene más trabajo a todos los niveles y es puro Thrash a caballo entre el alemán y el americano de los primeros noventa, este tema funciona gracias a la dinámica que introducen los juegos de riffs. Justice Part 1: Crime es una introducción instrumental que no llega al minuto de duración y que es pura distorsión y que sirve para presentar Justice part 2: Punishment, medio tiempo y es que hasta en el medio tiempo suenan veloces, la clave radica en su cantante, todo actitud y ganas.
Revuelta es un corte de tres minutos donde el cantante es contestando por unos coros alocados a toda pastilla, siempre el mismo trabajo en la base rítmica pero no se resiente en ningún momento pues suena violento a más no poder y tiene una parada rítmica donde introducen la atmósfera antes de regresar a la velocidad hipersónica.
Intenso e interesante el riff de  Blood, Sweat and Pride que me recordó a los Forbbiden ( que gran banda) antes de pasarse al Crossover como están como pez en el agua o mejor dicho, como tiburón en el agua oliendo a la presa. Mature Love contiene el solo de guitarra más creativo y tiene esencia del Rock, es el tema más diferenciador aunque tampoco considero los solos de guitarra su punto fuerte. Mk Ultra es más de lo mismo pero elevado a otro nivel. Si me pongo Under, pienso en los belgas Sixty Nine y su único trabajo " Just for Fun". To Those About to Die cierra el trabajo, al final un tanto lineales pero aún así violentos de inicio a fin y es que estos holandeses son muy fogosos en el directo.
https://grindpad.bandcamp.com/album/violence
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

Vuur & Zijde / Impavida " Vuur & Zijde / Impavida"

Vuur & Zijde / Impavida " Vuur & Zijde / Impavida" Holanda Black Metal 2020
1. Vuur & Zijde - Zonnestorm
2. Vuur & Zijde - Zilt
3. Vuur & Zijde - Noordzee
4. Impavida - Gram
5. Impavida - Wahn & Stille

Esto es un Split editado por el sello Lupus Lounge de Alemania, sello que se dedica a bandas de Black Metal y Avantgarde, que edita en una tirada de 500 copias este Split en formato vinilo 12 pulgadas. Contiene dos bandas muy interesantes. La primera de ellas es Vuur & Zidje, banda de reciente creación compuesta por cantante femenina y dos músicos.
Zonnerstorm es el primer corte de los Vuur & Zidje, se trata de una banda de Black Atmosférico. Llama la atención el tratamiento de la batería, la producción tan suave y la técnica de esta banda, un Black bastante atípico que es atmosférico pero a su vez ambiental y con elementos de Post Metal como en el trabajo de la batería, con ritmos bastante técnicos y que con una voz femenina limpia y melódica. Zilt tiene una línea continuísta respecto al anterior corte. El trabajo de la batería acelerado pero sin tirar de Blast Beats recrea unos ritmos que me recuerdan a Bölzer o Mgla pero la orientación de esta banda es otra, lo demuestran en el cambio de ritmo tan atmosférico y lento, un medio tiempo cargado de sentimiento. Les falta reforzar un poco el trabajo de la guitarra, la idea musical que tienen entre manos es atractiva pero deben potenciarla. Noordzee es el último corte y es el más atmosférico de todos ellos y también el más oscuro pues roza por momentos el Occult Metal que es algo que le queda genial a cualquier banda de metal extremo pero esta no es una banda oscura o agresiva ni mucho menos, es una banda melancólica que con el Post Metal y esos riffs en cascada recrea algo atmosférico de valor.
Ahora vamos con los Impavida. De una banda holandesa pasamos a una alemana como son los Impavida, banda creada por dos músicos en el 2005 y que volvieron a revivir su proyecto en el 2018, llevan dos largas duraciones tras ellos y es una banda de Black Depresivo mezclado con Black Atmosférico que a mi me recordó bastante a los Failure Ritual de Usa. Gram es el primer corte, interesante y sugerente el trabajo de la guitarra, sin excesiva fuerza pero recreando una atmósfera tenebrosa y depresiva al máximo. La voz de su cantante se escucha en un plano secundario y lo que deben mejorar bastante es el sonido de batería que pasa completamente desapercibido. Wahn & Stille es un corte de unos catorce minutos que puede parecer excesivo pero el desarrollo está bastante logrado y además es el tipo de duración que a ellos les sienta mejor para poder desarrollar su atmósfera depresiva y hay momentos muy oscuros dentro de este tema. Dos bandas muy interesantes y con un porvenir brillante.

Relocate Depravity " Curse of Phytia"

Relocate Depravity " Curse of Phytia" Canadá Black Metal 2020
1. Conspiracy Virus
2. Abyssal Banshee
3. Let the Rot Ripen
4. Minte Amortita
5. A Delightful Deliverance
6. Anthagonist of Maât
7. Don't blame God for Your Apocalypse
8. Méprisables Masses
9. Jusqu'au Déclin

Dominic Ostiguy: Guitarra, Cantante
David Blouin : Batería Programada, Cantante
Dale Bonneau : Bajo

Banda desconocida, procedente del Quebec que practica Black Metal y que luego de debutar con su primer ep, lanza este álbum " Curse of Phytia". Ojo con su apuesta musical pues es una de las más creativas que hemos escuchado en los últimos tiempos.
Muchos músicos con esto del confinamiento y del Covid- 19 han sido conscientes de que estaban viviendo un período único en la humanidad que será recordado para siempre y que marcará todo aquel que lo haya vivido. Como al igual que hay hijos de la guerra civil española, hijos de la primera y la segunda guerra mundial, del Crack del 29 pues también habrá hijos del Covid- 19, el período de tiempo que cambió la forma de ver la vida, las prioridades de cada uno y que puso rumbo a otra historia, de destino incierto por cierto. Pues es muy tentador para un artista sentarse en su casa y componer algo durante el período de confinamiento para que pasen los años y decir " esto lo compuse mientras el mundo sufrío una cambio histórico" Pero que tu vivas un período histórico no quiere decir que tu música vaya a estar al nivel de los tiempos que vives y es lo que pasa aquí y lo que sucede con todos los artistas que han sacado un álbum aprovechando su confinamiento.
Al final la creatividad es un chispazo que surge cuando le da la gana y en cualquier circunstancia o lugar pero es solo eso, un chispazo que dura un suspiro, es como un tren que pasa una vez en la vida, salvo que seas un genio claro está.
Bueno, los Relocate Depravity han echo una apuesta personal, íntima y hasta diría que creativa. Por el lugar donde están ubicados pues me parece lógico. Quebec es una región de Canadá con mucha personalidad y autonomía y de aquí salen numerosas bandas, de echo hay una gran comunidad de Metal Underground.
Hablemos del estilo musical de esta banda. Tu escuchas Conspiracy Virus ( hay que prestarle atención a las letras porque todas hablan sobre el Covid- 19 y esta en concreto sobre la teoría paranoica de que este virus fue creado en un laboratorio) y es un tema que te recuerda a los Deathspell Omega.... pero obviamente sin la calidad de los franceses. Abbysal Banshee tiene las mismas coordenadas pero con Let the Rot Ripen giran de tuerca y hacen algo mucho más clásico. Simplemente te recuerdan a los Mayhem de sus inicios y el Black Raw de la vieja guardia al igual que Minte Amortita, pero en esta ocasión buscando las raíces del Black de la mano de los Bathoiry.
Tu escuchas las referencias que dí y pensaras que estamos ante una banda top, una cosa es que emulas a estas bandas y otra cosa es que estés a su altura que no es el caso.  A Delightful Deliverance Anthagonist of Maât son temas plagados de buenas ideas pero a los que les falta desarrollo.
Es curiosa esta banda porque son capaces de girar sobre el Black más clásico que te puedas echar en cara como en los anteriores temas, son capaces de generar un Blackened Death atmosférico a lo Behemoth en Don't blame God for Your Apocalypse, para luego tirar de un Heavy/ Black como en  Méprisables Masses o buscar algo más técnico, complejo y buscando la mezcla de estilos musicales como en Jusqu'au Déclin. Les falta definir su estilo, optar por una batería física y en términos generales sonar más sólidos pero tienen sus buenas armas para acabar destacando.... a la larga, eso sí.
https://relocatedepravity.bandcamp.com/album/curse-of-pythia
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6,25/10

Matutano " Pa pam!!! El resto sois basura"

Matutano " Pa pam!!! El resto sois basura" España Grindcore 2020
1. Nazi pro tour
2. Balde en el cuello
3. Cebador
4. Círculo
5. El resto sois basura
6. Bacon fundido
7. Nirea
8. Cubillo
9.  Becarios no
10. Zapatos nuevos, calcetines viejos


Brujo: Bajo
Pullaka: Batería
Hurti: Guitarra
Franki: Cantante

Proliferan en nuestro país las bandas de Grindcore de tono humorístico. Hoy os quiero hablar de Matutano, su logo y nombre lo sacan de una marca de patatas fritas muy famosa en España. Esta es una banda procedente de Bilbao que con este edita su tercera demo y tiene un larga duración. Su último trabajo es la demo " Pa pam!!! El resto sois basura". Banda que ofrece ritmos variados: Brutal Death, Hardcore, Death and Roll y mucho Grindcore, entre sus influencias: Napalm death, Brujeria, Carmen de Mairena, Ciclos Iturgaiz, Los Chikos del Maiz, Tito MC, Hamburguesa Vegetal, Chiquigrind, Boneshaker, PNA, Anestesia, Siniestro Total (los del principio)
Nazi- Pro Tour, muy acorde con los tiempos que corren de tanta intransigencia y exaltación. Es una banda de Bilbao así que solo cabía esperar agresividad a expuertas como llega realmente, D- Beats y riffs de puro Brutal Death en un minuto. Igual de intenso el corte Balde en el cuello con elementos de Death and Roll y de Hardcore. Su música es como introducir en un microondas la pizza, está todo listo en poco tiempo, agresivos y lacerantes como en Cebador, nos engañaron con su imagen y temática, tienen sentido del humor sí, pero suenan bestiales y tienen su técnica.
Círculo y el resto sois basura van unidos. Lo dicho, a medida que vamos avanzando van diversificando. En un primer momento suenan a Grindcore y ese estilo aparece en diversas fases de los temas pero van ampliando miradas y es que en temas de un minuto de duración les da tiempo a abarcar otra serie de estilos emparentados pero siempre con el logo de Euskadi que llevan en el ADN, el típico sonido agresivo procedente de esta tierra.
El trabajo más dinámico y técnico en la batería y bien acompañado por el riff me lo encuentro en Bacon Fundido, la letra es humorística y un disparate auténtico pero instrumentalmente son como un mazo y a nivel técnico este es el mejor tema. En cambio en Nirea me encuentro más de lo mismo, tema construido a golpe de Blast Beats. Lo mismo que Cubillo que va variando a la mezcla que van creciendo en intensidad gracias al trabajo de la guitarra que de nuevo nos vuelve a acercar al Brutal Death. Becarios No es un corte humorístico que habla sobre Punto y Pelota el programa de Pedrerol,  en teoría es una tertulia deportiva pero es más salseo y desinformación interesada que otra cosa, el periodismo chabacano que se destila hoy en día. Finaliza el trabajo con Zapatos Nuevos, Calcetines viejos, en su línea. Agresivos y divertidos a partes iguales.

sello Soviet Union

Gran incendio de Londres

El fuego se extendió rápidamente con el fuerte viento y, a media mañana del domingo, la gente abandonó los intentos de extinguirlo y huyó. La masa humana en movimiento y sus fardos y carretas hicieron intransitables los carriles para bomberos y carruajes. Pepys tomó un carruaje de regreso a la ciudad desde Whitehall, pero solo llegó a la catedral de San Pablo antes de que tuviera que salir y caminar. Los peatones con carros de mano y mercancías muy pesadas seguían alejándose del fuego. Las iglesias parroquiales no directamente amenazadas se llenaban de muebles y objetos de valor, que pronto tuvieron que trasladarse más lejos.37​

Pepys encontró a Bloodworth tratando de coordinar los esfuerzos de lucha contra incendios y cerca del colapso, «como una mujer desmayada» (like a fainting woman), gritando lastimeramente en respuesta al mensaje del rey de derribar las casas: «Pero el fuego nos alcanza más rápido de lo que podemos hacerlo» (But the fire overtakes us faster than we can do it). Aferrándose a su dignidad cívica, rechazó la oferta de soldados del duque de York y luego se fue a su casa a la cama.38​ El rey Carlos II navegó desde Whitehall en la barcaza real para inspeccionar la escena. Descubrió que las casas aún no estaban siendo demolidas, a pesar de las garantías de Bloodworth a Pepys, y audazmente anuló la autoridad del alcalde mayor para ordenar demoliciones masivas al oeste de la zona de fuego.39​ El retraso hizo que estas medidas fueran en gran medida inútiles, ya que el incendio estaba fuera de control.

Para el domingo por la tarde, dieciocho horas después de que se activó la alarma en Pudding Lane, el incendio se había convertido en una tormenta ígnea que creó su propio clima. Una tremenda corriente de aire caliente sobre las llamas era impulsada por el efecto chimenea, donde las construcciones redujeron la corriente de aire por el espacio restringido entre los edificios abalconados, lo que dejaba un espacio vacío a nivel del suelo. Los fuertes vientos interiores resultantes no tendían a apagar el fuego, como se pensaba;40​ en cambio, suministraban más oxígeno a las llamas. La turbulencia creada por la corriente hizo que el viento virara erráticamente tanto hacia el norte como hacia el sur de la principal corriente oriental del vendaval que aún soplaba.41​

Pepys volvió al río a primera hora de la tarde con su esposa y algunos amigos: «y al fuego de arriba a abajo, sigue aumentando» (and to the fire up and down, it still encreasing). Le ordenaron al barquero que se acercara «tan cerca del fuego como pudiéramos fumar; y por todo el Támesis, con la cara al viento, casi te quemabas con una lluvia de gotas de fuego» (so near the fire as we could for smoke; and all over the Thames, with one's face in the wind, you were almost burned with a shower of firedrops).42​ Cuando las «gotas de fuego» se volvieron insoportables, el grupo fue a una cervecería en South Bank y permaneció allí hasta que llegó la oscuridad y pudieron ver el fuego en el puente de Londres y al otro lado del río, «como un único arco de fuego entero desde allí hasta el otro lado del puente y en un arco colina arriba que se extendía por más de una milla de largo: me hizo llorar al verlo» (as only one entire arch of fire from this to the other side of the bridge, and in a bow up the hill for an arch of above a mile long: it made me weep to see it). Pepys describió este arco de fuego como «un arco con la flecha de Dios con un punto brillante» (a bow with God's arrow in it with a shining point).43​

El corsario de hierro

Víctor Mora afirma haber sitúado esta historieta en el siglo XVII, después del Gran incendio de Londres,3​ pero la trama abunda en anacronismos y sucesos inverosímiles.

El protagonista asiste en su infancia al asesinato de su padre por Lord Benburry. Es adoptado por La Vieja Dama del Mar y se convierte en pirata, dedicándose a atacar preferentemente los barcos de Lord Benburry, ennoblecido ya por Carlos II de Inglaterra gracias a las riquezas adquiridas en su innoble labor. Antiguo pirata "Mano Azul", no se llega a explicar jamás por qué su mano deja de ser Azul en su vejez. Padece gota crónica, es uno de los nobles favoritos de la corte, y aunque ha abandonado la piratería sigue invirtiendo en todo tipo de actividades legales, pero inmorales como el tráfico de esclavos, la explotación de niños, o la colonización de América del Norte.

Durante una estancia en la cárcel el Corsario conoce a los dos personajes que le darán en adelante el adecuado contrapunto cómico: el gigantesco escocés Mac Meck y el extravagante mago italiano Merlini (que no dejan de recordar a los Goliath y Crispín de El Capitán Trueno o, más aún, a los Taurus y Fideo de Mileto de El Jabato). Mac Meck es un bonachón pastor escocés con una fuerza descomunal que entra en cólera cuando le ridiculizan por su "Kilt" mientras que Merlini es un esmirriado prestidigitador aficionado que siempre se mete en líos debido a sus fracasados "giocos di mani"; en realidad aspira a convertirse en alquimista de prestigio y sueña con dirigir una empresa de espectáculos. Merlini es el gran personaje cómico de la serie, más rica en humor que las anteriores de Víctor Mora.

El capitán Trueno

Los guiones del Capitán Trueno huyen de dar una visión maniquea o estereotipada de las demás razas y culturas. De este modo, encontramos tanto a enemigos como amigos entre los vikingos noruegos (Ragnar), los chinos continentales, los indígenas americanos e, incluso, entre los propios españoles, colectivos humanos en los que aparecen personajes honrados y valientes junto a tipejos execrables, los cuales, por ejemplo, quieren practicar la "caza del hombre" con sus propios siervos. Pese a ser una obra con héroes y villanos, no todos los intervinientes que van desfilando son buenos o malos de modo permanente o absoluto. Cabe citar como ejemplo al vikingo Ragnar Loghbroth, padre adoptivo de Sigrid, quien confiesa en su lecho de muerte que, si bien atacó y saqueó como pirata las ricas naves de los mercaderes, "también es cierto que combatí [continúa el relato del vikingo] a los traficantes de esclavos". A éstos ayudó a recobrar la libertad.

El autor propugna la defensa de la Ciencia y de los avances técnicos: por ejemplo, cuando el mago Morgano es liberado y Crispín le pregunta, en el laboratorio, si es allí donde realiza su magia, aquel le responde: "la única magia que hay está aquí, en los libros de Ciencia". Los inventos del mago Morgano constituyen (salvando las anacronías que Mora advierte en el propio cómic), valiosos elementos dinamizadores de la serie y, uno de ellos en especial, el globo aerostático, le permitirá al guionista desplazar con facilidad al héroe y a sus compañeros por varios continentes. Gracias a este mago (quien construye el primer globo en la serie), el Capitán Trueno aprende a fabricar este aparato volador, el cual le llevará a lugares y continentes alejados, exóticos e inexplorados para la supuesta época de las aventuras (Mongolia, el Japón feudal, África o América). Por otra parte, la aparente "magia" que se inserta en las aventuras nunca es tal, sino que tiene una explicación racional, ya sea por reacciones químicas o por ingeniosos trucos, artimañas provocadas por los falsos magos para asustar y reforzar la superstición, la dependencia, la sumisión y la manipulación del pueblo (si bien, en las últimas aventuras más recientes, sí aparece la magia como tal).

Finalmente, recurriendo a un inteligente empleo del humor y de las situaciones cómicas (comenta el autor en el prólogo de La Reina Bruja de Anubis,1​) se apartó de los cauces formales de la historieta española de los años 50 y 60, donde era inusual y desacostumbrado ver al héroe sonreír y reír a carcajadas.

Astroboy

Astro Boy es una serie de ciencia ficción situada en un mundo futurista donde los robots coexisten con los humanos. Se centra en las aventuras del personaje homónimo "Astro Boy" (a veces también llamado Astro); un poderoso androide creado por el jefe del Ministerio de Ciencia, el Doctor Tenma. El Dr. Tenma creó a Astro para reemplazar a su hijo Tobio (Atom en japonés), quien falleció en un accidente automovilístico. Tenma incorporó en Astro las memorias de Tobio y procedió a tratarlo como si fuera el verdadero Tobio. Sin embargo, el Dr. Tenma pronto se da cuenta de que el pequeño androide no podía llenar el vacío de su hijo, especialmente teniendo en cuenta que Astro no puede crecer ni expresar la estética humana. En la edición original de 1960, Tenma termina rechazando a Astro y lo vende a un cruel dueño de un circo, Hamegg.


Algún tiempo después, el profesor Ochanomizu, el nuevo jefe del Ministerio de Ciencia, ve a Astro actuando en el circo y convence a Hamegg para que se le entregue. Ochanomizu acoge a Astro como su hijo y se convierte en su nuevo guardián legal. Pronto se da cuenta de que Astro tiene poderes y habilidades superiores, así como también algo mucho más sorprendente: la capacidad de experimentar las emociones humanas.

Astro comienza a luchar contra el crimen, el mal y la injusticia utilizando sus diversos poderes: súper velocidad, luces de alta intensidad en los ojos, audición ajustable, traducción instantánea de idiomas, una ametralladora retráctil en sus caderas y un alto coeficiente intelectual capaz de determinar si una persona es buena o mala. La mayoría de sus enemigos son seres humanos que odian los robots, robots que se han vuelto locos o invasores alienígenas. Casi todas las historias incluyen una batalla que involucra a Astro y otros robots. En un episodio de manga, Astro se enfrenta a la Fuerza Aérea de EE.UU., y los detiene de bombardear a algunos aldeanos vietnamitas inocentes (este fue un episodio de viaje en el tiempo, en el que Astro se remonta desde el siglo XXI a 1969).

martes, 25 de agosto de 2020

Pile of Priests " Pile of Priets"

Pile of Priets " Pile of Priets" Usa Death/ Thrash 2020
01. Intro
02. The Aversion
03. Death of the Paragon
04. Exile unto Divination
05. Conjunction of Souls
06. The Threshold
07. Deus Delenda Est
08. Bloodstained Citadel
09. The Restitution

Patrick Leyn: Bajo
Evan Salvador: Guitarra, Cantante
Evan Knight: Batería
Daryl Martin: Guitarra

Esta banda creada en el 2009 en Denver ( Colorado) está en el momento más álgido de su carrera. Les costó arrancar su carrera a los Pile of Priests. Han publicado dos Ep, un single, una demo y cinco años después de su primer lanzamiento la banda presenta su segundo trabajo de título homónimo que lanza el sello Extreme Metal Music, ellos hacen un Death / Thrash clásico con elementos de Slayer, Sepultura, Possessed o Death, eso en sus inicios pues con el paso de los años han querido dar un salto al Death Técnico.
La Intro a piano y valdría para los Savatage. hace juego o pretende hacerlo con la portada. The Aversion arranca hostilidades con un sonido a la producción perfecto, genial en todos los aspectos y eso que lo que hacen tampoco es nada innovador ni nada que no hayamos escuchado ya un millón de veces, pero suena con mucha convicción. Sinceramente ese paso que dicen haber dado al Death técnico no lo veo en ningún momento, simplemente lo que hace la banda es buscar intros acústicas o con piano o teclado como en Death of the Paragon que te suena a Iron Maiden, que en otras ocasiones conectan con la Bay Area y luego en el cambio de ritmo tirar del típico Death/ Thrash añejo.
Una particularidad es que ellos usan " Frentless Bass", es decir, en el trabajo del bajo cambian la tonalidad de la diapasón y es un sonido mucho más natural, con menos distorsión y por ejemplo los Death o los Atheist lo utilizaban porque con un sonido más limpio y donde se pueden rasgar más notas pues es más sencillo aportar pinceladas de Jazz/ Fussion. Por desgracia para los Pile of Priests, escucho temas como Exile unto Divination y se quedan en la superficie porque con el Frentless no consiguen darle ese toque técnico en ningún momento, se quedan en la superficie.
Donde no llegue la creatividad o la técnica, que llegue una buena producción, eso nos hace ver en ocasiones espejismos sonoros que luego en el directo son desenmascarados. Es un poco lo que sucede con esta banda de Denver, en realidad un tema como Conjuction of Souls es bastante lineal pero con su producción tan nítida parece otra, ligero acercamiento al Death melódico en el trabajo del estribillo por cierto.
Las Intros de este trabajo como la de The Threshold, suenan todas iguales. Es buena idea incorporar elementos de Maiden y de la Bay Area y trasladarlos al Death Metal, pero cuando todas tus intros están orientadas hacia la misma dirección, pues se pierde por completo la chispa.
El Death técnico es un traje que les queda muy largo. Ellos son un Death/ Thrash de manual sin grandes alardes . Deus Delenda Est es una nueva oportunidad más que dejan pasar pues el tema daba para mucho más y hay bastantes minutos donde se muestran excesivamente conservadores sin provocar emociones nuevas. Lo que les falta es mucha variedad en el trabajo de los riffs, Bloodstained Citadel  suena a más de lo mismo y la estructura de los temas peca de lineal por momentos, se puede decir que hay una melodía en todos sus temas que pugna por salir pero la tienen bastante encorsetada, quizás den el paso al Death melódico en su próxima obra pues la verdad es que no es una banda agresiva para nada.
Al último tema es que no le veo ubicación. Una voz femenina invitada, Adrianne Cowan ( una cantante de 25 años de Houston que canta entre otras muchas bandas, con Sascha Paeth, en su proyecto individual) y hacen un Death melódico y le tratan de introducir técnica con el bajo Frentless.... lineales y en tierra de nadie, a caballo entre el Death/ Thrash y el Death melódico pero en ningún momento ese death técnico pues la utilización del bajo Frentless no tiene cabida si no hay técnica detrás y aquí no la hay.

https://pileofpriests1.bandcamp.com/album/pile-of-priests-2
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 4/5

Puntuación: 5,5/10

King Gorm " King Gorm"


King Gorm " King Gorm" Hard Rock 2020
 1.Intro
2. Freedom Calls
3. Four Heroes
4. Irondale Burning
5. Song From Brighter Days
6. Beyond Black Rainbow
7. The Witch of Irondale
8. Slaughter the King
9. Ultimate Reality

Francis Roberts: Guitarra, Cantante
Erich Beckmann: Bajo
Dylan Marks: Batería
Saki Chan: Órgano Hammond

Asistimos al debut de los King Gorm, esta es una banda de Estados Unidos formada por miembros de Old Man Wizard, Grim Luck o Beekeper que debutarán con este álbum de título homónimo el 31 de julio del 2020.
Lo que buscan es un Rock vintage en todo momento. Una intro de apenas unos treinta segundos, con un acorde distorsionado y lento en la guitarra que sirve para presentar Freedom Calls, donde entra de lleno el órgano Hammond que junto a la labor de su bajista son los que le dan una gran personalidad a esta banda, aportan ese plus de calidad y un sonido diferenciador.
Four Heroes es un corte de unos seis minutos y medio donde el órgano Hammond vuelve a marcar la diferencia. Tienen a su vez un sonido bastante oscuro y a la vez suave, bastante comercial que te recuerda al primer disco de los Ghost, también colabora a esta comparativa el registro tan agudo de su cantante. Irondale Burning es un tema que no llega a los dos minutos de duración, intro instrumental tan suave como lenta. Esta intro sirve para continuar por la misma senda en Song From Brighter Days que es un tema que estás esperando todo el tiempo un cambio de ritmo que no se termina de producir nunca. Suave y elegante pero bastante lineal en estos últimos temas. Me falta también el aporte de la guitarra, porque el órgano Hammond está muy por encima. Típica balada de los setenta, con elementos de los King Crimson aunque sin su aspecto progresivo y tirando del rock sinfónico de los setenta.
Beyond Black Rainbow, presenta un ritmo más acelerado en la base rítmica que no creo que le quede del todo bien al tema. Pero aquí si que aparece la guitarra y ofrece un riff solvente y melódico para acelerar un poco el ritmo del tema que me recuerda a los suecos Hällas y a Ghost todo el rato.
The Witch of Irondale es un corte de unos siete minutos y medio. El problema es que siempre hay alguién que llega antes que tú y que ofrece unas prestaciones similares, estamos en la era del rock vintage, es lo que se lleva a día de hoy, intentar rebuscar en la década de los setenta. Muchas bandas talentosas para tan poco público. Slaughter the King es quizás el tema más adictivo de todo el trabajo, porque aquí guitarra y órgano Hammond están a la par, que es un poco lo que echo en falta en el resto de temas.
Ultimate Reality es el tema con el cual cierra este trabajo. De nuevo con un buen trabajo en el órgano Hammond que introduce una atmósfera ensoñadora y es acompañado por un rock pausado y con ese toque de Occult Rock que denotan en todos sus temas. Muy similar al primer álbum de Ghost, banda con calidad pero como os dije, demasiadas bandas en busca del mismo sónido.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

Nattarvet " Zerfall"

Nattarvet " Zerfall" Alemania Black Metal 2020
01. Kapitel 1: Die Todesberuhrung
02. Kapitel 2: Des Kopfes Wahnsinn
03. Zwischenspiel 1: Das Gedächtnis
04. Kapitel 3: Der Gesellschaft ihr Tod
05. Kapitel 4: Die Isolation
06. Zwischenspiel 2: Die Rüјckkehr
07. Kapitel 5: Die Selbstaufgabe
08. Kapitel 6: Dem Scheitern verschrieben

La portada es llamativa. Esto es un proyecto individual desde la bella ciudad portuaria alemana de Hamburgo y este es su segundo trabajo " Zerfall". . Kapitel 1: Die Todesberuhrung es un corte donde estás esperando a que pase algo todo el tiempo. La aceleración en la batería me deja completamente frío, desprovista de agresividad y emoción.
Kapitel 2: Des Kopfes Wahnsinn, tema de siete minutos de duración, álbum conceptual con letras existencialistas, esto es basicamente un Black Metal Depresivo, es decir, un DSBM. Cruce de riffs pero de nuevo sin acertar, quiere sonar atmosférico, quiere sonar depresivo pero yo diría que esto es más Black Raw que otra cosa, no obstante, el cambio de ritmo y la aceleración le sientan muy bien al tema. Zwischenspiel 1: Das Gedächtnis  es un tema instrumental y atmosférico de apenas unos treinta segundos de duración a golpe de sintetizadores que recrea una buena atmósfera pero que no te sabe a nada pues dura excesivamente poco. Pero muy lentamente la cosa se va poniendo interesante con  Kapitel 3: Der Gesellschaft ihr Tod. Aunque carezca de técnica para recrear una atmósfera propicia, aunque se adorna demasiado en la voz gutural y no resulta convincente ni sólido en ningún momento y aunque el sonido de la batería sea muy flojo, lo cierto es que por activa o por pasiva te acaba llamando la atención pese a todo.
No consigue nunca ese sonido depresivo ni atmosférico que son las metas que se marca pero en cambio escuchando temas como Kapitel 4: Die Isolation muestra al menos un sonido torrencial y sucio en la guitarra que me recuerda a Darkthrone, Pest y Mayhem en sus inicios.
Zwischenspiel 2: Die Rüјckkehr es otra de sus intros que no llega ni al minuto de duración y que no tiene continuación en el siguiente tema. Kapitel 5: Die Selbstaufgabe  pese a la evidente falta de técnica, hay que destacar que la mejor característica de este proyecto es el sonido sucio y agresivo que tiene la tonalidad de la guitarra en todo momento y sobre todo ese fuerte sentimiento Punk que subyace en todos sus temas.Kapitel 6: Dem Scheitern verschrieben  introduce variedad este último corte de unos siete minutos. Aunque alarga sus temas sin ninguna necesidad y no alberga grandes sorpresas pues son bastante lineales todos sus temas, al menos ofrece un Black Metal lento y cambia la dinámica al mezclarlo con el Doom. Muy irregular pero por momentos llamativo.
https://nattarvet.bandcamp.com/album/zerfall
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 2/5
Producción: 3/5

Puntuación: 5/10




Sun Addicted Family " Solar Dreams"

Sun Addicted Family " Solar Dreams" Irán Shoegaze 2020
01. Solar
02. Signals
03. Orbit
04. Levitate
05. Luna

Seena Arya: Teclados, Cantante, Programación
Harpag Karnik: Guitarra, Bajo, Cantante


Seguramente Irán sea el país de moda dentro del Underground y eso que ser una banda de música en este país es muy duro pero aún así, el talento es el talento y no paran de salir buenos proyectos desde estas tierras. Sumamos uno nuevo más y muy personal y diferente como es Sun Addicted Family, banda que debuta con " Solar Dreams". Un  dueto de Shoegaze mezclado con Black.
Carga ambiental muy importante a través de la programación y el teclado en el corte Solar, suavidad y ritmos clásicos de Shoegaze que nunca abandonan el tema hasta que se produce el cambio de ritmo y aparece una voz gutural y un medio tiempo donde entra la guitarra eléctrica pero sin perder nunca la melodía inicial. Interesante el tema Signals de unos siete minutos. Porque aquí si que logran mezclar de forma fluída la parte de Black con el Shoegaze y es más, se puede decir que el paganismo, la melancolía y el aire depresivo del Black Metal se pone al servicio del Shoegaze que es el ingrediente principal de este disco.
Orbit es un tema de diez minutos de nuevo con esa carga electrónica que siempre busca lo contemplativo, la reflexión, la carga sentimental que siempre acompaña el Shoegaze, de forma muy cinemática y atmosférica, con mucha delicadeza y suavidad. Quizás se recrean demasiado en ese ritmo y tarda demasiado en suceder nuevas cosas que aporten más elementos al tema, es interesante el ritmo de batería que entra en este tema pero hasta el séptimo minuto no aparece y lo hace con un ritmo básico, no nos vamos a encontrar con ritmos tribales ni técnicos y es que la batería es programada. Muy buen gusto compositivo de nuevo pero lo dicho, se recrean demasiado en ciertas fases y lo que crea un efecto en el oyente se convierte en algo normal y puede acabar aburriendo y además cometen el error de ir apagando el tema poco a poco.
En el corte Levitate entra la voz cosa que no hizo en el anterior corte, es una voz esta vez pausada y distorsionada que en realidad no tiene importancia alguna en el desarrollo del tema. De nuevo esa base rítmica programada y toda la carga de la programación para recrear esos ritmos de ensueño que en el caso de estos iraníes pues es muy reflexiva y pausada. Cierran el trabajo con Luna, por fin un poco de distorsión en la guitarra y un ritmo de batería algo más elaborado que le añade un poco de fuerza.
En tan solo un tema consiguen unir el Shoegaze con el Black Metal, creando el Blackgaze pero el resto de temas está orientado hacia el Shoegaze con una importante carga electrónica. Suena elegante que no majestuoso e invita más que a la ensoñación ( algo típico del Shoegaze) a la meditación y a un estado perpetuo de melancolía, pese a esa mezcla que no convence, trabajo sugerente por momentos.



https://sunaddictedfamily.bandcamp.com/
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 2/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6,25/10

Sorcerer " Lamenting of the Innocent"

Sorcerer " Lamenting of the Innocent" Suecia Epic Doom 2020
01. Persecution
02. The Hammer of Witches
03. Lamenting of the Innocent
04. Institoris
05. Where Spirits Die
06. Deliverance
07. Age of the Damned
08. Condemned
09. Dance with the Devil
10. Path to Perdition


Anders Engberg: Cantante
Richard Evensand: Batería
Kristian Niemann: Guitarra
Peter Hallgren: Guitarra
Justin Biggs: Bajo

Tercer larga duración para esta banda de Epic Doom sueca creada en 1988, lo nuevo de la banda se titula " Lamenting of the Innocent" y sale a través de Metal Blade Records. En este álbum debuta su nuevo bajista Justin Biggs que toca en directo con los Therion. Estuvieron en activo de 1988 a 1992 y solo grabaron dos demos, músicos experimentados que pasaron por Therion o 220 Volt. Regresaron en el 2010 y desde aquella llevan con este, tres álbumes de Epic Doom a lo Candlemass.
Desde el primer segundo hasta el último, la apuesta de Sorcerer es siempre la misma, el clasicismo y la elegancia. Más que un Epic Doom, yo diría que es un Heavy/ Doom de corte melódico y épico como el de The Hammer of Witches. Que gran voz la del señor Anders Engberg y pese a los coros que rozan lo gutural y no aportan nada al tema, el aroma es ochentero a más no poder con un buen trabajo en el riff rítmico para recrear una atmósfera oscura y por supuesto los solos de guitarra melódicos, limpios y con mucha intensidad.
Lamentating of the Innocent es un gran tema. Solo limpio acompañado con riff en distorsión mientras el ritmo de la batería va creciendo y recrean un estribillo melódico que sale de la nada, con mucha elegancia... amigos, que salieron estos tipos de 220 Volt, una de las bandas con más facilidad para recrear melodías. Institoris.... mira que es sencillo y mira que te atrapa. Este es un corte que me recuerda a un cruce entre los Candlemass y lo último de Denner, el ex guitarrista de Mercyful Fate, más que Doom, lo podemos considerar un metal oscuro. 
Where Spirits Die es un calco del universo Sabbath pero de una parte de la historia muy concreta de la banda británica, la era Tony Martin. Es un tema que me recuerda al Eternal Idol y eso se cotiza mucho pues la era Martin cada vez tiene más adeptos. 
Acústica y solo de guitarra limpio y melódico en Deliverance para recrear un aroma de balada nostálgica y elegante. Buscando la esencia de los Judas Priest y sus baladas del Sad Wings of Destiny y del Sin After Sin, casi nada, pero con la melodía sueca, de la Nwoshm.
Age of the Dammed introduce la electricidad y oscuridad total, hacía falta un tema contundente entre tanta melodía, sirve de contrapunto perfecto y le da un aire más global al álbum. Ligera utilización del Groove pero siempre en una tonalidad bastante ligera, intentando recrear una atmósfera oscura de inicio a fin y con el ritmo más lento a la batería.
Condemned de nuevo con la acústica de inicio y la elegancia de su cantante. La batería se introduce y con un riff neoclásico que inspira nostalgia por todos sus poros arrancan con una balada entre el neoclásico y el Rock/ Metal más épico y lento, elegancia y calidad a raudales, nada que no supiéramos de ellos, pues son un valor seguro. 
Como un tema de ocho minutos de duración no aburre nada, como el caso de Dance With the Devil y todos tienen una duración similar. No aburren nada porque la estructura es lógica y maciza y por la gran calidad de pequeños detalles que hacen que conformen un gran álbum. Path to Perdition cierra el trabajo de forma muy sugerente como no podría ser de otra forma. El riff inicial te recuerda a los Rainbow y a medida que avanza el tema nos encontramos en el trono de los Black Sabbath en la era Martin. Sencillo amigos, los Sorcerer siempre cumplen pero en esta ocasión no se limitan al notable sino que buscan la excelencia y la encuentran, imposible ya pedirles más, son la elegancia personificada. Disco de Epic Doom o Hard Heavy épico de frac y pajarita.

Feeling: 5/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 4/5

Puntuación: 9/10

Rocky Kan " Twisteando el Madison"

Rocky Kan " Twisteando el Madison" España 1962 Rock
1. Twisteando el Madison
2. Se Oculta el Sol
3. La locomoción
4. Speedy González

Para el tema Twisteando el Madison se baso en un tema original de un cantante francés llamado Billy Bridge, en Youtube hay este tema subido con un baile que se marcaron en la televisión española que es de risa, eran otros tiempos, en este caso, muy inocentes. La versión es en castellano y lo que destaca de Rocky Kan es su gran voz.
Se oculta el sol es un muy buen tema, que han ido versionando a lo largo de los años diversos artistas, yo diría que es el mejor tema de este artista. Es una balada muy de la época que tiene un trabajo de batería que no me convence demasiado pero de nuevo vuelve a sacar un gran chorro de voz y tiene un aire entre orquestal y despierta cierta nostalgia. La locomoción es un tema original de Little Eva que Rocky Kan versionó y llegó a ser el número uno, es el típico tema de ritmo Boogie y que era típico para bailar en los guateques de la época, estos fueron los orígenes del Rock en España. Cierra con Speedy Gonzalez, que era un dibujo animado, un ratón con sombrero mejicano que destacaba por su astucia y sobre todo por su rapidez. Suena todo muy cándido e inocente, era habitual en los artistas españoles de esta época el tirar de mucha versión.

Loudness " The Birthday Eve"

Loudness " The Birthday Eve" Japón Heavy Metal 1981
1. Loudness
2. Sexy Woman
3. Open Your Eyes
4. Street Woman
5. To be Demon
6. I am on Fire
7. High Try
8. Rock Shock ( More and More)


Minoru Niihara: Cantante
Akira Takasaki: Guitarra
Masayoshi Yamashita: Bajo
Munetaka Higuchi: Batería

Akira Takasaki, uno de los mejores guitarristas del Japón, fue el creador de esta banda en 1981 junto al batería Munetaka Higuchi. Pero la historia de Loudness no es llegar y besar el santo. Digamos que la Nwobhm estaba en plena explosión que en Usa había bandas de Rock y metal blando realmente buenas como Riot, Van Halen o Quiet Riot, en Alemania los Scorpions y que decir de Canadá con bandas como Rush o los Triumph... el rock/ metal estaba en plena explosión y tarde o temprano tendría que llegar al Japón.
Locales con una aureola mítica como el Budokan vieron actuar a grandes bandas internacionales como MSG, Ufo, Gary Moore, Judas Priest, Iron Maiden, Black Sabbath...etc.
La llama que prendió en Japón fue la del Punk y sobre todo la del Crust Punk con una escena nutrida y tan bien representada que sus formaciones son icónicas en un plano internacional, siempre dentro del Underground. Pero la llama del metal clásico en el Japón costó mucho encenderla. Los Loudness son coetáneos de bandas como Anthem, Bow Vow, Earthshaker, X-Ray, Styngray, Sabbrabells, Terra Rosa, Saber Tiger, Seikimatsu, Crowley, 44 Magnum.... esas fueron las bandas que surgieron en los ochenta en Japón de Rock y metal con las que compitió Loudness. Existe la convicción de que Loudness fue la primera banda japonesa en tocar fuera de Japón y no es cierto. La primera banda en salir al extranjero fue Bow Vow que tocaron en el Reading Festival y en un festival en Montreal ( Canadá) después hay que decir que también fueron los primeros en ser teloneros de grandes bandas al paso por Japón, fueron teloneros de los Aerosmith y Kiss... aunque finalmente los Loudness de toda esta lista, fueron los que más éxito tuvieron en un plano internacional.
Tampoco los Loudness fueron los pioneros en Japón, otra desinformación que se convierte con el paso del tiempo en una verdad absoluta. Realmente los pioneros del rock/ metal en Japón fue la Travellin Band, una banda creada a finales de los sesenta con una música que era un cruce entre Deep Purple y Black Sabbath.
Este primer trabajo de los Loudness fue un fracaso a nivel de ventas pero no por su calidad, que es muy alta sino porque eran tiempos de Punk en Japón y la escena metalera estaba naciendo todavía y estaba en pañales, todas estas bandas citadas estaban inagurando una escena que estaba dando todavía sus primeros pasos, por lo tanto, se dirigían a una porción de público muy pequeña. Pero tengo que decir en cambio que el álbum es de una calidad como mínimo notable.
La inmensa calidad de su guitarrista Akira Takasaki es alta y lo demuestra. Su versatilidad es lo que más destaca en su carrera, es capaz de conjugar cosas muy diferentes, desde elementos de los setenta muy en la línea de Led Zeppelin pasando por la influencia del metal aguerrido de los Judas Priest y la voz de Niihara tampoco se queda atrás, es un gran debut de una de las leyendas del Japón, por cierto, vamos a reseñar todas esas bandas.