jueves, 9 de abril de 2020

Allen & Olzon " Worlds Apart"

Allen & Olzon " Worlds Apart" Heavy Metal Melódico 2020
1. Never Die
2. Worlds Apart
3. I'll Never Leave You
4. What If I Live
5. Lost Soul
6. No Sign of Life
7. One More Chance
8. My Enemy
9. Who You Really Are
10. Cold Inside
11. Who's Gonna Stop Me Now

Russell Allen: Cantante
Anette Olzon: Cantante
Magnus Karlsson: Guitarra, Teclado, Bajo
 Anders Köllerfors: Batería

No hay descanso para Russell Allen a sus 48 años este cantante americano no para de trabajar. Es la voz de Symphony X pero necesita más. Por eso se unió a Adrenaline Mob en el 2011 y por eso está unido a Jorn Lande en su proyecto además de tener otras bandas y de ofrecer sus servicios a numerosas bandas como invitado, yo destacaría su papel en el pasado en la Trans- Siberian Orchestra, un sonido que le quedaba como anillo al dedo.
Ahora tiene un nuevo proyecto, Allen une sus fuerzas con Anette Olzon, esta cantante tuvo la papeleta de suplir a Tarja en Nightwish durante unos cuantos años y ahora une sus fuerzas con Allen, acompañados por músicos suecos en su primer álbum " Worlds Apart".
Es obligatorio compararlo con Allen/ Lande, la diferencia es que este proyecto es más sinfónico sirva Never Die  como punto de partida, tema para Rusell Allen de Power sinfónico melódico y con tintes neoclásicos, muy melódico. Worlds Apart ya las dos voces confluyen en un estribillo potente y melódico aunque muy repetitivo, a mi me recuerda a Eternal Idol, banda de la misma índole con dueto Lione/ Claudia Duronio. I'll Never Leave You es un poco la conclusión anticipada de lo que nos espera y de lo que es este trabajo, nos venden dos grandes voces... y poco más.
What it Life es un exceso a todos los niveles, producción, teclados, una atmósfera superlativa y en un plano musical... más plano que un lenguado. Lost Soul es con su toque neoclásico y el solo de Power Metal a lo Gamma Ray/ Grave Digger de lo más solvente del álbum. No Sign of Life es un corte donde el trabajo vocal cobra una intensidad mayor, bien sincronizadas las voces aunque siempre brilla mucho más Allen.
Batería y bajo sin ningún peso compositivo y así llegamos a One More Chance, que es demasiado empalagoso desde todos los puntos de vista.
El problema es que también los riffs suenan sin ninguna personalidad, no es que sean genéricos, es decir, los típicos para salir del paso es que no tienen ningún protagonismo en el desarrollo de los temas, algún que otro solo de guitarra en cambio si que hay como el de My Enemy.
Who you Really Are es un tema más cinemático y atmosférico y es que el teclado consigue reparar el lastre del trabajo en la guitarra y recrea un buen clima. Pero a medida que van pasando los temas Allen se come literalmente a Anette y eso que ella es una cantante brutal con una técnica depurada, aunque tenga algún que otro momento para su lucimiento como Cold Inside. Y con el tema Who's Gonna Stop Me Now finaliza el trabajo, donde le ponen una pizca más de agresividad que llega demasiado tarde. Me parece un proyecto interesante con dos grandes voces pero está cogido con pinzas, hay que juntarse y elaborar temas mucho más precisos, contundentes y con un mayor nivel de complejidad, es lo típico de este tipo de proyectos a distancia.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 2/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6/10

Christmas " Hot Nights in Saint Vandal!"

Christmas "  Hot Nights in Saint Vandal!" Alemania Hardcore 2020
01. Turn Me Lewd
02. Hey Mate
03. Hot Nights in Saint Vandal
04. Push Fast
05. Waterloo
06. Getting Away
07. Elvis Is Dead
08. Fuck It Up
09. Born to Booze
10. Go Hard or Go Home
11. Candy Me

Puro Hardcore el que nos llega desde Alemania, directo al grano en todo momento. Turn me Lewd es un corte con los riffs de Motörhead y la base rítmica de los Discharge, una simple descarga entre Crust Punk seminal y Rock espeso. Hey Mate es Punk en estado puro ellos van variando de cartas y suenan con gracia aunque no con profundidad.
Interesante el riff de Hot Nights in Saint Vandal es un típico riff de Speed Metal ochentero al que le ponen a su disposición una base rítmica de Punk que es un vehículo ideal para que se desarrolle con sentido del ritmo el tema. Push Fast de nuevo el Punk Rock y es que hay que pensar que hay mucha tradición en este país, pienso por ejemplo en los Böhse Onkelz.
Waterloo es deudor del Punk inglés de los setenta y Getting Away en cambio lo es del Punk alemán de los ochenta, siempre veloz pero con ese ligero punto melódico que le concede el trabajo de la guitarra, tiene actitud su cantante pero le falta voz.
Sería equiparable con los Barricada en España por ejemplo el tema Elvis is Dead solo que estos alemanes le dan un toque melódico. Siguen con Fuck it Up el tema más enfocado hacia el Hardcore y donde por fin el batería se destapa y ofrece más variantes en su trabajo.
Born to Booze tiene más agresividad en el trabajo de la guitarra, suenan con adrenalina pero les falta potencia y creatividad son temas muy previsibles y todos con el mismo desarrollo. Ellos lo que van a tratar con este trabajo es darte una bofetada en la cara y con esto quiero decir que es una banda de directos como demuestran en el tema Go Hard or Go Home, temas como estos sentado comodamente en tu sofá escuchando el tema pues agrada pero no deja huella en cambio en el directo, pues cobran otra intensidad porque la idea es tocarte un tema tras otro y que tengas la sensación de que el ritmo no para nunca y para finalizar el disco, Candy Me otra oda alegre al Punk y de nuevo enfocado hacia el Punk inglés de los setenta, buen disco pero sin excesivas pretensiones.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 2/5
Producción: 2/5

Puntuación: 4,5/10

Ross the Boss " Born of Fire"

Ross the Boss " Born of Fire"  Usa Power Metal 2020
01. Glory to the Slain
02. Fight the Fight
03. Denied by the Cross
04. Maiden of Shadows
05. I Am the Sword
06. Shotgun Evolution
07. Born of Fire
08. Godkiller
09. The Blackest Heart
10. Demon Holiday
11. Undying
12. Waking the Moon

Ross the Boss: Guitarra, Teclado
Mike Lepond: Bajo
Marc Lopes: Cantante, Teclado
Steve Bolognese: Batería

Ross H. Friedman de 66 años, más conocido por Ross the Boss y por su paso por Manowar de 1980- 1989, estuvo en la época de gloria de la banda. Tiene varios proyectos musicales y este que es el que más funciona empezó siendo un grupo montado de forma apresurada para actuar en un Keep it True que iba a ser una banda tributo a Manowar pero cogió forma y acabó componiendo temas propios. Llama la atención la colaboración de Mike Lepond al bajo ( Symphony X) Marc Lopes al micro, un cantante clon de Adams en los agudos, sin su carisma sin su potencia pero con más versatilidad en los registros. Este es el cuarto duración de Ross the Boss " Born of Fire" que tiene muy contento al líder de la banda que afirma que son temas que podían ser tocados en la etapa más popular de Manowar.
Glory to the Slain es un tema de Speed Metal que no me convence en ninguno de los sentidos, no tiene gancho, es simple y no aporta nada. Mejor esta Fight the Fight, un corte con un estribillo que funciona y es agresivo y es un cruce entre los Fight de Halford y el Jugulator, en cambio el solo de guitarra está metido con calzador. Denied by the Cross otro tema corto de tres minutos con un ligero toque en los teclados en el acompañamiento con una piel de Us Power Metal y dejando paso a un solo minutero.
Maiden of Shadows tiene los típicos coros pregrabados de los Manowar y busca algo más comercial. Un medio tiempo que logra ejecutar un riff melódico, épico, muy celta y muy de Folk, fijaos en las pinceladas de calidad de Lepond en el acompañamiento.
I am the Sword es el típico corte de Ross the Boss de toda la vida, Hard Heavy blando pero acelerado y sus solos de guitarra, siempre con un ingrediente picante y acelerado que recuerda a Exciter pero buscando algo más comercial.
Shotgun Evolution sigue la línea de los anteriores temas, cortos y directos al grano, Groove, Power/Speed y toque de " Screaming Metal" muy en la línea de los The Three Tremors" por ejemplo y ese toque melódico en el riff a lo Judas Priest. El problema es que van pasando los temas y tengo la sensación de cansancio y de estar escuchando lo mismo de siempre una y otra vez, bajan el nivel con Born of Fire, rock y poco más y que decir de Godkiller la misma fórmula de siempre pero con un solo de guitarra alegre que te recuerda a los Running Wild.
The Blackest Heart es un corte a medio tiempo pero se eterniza en la parte lenta y no tiene demasiado gancho aún así se agradece porque al menos corta la dinámica del disco y aporta otros elementos diferentes. Demon Holiday no tiene sentido del ritmo ni feeling alguno, la variedad entra tan solo en ráfagas esporádicas y tan solo en los solos de guitarra y aún así, algunos de ellos te desconectan del tema.
Undying es de lejos el mejor corte de todo el trabajo, ritmo al galope y riffs y solos con sentimiento, todo es harmónico y todo va en la misma línea. Waking the Moon no funciona pero al menos tiene un par de ideas interesantes aunque no demasiado bien hilvanadas. No le veo nada especial al disco, un día más en la oficina para Ross the Boss y su tropa.

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 5,5/10

Funeral Bitch " The 80's Demos"

Funeral Bitch " The 80's Demos" Usa Death Metal 2020
01. Funeral Bitch
02. Last Laugh
03. Mcmac Attack
04. Fraudulent Fools
05. Omega Man
06. False Prophets
07. Out of Space
08. Chest Breast Molest
09. The Truth
10. Funeral Bitch (Live in Chicago 22 September 1987)
11. Omega Man (Live in Chicago 22 September 1987)
12. False Prophets (Live in Chicago 22 September 1987)
13. Last Laugh (Live in Chicago 22 September 1987)
14. Untitled (Live in Chicago 22 September 1987)
15. Tunnel of Damnation (Live in Chicago 22 September 1987)
16. Pay to Die (Live in Chicago 22 September 1987)
17. The Truth (Live in Chicago 22 September 1987)
18. Out of Space (Live in Chicago 22 September 1987)
19. Fraudulent Fools (Live in Chicago 22 September 1987)
20. Chest Breast Molest (Live in Chicago 22 September 1987)
21. Untitled I (Live in Chicago 22 September 1987)
22. MC Mac Attack (Live in Chicago 22 September 1987)
23. Untitled III (Live in Chicago 22 September 1987)

Paul Speckmann : Bajo, Cantante
Peter Thomson: Batería
Alex Olvera: Guitarra


Un eco del pasado, la segunda  banda de Paul Speckmann, conocido por todos por ser el líder de los Master aunque tiene una biografía mucho más extensa e interesante. Su primera banda fue War Cry, una curiosa banda de Power Doom banda creada en su Chicago natal en el 82, un estilo maldito esto del Power Doom, hay muy pocas bandas de este estilo. En el 87 creaba Abomination, una formación con la que sigue a día de hoy de Death/ Thrash. Pero sobre todo es conocido por Master. En los últimos años estuvo viviendo en la República Checa, le salió mal la jugada y ahora vuelve a apostar por músicos de su ciudad natal. También tiene numerosos proyectos como Cadaveric Poison o Johansson & Speckmann.  Este es un nuevo recopilatorio de Funeral Bitch, una de sus primeras bandas en los primeros tiempos del Death Metal, un recopilatorio publicado por Vic Records muy completo.
Viajemos al pasado, en esta banda sigue los pasos de Master, el sonido es bastante similar. Son los primeros tiempos del Death Metal y un por entonces adolescente Chuck Schuldinner creaba la banda Master. Cogiendo elementos del Thrash y apostando por un sonido más oscuro y una voz más ruda surge el Death Metal en estos primeros tiempos, más bien habría que decir Death/ Thrash, era un híbrido todavía sin evolucionar. Pues este es el camino que siguieron los Funeral Bitch. Banda creada en 1986 y que tuvo un período de vida muy breve, tan solo hasta 1988. No solo de Speckmann vivía esta banda, había talento en el resto del plantel. Por ejemplo Alex Olvera estuvo en Znöwhite, banda de Speed/ Thrash. En cuanto a los miembros que dejaron la banda por diversos motivos nos encontramos con el batería Mike Pahl que pasó por las filas de Abomination y hoy en día sigue en activo con los Funeral Nation, el mismo camino siguió el ex guitarrista de Funeral Bitch, también pasó por las filas de Abomination y sigue en activo en Funeral Nation. El batería Dave Chiarella estuvo en Usurper, Funeral Nation y en la actualidad está en Inner Decay.
Se me vienen muchos nombres de bandas a la cabeza que tengan un sonido similar a los Funeral Bitch: Death Strike, Abomination, Mantas, Master, Cadaveric Poison, Macabre, Mutilator, Funeral Poison, Holocausto, Sarcófago, Incubus, Massacre, Hellwitch.... la lista es extensa.
Funeral Bitch tan solo grabó dos tres demos durante su corta existencia y ya salió un recopilatorio suyo en el 2011, pero este es mucho más completo y tenemos la posibilidad también de escucharlos en directo, además en un concierto íntegro ofrecido en 1987 en su ciudad, para los amantes del Death en sus tiempos más arcaicos, esta es una oportunidad de indagar en una banda bastante desconocida, que no deberiais dejar pasar.


Crematory " Unbroken"

Crematory " Unbroken"  Alemania Metal Industrial 2020
01. Unbroken
02. Awaits Me
03. Rise and Fall
04. Behind the Wall
05. The Kingdom
06. Inside My Heart
07. The Downfall
08. My Dreams Have Died
09. I Am
10. Broken Heroes
11. A Piece of Time
12. Voices
13. Abduction
14. As Darkness Calls
15. Like the Tides


Marc Zimmer: Cantante, Bajo
Lotte Först: Guitarra, Cantante
Harald Heine: Bajo, Cantante
Matthias Hechler: Guitarra, Cantante
Tosse Basler: Guitarra, Cantante


Han pasado por etapas muy diferentes pero siempre han sobrevivido con más o menos éxito pero los alemanes Crematory siempre estuvieron ahí. Banda de Manheimm en activo desde 1991 hasta el 2001 en un primer período de actividad y desde el 2003 hasta nuestros días. Presentan Unbroken su 15 álbum de estudio.
Unbroken es un tema industrial al 100 % en su vertiente más comercial el gótico se lo olvidan y le ponen en la parte final un toque sinfónico, nos venden sin más un estribillo comercial. Await Me tiene un arranque melódico que me recordó mucho a Tiamat, hay que admitir que saben como crear atmósferas repletas de adrenalina aunque cada día suenen menos naturales, los samples y la programación ya lo son todo en su música y la guitarra perdió peso.
Tienen una carta más con la que jugar y esa es la incorporación de Tosse Basler que entro en la banda en el 2018 y es el guitarrista y utiliza la voz melódica en Rise and Fall, un tema que peca de comercial y pomposo pero que funciona en las primeras escuchas, eso sí, con el paso de las escuchas pierde mucho gas.
En los últimos tiempos están derivando ante un metal industrial tan suave que roza lo electrónico por momentos como Behind the Wall, un poco de los Rammstein, el rollo oscuro- melódico de los Type o Negative e incluso un poco de Death melódico comercial a lo In Flames.
The Kingdom si que tiene esa esencia gótica sobre todo en la recreación de la atmósfera pero es un tema excesivamente pausado y sin demasiado gancho, queda completamente aislado del resto de los temas. Inside my Heart de nuevo buscando la duplicidad de voz gutural y voz melódica en un medio tiempo sinfónico.
Destaco The Dowfall como uno de los pocos temas donde la guitarra tiene cierto protagonismo, eso sí, a cuentagotas. My Dreams Have Died es un tema donde tratan de volver al metal industrial después de un buen puñado de temas melódicos, demasiado tarde para volver a asestar un puñetazo en la mesa. Le sobran un buen puñado de temas e este trabajo como I Am.
Broken Heroes más de lo mismo y es que el álbum se ralentiza y se busca un acompañamiento que peca de simple para potenciar las melodías, la técnica usada en A Piece of Time es la descrita. Voices me recuerda a la escuela alemana que esta misma banda potencio, bandas como Atrocity o Darkseed.
Abduction pasa por ser una melodía susurrada donde cobra importancia los samples en la parte final y As Darkness Calls con ese toque emotivo de Power melódico con cierto toque sinfónico y gótico. Like the Tides es una balada que más que poner el broche acaba por hundir el trabajo. Un buen puñado de melodías que pierden peso con el paso de las escuchas, demasiado previsible.

Feeling: 3/5
Originalidad: 1/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 3,75/10

My Dying Bride " The Ghost of Orion"

My Dying Bride " The Ghost of Orion" Inglaterra Gothic Doom 2020
01. Your Broken Shore
02. To Outlive the Gods
03. Tired of Tears
04. The Solace
05. The Long Black Land
06. The Ghost of Orion
07. The Old Earth
08. Your Woven Shore

Andrew Craighan: Guitarra
Aaron Stainthorpe: Cantante
Lena Abé: Bajo
Shaun Macgowan: Teclados, Violín
Jeff Singer: Batería
Neil Blanchett: Guitarra

Una de las bandas más respetadas de todo el planeta pues son una fuente de inspiración para muchas bandas de todas las partes del mundo. Los ingleses forjaron su leyenda en Halifax en 1990. Del Death/ Doom se pasaron al Gothic Doom pero su historia no se resintió y contaron con el apoyo de los fans que lo vieron como una evolución lógica. Presentan su 14 álbum, que llega cinco años después del último. " The Ghost of Orion".
Debutan Jeff Singer a la batería y Neil Blanchett a la guitarra pero todo el peso compositivo lo lleva Craighan y Stainhorpe. Your Broken Shore.... elegante como siempre, nada cambia. Con un ritmo Doom e introduciendo un riff pesaroso que valdría para cualquier género musical, no me convence la producción ni el sonido de la batería. El sorpaso de voz gutural a voz melódica y viceversa, tan natural como siempre.
To Outlive the Gods, tengo una sensación extraña, como de relajación y no creo que sea bueno. Es elegante y esas partes de violín que aportan cierto toque Folk son majestuosas que no brillantes, pero suena por momentos pesaroso, excesivamente lineal y sin garra.
Siempre tienen una carta en la chistera esa es Tired of Tears. Conectan con el Pagan, el Doom y el Epic Metal más suave ingles, a caballo entre Solstice y Black Sabbath, no se complican la vida en ningún momento y quizás esta sencillez asombre un poco a sus fans.
The Solace arranca con un riff suave pero sin energía y un canto muy étnico y el problema es que el inicio es sostenido y así hasta el final sin más emociones, sin nada más que llevarse a la boca. Es un álbum muy parado, nostálgico y lento, minimalista, es una apuesta arriesgada. Quisieron ir a la fuente de su música, al núcleo, a lo más básico y rudimentario como en The Long Black Island, suena emotivo por momentos pero se queda tan solo en eso, un cúmulo de buenas intenciones.
The Ghost of Orion y The Old Earth, resume a la perfección lo que es este disco. Un tema con un bello pasaje instrumental muy en la línea de los Sabbath más progresivos de los setenta y en el siguiente tema siguen con la misma tónica, que aunque tenga mucha clase se hace algo pesado. De este último tema destaco el pasaje de Funeral Doom, eso sí, nunca oscuro ni agresivo, ya están en otro tiempo.
 Your Woven Shore  cierra el trabajo de nuevo con esos ritmos étnicos, cromo repetido. No es mal disco pero no es bueno tampoco, es más, es el segundo álbum más flojo de toda su carrera tras el Like Gods of the Sun de 1996. Calidad tienen por arrobas, como dije, entiendo perfectamente lo que han querido hacer en esta obra, todo artista veterano tiene la tentación de hacer un disco así, de hacer algo básico pero no funciona y pese a tener calidad suena algo monótono por momentos. De todas formas son los My Dying Bride, el peor disco de esta banda, sería el mejor de otra cualquiera.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,25/10




Avulsed " Gorespattered Suicide"

Avulsed " Gorespattered Suicide" 2006 Death Metal España
1. Gorespattered Suicide
2. Burnt but not carbonized
3. Filth Injected
4. Infernal Haemorrhoids
5. 4 n Sick
6. Harvesting the blood
7. Let me taste your flesh
8. Hoax Therapy
9. Divine Wine
10. Protervia
11. Eat foetal Mush
12. Ace of Spades ( Motörhead Cover)

Dave Rotten: Cantante
Juancar: Guitarra
Cabra: Guitarra
Riky: Batería
Tana: Bajo

Su anterior trabajo no convenció pero este es un trallazo en toda regla. Gorespattered Suicide es el primer corte, sonido simple y metálico en la batería, rozando el Brutal Death por momentos, genial el cambio de ritmo para introducir el riff atmosférico y esa voz de " Pig Squale" típica del Brutal Death/ Slamming y también del Goregrind.
Burnt But Not Carbonized, es un corte simple a más no poder, con ese sonido de batería que ya comenté que se me hace algo pesado, los Avulsed para mi gusto, nunca acertaron con el trabajo de la batería. Pero esa intensidad de Death Metal clásico introduciendote riffs de Cannibal Corpse, Autopsy o de Morbid Angel... pero en pequeñas dosis, no como en el anterior álbum, aquí hay más variedad, más complejidad y mayor variedad de ritmos.
Genial el tratamiento de las guitarras, los riffs suenan como un auténtico mazazo sonoro, hacen una buena utilización del Groove como en Filth Injected, antes del cambio de ritmo y de tirar de velocidad y trémolo de guitarra a toda pastilla con una base rítmica con unos cambios de puro y demoníaco Death/ Thrash.
Infernal Haemorrohoids con un ligero toque Grindcore y que decir de 4 n Sick y el tributo que le hacen a los Death en el solo de guitarra eso antes de volver al esquema de Brutal Death/ Death Metal clásico con un poquito de Napalm Death, algo de los Carcass y un mucho de los Cannibal Corpse.
Precisamente ellos cambiaron en sus inicios estaban muy influenciados por los Autopsy pero con el paso de los años la banda se decanto más hacia el legado de los Cannibal Corpse. Hay temas que siguen con la misma proyección sin propiciar nuevos elementos como es Harvesting of Blood pero no aburre este trabajo en ningún momento porque suena con mucha garra.
Esta mejor el tratamiento de la voz de Rotten en este trabajo suena más versátil e igual de oscura. El trabajo en la guitarra, Cabra y Juancar siempre rinden de forma óptima así que obtenemos un disco clásico de puro Death Metal con ritmos variados y diversas influencias donde me quiero quedar como lo más destacado del álbum primero los cambios de ritmo tan explosivos y segundo los riffs tan agresivos.
https://www.youtube.com/watch?v=k4l-UcJOTCA
Álbum Completo


Vatreni Poljubac " Iz Inata"

Vatreni Poljubac " Iz Inata" Bosnia- Herzegovina 1986 Hard Rock
1. Iz Inata
2. Hajde vrati se
3. Jer najljepše je voljeti
4. Jedini zločin moj
5. Ostani
6. Žikino kolo
7. Adut Moj
8. Bez poljupca tvog
9. Htjela si i nek ti bude
10. Ne Budi Me

Milić Vukašinović: Cantante, Guitarra
Nedžib Jeleč: Bajo
Velibor Rajačić : Batería

Primer cambio de formación en muchos años en Vatreni Poljubac entra en la formación el bajista Nedzib Jelec que falleció en el 2017, bajista accidental pues la banda perdió a su bajista justo antes de entrar en el estudio de grabación y tuvo que hacerse cargo del bajo el propio productor, Jelec.
Iz Inata es un tema con el que los Vatreni Poljubac soñaban con volver a sonar en todas las radios del país con un estribillo alegre, el típico himno pero me quiero quedar con el trabajo al bajo y a la guitarra y esa esencia de los Led Zeppelin que recuperaron para la ocasión. Hadje Vrati Se... todo el álbum tiene un tufillo a Pop en cuanto al trabajo de los estribillos se refiere, en esta ocasión un tema sencillo a más no poder con un riff de los Kiss que precede a un buen solo en distorsión. Jer Najlipese je Voljeti es un paso atrás de gitante, esto es Pop con un intento muy torpe de abarcar el Reggae, tentación que tuvieron muchas bandas de metal a mediados de los ochenta.
Jedini Zlcin Moj es un calco de un riff de los Thin Lizzy, los Vatreni Poljubac es lo que intentaron durante toda su carrera, copiar el modelo de Thin Lizzy, Led Zeppelin, Judas Priest y Black Sabbath y darle una capa comercial de Pop/ Rock. Ostani es la balada... no es lo suyo. Siempre me queje de su cantante, es muy flojo pero también tengo que decir que con el paso de los años se fue entonando, menos agudo y algo más grave. No es el primer cantante que evoluciona con el paso de los años le pasó a Vicente Feijoó de los Zarpa, pero a mi me gustaba más su tono nasal inicial  que el que tiene ahora.
Zikino Kolo es el rock básico y les faltaba por emular a los Deep Purple. Este es un álbum sin ninguna historia. Triunfaba el Pop en Yugoslavia y simplemente los Vatreni Poljubac intentaron pasarse al Pop pero con ciertos elementos de metal y de Rock, apuesta fallida a todas luces. Es un trabajo de dos temas y el resto es puro relleno.
https://www.youtube.com/watch?v=O9iCxaHlzNQ
Álbum Completo

Crossfire biografía



Crossfire son una de las bandas pioneras del metal en Malasia. Esta banda fue creada en Muar en 1983. Están completamente influenciados por Riot y Judas Priest y fueron evolucionando del Hard Heavy inicial a un Heavy Metal  y más tarde el Power Metal.

Tardaron en debutar, lo hicieron en 1989 con el álbum " Fatamorgana" que es el mejor álbum de metal clásico de toda Malasia y es un clásico que ayudo a desarrollar la escena musical en este país, este trabajo tuvo una cierta repercusión en Japón y Corea del Sur, países donde acabarían tocando en directo también en Singapur.
Siguieron por la buena senda un año después, en 1990 con el álbum " Erosi". Después su popularidad empezó a bajar y hubo roces entre los compañeros de banda. Se puede considerar su último clásico el álbum " Metominia" de 1993 donde se pasaron al Power Metal, quizás su álbum más agresivo y también el más épico.
A partir de ahí, sufrieron los mismos problemas que cualquier banda del mundo, con el auge del Grunge y del Rock alternativo que también llegó a Malasia más tarde o más temprano pero como en todas partes, los Crossfire cambiaron de estilo y su música fue más comercial.
En 1994 llega el álbum " Espirit de Corps" ya lanzado en formato cassette y por un sello más pequeño que tuvo menos repercusión. En 1995 llega el álbum " Ilustrasi" donde se pasan al rock alternativo y es un trabajo con el cual sus fans le terminan por dar de lado a la banda. De aquí en adelante, la supervivencia como banda con colaboraciones en Splits y actuaciones en salas pequeñas y no volvieron a sacar ningún álbum más, lo dejaron en 1997. Su cantante Isah Rahman es un clásico del metal malayo y fundó la banda Handy Black.

King Kong juego Spectrum


Maruja Mallo

Colaboró intensamente con Alberti hasta 1931, quedando constancia de este trabajo conjunto los decorados del drama Santa Casilda (1930) y La pájara Pinta (publicada en 1932) testimonios en libros como Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos (1929) y en Sermones y moradas (1930). En estos años pinta la serie Cloacas y Campanarios, cercana a los planteamientos de la Escuela de Vallecas de Alberto Sánchez, Benjamín Palencia, Gregorio Prieto, Arturo Souto, Rodríguez Luna y Eduardo Vicente, de la que formó parte.2​

En 1932 obtiene una pensión de la Junta de Ampliación de Estudios para ir a París donde conoce a René Magritte, Max Ernst, Joan Miró y Giorgio de Chirico y participa en tertulias con André Breton y Paul Éluard. Su primera exposición en París tuvo lugar en la Galería Pierre Loeb en 1932. Allí comienza su etapa surrealista. Su pintura cambió radicalmente y alcanzó la maestría, tanto que el mismo Breton le compró en 1932 el cuadro titulado Espantapájaros, obra pintada en 1929, poblada de espectros, que hoy es considerada una de las grandes obras del surrealismo.2​ Surge una amistad entre Maruja y André Breton, quien le proporcionará la amistad de Jean Cassou, y le pondrá en contacto con Picasso, Joan Miró, Aragon, Jean Arp, René Magritte y el grupo Abstracción-Création, del que formaba parte Joaquín Torres García.2​

Regresó a Madrid en 1933 y participó activamente en la Sociedad de Artistas Ibéricos. Para entonces había adquirido tal notoriedad que el gobierno francés compró uno de sus cuadros para exponerlo en el Museo Nacional de Arte Moderno. Inicia una etapa en la que destaca el interés por el orden geométrico e interno de la naturaleza.

En ese mismo año, Maruja Mallo, comprometida con la República, desarrolló una triple dedicación docente como profesora de Dibujo en el Instituto de Arévalo (donde ganó la cátedra de dibujo), en el Instituto Escuela de Madrid y en la Escuela de Cerámica de Madrid, para la que diseña una serie de platos, que no existen actualmente,2​ y para la realización de los cuales había estado estudiando matemáticas y geometría, con la finalidad de utilizar esos conocimientos en la cerámica.

Frecuenta a Miguel Hernández (con quien mantiene una relación amorosa). Además, juntos planearon el drama Los hijos de la piedra, inspirado en los sucesos de Casas Viejas y de Asturias; y a la influencia de Mallo se deben las cuatro composiciones que el poeta desgajó de El rayo que no cesa, bajo el nombre de Imagen de tu huella, 18 de los 30 poemas de esa obra);2​ y a los pintores Luis Castellanos y Benjamín Palencia y al escultor Alberto Sánchez.


En 1934 vuelve a tratar a Pablo Neruda, a quien ya había conocido en París. Durante 1935 prepara la escenografía y los figurines de la ópera de Rodolfo Halffter Clavileño, que no llegó a estrenarse.2​ A partir de 1936, comienza su etapa constructiva, mientras sigue exponiendo con los pintores surrealistas en Londres y Barcelona. Participa como docente en las Misiones Pedagógicas, que la acercan a su tierra natal, Galicia, donde a los pocos meses le sorprende la Guerra Civil.2​ En mayo de 1936 tiene lugar su tercera exposición individual organizada por ADLAN en el Centro de Estudios e Información de la Construcción en la Carrera de San Jerónimo de Madrid con la serie de dieciséis cuadros de Cloacas y Campanarios, la serie de doce obras de Arquitecturas minerales y vegetales, y dieciséis dibujos de Construcciones rurales, que publicaría en 1949 la Librería Clan, con prólogo de Jean Cassou.2​ Realizó por entonces con Ángel Planells una exposición de surrealismo internacional en las New Burlington Galleries de Londres.2​

Al estallar el conflicto bélico del 36, Maruja Mallo huye a Portugal, donde la recibe Gabriela Mistral, quien en aquel momento era embajadora de Chile en Portugal. Toda su obra cerámica de esta época es destruida en la guerra. Poco tiempo después, su amiga Gabriela Mistral, le ayudó a trasladarse a Buenos Aires, recibiendo una invitación de la Asociación de Amigos del Arte, a dar una serie de conferencias sobre la temática popular en la plástica española, "Proceso histórico de la forma en las artes plásticas", en Montevideo y luego en Buenos Aires, iniciando así su exilio en Argentina que desde 1937, duraría veinticinco años. Allí siguió pintando, dando clases y cultivando amistades, entre ellas, Pablo Neruda

Kampuchea sello


Praga

En la ciudad se organizan, durante todo el año, conciertos de música clásica. Los entornos son variados, desde antiguas iglesias a hermosos auditorios como la Sala Smetana, sede de la Orquesta Sinfónica de Praga situado, en un edificio art-nouveau en Republiky 5, el Palacio de la Cultura y la sala Dvorak (en el Rudolfinum, Plaza Jan Palach), sede de la Orquesta Filarmónica Checa ubicado en un edificio neoclásico en donde se celebra la inauguración y clausura, sobre todo, del famoso Festival Primavera de Praga entre el 12 de mayo y los primeros días de junio. Los conciertos también se celebran regularmente en la Galería Nacional del Castillo de Praga, en los jardines, al pie del Castillo y en el Museo Nacional, en la plaza de Wenceslao. Los conciertos en la Villa Bertramka en Mozartova 169, Smichov, suelen tener a Mozart y sus contemporáneos como protagonistas.Las antiguas iglesias son el entorno en donde se puede disfrutar con el Festival de Música de Órgano que tiene lugar en agosto. Los mejores programas son los que se ofrecen en la Catedral de San Vito, en Hradcany; U Krízovníku, cerca del Puente de Carlos, la Iglesia de San Nicolás de la Malá Stupartská en la Ciudad Antigua, donde las notas del órgano fluyen en medio de hermosas estatuas barrocas. La Ópera Nacional tiene como sede el Teatro Nacional de Praga y el pequeño Teatro de los Estados. La antigua Ópera Alemana, actualmente Ópera Estatal de Praga, organiza una temporada independiente de la de la Ópera Nacional.

Un Festival de Música Judía se celebra en los meses de octubre y noviembre en el Barrio Judío.

La tradición musical checa se inicia en el siglo ix de nuestra era con canciones de origen religioso. Durante la Edad Media se componen varias canciones que han perdurado en el cancionero checo, pero que es difícil concretar de donde surgieron. En el siglo xv el reformista Jan Hus impulsa de modo notable la canción religiosa en la capilla de Belén de Praga, y según los textos contemporáneos es compositor de varias piezas de la época.44​

En el siglo xvi se instala el famoso órgano de la catedral de San Vito. El emperador Fernando I funda en esta época la orquesta de la corte, que sus sucesores ampliarían posteriormente. De esta orquesta, formada por músicos de diversas nacionalidades, surgen varias canciones populares checas.45​

En el siglo xvii la orquesta de la corte fue llevada a Viena aunque aún actuaban en Praga en ocasiones especiales. La ópera se estrenó en Bohemia en el año 1627 durante la coronación de Fernando II. Durante este siglo se empezaron a representar óperas en el país, pero ninguna compañía se estableció de modo permanente.


Con la coronación en 1723 de Carlos VI se estrena en Praga Constanza e fortezza por Joseph Fux que impresiona al conde Spork que decide que se represente ópera de forma permanente en su teatro, bajo las órdenes de Antonio Denzio. En el siglo xviii en paralelo se produce un auge de la música popular checa, que llega a influenciar a la música europea.47​ En esta época Mozart vivió durante algún tiempo en Praga y compuso Don Giovanni, La casa que ocupó al sur de Malá Strana, en el barrio Smíchov, hoy es un museo llamado Casa de Mozart. La ópera se estrenó en el Teatro Estatal de Praga.

El siglo xix, el auge de Praga coincide con la mejor época musical de la ciudad. En esta época viven en Praga los compositores checos más célebres, Antonín Dvořák y Bedřich Smetana, quienes son los autores de las más célebres composiciones musicales checas, como la ópera La novia vendida.48​

Herederos de Dvořák y Smetana son otros compositores que desarrollaron su carrera ya en el siglo xx como Josef Suk, que llegó a participar en las Olimpiadas de Los Ángeles en 1932 o Leoš Janáček. Tras la Primera Guerra Mundial surgió el movimiento antirromántico, del que cabe destacar al prolífico compositor Bohuslav Martinů, que desarrolló la mayor parte de su carrera fuera del país.49​

circo romano

El Circo Máximo, (en italiano Circo Massimo; en latín Circus Maximus, «el circo más grande») creado bajo el poder del quinto rey de Roma, Lucio Tarquinio Prisco, fue un edificio para carreras de carros de la Antigua Roma. Situado en Roma, que es la capital de Italia, se erigió en el valle entre los montes Aventino y Palatino. "Debido al hecho de que el Monte Palatino era el hogar de las familias reales y el Emperador, se construyó una caja imperial para ellos en el área del palacio en la colina. También se hicieron cajas privadas para políticos, personal militar importante y senadores. La entrada al Circo Máximo fue gratuita y todos los niveles de la sociedad romana, desde el emperador hasta los pobres urbanos, vinieron a ver las carreras de carros"(Nedeva). Fue el mayor circo de la antigua civilización romana con sus 621 m de longitud y 118 m de anchura. Sus gradas podían acomodar a unos 300 000 espectadores, según estimaciones modernas, un aforo que jamás ha sido superado por ningún otro estadio deportivo en toda la Historia. Para dar un ejemplo, el estadio más grande de Europa es actualmente el Camp Nou en Barcelona, que tiene una capacidad de poco menos de 100.000 personas. Su configuración fue modelo para todos los circos que los romanos construyeron en numerosas ciudades de su imperio.

En la actualidad sólo queda la planta del antiguo estadio y su solar es un parque público de Roma. En la pista cabían hasta 12 carros y los dos lados de la misma se separaban con una mediana elevada llamada la spina o euripus. Las estatuas de varios dioses se colocaban en la spina y César Augusto también erigió un obelisco egipcio en ella. En cada extremo de la spina estaba colocado un poste de giro, la meta, en torno al cual los carros hacían peligrosos giros a gran velocidad. Un extremo de la pista se alargaba más que el otro, para permitir que los carros se alinearan al comienzo de la carrera. Allí había verjas de salida o carceres, que escalonaban los carros para que todos ellos recorrieran la misma distancia en la primera vuelta para que no den ventajas a ninguno.


Sin embargo, las carreras de carros no eran la única forma de entretenimiento dentro del Circo Máximo. "Aunque el Circus Maximus fue diseñado para carreras de carros (ludi circenses), otros eventos se llevaron a cabo allí, incluidos los combates de gladiadores (ludi gladiatorii) y la caza de animales salvajes (venationes), eventos deportivos y procesiones" (Grout).

Se conserva muy poco del Circo, con la excepción de la pista de carreras, hoy cubierta de hierba, y la spina. Algunas de las verjas de salida se conservan, pero la mayoría de los asientos han desaparecido, sin duda porque las piedras fueron empleadas para construir otros edificios en la Roma medieval.

El obelisco Flaminio fue trasladado en el siglo XVI por el papa Sixto V a la Piazza del Popolo. Las excavaciones del Circo comenzaron el siglo XIX, seguidas de una restauración parcial, pero siguen pendientes algunas excavaciones verdaderamente exhaustivas de su suelo.

El Circo Máximo retuvo el honor de ser el primer y mayor circo de Roma, pero no fue el único: otros circos romanos eran el Circo Flaminio, en el que se celebraban los Juegos Plebeyos (Ludi Plebeii), y el Circo de Majencio.

El Circo sigue siendo ocasionalmente usado para conciertos y otros eventos importantes.

Tensión entre la República y la iglesia católica

El gobierno se sumó a la interpretación de la izquierda republicana y de los socialistas y por eso ordenó la suspensión de la publicación del diario católico El Debate y del monárquico ABC, así como la detención de varios significados monárquicos (que semanas después serían absueltos por los tribunales, lo que provocó una dura reacción de la prensa de izquierdas que lo consideró una nueva y vergonzosa maniobra monárquica).46​ El gobierno llegó a acordar incluso la expulsión de los jesuitas, aunque finalmente no se consumó.47​ Y en ese contexto se produjo la expulsión de España el 17 de mayo del obispo integrista de Vitoria Mateo Múgica, por negarse a suspender el viaje pastoral que tenía previsto realizar a Bilbao donde el gobierno temía que, con motivo de su visita, se produjeran incidentes entre los carlistas y los nacionalistas vascos que compartían su oposición a la República y su defensa del clericalismo, y los republicanos y los socialistas anticlericales.


El Gobierno Provisional aprobó también algunas medidas dirigidas a asegurar la separación de la Iglesia y el Estado sin esperar a la reunión de las Cortes Constituyentes. El 13 de mayo una circular de la Dirección General de Enseñanza Primaria concretaba el decreto de 6 de mayo que había declarado voluntaria la enseñanza religiosa. En ella, además de establecer que sería necesaria una manifestación expresa de los padres en la matrícula indicando que deseaban recibirla, se ordenaba la retirada de crucifijos de las aulas donde hubiese alumnos que no recibieran enseñanza religiosa. El 21 de mayo un decreto declaraba obligatorio el título de maestro para ejercer la enseñanza, lo que afectaba especialmente a los colegios religiosos ya que los frailes y monjas que impartían las clases carecían del mismo. El 22 de mayo otro decreto reconocía la libertad de cultos y la libertad de conciencia en la escuela y otra disposición prohibía a los religiosos «enajenar inmuebles y objetos artísticos, arqueológicos o históricos» sin permiso de la administración.

Reencuentro Drago vs Rocky


miércoles, 8 de abril de 2020

In Solitude " In Solitude"

In Solitude " In Solitude" Suecia Heavy Metal 2008
1. In the Darkness
2. Witches Sabbath
3. Kathedral
4. Beyond is Where I Learn
5. 7TH Ghost
6. Faceless Mistress
7. Temple of the Unknown
8. The Monolith


Pelle Åhman: Cantante
Niklas Lindström: Guitarra
Mattias Gustafsson: Guitarra
Gottfrid Åhman : Bajo
Uno Bruniusson: Batería

Renzz es un fanático del Heavy Metal sueco y me manda reseñar este disco que ya salió hace bastante tiempo. El metal en Suecia es deudor de la Nwobhm y se denomina Nwoshm. Las diferencias entre ambos movimiento es pequeño pero sutil. Las bandas suecas tenían un sonido todavía más melódico y deudor del Rock de los setenta y un ligero toque progresivo, claro que siempre hay excepciones, tampoco la Nwobhm era homogénea ( nada tenían que ver entre sí Pagan Altar, Witchfinder General, Tank, Warfare o Jaguar, todas ellas bandas de la Nwobhm) Pues lo mismo sucede con la Nwoshm, había variedad... menos que en el movimiento inglés pues el movimiento sueco fue a una escala muy reducida.
Pues estos In Solitude tratan de emular a la Nwoshm de los ochenta con un trabajo que no considero ninguna maravilla pero que es cumplidor. Hay que tener en cuenta y esto habla muy a favor de estos músicos que tenían veinte años cuando compusieron este trabajo. In Solitude ya no existe como banda, lanzaron tres álbumes y quizás este sea el mejor de ellos.
Es lo de siempre, una atmósfera tirando a oscura, con elementos de los Mercyful Fate que nunca falten y un trabajo en las guitarras que mezcla la pausa y la atmósfera de los Iron Maiden en sus medio tiempos con la garra de los Judas Priest en sus cambios de ritmo y su melodía en sus solos.
Pero hablemos de bandas más actuales: Portrait, Ram, Trial... son tres bandas con un sonido muy similar.Me gusta la estructura de los temas, hay variedad armónica en el trabajo de la guitarra y la melodía de la vieja escuela surge siempre. El cantante de esta banda no me convence demasiado porque comete el típico error del debutante que es tratar de emular a íconos del metal en vez de buscar su propio camino pero tengo que decir que en cambio, el cantante de esta banda, Pere Ahman siempre fue un showman en los directos.
https://www.youtube.com/watch?v=xaj970rLGuo
Álbum Completo



Almanac " Rush of Death"

Almanac " Rush of Death" Alemania Power Metal 2020
01. Predator
02. Rush of Death
03. Let the Show Begin
04. Soiled Existence
05. Bought and Sold
06. The Human Essence
07. Satisfied
08. Blink of an Eye
09. Can't Hold Me Back
10. Like a Machine

Victor Smolski : Guitarra, Teclado
Jeannette Marchewka: Cantante
Tim Rashid: Bajo
Kevin Kott: Batería
Patrick Sühl: Cantante

El bielorruso Victor Smolsky tiene 51 años, se dio a conocer bastante tarde, a finales de los noventa con los Rage. Yo creo que le deben mucho esta banda alemana, sobre todo el disco " Welcome to the Other Side" que era un antes y después en la discografía de Rage. Después de 15 años en la banda de Peavy Wagner decidió volar en solitario iniciando bastantes proyectos y manteniendo su carrera en solitario pero fue con la creación de Almanac donde alcanzó un proyecto que está a la altura mediática de su paso por Rage.
Almanac es mucho más que Smolski, comparte mesa y mental con músicos que pasaron por las filas de Gun Barrel, Lingua Mortis Orchestra, Gamma Ray o Masterplan. Este es el tercer larga duración de esta banda.
Predator es un tema que secciona su estribillo en dos partes, muy comercial y adictivo, con mucho Groove y tirando de Shred en el inicio del tema, perfecta la producción.
En el solo de guitarra de Rush of Death hacen un homenaje al riff del tema " Breadfan" de los Budgie. Este es un tema muy importante en la historia del metal, tema de los setenta que muchos entendidos citan como el primer tema de verdadero Heavy Metal y es que los Budgie son uno de los pioneros de la Nwobhm, mezcla este clasicismo con una atmósfera de Hard Heavy potente.
Let the Show Begin es un discurso hablado que introduce el tema Soiled Existence, este es el primer corte donde entra por primera vez los teclados para darle una atmósfera entre Power/ Sinfónico, todo ello muy teatral en la línea de Avantasia y tirando del Groove y el Power/ Speed/ Thrash de los tiempos de Rage, lo de siempre pero le funciona.
Bought and Sold es como regresar al primer tema, aquí es donde tira de elementos melódicos y comerciales y nos da una pista de a donde puede ir a parar su música en los próximos años, un poco en la línea de los Masterplan o Angra por ejemplo, con elementos rockeros y con más protagonismo para la voz de su cantante masculino que para la cantante femenina.
The Human Essence de nuevo una intro hablada que le da un rollo conceptual al trabajo y vamos con Satisfied que tiene un arranque de balada que me recordó al Anytime" la mejor balada de MSG, pero con Smolski nada es como parece pues enseguida introduce la quinta marcha y se dedica a mezclar: Rock, neoclásico, Shred, Groove, Progresivo... en la parte del Groove tirando de ritmos de los Annihilator.
El trabajo de batería más potente está en el tema Blink and Eye con un gran distorsión en la guitarra  y siempre buscando la melodía aunque en este caso es más atmosférico y tirando de coros.
Cant Hold me Back de nuevo buscando la esencia más rockera, melódica y comercial, con mucho gancho en los estribillos y se puede decir que es el la mayor característica de este trabajo, por supuesto, en el trabajo de la guitarra, siempre con el brillo de Smolski, por cierto que el mejor solo de guitarra se encuentra en este tema. Like a Machine es una buena forma de despedirse con un buen fragmento acústico de puro sentimiento que es como una alfombra para que las dos grandes voces con las que cuenta esta banda vayan creciendo en presencia.
Lo dicho, más comercial y con más guiños al Hard Rock que nunca pero sin olvidarnos de lo de siempre: Power, Speed, Neoclásico, Sinfónico, Groove, Progresivo...etc. No lo considero superior a sus dos anteriores trabajos pero es un disco divertido y con gancho.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,5/10

Black Ass " Censored"

Black Ass " Censored" Rusia Crust Punk 2020
1. Forged Doctrine
2. Wafflen SS


Dos músicos, uno toca la batería y el otro canta y toca la guitarra. Tercera demo para esta banda rusa procedente de la región de Vladimir. Siempre con un contenido controvertido, tan solo hay que fijarse en la portada para darse cuenta. En cuanto a lo musical pues más de una sorpresa nos vamos a llevar.
Forged Doctrine es el primer corte y es emotivo, tiene garra y nos acerca al típico sonido eslavo. Para empezar con una atmósfera de Black Metal en todo momento muy cercana al Pagan con cierta melodía más que épica yo diría estoica. En la batería un trabajo con variedad. En la parte lenta del tema tiran de melodía melancólica muy envolvente y es que lo que realizan es bien sencillo pero es que transmite y ahí está la clave, resulta muy emotivo lo que hacen y tienen partes acústicas muy oscuras, depresivas y que podrían cuadrar dentro de cualquier estilo musical siempre dentro de un formato de tema de larga duración que no se hace pesado en ningún momento.
Wafflen SS arranca con un ritmo acústico que a mi me recordó a la banda rusa de Doom los Scald, un auténtico mito dentro del Underground también están muy en la línea del Black Metal y Pagan con elementos de Post Metal que se practica mucho en Rusia o Ucrania por ejemplo. A partir del minuto cuatro de este tema después de un inicio melódico se desarrolla la tormenta con el cambio de ritmo, es bien agresivo y es una mezcla de Black Raw con Crust.
Black Metal, Black Raw, Black/ Punk, Crust Punk, D- Beat, Pagan.... con sencillez la mezcla de estos diversos estilos pero a la vez con gran eficacia, son capaces en cuestión de segundos de pasar de sonar emotivos a desencadenar un tormento sonoro, tercera demo para esta banda rusa y creciendo con el paso de los trabajos.
https://blackass.bandcamp.com/album/censored
Álbum Completo

Cave Blind " The Golden Axe"

Cave Blind " The Golden Axe" República Checa 2020 Heavy/ Black
1. Wrath in Heaven
2. Razorstorm
3. The Oath of Speed
4. Serpents Coil
5. Clouds Above
6. Hammerkill
7. Night of Reaper
8. Spirit Garden
9. Golden Axe Thunder
10. The Elusive Path

Pavel Haken: Cantante, Todos los Instrumentos

Metalbrothers.es siempre está ofreciendo reseñas de bandas Underground que sacan sus álbumes de forma independiente, eso no te lo ofrece ninguna web pues solo hacen reseñas de las grandes bandas o del material que les envían los sellos y siempre son críticas amables para quedar bien con el sello y con la banda y que les sigan enviando material, en algunos casos son tan cutres que hasta te hacen la reseña con la gacetilla de prensa, para que sepáis un poco como funcionan las webs.
Metalbrothers.es hace un seguimiento de las bandas desde sus inicios y no les abandonan nunca. Hicimos reseña de Cave Blind en el 2019, le dimos un 5.75 a su trabajo. Dijimos que eran temas de Heavy/ Black blandos a los que les faltaba desarrollo y en los que trataba de emular a Bathory, es un proyecto individual desde la República Checa.
Y sin dejarnos tiempo para respirar vuelve a publicar otro nuevo álbum. Wrath in Heaven es una intro épica, demasiado corta. Razorstorm toma nota y al menos introduce un ritmo de batería acelerado combinado con un riff épico hasta que llega la melodía en el solo de guitarra, sigue con su visión del Heavy Metal melódico con toque Black y Pagan.
The Oath of the Speed con un trémolo de guitarra más orientado hacia el Viking Metal e incluso hacia el Power Metal que hacia el Heavy/ Black, hay más cambios de ritmo y se agradece aunque suena igual de previsible. Serpents Coil es simplemente una mezcla entre Heavy Metal y Speed Metal con un ritmo de batería que no va ni hacia delante ni hacia atrás pero en cambio se muestra muy acertado en el solo de guitarra, melódico y emotivo.
Clouds Above me recordó a la escuela checa, pensando en los primeros tiempos de los Root y derivados pero le falta gancho. Acelerado y orientado hacia el Black/ Speed es el tema Hammerkill que le pone un plus de agresividad al trabajo pero el riff es demasiado sencillo. Night of the Reaper se planta en un Heavy Metal clásico típico, el clásico medio tiempo inspirado en los Judas Priest solo que con una voz que roza lo gutural como única diferencia, de nuevo la mejor noticia vuelve a ser el solo de guitarra.
Al tema Spirit Garden le falta desarrollo y le falta feeling. Golden axe of thunder es un poco la esencia de lo que busca con este nuevo trabajo, darle un enfoque más veloz a todos sus temas y desmarcarse un tanto de la influencia de Bathory para abarcar otros campos y finaliza el trabajo con un tema lento donde todo el protagonismo cae sobre la guitarra en The Elusive Path tira de Pagan. En líneas generales se nota una ligera mejoría en toda la composición.
https://caveblind.bandcamp.com/album/the-golden-axe
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6,25/10

Hyperia " Insanitorium"

Hyperia " Insanitorium" Thrash Metal Canadá 2020
01. Mad Trance
02. Starved by Guilt
03. Asylum
04. Unleash the Pigs
05. Nullified
06. Fish Creek Frenzy
07. Dystopia
08. The Scratches on the Wall
09. Contagion
10. Evil Insanity

Scott DeGruyter: Bajo, Cantante
Jordan Maguire : Batería
Colin Ryley: Guitarra, Cantante
David Kupisz: Guitarra, Cantante
Marlee Ryley: Cantante


Hyperia es una banda canadiense de reciente creación, empezaron su carrera en Calgary en el 2018 y curiosamente empezaron llamándose Sahasrara y tocando Symphonic Power, grabaron un ep con ese nombre pero cambio de formación, de nombre y de estilo con Hyperia.
Después de un ep y varios singles la banda lanza su primer larga duración. Mad Trance es la primera en la frente, el riff por momentos suena intenso aunque quizás le dan demasiadas vueltas aún así se salen del habitual sonido del Thrash Metal y pretenden aportar frescura como hizo en su día Annihilator pero sin lugar a dudas lo más llamativo es la voz de Marlee Riley, una cantante que promete hacer carrera prolífica en el metal.
Starved by Guilt con algún que otro guiño al Thrash/ Death pero nada que ver con nombres sagrados ya sea Onslaught, Cancer, Master o bandas brasileñas de los ochenta como Sepultura que en su día también tuvieron pinceladas de Thrash/ Death, los Hyperia siempre suenan acelerados y pretenden tener elementos del Death melódico sueco más bien. Asylum con un trabajo mas notorio en el riff, aportando un groove más contundente y un mayor peso en la base rítmica. Unleash the Pigs tira de un medio tiempo típico, mucho Groove y poca elaboración en la base rítmica, sin aportar los típicos mecanismos del Thrash solo con la idea de sonar poderosos.
Les falta feeling a todos los niveles y quizás lo más destacado de su música sea el trabajo del guitarrista solista que suele presentar los temas con riffs bastante intensos que recuerdan un poco al Thrash/ Death melódico sueco de toda la vida pero lo dicho, les falta feeling, de eso va el tema Nulified , lastrado por el trabajo de la base rítmica y en cuanto a Fish Creek Frenzy, peca de lo mismo, la fuerza sin control no sirve de nada.
Dystopia es un tema donde la mezcla entre Thrash y Death se hace real y efectiva por momentos. Quieren mezclar muchas cosas, quieren tener elementos comerciales pero a la vez Under y no saben extraerle el jugo a ninguno de los dos campos. The Scratches on the Wall con altas dosis de garra pero falta esa pausa, para provocar un puente instrumental, un cambio de ritmo, cierta atmósfera.... al final todos los temas te acaban sonando iguales.
Todos los temas más o menos con una duración igual y el único tema que se sale un poco del canón es Contagion que contiene el mejor estribillo, un riff oscuro de los Slayer, Sepultura y un solo de guitarra melódico, es decir, la mezcla de estos tres elementos es lo que buscan una y otra vez esta banda canadiense pero no lo consiguen salvo contadas excepciones como el último tema, Evil Insanity que deja buen sabor de boca. Hay que trabajar en esa mezcla pero de todas formas, los aspectos positivos son mayores que los negativos, al menos se salen un poco del típico sonido de Bay Area y tienen una cantante espectacular que cumple con voz gutural y con registro melódico.
https://hyperiametal.bandcamp.com/
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6/10

11 Bis " Metal en Vena"

11 Bis " Metal en Vena"Hard Rock España 2020
1.El Sabio
2.Metal En Vena
3.Jackie
4.47 Rosas
5.Sr Doctor
6.Cadillac El Dorado
7.Ni Vergüenza Ni Respeto
8.Picando Piedra
9.Guerrero Medieval

José Luís Gutiérrez: Cantante
Andy Parra: Guitarra
José Luís Maki: Teclados
Santi Leal: Guitarra
Andy Cobo: Batería
Óscar Krash: Bajo

Que banda más mítica los 11 Bis, es una banda de Rock de Barcelona que empezó su carrera en 1982 y llegaron a telonear a los Motörhead en España durante la gira del Orgasmatron. También participaron en el festival más mítico celebrado en este país por bandas españolas, el heavy no es violencia junto a Bruque Zeus, Ñu, Ángeles del Infierno o Obús e incluso salieron en la TVE en gente joven, un programa televisivo donde había un concurso de bandas que ganaron.
Haceos una idea, banda creada en 1982 y con esta carta de presentación que ya quisieran para sí las bandas españolas actuales.... por mucha repercusión que tengan ¿ Cuantas bandas españolas de hoy en día de Heavy Metal pueden salir por la tele? Ya os lo digo yo, ninguna. Pues con este curriculum, aunque parezca increíble es una banda sin ninguna suerte que no llegó nunca a grabar ningún disco.
Lanzaron 36 años después un trabajo con viejos temas que por fin fueron grabados en formato físico y tuvo muy buena acogida así que se han vuelto a animar con este metal en vena. Es una banda de Barcelona procedente del barrio del Carmen con nueve canciones de los ochenta que no vieron la luz.
Buena producción  y conservando toda la esencia del Hard Heavy ochentero en la ciudad Condal, bandas como Evo o Zeús, por ahí van los tiros con El Sabio, buen estribillo un canto al apoyo de la escena rockera nacional, un poco de Barón Rojo y también influencia de Whitesnake o Randy Rhoads. Interesante la labor de Andy Cobo en la batería le pone un plus de agresividad que le sienta bien a temas tan clásicos como Metal en vena que me recordó mucho a los Evo, un tema más metalero justo lo contrario que Jackie que es puro Rock, quizás uno de los temas menos atractivos del álbum.
Todos los temas con una duración similar, entre los tres minutos y medio y los cuatro minutos, con una participación testimonial del teclado intentando algo más melódico con 47 rosas que tampoco lo considero lo suyo. Con Sr Doctor ya os podéis imaginar lo que le receta el doctor, sus altas dosis de rock and roll, las típicas odas al rollo de la época. Cadillac: El Dorado pues muy en la línea de los Barón Rojo, los Coz que por cierto también están más vivos que nunca.
Ni vergüenza ni respeto es el segundo tema que realmente se pasan al Heavy Metal y ahí está la justificación de su regreso pues siguen sonando con cierta frescura , gracias a un estupendo trabajo de la base rítmica, no así el teclado y la guitarra cuyos solos de guitarra no me dicen nada. Picando Piedra es el típico medio tiempo de los ochenta de Hard Heavy pero tiene una buena melodía y un toque a lo Deep Purple interesante y aquí si que surge un buen solo acelerado que es lo que echaba un poco de menos pero nunca tienen excesivo desarrollo y todos los solos de guitarra son testimoniales, es un poco lo que les falta. Guerrero Medieval es un tema muy en la línea de los Sangträit. 11 Bis vuelve a la carga con lo que sabe hacer su Hard Heavy ( más lo primero que lo segundo) ochentero y clásico que está teniendo una buena acogida y es que se merecían haber grabado estos temas en su día.

Bendida " First of the Heroes"

Bendida " First of the Heroes" Power Sinfónico Bulgaria 2020
01. Enter the Sanctuary
02. Legend of Gilgamesh
03. Hunt the Hunter
04. Vampires' Ball
05. Beast and Man
06. Desolated Sea
07. Music of the Spheres
08. The Fern Flower
09. Lady of Eternal Winter
10. Dawn of Man
11. Civilization
12. Middle Ages
13. Apogee
14. Demolition
15. The New World

Ralica Georgieva: Teclados
Alexander Panayotov: Bajo
Vinnie Atanasov: Guitarra, Cantante
Kremena Nikolova: Cantante
Viara Grancharova: Viola
Bisera Dimitrova: Violín
Velislav Kazakov: Batería
Plamen Dimitrov: Cuerno Francés

Ocho componentes para esta banda, cuatro hombres y cuatro mujeres e incorporan en el directo a un flautista y a una teclista, así que suman diez en total. Letras de mitología y fantasía, Power Metal sinfónico, seguro que sabéis por donde van los tiros.
El el sello rumano Psychosounds Records el que graba el segundo álbum de esta banda bulgara " First of the Heroes". En Rumanía y la Europa del Este tienen bastante éxito pero les falta desembarcar en el viejo continente para poder equipararse a las bandas a las que emulan: Kamelot, Epica, Avantasia, Stratovarius, Dark Moor, Edenbridge...etc. Puede que esta sea su oportunidad.
Enter the Sanctuary es la clásica intro cinemática y pasamos a Legend of Gilgamesh, buenas voces femeninas, todo orientado hacia la opera y la música clásica y las voces siempre van a ser el principal protagonista de sus temas.
Hunt of the Hunter con la guitarra contestando a la viola y el violín y luego tirar de los típicos ritmos de siempre, emulando a Sonata Arctica y a los Kamelot sin más historia, suena demasiado blando. Esos elementos de Folk propiciados por la viola y el violín siempre ceden paso a elementos de música clásica como en Vampires' Ball. Por fin aparece la guitarra en Beast and Man y te preguntarás donde se habría metido hasta ahora, un solo de guitarra de Shred/ neoclásico al más puro estilo Yngwie.
Desolated Sea más enfocado hacia la tradición búlgara y es que hay bastantes bandas de este estilo como los Epizod por ejemplo, pioneros del metal sinfónico y más operístico hasta el punto que en sus actuaciones en directo contratan a actores para representar sus temas.
Se esconde demasiado la guitarra pero cuando aparece es con calidad aunque sin creatividad como en Music of the Spheres un tema muy a lo Blackmore en el trabajo de la guitarra pero es que la poca agresividad que hay en los temas como en The Fern FlowerLady of Eternal Winter siempre es cortada por la parte sinfónica y te desconectas de la historia pues suena demasiado pausado.
En los últimos cortes nos encontramos con dos temas introductorios como son Dawn of Man o Apogee, completamente innecesarios y de los últimos tres temas solo destaco The New World. Tienen talento pero lo desperdician por completo. El cuerno francés es un adorno sin ningún papel importante, la viola y el violín tienen su protagonismo pero no saben imponer un ritmo, no fluye en ningún momento. Cuando aparece la guitarra, desaparece al cabo de poco tiempo pues es tapado por esa parte sinfónica y operística porque todo el peso recae sobre la voz de su cantante Kremena Nikolova, una buena soprano pero que no resulta versátil. Las aceleraciones, las típicas del " Happy Metal" a lo Gamma Ray o Helloween pero sin fuerza ya que bajo y batería tampoco aportan demasiado. Se hace bastante aburrido de escuchar pero en directo por el espectáculo que ofrecen se hace más divertido.

Feeling: 2/5
Originalidad: 1/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 3,5/10

Avulsed " Stabwound Orgasm"

Avulsed " Stabwound Orgasm" España 1999 Death Metal
1. Amidst the Macabre
2.Stawbound Orgasm
3.Blessed by Gore
4.Compulsive Hater
5.Eminence in Putrescence
6.Exorcismo Vaginal
7.Anthro-Pet-Phagus
8.Homeless Necrophile
9.Nice Rotting Eyes
10.Skinless 05:33
11.Coprotherapy 04:49
12.Virtual Massacre

Dave Rotten: Voz
Cabra: Guitarra
Juancar: Guitarra
Tana: Bajo
Furni: Batería

El segundo trabajo de los madrileños Avulsed fue lanzado por Repulse Records. Se lo tomaron muy en serio es llamativo el tema Amidst the Macabre con ese juego de riffs atmosférico y casi melódico diría que introduce cierta variedad a su música, los guitarristas Cabra y Juancar creciendo con el paso de los trabajos. También contaron con la colaboración de un teclista alemán llamado Oliver Phillips que colaboró con numerosas bandas, también de Power Metal.
Pero ese primer tema es solo una introducción, un espejismo pues la bestialidad sonora se apodera de la banda en Stawbound Orgasm. Ya no hay ese sonido blando y poco elaborado en la batería, sin que sea una maravilla el trabajo de la batería, se mejora ostensiblemente. En este sentido me recuerdan a los Morbid Angel, esta banda nunca se tomo en serio su trabajo en la batería que siempre fue una chufla, no entiendo el porque una leyenda se permite ese fallo.
Lo que más me gusta de este trabajo es su crudeza y la unión de diferentes elementos. Crudeza por parte de la guitarra con unos riffs bastos y primitivos que apuestan por el sonido clásico desde Death/ Thrash, Death/ Doom y puro Death Metal, momentos donde emulan a Autopsy pero en su mayoría optan por el sonido de los Cannibal Corpse.
Me parece un álbum con mucho gancho, la fórmula perfecta. Blessed by Gore y Compulsive Hater me sirven como ejemplos. Recrean esos riffs crudos y primitivos y le ponen una aceleración básica en la base rítmica sin demasiada historia, con la dosis justa de distorsión aguda en la guitarra y un Groove poco elaborado pero rancio y directo al grano. Suena primitivo y todos los temas viajan en la misma dirección, quizás falta variedad aunque siempre hay un par de temas donde la vamos a encontrar y hay un par de momentos, muy esporádicos donde van a trabajar más en los solos de guitarra ya sea para iniciar el tema o para elaborar un puente instrumental, incluso rozan por momentos el Death Melódico.
Pero esos momentos melódicos, que están muy bien y ofrecen una bocanada de aire fresco y variedad, no es lo más destacado. Todos los temas viajan en la misma dirección y tienen esa sencillez y esa eficacia, porque suena a verdadero clásico del Death Metal nacional, lo que siempre me chocó de este álbum es lo bien que envejece pese a su aparente sencillez compositiva. Envejece de maravilla porque sigue sonando atronador en directo y tiene un feeling tremendo. Sin duda alguna el álbum por el cual los Avulsed merecen la eternidad y el reconocimiento.

Vatreni Poljubac " Živio rock'n'roll"

Vatreni Poljubac " Živio rock'n'roll" Bosnia - Herzegovina 1982
1. Krv i znoj
2. Sad se vidi sad se zna
3. Ne ide to
4. Kako da znam
5. Svi za rock and roll
6. Zivio Rock and roll
7. Jasna Stvar
8. Postovania ska ska
9. Hej, Zaboravi
10. Sto Put Na Dam



Milić Vukašinović: Cantante, Guitarra
Perica Stojanović: Batería
Sanin Karić: Bajo

Hablemos de la Yugoslavia post Tito. Fallece el mariscal Josip Broz Tito en el mes de mayo de 1980. Mismo caso que en España, ya estaba muy mal de salud los años anteriores y reducieron sus apariciones públicas y mentían descaradamente sobre su estado de salud pero el régimen se resquebrajaba. No es que el Mariscal uniera a los yugoslavos, más bien había una gran represión y estaban amordazados. La política económica yugoslava se hunde y crecen las tensiones étnicas entre croatas, bosnios y serbios. Mientras en Serbia subían al poder partidos nacionalistas lo mismo sucedía en Croacia y en Bosnia y con este caldo de cultivo en 1982, todavía anestesiados por los sucesores de Tito y en medio de una fuerte crisis económica los Vatreni Poljubac sacan su nuevo disco.
Siguen en forma de trío y sigue Milíc Vukasinovic siendo el líder de la banda, componiendo todos los temas, tocando la guitarra, cantando y también echando una mano en la producción. Tenían popularidad así que se podían permitir el lujo de contar como invitado de lujo a Laza Ristovski, el votado mejor teclista yugoslavo durante 11 años consecutivos. Este teclista tocó en los míticos Smak, la banda más popular de todo el país y también en los Bijelo Dugme.
Este trabajo lo grabó esta banda de Sarajevo en octubre de 1981 en unos estudios de Belgrado para el sello ZKP RTVL, un pequeño sello esloveno que no tenía demasiado tirón y proyección en todo el país y así la fama de los Vatreni Poljubac empezó a descender.
No es malo este álbum como si eran malos los anteriores. Este trabajo al menos no está en tierra de nadie como los anteriores, que trataban de sonar a Heavy Metal a Hard Rock y hasta Pop, una mezcla que no funciona. Al menos en este trabajo se centran en un Rock and Roll básico en todos los temas pero con un ligero toque setentero a lo Deep Purple en ocasiones que resulta agradable. Yo diría que este es su último buen álbum.
https://www.youtube.com/watch?v=jKQOLOKSTmo
Álbum Completo

Riot Biografía

Mark Reale tenía una banda que se llamaba Kon- Tiki que lo dejaron y junto al batería Pete Bitelli creo la banda Riot en 1975 en la ciudad de Nueva York. La formación la completaban Phil Feit al bajo y Guy Speranza al micro. Debutaron en 1977 con el single " Tokyo Rose".
Su primer álbum fue Rock City en 1977 y fichan para editarlo a Kouvaris a la guitarra y Jimmy Iommi al bajo, no consiguieron un impacto comercial. En 1979 fichan por Capitol Records para editar Narita. Kouvaris deja la banda y entra Rick Ventura a la guitarra, de este álbum se extrajeron tres singles. En 1980 a través del sello Poulydor editan el split " Monsters of Rock" junto a los Scorpions y empiezan a tener cierta fama en Europa.
Fire Down Under de 1981 es el álbum que les permite dar un salto a la fama y girar por primera vez en Europa y Japón. Tocaron en el Monsters of Rock y en Donington para presentar este álbum. En 1982 se marcha Guy Speranza y es sustituido por Rhett Forrester, dando un giro más rockero a su música. La banda goza de cierta estabilidad y repiten formación para su siguiente trabajo " Born in America" que sale publicado a través de Quality Records.

Rhett deja la banda para iniciar su carrera en solitario, los Riot se ven sin sello discográfico y sin conciertos y deciden dejarlo en 1984. Mark Reale se marcha a Texas y crea la banda Narita. Esta trabajando en nuevos temas y uno de ellos se titula " Thundersteel" lanzan una única demo en 1985 pero Sandy Slavin ( batería de Riot del 79 al 84) convence a Mark Reale para que viaje a Los Ángeles y cree de nuevo a Riot y utilice los temas de Narita para lanzar un nuevo trabajo.
Don Van Stavern que había estado con Reale en Narita es el nuevo fichaje al bajo para Riot, fichan al cantante Tony Moore, de aquella desconocido y la batería la graban entre Bobby Jarzombek y Mark Edwards. El proyecto tarda en coger forma pero finalmente sale el nuevo disco de la banda " Thundersteel" en 1988 a través del sello CBS. Es el álbum que salvó la carrera de Riot, se pasan al Power Metal y es una de las 10 obras maestras del Heavy Metal de todos los tiempos.
Lo fácil hubiera haber sacado un " Thundersteel II" Pero eso no sería conocer a Mark Reale. Siempre quiso sacar un trabajo conceptual y lo hace con " Privilege of Power" que recibió muy malas críticas de la prensa y unas pobres ventas, álbum injustamente tratado.
Debido a las malas ventas, no lo dejan, pero la banda entra en un período de letargo que es cortado con el lanzamiento de Nightbreaker, más rockero en 1993 y que contó con dos portadas diferentes. Michael DiMeo es el nuevo vocalista de la banda, Peter Pérez al bajo y Mike Flyntz a la guitarra rítmica acompañados de Bobby Jarzombek.
Entra la banda en un período estable, con actuaciones en Japón sobre todo y Europa donde siempre tuvieron éxito, son años rockeros y lanzan los siguientes discos, ninguno de ellos gozan de popularidad: The Bethreen of the Long House en 1996, Inishmore en 1998 Sons of Society en 1999 y Through the Storm en el 2002 con la entrada de Bobby Rondinelli a la batería. En el 2006 Army of One con Frank Guilchriest a la batería, último álbum con Dimeo.
Se cierra un nuevo ciclo, Reale quiere dejar atrás esa etapa de Dimeo tan rockera y melódica y quiere regresar al Heavy Metal para ello junta de nuevo a la formación del Thundersteel y lanzan el álbum Inmortal Soul en el 2011, todo un trallazo de Us Power Metal . Esta reunión tuvo que haberse producido antes pero Mark Reale ya estaba muy enfermo en las sesiones de grabación de este disco. De echo estaba tan enfermo que grabó cuatro temas de la guitarra rítmica y el resto del trabajo de la guitarra lo hizo entero Mike Flyntz con la supervisión de Reale.
Mark Reale sufría la enfermedad de Crohn, falleció a los 56 años el 25 de enero del 2012. Los miembros de la banda piden permiso al padre de Mark Reale que se llama Tony Reale, para continuar tocando como Riot, que les da su permiso, rebautizan la banda como Riot V y fichan a Todd Michael Hall en el puesto de cantante y Nick Lee como guitarra rítmico ocupando el puesto de Reale el propio Mike Flyntz. Lanzan en el 2014 el álbum " Unleash the Fire" Fichan por la Nuclear Blast y su último trabajo hasta la fecha es " Armor of Light" del 2018.
Louie Kouvaris el primer guitarrista de Riot falleció en el 2020 de Covid- 19, era un asiduo en los escenarios tocando en numerosas veces con sus amigos de Riot. Guy Speranza falleció en el 2003 de cáncer de pancreas a los 47 años. Rick Ventura, guitarrista de Riot de 1978 hasta 1984, fundó la banda Riot Act donde toca temas de su etapa en Riot y compartía banda con el fallecido Kouvaris. Rhett Forrester falleció en 1994 a los 37 de asesinato, recibió un balazo cuando intentaban robar su coche. Tony Moore empezó su carrera tocando el bajo y es lo que hace hoy en día y además es diseñador gráfico. Harry " The Tyrant" Conklin, actual cantante de Jag Panzer, fue cantante de Riot en 1986 de forma muy breve. Bobby Jarzombek dejó la banda en el 2014 y ahora es el batería de Fates Warning, Sebastian Bach y Halford. Pete Pérez dejó la banda en el 2007 y regresó a su primera banda, Karion. Mike Dimeo llegó a audicionar para Deep Purple pero Blackmore eligió a Joe Lynn Turner para su puesto, al poco tiempo entró en la banda Riot. Sigue en activo en la banda progresiva Creations End.

Kampuchea sello


Huevos fritos emcapotados chacho


Skoda primer modelo

La Revolución de Terciopelo trajo grandes cambios políticos y económicos a Checoslovaquia, y la mayoría de las industrias se privatizaron. En el caso de Škoda el gobierno decidió traer un socio fuerte del extranjero. Volkswagen fue la elegida en 1990 y en abril de 1991 Škoda se convirtió en la cuarta marca del Grupo Volkswagen.

La disputa fue entre Volkswagen y el fabricante francés Renault, que perdió porque su plan estratégico no incluía la producción de modelos de alto valor en las fábricas de la República Checa, sino producir el Renault Twingo en las fábricas checas de Škoda.


El diseño de estilo e ingeniería ha mejorado enormemente gracias al apoyo y las inversiones de VW. El modelo Felicia de 1996 aún está basado en la plataforma del Favorit, pero la mejora en calidad consiguió que el modelo fuese un éxito en la República Checa. Los modelos posteriores Škoda Octavia y Škoda Fabia consiguieron abrirse camino en el exigente mercado de la Unión Europea. Se construyeron en las mismas plataformas que los otros modelos del Grupo Volkswagen: el Octavia comparte estructura con el Volkswagen Golf, el Audi A3 y el SEAT León, y el Fabia lo hace con el Volkswagen Polo y SEAT Ibiza.

La percepción de Škoda en Europa occidental ha cambiado completamente.4​ A medida que el desarrollo técnico avanzaba y salían nuevos modelos más atractivos al mercado, la imagen de Škoda empezó a mejorar. En el Reino Unido el cambio llegó con la campaña "It is a Škoda, honest" ("Es un Škoda, en serio") que empezó a principios de 2000. En un anuncio de 2003 en la televisión británica, un nuevo empleado en la cadena de producción está poniendo insignias de Škoda en el capó de los coches. Cuando se acercan los modelos más recientes de la marca para ser ensamblados, el trabajador se sorprende y no les coloca los logos, pensando que son demasiado lindos para ser Škoda.5​ Esa campaña publicitaria arriesgada, por enseñar el propio problema de imagen de Škoda, funcionó y logró aumentar las ventas de la marca en ese país.

Škoda tiene plantas de fabricación y ensamblaje incluyendo la de Sarajevo, Bosnia-Herzegovina, o la planta en la ciudad de Aurangabad en el estado oeste de la India de Maharashtra. En los últimos años, se presentaron dos modelos nuevos: la segunda generación del Fabia, y el Škoda Roomster, que es una furgoneta pequeña. En 2008, se prevé el lanzamiento de la segunda generación del Škoda Superb y una reestilización del Octavia. También se mostró un prototipo de automóvil en el Salón del Automóvil de París de 2006. El Škoda Joyster es un automóvil pequeño con carrocería hatchback de tres puertas para gente joven.

Perico Delgado inicios

Ya desde joven, incluyó el ciclismo en su vida cotidiana. Comenzó a participar en diversas competiciones a los quince años de edad y pasó a la categoría de juveniles en 1976. En 1978, tras cerca de una treintena de victorias, pasó a la categoría de aficionados. Desde sus inicios en la competición, se mostró como un gran escalador.

A los 19 años, recibió varias ofertas para dar el salto al campo profesional, pero los estudios (enfermería) y el servicio militar obligatorio le hicieron retrasar la decisión. A pesar de que le atraía el correr con

profesionales, ni Delgado ni su familia se planteaban el ciclismo como medio de vida, sólo como afición.En 1982, se convierte en ciclista profesional, manteniéndose en las filas del equipo Reynolds, al cual pertenecía ya en categoría amateur. Durante su primera temporada, Delgado consiguió algunos triunfos menores y fue 3.º en la Clásica de San Sebastián. Debutó en la Vuelta a España como gregario del abulense Ángel Arroyo. Abandonó definitivamente sus estudios ante la imposibilidad de compaginarlos con los entrenamientos.

En 1983, logró triunfos en carreras cortas por etapas, como la Vuelta a los Valles Mineros o la Vuelta a Aragón. Hizo 2.º en la Subida al Naranco y 4.º en la Clásica de San Sebastián. También ese año debutó en el Tour de Francia, llegando a marchar 2.º en la clasificación general, aunque finalmente termina 15.º. Su buena actuación en la ronda francesa comenzó a hacerle conocido en el pelotón internacional.

En 1984, disfrutó de sus primeros días vestido de amarillo en la Vuelta a España. Una caída en la última contrarreloj le privaría de luchar por el podio. También sufriría una caída en el Tour de Francia, esta vez teniendo que abandonar la carrera.

En 1985, Delgado abandonó el equipo Reynolds ante el gran número de líderes en el equipo, y recaló en un equipo neoprofesional, el Seat-Orbea. Logró el primer gran triunfo de su carrera deportiva, al imponerse en la Vuelta ciclista a España. En el Tour, logró su primer triunfo de etapa y finalizó 6.º

Hakeem Olajuwon Universidad

Con 2.08 metros de estatura, Olajuwon fue uno de los mejores pívots que ha habido. Fue apodado Hakeem the Dream por haber salido de Nigeria y en tan solo unos años haber alcanzado el sueño americano de gran deportista y ganador de títulos.


Olajuwon obtuvo dos anillos de campeón de la NBA en 1994 y 1995, resultando MVP de las Finales en ambas ocasiones y MVP de la temporada 1994. Integró el mejor quinteto de la NBA en seis temporadas, el segundo quinteto en tres y el tercer quinteto en otras tres, y jugó 12 ediciones del All-Star. Además ganó la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de 1996 con la selección de Estados Unidos.

En 1996 figuró entre los 50 mejores jugadores de la historia de la NBA, y en 2008 ingresó al Basketball Hall of Fame.Fue considerado el número 1 del Draft de la NBA de 1984 por encima de Michael Jordan, Charles Barkley y John Stockton, posteriormente estrellas de la NBA, y fue elegido primero por los Houston Rockets. En los días previos a la lotería, la primera selección fue elegida tirando una moneda al aire, y un golpe de suerte colocó a Houston Rockets por encima de Portland Trail Blazers.

Los Rockets tuvieron un éxito inmediato durante la temporada como novato de Olajuwon, que compartió equipo con el Rookie del Año de 1984, Ralph Sampson, para formar el dúo original de la NBA conocido como las "Torres Gemelas". Llevaron a Houston a las finales de la NBA de 1986, donde perdieron contra los Boston Celtics.
De ascendencia Yoruba, el nigeriano Olajuwon fue a Estados Unidos y jugó en la Universidad de Houston, compartiendo equipo con Clyde Drexler para formar la "Phi Slamma Jamma". Jugó con el nombre de "Akeem" en la espalda, para cambiarlo más tarde por "Hakeem".

Olajuwon ayudó a que los Cougars llegasen a las finales de la NCAA dos años consecutivos, pero perdieron primero contra North Carolina State en 1983 y Georgetown en 1984. Drexler se hizo profesional en 1983, dejando a Olajuwon solo en el equipo.

El asesinato de Agatocles

La respuesta de Agatocles fue llevar la guerra a África, lo que provocó un cambio notable en su política. Necesitado de recursos, Agatocles confiscó los bienes de sus adversarios e impuso pesadas cargas fiscales a los ciudadanos. La expedición africana comenzó en el año 310 a. C. y estuvo en sus principios marcada por el éxito: Agatocles venció a los cartagineses, se procuró aliados entre los pueblos y ciudades de África e incluso llegó a un acuerdo con Ofelas, el gobernador ptolemaico de Cirene, a quien inmediatamente hizo asesinar, para actuar conjuntamente contra Cartago (309 a. C.). En 308 se apoderó de la importante ciudad cartaginesa de Útica. Mientras tanto, la situación en Sicilia era preocupante para los siracusanos, pues su ciudad seguía estando amenazada por los cartagineses, Acragante y los oligarcas exiliados.

Antander, hermano de Agatocles, obtuvo una victoria que forzó a los cartagineses a retirarse en 309, pero los aliados griegos, conducidos primero por Jenódico de Acragante y luego por el emigrado siracusano Dinócrates, no desistían. Dejando a su hijo Arcagato al frente de las operaciones en África, Agatocles se trasladó a Sicilia y obtuvo una doble victoria sobre sus enemigos (307 a. C.); pero a su regreso a África se encontró a su hijo muerto y su ejército diezmado, lo que le llevó a firmar un acuerdo de paz bastante favorable con Cartago en 306 a. C., delimitando las áreas de influencia de ambas potencias en la isla.


Artículo principal: Expediciones de Agatocles a África
De vuelta a Sicilia, Agatocles restauró su autoridad, derrotó a Dinócrates y ejecutó a un elevado número de enemigos políticos (305 a. C.). En el año 304, y emulando a los sucesores de Alejandro Magno, Agatocles tomó el título de rey, integrando su poder en el recién nacido mundo helenístico. Su guardia personal estaba compuesta por mercenarios itálicos, principalmente samnitas y los célebres mamertinos.

A partir de estos momentos las noticias son más escasas; se conocen algunas expediciones por el sur de Italia y por el Mar Adriático, que le llevaron incluso a apoderarse temporalmente de Corcira frente a las ambiciones de Casandro (c. 300 a. C.).

Agatocles murió asesinado en el año 289 a. C. a instigación de su nieto Arcagato, temeroso de no ser designado sucesor; su crimen no tuvo recompensa, ya que Arcagato fue asesinado por la misma mano que cometió el homicidio de Agatocles, Menón de Egesta. Tras esto Siracusa quedó sin gobierno estable entre 289-288 debido a la guerra civil entre Hicetas y Menón.