viernes, 30 de agosto de 2019

Helvetets Port " From Life to Death"

Helvetets Port " From Life to Death" Suecia Heavy Metal 2019
01. Stan Brinner
02. The Invincible
03. Röda Nejlikan
04. Ruled with an Iron Hand
05. Hård Mot De Hårda
06. Man at Arms
07. White Diamond
08. Hero of an Age
09. Die to Stay Alive
10. From Life to Death
11. Orions Bälte
12. Castle Walls, City Gates
13. Thunder Ace
14. Night of the Innocent

Witchfinder: Cantante, Guitarra
Thunder: Batería
Inquisitor: Bajo
K. Lighting: Guitarra
David Olaffson. Guitarra

Esta banda sueca creada en el 2001 siempre lo tuvo claro, quiere emular a la Nwoshm ( New Wave of Swedish Heavy Metal) este movimiento surgió como respuesta a la Nwobhm inglesa. Bandas como Heavy Load, Gotham City, Axe Witch, 220 Volt, Overdrive, Proud, Torch, Neptune, Jonah Quizz, Parasite, Madison, Mindless Sinner, Universe, Sadwings .... etc, tampoco fueron muchas más.
Stan Brinner es un corte que tiene todo el aroma clásico, desde la producción a la limpieza del trabajo de las guitarras y los cambios de ritmo con sus aceleraciones, todo recuerda a los primeros años ochenta, son tan concretos que elaboran un metal típicamente sueco entre 1980- 1982, una banda muy minuciosa y con un estribillo que me recordó a los Blue Oyster Cult.
The Invencible es el típico ritmo al galope de toda la vida con alternancia en las guitarras, poca historia que contar. Röda Nejlikan con ritmo acústico y aroma de balada, eso sí, en su vertiente más oscura y épica y creciendo poco a poco en intensidad hasta la aceleración final que no le queda demasiado bien al tema.  Ruled with an Iron Hand es muy teatral con un ritmo al galope y un tono en las guitarras quizás demasiado suave, todo el protagonismo recae sobre su cantante y los coros que generan.  Hård Mot De Hårda es el primer tema orientado hacia el Speed Metal pero le falta garra.
Demasiados temas y para buscar lo mismo una y otra vez como en Man at Arms, otro tema al galope con un bajo más presente en el tema, eso sí, al contrario que los anteriores temas, el cambio de ritmo de este corte es convincente. Ellos siempre van a buscar un metal blando que recuerde en todo a 1979- 1982 no se quieren salir de ese esquema y White Diamond es rock en estado puro que me recuerda a los holandeses Picture en sus inicios o a los Oz.
Hero of an Age es el tema más completo de todo el trabajo, suena épico y el solo de guitarra es el mejor de todo el álbum. Die to Stay Alive también contiene un buen momento, balada épica, melancólica y oscura que recuerda a los Scorpions de los setenta y a los también alemanes Faithful Breath.
From Life to Death y Orions Bälte siguen el aspecto más teatral de sus composiciones por eso en los pocos momentos en los que ponen la directa pues se agradece como en Castle Walls, City Gates, que suena más rockero, pues se agradece.
Me sobran un buen puñado de temas pues repiten la misma idea una y otra vez. El caso es que esta banda sueca con ex miembros de Portrait al frente, busca algo muy concreto, un Hard Heavy blando o protometal muy teatral con abundancia de ritmos al galope, buscando coros constantemente y solos de guitarra efectivos. Es un trabajo de arqueología el que han realizado y siempre hay horas y horas de estudio detrás de estos temas. Quizás les falta un poco de chispa o de ingrediente personal para terminar de explotar pero no se le puede restar mérito a su obra.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,25/10

Aspides " Virulentum Metallum Vipera"

Aspides " Virulentum Metallum Vipera" Speed Metal Colombia 2019
1. Intro: Infame marcha al castillo siniestro
2. Espíritus inmundos del metal
3. Metalmorfosis del mal
4. El perro del infierno

Demoniacsaurus: Bajo
Gilhammer:  Batería
Rey Calavera: Cantante
Medusa: Guitarra
Mono Poseído: Guitarra

Hoy os narramos el debut de esta banda colombiana de puro Speed Metal, muy mucha tradición en este país. Banda procedente de Tunja y creada en el 2005 con el nombre de Legiones del Averno, con ese nombre estuvieron hasta el 2012 fecha en la que se cambiaron de nombre a Aspides.
Portada cutre, letras bastante infantiles, producción casera a mas no poder, calidad musical muy justa pero oye... esto es Speed Metal colombiano, siempre merece la pena escucharlo. En este país hay muchas bandas de Speed, hay escena y hay bandas potentes y no solo conocidas en Colombia sino también en Brasil, Argentina, Ecuador...etc como por ejemplo son los Cobra, la banda mas potente de Speed del país, pero esta es una banda mas reciente con unos quince años de actividad y el Speed Metal colombiano ya es cosa de los ochenta.
Vamos con este trabajo, producción cogida con pinzas, tampoco le vamos a pedir peras al olmo, así que no pasa nada. Intro: Infame marcha al castillo siniestro.... una de las cosas que mas me molestan del metal es que muchas bandas componen letras muy infantiles y peor que parecer un niño es componer una letra que no te dice nada o que no tiene ningún tipo de mensaje.
En el aspecto instrumental pues estamos ante un proyecto completamente underground. La calidad musical brilla por su ausencia, quizás me esperaba algo más de una banda que lleva en esto más de quince años. Espíritus inmundos del metal.... pues más de lo mismo oye, mucha velocidad eso sí, pero sin fuerza alguna.
La nota característica de esta banda viene dada por su cantante, tiene una voz muy particular. Yo escuchando esta demo tuve una sensación de Deja- Vu porque la voz de Rey Calavera es un calco que la de Stimula el cantante de Evo, banda de Barcelona creada en los ochenta y que ahora reside en Tenerife. Se me hace un poco estridente este tipo de voz tan chillona y aguda.
Del tema Metalmorfosis del mal solo me puedo quedar como aspecto positivo la velocidad de la banda en la ejecución de sus temas, porque no puedo señalar ni un solo de guitarra potable, ni un ritmo en la base rítmica poderoso y contundente, ni cambios de ritmo ingeniosos ni ritmos al galope épicos, porque no hay nada de eso. El perro del infierno aunque suena mas agresivo, comparte la falta de técnica y creatividad de los anteriores temas, ritmos anodinos y rozando el Amateur sin grandes combinaciones en la guitarra ni en la batería, plano, sin calidad pero al menos con fe metálica, aunque eso ya no es suficiente a estas alturas de la película.

Новатор "Старый город"

Новатор "Старый город" Rusia Heavy Metal 2019
1. Старый город
2. Чёрный август
3. Припять
4. Баллада одиночества
5. Человек в чёрном
6. Побег из ада
7. Семь
8. Путь отрешения
9. Бес-трава
10. Юродивый (Аргир cover)

Maxim Asmankin: Bajo
Ruslan Sayzhenkov: Guitarra

Estamos ante una banda rusa creada hace mas de 10 años en la república de Mordovia, una población a las orillas del río Volga. Esta banda tiene dos miembros estables y cuenta con numerosas colaboraciones, estamos ante el álbum de su lanzamiento.
Metal clásico desde el primer tema, son un calco de los Aria, la banda más mítica de Rusia lo demuestran desde el primer tema,  Старый город y decir que el último tema es una versión de los Aria, más claro agua. Pero ya no es cuestión de la versión es que el estilo es el mismo que la etapa mas clásica de Aria y también de su excantante que tiene su proyecto individual, el señor Kipelov.
¿ Que clase de emulación de Aria nos vamos a encontrar? Los Aria de metal clásico influenciados por los Iron Maiden, hasta el punto de ser apodados los Maiden rusos o los Aria de los últimos años mas influenciados por el metal progresivo... pues los Aria de la primera época como surge a borbotones en el tema  Припять.
También están muy influenciados por los Aria del álbum Chimera, el último que cantó Kipelov antes de separar sus caminos con el líder de Aria, el guitarrista Holstinin, el tema Баллада одиночества, perfectamente podría estar en ese disco.
Lo negativo es la producción, es muy floja. A la batería apenas se le oye y el bajo aporta mas bien poca, en algún cambio de ritmo aparece de forma tímida, no tienen pegada, les falta fuerza en todos los temas aunque de clase van muy sobrados.
Trabajan muy bien la melodía con un cantante melódico mas orientado hacia el Rock clásico que el metal, sin excesiva potencia vocal pero les queda bien, tienen muy buenos estribillos que nos regalan todo el sabor clásico de la madre Rusia. También en los solos de guitarra, minuteros y con mucho sentimiento nos dejarán a los amantes del metal ruso mas clásico con una grata sensación.
Creatividad cero patatero, eso es obvio, esto suena a Aria al 100 % hasta el punto que nos encontramos con los típicos cambios de ritmo veloces al galope con guitarra doblada melódica- atmosférica tan típica de los Aria en temas como  Побег из ада.
Eso sí, tienen su punto de creatividad con algún que otro pasaje acústico donde se pasa al Rock mas melódico y melancólico, muy típico del carácter ruso, la balada Путь отрешения, tiene mucho sentimiento. Un disco que pese a su nula originalidad tiene mucha clase, un metal melódico perfecto al que le falta un poco de fuerza.
https://www.youtube.com/watch?v=DRxIltjmXmk
Álbum Completo

Feeling: 4/5
Originalidad: 1/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6/10



Qhimera " Qhimera"

Qhimera " Qhimera" Hard Rock España 2019
01. Beasts from Beyond
02. Luscious Cakes
03. 3. Shotgun
04. Endgame
05. R.I.P.
06. I'm Going to Hell
07. Riverbed
08. Lilith
09. Taurus
10. Persistence

Álbum de debut para estos cinco músicos procedentes de Leganés que crearon esta banda en el 2017. Beasts From Beyond.... vale, la idea es una fusión de estilos musicales y sonar diferentes, ya sabéis que la escena del Hard Rock está muy estancada, siempre es lo mismo pero esta banda enfoca mas bien hacia el rock alternativo de los noventa.
Luscious Cakes es un tema que definitivamente sirve para familiarizarnos con su estilo, va a haber mas de una sorpresa. Es el bajista el que pone la nota técnica a su música, ya apuntaba maneras en el anterior tema y hay cierto aire progresivo que me recordó a las bandas nacionales de los setenta pero todo desde un punto de vista muy alternativo.
Mas interesante me pareció 3 shotgun con algo de Hardcore y mezcla de rock alternativo, la idea es buena pero les falta gancho compositivo, hay que potenciar esos coros. Turno para Endgame con unos ritmos mucho más clásicos con unos redobles de batería y un trabajo mas atmosférico en la guitarra que recuerda a los Maiden pero en su vertiente mas rockera, siempre el bajo por encima de la guitarra.
Rip son casi siete minutos de duración arranca con acústicas donde se cuela el primer ritmo que si logra convencer y enganchar, influencia de los Metallica en su etapa mas comercial y otras bandas de los noventa, el cambio de ritmo se huele a distancia pero no decepciona.
I am Going to Hell siguen con esa oscuridad impropia del Hard Rock lo cual les hace una banda diferente y con personalidad y hoy en día sonar diferente y con personalidad pues es tan difícil como encontrar un trabajo en España.
Riverbed explora la vía del rock alternativo y con esencia Punk con un trabajo de la guitarra solista que deberían potenciar porque tiene un ritmo muy bueno pero esta tapado por la batería y el bajo, trucos que irán puliendo con el paso de los años.
Lilith es un tema menor, el típico Punk Rock bailable de toda la vida de la escuela americana de los ochenta pero suena sincero y sin dar tantas vueltas. Con el tema Taurus vuelven a tirar de sus mezclas y por primera vez logran un estribillo que transmite y con una atmósfera muy buena, ese es el camino a seguir para ellos. Persistence es algo irregular.
Tienen un estilo completamente diferente y mezclan y experimentan con absolutamente todo, ese carácter es difícil de encontrar, sobre todo me entusiasma esa parte progresiva que tienen en el trabajo del bajo pero deben pulir ciertos aspectos, orientar su música hacia algo mas concreto porque se pierden en mil y una historias, pero como terminen de pulir esos pequeños defectos ( falta de feeling, algo mas concreto y dotar a la guitarra de un sonido mas potente y a la par que el bajo) yo considero que esta banda puede ser una de las grandes sorpresas del año y dar un salto internacional incluso.

Feeling: 2/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

Human Menu " Flayed and Displayed"

Human Menu " Flayed and Displayed" Brutal Death Usa 2019
1. Polycephalic Whore Farm
2. Flayed And Displayed
3. Meat Hook Lobotomy
4. Necrophiliac
5. Ingesting Encephalon Fragments
6. Membrum Virile Buffet
7. Esophageal Hemorrhage
8. Headcheese
9. Severed Limb Pentagram
10. Vaginal Epithelium Impalement

Kee: Cantante
Nick: Cantante, Guitarra, Batería Programada

Un poco de Brutal Death desde Philadelphia, ciudad con denominación de origen donde abundan las bandas de este género. Han probado con todos los formatos y ahora afrontan el reto de lanzarse a la piscina con su primer larga duración que editan de forma independiente.
Su producción casera pero ese no es el problema. Una de las cosas que mas me chocan de este lanzamiento es que colaboran tres cantantes como músicos de sesión que no aportan nada al disco pues sus voces están completamente distorsionadas o alteradas, es la típica voz de cerdo que se utiliza en el Grindcore y derivados, la llamada " Pig Squeal". Digo que me llama la atención la participación de estos tres cantantes porque en realidad deberían haber contratado a un batería y a un bajo.
La batería es programada, presenta un ritmo metálico y blando muy típico de los noventa. Combina partes aceleradas con partes lentas, en las aceleradas donde tira de Blast Beats el sonido es muy flojo, parece un secuenciador más que una batería.
Echo sobre todo en falta que haya un bajo para acompañar el ritmo pero ese no es el único problema que nos vamos a encontrar en este álbum. La distorsión de la guitarra está muy lograda, suele derivar hacia el Slamming y las influencias son mas que evidentes: Cannibal Corpse, Dying Fetus y Devourment entre otros. El caso es que esos riffs que son muy graves, lentos y distorsionados y le otorgan a los temas oscuridad y potencia pero no tienen desarrollo y mueren todos en la orilla.
Un gran defecto de este trabajo es que la batería programada está por encima en cuanto a sonido que la guitarra y los riffs que nos proporciona y el sonido de los temas se convierte en una maraña sin ningún sentido cuando tiran de Blast Beats.
El resultado es muy flojo en cuanto a producción, técnica y desarrollo de los temas pues todos suenan iguales. Solo destaco los riffs y el aire clásico de los temas pero les falta variedad y sobre todo olvidarse de los Blast Beats pues lo suyo es la lentitud y el Slamming.
https://humanmenu.bandcamp.com/album/flayed-and-displayed
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 2/5
Producción: 3/5

Puntuación: 2,75/10

Reino de Hades " Reflejos del Caos"

Reino de Hades " Reflejos del Caos" España Heavy/ Folk 2019
01. Romance Nazari
02. Jasmina
03. Albores del Alba
04. El Condestable
05. Danza de los Bosques
06. Juegos de Azar
07. Barbanegra
08. Todo Vuelve a Terminar
09. Sigo Siendo Yo
10. Traicion
11. Hellenika, Parte 1 El Reino de Zeus


Antonio Pérez: Bajo
Fabio Romero: Batería
Francisco J. Roa: Guitarra
Javier Ferrón: Guitarra
David López: Teclados
Sergio Jiménez: Violín
José Fernandez : Cantante

18 años de carrera dan para mucho pero no en España donde a las bandas les cuesta salir adelante un mundo ante la nula ayuda que reciben por todas partes, tanto a nivel institucional, pasando por los sellos o algunas webs interesadas que conoce todo el mundo y que te piden que pagues tarifa por reseña " amable" Por eso se valora el esfuerzo de esta banda de Jaén en la creación de su segundo álbum y mas si es una apuesta tan personal y de calidad como la suya.
Romance Nazarí es un tema muy hermoso emparentado con la música clásica me hace especial ilusión que no abandonen esa tónica en Jasmina. Alternancia de solo de teclado con el violín y en cuanto al trabajo de guitarra y estribillo, eso es lo menos original muy similar a Avalanch.
Albores del Alba es otro tema instrumental pensado unicamente para el lucimiento del violín para luego presentar el condestable, con todo el Folk por delante y muy similar a Magö de Oz, cuando pierden su esencia andaluza salen perdiendo.
Danza de los bosques es un nuevo tema acústico con violín, nuevo tema instrumental que siempre ubican en el mismo sitio, intercalados con los temas mas potentes y eso hace que acabe por dejar de sorprender al oyente, eso le sirve de coyuntura a Juegos de Azar, hay pasajes de violín bastante logrados que recuerdan a los primeros tiempos de los Kansas como banda, no es una mala referencia.
Barbanegra es un tema donde colabora Miguel Ángel Franco de Saurom, demasiado comercial, melódico y azucarado el tema, además de previsible, la atmósfera sinfónica no le aporta nada, lo mejor vuelve a ser el trabajo del bajista y el buen solo de puro Hard Heavy con sentimiento.
Todo vuelve a terminar es un tema enfocado hacia el rock melódico progresivo- sinfónico de influencia de la década de los setenta, quizás sea el camino a seguir para esta banda. Tienen melodía y sentimiento y se les da bien la balada, nos regalan belleza con Sigo siendo yo, para luego bajar el listón con el típico tema festivo y alegre del Folk mas comercial con Traición y su cambio de ritmo acelerado que pone la esencia del Power mas melódico ibérico de toda la vida. Como de toda la vida es el riff doblado a toda pastilla emulando a Dio y la era Vivian Campbell en la guitarra con Hellenika, Parte 1 El Reino de Zeus, un tema que va perdiendo gas poco a poco y que no continua por esa senda cañera que tenía en sus primeros compases. Brillan en ciertos aspectos con muy buenos solos de guitarra con todo el protagonismo para el violín, cuando tiran de rock sinfónico aciertan, cuando se pasan al Power Metal o al metal melódico nacional con aire Folk festivo, patinan un poco y echo en falta mas aire andaluz en sus composiciones, les exijo porque tienen calidad suficiente para exigirles algo más.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,75/10

Omen " Halálfogytiglan"

Omen " Halálfogytiglan" Hungría Power/ Thrash 2019
1. Most kezdődik
2. Szellempont
3. Jelmezbálban meztelen
4. Knock & Roll / Lehunyt szemmel
5. Egy jobb pokol
6. Senki lenni
7. Amikor még szerelmes voltam
8. Az lesz ami volt
9. Élni a jó
10. Halálfogytiglan

Zoltán Nagyfi: Batería
László Nagyfi: Guitarra
Matt Nagy: Guitarra
József Mezőfi: Bajo
Peter Molnar: Cantante

No confundamos a esta banda con los Omen americanos de Us Power Metal, esta también es una banda con solera y reconocida en el mundo Underground, son los Omen húngaros. Banda creada en 1990 en la capital magiar, Budapest.
Nada que ver con el metal clásico, acelerado y melódico de los titanes de la escena húngara los Pokolgep, pero mucho que ver con el Power/Thrash con mucho Groove con melodía potenciada con esa agresividad de las bandas de la Europa del Este.
Onceavo álbum de estudio para ellos, el primero en los últimos cinco años, lo mejor de su discografía se haya en sus inicios con sus tres primeros álbumes. Algunos los comparan con los Kat polacos, yo diría que estos Omen tienen una vertiente mas melódica, los compararía con los Ossian de Hungría.
Han cambiado su formación, solo sobreviven el batería y el guitarra solista de los primeros tiempos, el último en incorporarse es Peter Molnar, su cantante, que ficho por Omen a principios del 2019, un buen cantante, los Omen de siempre pese a los cambios.
Buscan la atmósfera, buscan la melodía, buscan el cambio de ritmo acelerado para brindarte el solo de guitarra con melodía y sentimiento en el tema que da título a este álbum, Halálfogytiglan. 
A tenor de lo escuchado, su sonido ya nada se asemeja al de sus inicios, algo normal, ya han pasado casi treinta años y hay que evolucionar. Ellos presentan temas mucho mas comerciales pero no por ello sin fuerza. Por ejemplo Senki Lenni o Élni a Jó, tienen su melodía. Como decía es el típico metal de la Europa del Este, mucho Groove, base rítmica poderosa que mezcla Power/ Thrash con el Speed seminal de los Judas Priest.
Hablando de ese Speed Metal primitivo lo volvemos a encontrar en Knock & Roll / Lehunyt szemmel, de nuevo la influencia de los Judas Priest en los tiempos del British Steel, pienso en concreto en el tema Rapid Fire, esta es una influencia que ya tenían desde el inicio de su carrera.
Como es habitual en ellos han cuidado mucho los solos de guitarra, algunos mas destacados que otros pero siempre con mucho sentimiento. La utilización del Groove con potencia y sobre todo con ese toque eslavo, oriental en la atmósfera que te aporta un sentimiento diferente y se agradece. La potencia en la base rítmica de siempre, pero como os decía, solo que con un enfoque mas comercial.
Un disco para darle bastantes escuchas, ninguna obra notable que aguante el paso del tiempo, pero como es habitual en Omen, disco con pegada y divertido y considero que están en un mejor momento creativo que bandas de su quinta y de su país como Pokolgep, Ossian o Moby Dick.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,75/10

Burial Remains " Trinity of Deception"

Burial Remains " Trinity of Deception" Holanda Death Metal 2019
1. Crucifixion of the Banquished
2. The Crawl
3. Trinity of Deception
4. March of the Undead
5. Burn with Me
6. Days of Dread
7. Tormentor


Danny: Batería
Wim : Guitarra
Philippus: Guitarra, Bajo
Sven : Cantante

Esta banda te va a hacer sentir como en casa porque es la típica banda que busca y encuentra el sonido de la vieja escuela. Esto no deja de ser controvertido, en las bandas de Thrash Metal y Heavy Metal cada vez que nos encontramos a una banda " Revival" que busca el santo grial de los ochenta la criticamos por su falta de originalidad, se produce ese hartazgo de pensar que ya está todo inventado y que lo único que hacen es el copia y pega.
Pues vale, esta banda de Death Metal, los Burial Remains es de calco de los clásicos pero esto es Death Metal, en los últimos diez años hubo una corriente revival de pretender buscar la etiqueta " Old School" a toda costa y no se produce un hartazgo sino un rebrote dorado del género.... ¿ Porque el Death y no el metal y el Thrash? Quizás por la calidad de las bandas.
Banda holandesa procedente de la ciudad de Drachten. No son nuevos en esto, sus músicos proceden de bandas como  Boal, Grim Fate, Fleshcrawl y Disintegrate. Escucho el tema Crucifixion of the Banquished y me viene a la cabeza el típico titular que ponen los portales de habla inglesa " Ferocious".
Efectivamente suena feroz, tiran del clásico sonido sucio y agresivo del Death sueco en su etapa dorada. Feroz si, como en The Crawl.... pero ¿ Diferente? Pues no, no se puede decir que tengan un elemento diferenciador donde den un golpe en la mesa y se distancien de las otras bandas con la etiqueta de " Old School".
Es más, escucho Trinity of Deception y me familiarizo por completo con su sonido, con esto lo que quiero decir que es vamos a olvidarnos de etiquetas y profundizar en lo que realmente se cuece en la sala de máquinas. Diría que es una banda que sabe maquillar como ninguna otra sus carencias. Lo hacen gracias a una gran labor de la producción y a la suciedad de su sonido, el objetivo de una banda revival es siempre buscar confundir al oyente, con esto quiero decir que el oyente piense que este escuchando algo que pudo ser perfectamente editado en 1991, ese objetivo lo logran.
Pero van avanzando los temas, vamos de March of the Undead a Burn with Me y la conclusión es obvia. Vamos a ver, a la primera escucha piensas " suenan como un mazo", si eres un fanático del Death Metal pero sin una profundidad de conocimientos te van a cautivar de principio a fin pero si eres un oyente avieso con un volumen de escuchas importante y que aún encima escucha otras variantes dentro del Death les vas a notar ciertos defectos.
El primero y más grande es que la batería, siempre acelerada, tiene un sonido algo anodino y rutinario, falta variedad técnica. Lo segundo es que alargan el trémolo como si fuera el chicle Boomer de los ochenta, hasta el infinito pero con muy poca técnica, prescinden de cualquier tipo de Intro o de atmósfera, sin excesivos alardes técnicos pero suplidos con contundencia.
No brillan en los solos de guitarra por no decir que son bien discretos, en Days of Dead de nuevo me vuelven a dejar una sensación agridulce. Por cierto que no dije a que banda se parecen, pues un poco a Benediction en sus inicios, Dismember y el sonido sueco de toda la vida como el de los Grave. Tormentor es el último tema, peca de lo mismo. Hay algún intento de recrear una atmósfera de Heavy oscuro, el típico Occult Metal pero bastante torpe. Agresivos, de la vieja escuela, muy potentes, con gancho... pero si eres veterano y en Metalbrothers.es tenemos que decir que buscamos el caviar y que hacemos reseñas profesionales por lo tanto somos muy exigentes, diría que tienen margen de mejora pero que no basta con sonar similar a la vieja escuela.
https://burialremains.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,75/10

Sacred Blade Biografía

 Los Sacred Blade era una banda procedente de Vancouver creada en 1981 y que tuvo su primer período de actividad hasta el 2003. Empezaron su carrera grabando tres demos , imposibles de conseguir por cierto, hasta que un sello puso sus ojos en ellos para que lanzasen su primer trabajo.

Ese sello fue Black Dragon Records en 1986 que la verdad sea dicha, no realizó un buen trabajo, pues la producción es bastante floja y la promoción fue nula. Pese a la calidad que atesoraban sus músicos, no tuvieron la repercusión que se merecían con este trabajo.
Así que volvieron a la casilla de salida y de forma independiente en el resto de los años ochenta grabaron tres nuevas demos que no lograron salida alguna, con su temática habitual de ciencia ficción y su mezcla entre Power y Metal progresivo.
En el 2004 decidieron regresar y se cambiaron de nombre a Othyworld sacando un álbum en el 2005, finalmente desaparecieron en el 2013, la razón fue el fallecimiento de su creador y líder, Jeff Ulmer alías el piloto.
Jeff the Pilot Ulmer era un compositor, letrista, arreglista, productor, guitarrista, teclista, bajista y cantante....dominaba todos los aspectos de la composición. Precisamente su punto débil era la labor vocal, era un cantante muy flojo con muy poco rango vocal, quizás por eso no triunfó su banda y este álbum está bastante olvidado pese a su gran calidad.
La verdad es que estamos ante una pequeña joya pese a la floja producción y pese a la poca potencia vocal de su cantante. Es un Heavy Metal en esencia pero de tanta calidad que algunos lo han etiquetado como metal progresivo. Abunda ese velocidad en la composición tan típica del Us Power americano que me hace pensar en los primeros tiempos de bandas como Armored Saint, Vicious Rumours y sobre todo los Jag Panzer. Incluso hay quien quiso ver en esta banda canadiense a un anticipo de lo que después serían los Queensrÿche.

Escritores con Pseudónimo



- Lopsang Rampa: Se hizo famoso con sus novelas sobre el Tíbet donde aseguraba que todo lo que en el libro describía había ocurrido. Así llego a declarar por ejemplo en su tercera novela, que se había reencarnado en un lama. Son novelas de carácter autobiográfico, una biografía falsa e inventada que el trato que el público se creyera que era realidad. Pero aunque sea mentira la verdad es que sus novelas son bastante adictivas.

En la primera de ellas empieza narrando su infancia en un monasterio tibetano y allí se hace primero abad y luego lama. Cuenta en sus relatos la invasión de China al Tíbet y como salió huyendo para evitar la cárcel o el asesinato pues los chinos querían acabar con la religión tibetana. En su huída estudia y se convierte en médico cirujano y durante la guerra con Japón está ejerciendo como médico cuando es capturado, en una serie de peripecias es detenido por los rusos e ingresado en un Gulag hasta que logra escaparse y finalmente se exilia en Canadá.
El tercer ojo es su novela más famosa. ¿ Quién era Lobsang Rampa? Fue tal el éxito de sus novelas, sobre todo en Inglaterra que se investigó quién era este personaje. Heinrich Harrer era un especialista en el Tíbet y había estado en la región como explorador y científico, no estaba muy de acuerdo con las afirmaciones de Lobsang Rampa y contrató a un investigador de la Interpol, Clifford Burguess para descubrir la identidad de este escritor. El diario Daily Mail publicó en 1958 sus hallazgos. En realidad se llamaba Cyril Henry Hoskin, era un inglés nacido en 1910 hijo de un fontanero. Nunca había estado en el Tíbet y por supuesto tampoco sabía hablar tibetano. En 1948, había cambiado legalmente su nombre al de Carl Kuon Suo antes de adoptar el nombre de Lobsang Rampa.
Cuando fue localizado declaró que efectivamente era inglés y que no había estado nunca en el Tíbet pero declaro algo asombroso.Su  cuerpo se hallaba ahora ocupado por el espíritu de Lobsang Rampa. Según él, se había caído de un abeto en su jardín en Thames Ditton, Surrey, mientras intentaba fotografiar un búho. Mientras permanecía inconsciente había visto un monje budista en su túnica azafrán que caminaba hacia él. El monje le habló acerca de Rampa y de tomar posesión de su cuerpo y Hoskin aceptó, diciendo que estaba insatisfecho con su vida.
Tratado como un impostor su fama decayó bastante pero aún así siguió publicando sus libros como Lopsang Rampa. El tercer ojo fue escrita en 1956 y a pesar de que descubrieron su juego, escribió unas veinte novelas más sobre la misma tematica hasta su fallecimiento en Canadá en 1980. Una de sus últimas declaraciones decía que su gato siamés estaba reencarnado en un lama y que telepaticamente le dictaba sus novelas.

El tercer Hombre

Ficha Técnica: 1949 Inglaterra 104 minutos. Director: Carol Reed. Guión: Graham Greene. Música: Anton Karas. Fotografía: Robert Kraster. Productora: London Films. Reparto: Joseph Cotten,  Alida Valli,  Trevor Howard,  Orson Welles,  Bernard Lee, Paul Hörbiger,  Ernst Deutsch,  Siegfried Breuer,  Erich Ponto,  Wilfrid Hyde-White, Hedwig Bleibtreu
Sinopsis. Comienzos de la Guerra Fría, en Viena, 1947. El norteamericano Holly Martins, un mediocre escritor de novelas del Oeste, llega a la capital austríaca cuando la ciudad está dividida en cuatro zonas ocupadas por los estados aliados de la II Guerra Mundial. Holly va a visitar a Harry Lime, un amigo de la infancia que le ha prometido trabajo. Pero su llegada coincide con el entierro de Harry, que ha muerto atropellado por un coche en plena calle. El jefe de la policía militar británica le hace saber a Martins que Lime estaba gravemente implicado en el mercado negro. Pero a Martins no le cuadra un detalle: todos dicen haber visto a dos hombres en el lugar del atropello intentando ayudar a Lime, pero un testigo asegura haber visto a un tercer hombre... Adaptación de la novela homónima de Graham Greene.
Opinión Personal: Estamos hablando de la que seguramente será una de las veinte o treinta mejores películas de la historia del cine, una película que funciona como el mecanismo de un reloj suizo. Cuando todo lo que manejas a tu alcance es lo mejor es normal que te quede una obra maestra en ciernes. Esta película esta basada en una novela de Graham Greene que con esta obra creo escuela dentro del suspense, novela que fue completamente respetada y yo diría que hasta agilizada con el guión. Que decir de la banda sonora de esta película, Anton Karas era uno de los músicos más buscados para recrear esas bandas sonoras de la época y esta en concreto es una de las más famosas de la época. A la dirección Carol Reed, gran director  pero poco valorado quizás porque el resto de sus películas no alcanzan ni de lejos el nivel de el tercer hombre. Las interpretaciones son maravillosas sobre todo las de un atormentado Orson Welles que siempre fue un actor del método shakespiriano y de auténtica raza.
En definitiva, que se alían todos los astros para recrear una película que solo puede ser calificada como maravillosa. El inicio de la película desde la noria cuando uno le dice al otro " Si miras desde esta altura los hombres te parecen hormigas... que más te da uno que otro" es una de las frases más celebres de la historia del cine que estamos estudiando en Metalbrothers.es.
Lo que funciona en el tercer hombres es que hay muchas historias entrecruzadas pero en realidad lo que destaca por encima de todo es el binomio: Amistad/ Traición. Cuando Joseph Cotten llega a Viena es una ciudad destruída por la guerra y llega con la mala noticia debajo del brazo, su mejor amigo a fallecido en un extraño accidente de tráfico. Carol Reed viaja a las cloacas del sistema y a las miserias del ser humano en un escenario único como es la ciudad de la luz como es Viena se convierte en la ciudad sin luz pues sufren apagones continuos por los bombardeos, la gente se comunica e intercambia desde comida hasta información en las cloacas, la tensión se respira.
Es la búsqueda de un amigo en una Viena completamente destruída es poner en una balanza todo lo que un hombre necesita para ser feliz, la confianza, el amor, la pasión, la amistad.... y ver frente a frente el retrato más amargo y sucio del ser humano, es un abismo de pasiones que nos toca en lo más íntimo del ser.
Esto es un estudio sobre el cinismo y el egoísmo que debería ser estudiado a fondo en las universidades. Un guión magistral, un ritmo simplemente trepedidante, unos planos y una puesta en escena muy barroca, maravillosas interpretaciones y una banda sonora que te pone en sintonía con todo lo que estas viendo y sintiendo pues está es una película que te dejará pensando un largo tiempo, una obra maestra sencillamente inteligente atemporal.

Ignacio Gómez Jaramillo

Pintor, dibujante y muralista antioqueño (Medellín, diciembre 30 de 1910 - Coveñas, Sucre, julio 12 de 1970). Hijo de Sigfredo Gómez Jiménez, general de la Guerra de los Mil Días, y de Encarnación Jaramillo, Ignacio Gómez Jaramillo estudió bachillerato en el colegio del escultor Antonio J. Duque, en Medellín; allí tomó sus primeras lecciones de dibujo. Estudió varios semestres de ingeniería en la Escuela de Minas de Medellín, y asistió a algunos cursos en la Escuela de Bellas Artes. En 1928 trabajó como dibujante en el taller del arquitecto Pepe Mexía. En 1929 viajó a España para seguir estudios de arquitectura, los que abandonó rápidamente para ingresar al Real Círculo Artístico de Barcelona.


En Madrid estudió un par de meses en la Academia de San Fernando, compartió el taller con el dibujante Miguel Pujol y recibió en varias ocasiones la visita de Federico García Lorca. En 1932 se trasladó a París, donde estudió en la Académie de la Grande Chaumire. Regresó a Colombia en 1934 e hizo dos exposiciones individuales, una en el Hotel del Prado de Barranquilla y otra en el Teatro Colón de Bogotá. Su pintura recibió comentarios positivos de escritores como Germán Arciniegas, Jorge Zalamea y Javier Arango Ferrer, quienes estaban a cargo de la crítica del arte que se producía en el país. En 1936 viajó con una beca del gobierno a estudiar pintura mural en México.


A su regreso, en 1937, pintó dos murales en el Capitolio Nacional: La liberación de los esclavos (ver tomo 8, p. 41) y La insurrección de los Comuneros, y un mural en el Teatro Colón, La invitación a la danza. En 1940 y 1942, Gómez Jaramillo recibió los primeros premios en Pintura en el primer y el tercer Salón Nacional de Artistas, respectivamente. Realizó algunos murales: uno con Jorge Elías Triana en el Instituto de Crédito Territorial de Bogotá, en 1956 [ver tomo 7, pp. 47, 50 y 54]; La liberación de Antioquia, en la Gobernación de Antioquia; y Antioquia la grande, en el Banco de Bogotá en Medellín, en 1966, entre otros.

Después de 1955, su pintura se acercó sin éxito a la abstracción. Paralelamente, con su producción de pintor, el artista dejó abundantes dibujos, entre los que se destacan los dibujos en línea, y algunos bocetos para sus murales.

Madrazo vence en la Vuelta a España

No es una victoria cualquiera. Todos los años La Vuelta ciclista a España otorga cuatro invitaciones a equipos, normalmente suelen ir a parar a equipos españoles como Burgos BH, Euskadi - Murias o Caja Rural, la invitación internacional para los franceses Cofidis.
Esta invitación es un gran escaparate para estos equipos más teniendo en cuenta de que para el año ya no habrá estas invitaciones y que todo va por puntos, por lo tanto, estos equipos tienen todavía más prisión sobre sus hombros.

El Euskadi Murias ganó el año pasado en la Vuelta a España con una victoria épica de Óscar Rodríguez. Esta temporada han logrado ocho victorias, están haciendo un gran año, sobre todo Enrique Sanz que ha logrado cinco victorias.
Por su parte, el Caja Rural lleva una de las mejores temporadas que yo recuerde, con siete victorias y sobre todo destacar las dos victorias en la Vuelta a Burgos, con dos ciclistas como Aramburu y Aberasturi en estado de gracia.
En el caso del Burgos BH, lo han pasado bastante mal. Desde fichar a corredores que deberían dar un paso adelante y por h o por b no lo han logrado, hasta sanciones y las victorias que están tardando en llegar. En el 2016 no obtuvieron ninguna victoria, en el 2017 sendas victorias de Pablo Torres en el tour de Gironde y en este 2019 una victoria en un circuito chino.
Venían presionados y están haciendo una vuelta a España espectacular. En este inicio de Vuelta, se están dejando ver en todas las fugas y Madrazo opta a llevarse el mallot de la montaña.
Llegó la etapa de Javalambre, la primera de montaña en la vuelta y se produjo una escapada con tres hombres: Herrada del Cofidis y Madrazo y Bol del Burgos BH. El pelotón dejó a hacer y cogieron una ventaja de hasta 10 minutos. Pero en los últimos 30 kilometros el Ineos se puso a tirar para endurecer la carrera y la distancia se recortó de forma drástica.
Mientras tanto en la fuga, Madrazo se quedó en la ascensión final hasta en tres ocasiones pero una y otra vez volvía a conectar con la escapada a duras penas. El pelotón no podía coger a los fugados pero los rozaron. Herrada y Bol iban muy justos de fuerzas pero parecía que entre ellos estaba la victoria, pero Madrazo cargado de coraje llego desde detrás y se llevó la victoria. La victoria más importante en la historia del Burgos BH que refuerza su proyecto y da visibilidad al ciclismo más modesto, al final el trabajo bien echo tiene sus recompensas.

El tercer Hombre B.S.O


Helada

La primera condición es que las superficies tengan una temperatura por debajo de 0 °C; otra condición para que la escarcha se produzca es que la humedad relativa del aire sea superior al 60 %, de lo contrario no habrá suficiente vapor de agua en la atmósfera para depositarse en las superficies. La última condición para que esto se produzca es que el viento no sea intenso, de lo contrario, el vapor de agua no podrá depositarse.La vegetación puede no necesariamente dañarse en una noche en que las hojas se expongan a condiciones de congelación. Las hojas de las plantas forman una capa de estado líquido muy frío, asegurando temperaturas de −4 °C a −12 °C. Sin embargo, una vez que la escarcha se forma, las células vegetales de la superficie de la hoja pueden afectarse ante cristales de hielo filoso. Ciertas bacterias son particularmente efectivas ante la formación de escarcha.


Las plantas anuales, como los tomates, morirán una vez que sucumban a la primera helada del año. Las plantas caducifolias morirán también, pero volverán a brotar una vez que llegue la primavera. Finalmente, las plantas perennes, como las coníferas, permanecerán verdes todo el año, aunque su crecimiento es mayor en temporadas libres de escarcha.

Las diferencias en el clima pueden influir fuertemente en el daño que la escarcha le haga a la planta. Por ejemplo, una planta como el romero siempre morirá estando a la intemperie en áreas más frías, mientras que en lugares templados cálidos puede fácilmente sobrevivir.

Dado el estado de floración de la planta se impone introducir una buena poda, o conviene que el agricultor practique dentro de cuatro a ocho días y no postergarla más allá de veinte, de modo que se desarrollen las yemas latentes que existan en los brazos y los troncos, esta labor debe ser ayudada por el riego inmediato y trabajos superficiales que al mantener mullido el terreno impidan la pérdida de humedad, el desarrollo de malas hierbas y la producción de costra. Además la aplicación de nitratos reforman el sistema vegetativo tan dañado. Conviene también la aplicación de caloríficos distribuidos en forma adecuada alimentados con petróleos, aplicados con frecuencia en la región.

Ken Norman

Comenzó su andadura universitaria en el colegio universitario de Wabash Valley, donde en su única temporada promedió 20,4 puntos y 10,3 rebotes por partido.1​ Esta actuación hizo que universidades más importantes se fijaran en él, siendo transferido a la Universidad de Illinois, donde tuvo que pasar un año en blanco debido a la normativa de transferencias de la NCAA. Se incorporó a la disciplina de los Fighting Illini en 1984, donde tras una primera temporada de acoplamiento al equipo, comenzó a destacar en la temporada 1985-1986, promediando 16,4 puntos y 7,1 rebotes, siendo incluido por primera vez en el mejor quinteto de la Big Ten Conference.2​ Su consagración llegaría al año siguiente, en una temporada en la que promedió 20,7 puntos y 9,8 rebotes,1​ repitiendo en el mejor quinteto de la conferencia y liderando la misma en el aspecto reboteador. Su excelente porcentaje de tiro, un 60,9 %, le mantiene en la actualidad en el sexto lugar de todos los tiempos de la Big Ten.2​ Para rematar una excelente temporada, fue incluido en el segundo quinteto del All-AmericanFue elegido en la decimonovena posición del Draft de la NBA de 1987 por Los Angeles Clippers.4​ Comenzó saliendo desde el banquillo, pero poco a poco fue ganándose la confianza de su entrenador, Gene Shue, jugando como titular en 28 partidos del final de la temporada. Su mejor actuación se produjo en el mes de marzo, cuando consiguió 31 puntos, 9 rebotes y 4 asistencias en la derrota ante San Antonio Spurs.


La temporada 1988-89 sería a la postre su mejor campaña como profesional. Se asentó definitivamente como alero titular, acabando como líder del equipo en anotación con 18,1 puntos por partido, por delante de sus compañeros Danny Manning y Benoit Benjamin, a los que añadió 8,3 puntos y 3,5 asistencias.6​ A pesar de su esfuerzo, el equipo acabó en última posición de la División Pacífico, siendo el equipo con el tercer peor balance de la liga, con tan solo 21 victorias. En el aspecto individual, Norman brilló en el partido que les enfrentó a Golden State Warriors en el mes de marzo, logrando 35 puntos y 20 rebotes.7​ Curiosamente, 5 de sus 8 mejores marcas anotadoras de la temporada las consiguió ante los Warriors.8​

A pesar de no repetir las cifras del año anterior, en la temporada 1989-90 Norman se consolida en el quinteto inicial, volviendo a ser uno de los máximos anotadores y reboteadores de los Clippers, terminando con 16,1 puntos y 6,7 rebotes por partido, con 11 dobles-dobles incluidos.9​ Al año siguiente comienza a alternar las apariciones en el cinco inicial con partidos en los que sale del banquillo, quedando relegado al mismo en la temporada 1991-92, hasta que la llegada a mitad de temporada de Larry Brown como entrenador de los Clippers le devuelve la confianza, volviendo a iniciar los partidos hasta el final de la misma, consiguiendo en el último mes de la fase regular unos esperanzadores 14,5 puntos y 10,1 rebotes en los 8 últimos encuentros.10​

Bajo la batuta de Brown, Norman consiguió en la temporada 1992-93 volver a ser uno de los más destacados del equipo, siendo el tercer mejor anotador tras Danny Manning y Ron Harper, promediando 15,0 puntos por partido, y el mejor reboteador, con 7,5 rechaces por noche.11​ Consiguió además la respetable cifra de 23 dobles-dobles a lo largo de la temporada regular.

jueves, 29 de agosto de 2019

Decipher " Of Fire and Brimstone"

Decipher " Of Fire and Brimstone" Black/ Death 2019
1. Prolusio
2. Unobstructed Sequence of Disorder
3. Fire and Brimstone
4. Outlaws of the Dinasty


Nodas Chatzopoulos: Batería
Kostas Gerochristos: Guitarra
Kostas Xatzis: Guitarra
Eisenheart : Bajo
Mick Leventellis: Cantante

Banda creada en Atenas en septiembre del 2017 que trata de mezclar Black, Death y Thrash. Sus influencias son: Dissection, Bathory, Behemoth, Deathspell Omega, Rotting Christ,Satyricon...etc.
Este es su primer lanzamiento lanzado de forma independiente y en formato cd en una edición de 150 copias.
Vamos al grano porque merecen la pena. Prolusio es una Intro instrumental acústica bastante bien ejecutada y con ese aire ortodoxo heleno a los que nos tienen las bandas de este país tan mal acostumbrados, siempre ofreciendo calidad por un tubo pero le falta proyección en la ejecución.
Unobstructed Sequence of Disorder te sonará a Rotting Christ y derivados, sin ese toque épico ni técnico, eso desde luego pero más o menos siguiendo la misma orientación. Ahora bien, si por algo destacan estos Decipher atenienses, si añaden algo de su propia cosecha, esos son unos cambios de ritmo muy aguerridos que suenan como un mazo y que son de puro Thrash.
Fire and Brimstone es un corte que arranca con Blast Beats aunque les falta potencia y definición, son pequeños detalles que irán puliendo poco a poco. Tecnicamente no son nada del otro mundo pero cumplen a la perfección con su papel. Tampoco recrean una gran atmósfera en sus temas y solo en este tema generan algo similar.
Cierran el trabajo con Outlaws of the Dinasty donde me queda claro una cuestión que me venía rondando en la mente desde el primer tema de este Ep de debut de los Decipher y es que son una banda de Thrash Metal con pinceladas de Death sobre todo y en menor medida de Black.
Tratan de emular a las grandes bandas del Black ortodoxo heleno: Rotting Christ, Thou at Lord, Varathron, Nightfall, Agatus...etc. Tengo que decir que en el último tema gracias al trabajo de la guitarra y a un sintetizador en un segundo plano si que logran una épica bastante buena. Pero sobre todo es una banda que saca músculo con los cambios de ritmo que son muy poderosos y de puro Thrash Metal, es lo más destacable de este debut. Me parece una banda de futuro y que tiene un enorme margen de mejora, además su música da la sensación de ser una idea abierta y que pueden explorar cualquier territorio, el caso es que tienen pegada y suenan bien.
https://deciphergr.bandcamp.com/?fbclid=IwAR0bHB6nWZqZVimdNjuxCiCftrEystAicIXt2ERj5eKthSZ0tPZAdlEusIQ
Álbum Completo

Dream Tröll " Second to None"

Dream Tröll " Second to None" Inglaterra Heavy Metal 2019
01. Steel Winged Warrior
02. I Will Not Die Today
03. The Lawmaker
04. Chrome Skull Viper
05. The Art of Death
06. Darkness Lies Within the Sun
07. Checkmate... Annihilate!
08. Legion

Paul Thornton: Bajo
Matt Baldwinson: Bajo, Guitarra
Simon Blakelock: Batería
Paul Carter: Guitarra
Paul Walsh: Cantante

Su primer álbum llamó mucho la atención y ahora vuelve a la carga esta banda de Leeds con su segundo larga duración. Steel Winged Warrior es el clásico tema " Nwothm" pero en su vertiente mas comercial, muy en la línea de lo que están haciendo hoy en día los Strike canadienses y los Enforcer. Fijaos que incluso en el estribillo hay cierta influencia de Police.
I Will not Die Today es un corte donde la banda tira de un riff rockero y veloz con un cambio de ritmo bien ejecutado, buena labor de la base rítmica para buscar el medio tiempo y el estribillo melódico, comercial a tope pero adictivo al menos por momentos, veremos como suena esto en directo, eso ya es harina de otro costal.
The Lawmaker busca generar atmósfera, muy en la línea de los últimos tiempos de Tank y de los Wasp, gran influencia en los riffs melódicos de los Thin Lizzy, todo está inventado, pero hay que admitirles que en una primera escucha te mantienen enganchados.
Chrome Skull Viper es quizás el tema menos vistoso pero a su vez el más sólido y seguramente el que mejor va a aguantar el paso del tiempo en este trabajo, menos originales pero mas esenciales, Hard Heavy melódico de toda la vida y todo el protagonismo para su guitarrista.
The Art of Death dentro de un álbum tan comercial como es este, llama la atención. Es un tema muy de los primeros ochenta. A mi me recordó de nuevo a Police pero también a los austriacos Opus... seguramente el nombre de la banda no te dirá nada pero si te digo que su tema estrella es el Life is Life de 1985 pues seguramente te suenen.
 Darkness Lies Within the Sun buscando un ritmo acústico que aporta mucha melancolía con riffs cruzados melódicos a lo Judas Priest pero mas orientados hacia el Rock. Siempre con cambios de ritmo simples de puro rock pero efectivos, el bajo se deja sentir en este tema.
Checkmate... Annihilate! es el estilo mas puro de la banda, con esto quiero decir que la verdadera esencia de esta banda no es el Heavy Metal sino el Aor y el Hard Rock mas comercial, es un tema que tiene mucho de los Def Leppard. Finalizamos con los 10 minutos del tema Legion, de nuevo un inicio atmosférico y melódico para luego buscar la creatividad con el ritmo de bajo y un solo que se desarrolla de forma lenta pero con total seguridad, seguramente no hacían falta 10 minutos para desarrollar una idea tan simple pero suena muy bien.
Es un álbum adictivo a mas no poder, pero con la certeza de que en el directo no sonará ni ligeramente parecido y con la duda de que es el típico álbum que le das muchas escuchas al principio porque te tiene atrapado pero con el paso del tiempo acaba en el olvido. Aún así, muy profesionales y divertidos.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción. 3/5

Puntuación: 7,25/10

Dirt Brothers " Down in the Dirt"

Dirt Brothers " Down in the Dirt" Southern Rock Usa 2019
01. Hoss
02. Blue Moonshine
03. Fried Chicken
04. Big Engine
05. Reservoir
06. Don't Touch
07. Rattlesnake
08. Free Ride
09. Tomahawk

John Hall : Cantante
Justin Gatewood: Cantante, Bajo
Traci Mccullough: Teclado
Chad Gatewood: Guitarra
John Salazar : Batería
Andy Mcccullough: Guitarra

Este proyecto empezó como arrancan todos los proyectos de Southern Rock, en las carreteras y en los bares probando suerte hasta que por fin logran grabar un álbum y tener su gira. Hoss es el primer tema, estamos ante un Southern Rock de manual auténtico con una gran influencia de Lynyrd Skynyrd y en menor medida de los ZZTop.
Este es el estilo musical mas sencillo que existe, todo está enfocado hacia la voz y la guitarra con una distorsión, nada más. Es una mezcla entre Country y Southern Rock con elementos de Blues/ Rock y en alguna que otra ocasión de Funk, así van los temas enfocados como Blue Moonshine... cuyos ritmos hemos escuchado cientos de veces pero no te cansas nunca si te gusta este estilo.
Los temas con mas Country son los que bajan un poco la intensidad del álbum aunque no deja de ser un tema alegre por ejemplo, Fried Chicken y en el solo de guitarra con su ligera distorsión saben extraerle un jugo extra a un tema sin demasiada historia.
Hay otro enfoque que resulta interesante como el de Big Engine donde tiran de ritmos mas pesados a la guitarra y se pasan al Hard Heavy, rozando el Groove, aunque les falta originalidad, al menos tienen esas tablas que tienen los veteranos para sacar el tema adelante siempre.
Los temas están todos enfocados hacia el solo de guitarra, lo anticipas en todo momento porque la estructura de todos los temas son iguales, unos mas logrados que otros, el que no me consigue llamar la atención pese a su energía es el del tema Reservoir.
Dont Touch vuelve a jugar un poco con el Funk, la misión de esta banda es simplemente divertir sin mas historias, banda de directos con un guitarrista veterano que lo hace todo, la llamada Slide Guitar es la protagonista de este disco y en cambio aunque la banda cuenta con un teclado, no aporta nada.
Todos sus temas están enfocados al directo, con esto quiero decir que van a hacer improvisaciones en directo con solos interminables, algún que otro estribillo se puede considerar que esta bien pero tampoco tienen ni demasiada historia ni demasiado gancho, cumplidores sin más.
Es cierto que dentro de este estilo es muy difícil innovar, vivió su etapa dorada en los setenta y después de años estancado en los que incluso ya parecía cosa del pasado, empieza a repuntar ligeramente un poco en estos últimos cinco años pero aún así, falta esa banda que aporte algo diferente o que vuelva al menos a enganchar al público, toca seguir esperando.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 5,5/10

Zënzar " Vaise Armar"

Zënzar " Vaise Armar" 2012 Rock Bravú  Galiza
1. Atrapados
2. Casa no cemeterio
3. Tipo raro
4. Vouvos reventar
5. Os do xalo
6. O galego
7. O atraco
8. Xustiza
9. Todo vai ben
10. Osimandias
11. Vaise armar
12. O reverendo

Atrapados es un rock sucio y acelerado donde destaca el solo de guitarra, simple pero efectivo, siempre con buenas letras esta banda. Dejando el Punk inicial de sus primeros tiempos por un rock sencillo que recuerda a Barricada y Extremoduro en sus inicios como es el caso del tema Casa no Cementerio.
Tipo Raro es un tema muy galaico, alegre, con coros en el estribillo y línea melódica en el trabajo de la guitarra, con la jeada típica en las letras que se utiliza en la zona da costa da Morte y es puro Rock bravú.
Vouvos Reventar tiene cosas interesantes pero en su conjunto general no me termina de convencer así como no me convence del todo su trabajo en la producción. Os do Xalo otro tema de rock bravú, con un inicio acústico y que va ganando en intensidad a medida que se incorporan los coros, puro sentimiento y una melodía muy próxima a la de los Suaves.
O galego es el típico tema que en los directos en Galiza siempre funciona, genera alegría y la letra es tatareable, como dicen ellos " el galego nin tocalo, fora de aquí e que se enteren en Madrid", me sobra el rapeo eso sí.
O atraco es un tema que conserva cierto aspecto seminal de sus primeros días, ese Punk Rock bailable. Es una oda al idioma galego, a nuestra tierra como nación, los Zënzar siempre estuvieron muy comprometidos con la tierra.
Xustiza contiene los mejores solos de guitarra de todo el trabajo, siempre tuvieron sentido del ritmo y es un álbum variado donde van jugando con texturas de lo más clásicas, nada novedosas pero generan buen ambiente en los directos.
https://zenzar.bandcamp.com/album/vaise-armar
Álbum Completo


Deliverance " The Book of Lies"

Deliverance " The Book of Lies" Inglaterra 1990 Nwobhm
1. The Devil's Instrument Part 1: Succubus
2. The Devils Instrument Part 2: Siren
3. The Devils Instrument Part 3: Succubus II
4. Nightmare
5. Ancient of Dinner
6. Sympathy ( Rare Bird Cover)
7. Book of Lies
8. Runaway
9. The Evil
10. Tear Down the Walls
11. R.I.P

Kris Krowe: Bajo, Cantante
Sin. Guitarra
Master Daniels: Batería, Cantante

Tercera y última entrega para los Deliverance, carrera corta la de estos londinenses que lo dejaron en 1990 al poco tiempo de editar este álbum. El único que siguió ligado a la música fue Kris Krowe que después de dejar Deliverance se montó un sello y colaboró con varias bandas.
La diferencia respecto a sus dos anteriores trabajos es que la estructura de los temas está mucho más elaborada pero eso no significa que sea mejor que los anteriores cortes. Buscan más el factor melódico y atmosférico en sus composiciones, más que melodía y atmósfera diría que buscan algo más teatral con presencia de teclados en la colaboración y de guitarra acústica como en los tres temas con los que arrancan el álbum The Devils Instrument, tema separado en tres partes. Que tiene desde la épica oscura de los Black Sabbath en la era Dio pasando por el sonido oscuro y ese Speed/ Punk en las aceleraciones de la que siempre hicieron gala.
Es un trabajo, pese a que es notablemente inferior a sus dos primeras producciones, muy divertido y se puede tener en cuenta. Quizás todos esos elementos atmosféricos te acaban separando un poco del álbum. Pero es lógico que con el cambio de década tratasen de crear algo más novedoso y darle una vuelta de tuerca a su sonido.
El gran problema de este trabajo es la producción, la verdad es que es muy floja. También hay otro problema y son los solos de guitarra suelen ser melódicos pero desconectan bastante con la orientación musical de los temas en sí, quiero decir que muchas veces no pegan ni con cola.
Se perdieron buscando algo diferente y se van muchas veces por las ramas. También intentaron hacer un trabajo vocal más melódico y elaborado perdiendo un poco la intensidad que siempre les caracterizo. Pero oye, recordar que esta banda siempre fue comparada con Warfare y que la banda de Paul Evo en su último trabajo también busco hacer un álbum conceptual y diferente que les salió rana, el Hammer Horror que en su momento tuvo muchos detractores pero con el paso de los años fue más tenido en cuenta.
Pues lo mismo sucede con este disco, se valora el enorme esfuerzo a nivel compositivo para tratar de crear algo diferente. Los Deliverance pasaron bastante desapercibidos en su época pero es una banda que con el auge del Underground pues es más tenida en cuenta a día de hoy.
https://www.youtube.com/watch?v=JILqMduBBOo
Álbum Completo


Iron Rage Biografía

Esta banda se creo en Boston en 1978, banda formada por adolescentes en edad escolar que compartían pasión por el rock and Roll. Mike Fitzgerald a la guitarra y el bajista Joe Scurti fueron los primeros miembros de esta banda. Después se uniría el batería Dennis Cadorette. Con esta formación ofrecieron su primer concierto hasta que Dennis Cadorette fue sustituido por Tommi Gallo, que era también otro estudiante que estudiaba en Plymouth High School.

En 1979 estos tres músicos graban ocho canciones, era su primera demo. Después actuarían en diversos pubs de Boston pero eran tiempos difíciles. En Boston el Hard Heavy no se llevaba para nada y eran unos adolescentes así que pasaron bastante desapercibidos.
No había muchas bandas ni de Hard Rock ni de Heavy Metal en Boston, así que ellos fueron uno de los pioneros en su ciudad. Siguieron insistiendo y llamaron a todas las puertas mandando su maqueta con ocho temas en busca de que algún sello les hiciera un contrato. Sobrevivían como podían, tocando en cumpleaños, fiestas universitarias..etc.
En 1983 lograron acudir al estudio de grabación para grabar su segunda demo. Se va de la banda Scuri y es reemplazado por el hermano pequeño de Steve. Esta demo estaba compuesta por tres temas. Su primer logro fue que un tema suyo sonara en la radio, el tema Free Man en el programa de radio Nasty Habits de rock and Roll.
En 1985 Gallo se va de la banda y crea la banda Bang. Fue reemplazado por el batería Tim McGrath. En ese año grabaron su tercera demo. En 1989 John reforma la banda junto a su hermano James al bajo y el batería Mike Fitzgerald, siempre en forma de trío durante toda su carrera. Estuvieron juntos hasta 1992 cuando se cambiaron de nombre a Rat Alley pero con este nombre también duraron poco y lo dejaron definitivamente.

El maquinista de la general

Usa 1926 74 minutos. cine mudo. Director: Buster Keaton. Guión: Buster Keaton. Música: Carl Davis. Fotografía: Bern Haines. Productora. United Artist. Reparto: Buster Keaton,  Marion Mack,  Glen Cavender,  Jim Farley,  Frederick Vroom, Charles Smith,  Frank Varnes,  Joe Keaton,  Mike Donlin,  Tom Nawm
Sinopsis: Johnny Gray (Buster Keaton) es maquinista en un estado del Sur y tiene dos grandes amores: una chica (Anabelle Lee) y una locomotora (La General). En 1861, al estallar la Guerra de Secesión, Johnny intenta alistarse, pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia. Sin embargo, Anabelle cree que es un cobarde y lo rechaza. El maquinista sólo podrá demostrar su auténtico valor cuando un comando nordista infiltrado en las líneas confederadas le robe "La General" y rapte a Anabelle. Johnny no dudará un segundo en subirse a otra locomotora y perseguir a los yanquis para recuperar a sus dos amadas.
Por norma general, a lo largo de la historia cinematográfica, van surgiendo cada X años los que, a la larga, terminarán siendo denominados clásicos cinematográficos, ya sea por el éxito que tuvieron en su época o porque lograron perdurar en el tiempo todos estos años hasta nuestra actualidad. El maquinista de la general se podría decir que es uno de esos clásicos que más bien parece haber perdurado en el tiempo, ya sea por el ingenio que esconde o por la simpatía que sabe despertar Buster Keaton con sus personajes hacía el espectador.

Uno de los principales ejes de esta rueda, que gira del mejor modo posible, es la habilidad del realizador por saber reinventar su historia a medida que va transcurriendo el tiempo de metraje, sin llegar a aburrir en ningún momento, y dando un dinamismo especial gracias, en parte, al protagonista que el mismo director interpreta, ya que le otorga al film una vivacidad muy patente, con una gran expresividad y un carácter bastante distinto al de los demás personajes de la obra.`

La mayor ventaja de esta cinta, y aunque pueda parecer todo lo contrario, es el hecho de ser totalmente muda, precisamente porque su director sabe jugar con ese factor otorgándole una versatilidad magnífica, además de inundarla de secuencias de lo más divertidas y sorprendentes que plagan el particular viaje de nuestro personaje de un modo magnífico, sin contener excesos ni faltas que reluzcan más de lo necesario.

En definitiva, una de las mejores comedias que seguramente haya podido dar el cine y, que sin tantos avances como los de hoy en día, consigue un alto grado de complicidad con el espectador haciendo que esta resulte una obra entretenida, encandiladora y verdaderamente recomendable. Una joya indispensable para los amantes del género.

Ragout de venado

1 kg de venado troceado
1 l de vino tinto
2 zanahorias
1 cebolla
2 dientes de ajo
½ puerro
1 dl de salsa de tomate frito
200 g de calabaza
Romero
Pipas de calabaza
Aceite de oliva



Trocear la calabaza y asar con aceite y sal durante 45 minutos a 170º C. Reservar.

Macerar el venado con el vino, la zanahoria, la cebolla, el ajo y el puerro picado.

Escurrir el venado, dorar en una sartén con aceite y sazonar.

Pochar las hortalizas y añadir el venado.

Salpimentar y cocer durante 90 minutos.

Mojar con el vino y el tomate. Reducir.

Servir el venado y acompañar con la calabaza y las pipas. Decorar con el romero.

Innocenti Mini

En febrero de 1976, la compañía fue comprada y reorganizada por el italo-argentino Alejandro de Tomaso dueño de la fábrica de deportivos De Tomaso. Así se la renombró como Nuova Innocenti. Benelli adquirió una participación y Leyland retuvo cinco por ciento de las acciones, mientras que De Tomaso poseía el cuarenta y cuatro por ciento con la ayuda de un plan de salvataje del GEPI (una agencia pública italiana pretendió proporcionar inversión para empresas atribuladas).3​ La administración fue totalmente asumida por De Tomaso. Sin embargo antes del fin de 1976 el GEPI y De Tomaso compraron el 95% del paquete accionario de Innocenti (y todo el de Maserati) para formar un nuevo holding.


Sin embargo, con la pérdida del modelo original del Mini, el Austin I5, y el muy poco exitoso Regent, las ventas cayeron en picado. La producción cayó a casi la mitad en 1975 y se redujo a una quinta parte de los niveles de 1974 en 1976. Después de esta crisis, el nuevo Mini con carrocería rediseñada por Bertone se convirtió en un éxito instantáneo y la producción llegó a más de 40.000 unidades por año para el fin de la década de los '70.2​ El primer modelo diseñado por Bertone tenía espacio para cinco ocupantes y estaba disponible con motores Leyland de 998 cc and 1275 cc.

Las exportaciones, que se habían llevado a cabo principalmente por los concesionarios BMC, comenzaron a caer en los años ochenta, ya que esta no quería tener competencia interna con sus propios productos. Las ventas en Francia (que representaba el mayor mercado de exportación de Innocenti) terminaron en 1980, mientras que las ventas en Alemania llegaron a su fin en 1982. Casi al mismo tiempo, el acuerdo de con BMC terminó, y pronto la producción cayó por debajo de las veinte mil unidades. Los modelos más recientes, a partir de 1983 en adelante, utilizan motores de 993 cc de tres cilindros hechos por la japonesa Daihatsu. De Tomaso desarrolló una versión turbo de este motor de Daihatsu, que se usó en modelos de ambas marcas.

U2 " With or Without You"


Hiko Seijūrō

Hiko Seijūro es un personaje del manga y anime Rurouni Kenshin creado por el japonés Nobuhiro Watsuki.2​ A su vez es el sensei de Kenshin Himura en la serie de anime y en el manga de Rurouni Kenshin. En las series manga y anime revela que posee una edad de 43 años, dato que revela en el capítulo número 41 de la serie anime.1​ Este personaje posee una serie de habilidades tales como la velocidad que emplea para moverse de un lado a otro mediante una elaborada técnica desarrollada por él que se denomina «técnica de los colmillos del dragón» mediante la que es capaz de despedazar a su oponente empleando su arma, una catana.3​ El maestro Hiko es un hombre de pelo negro largo, ojos verdes y aspecto fornido, que goza de una buena constitución física poseyendo una musculatura desarrollada, aspecto que llama poderosamente la atención tanto a hombres como a mujeres. Normalmente va vestido portando un atuendo compuesto por una camisa de manga larga, pantalón y botas, todo ello complementado por una larga capa demostrando una gran elegancia a la hora de vestir.


Es una persona bondadosa y serena que suele ayudar a los demás y posee muy buenos modales unidos a una exquisita educación, defiende la libertad y la independencia sobre todas las cosas por ello vive en soledad, apartado del mundo desarrollando el oficio de alfarero,4​ además es un gran filósofo y le encanta beber sake contemplando las estrellas.5​ Sobre su vida se poseen pocos datos; se sabe que tanto su familia como cuidadores fueron asesinados cuando él era un niño pero sin embargo el amor por la vida es una cualidad que destacó durante su vida. Tras los acontecimientos de su niñez optó por buscar alojamiento en un burdel sirviendo sake hasta que el burdel fue atacado y Hiko tuvo que huir del lugar.

Cuando creció se retiró como eremita contemplando los ríos y la vegetación, y tenía la ilusión de que con el paso del tiempo el mundo sería un lugar mejor para vivir. Tras hacer un balance de su pasado inició un viaje hacia las montañas donde aprendió a subsistir por él mismo y consiguió una catana con la que entrenó hasta perfeccionar una técnica en particular el Amakakeru Ryu No Hirameki,6​ la técnica más completa del estilo de esgrima Hiten Mitsurugi Ryū, para la que es necesario poseer una gran velocidad a la hora de ejecutarla. Esta técnica la emplea solo para defenderse de los enemigos y nunca para atacar, siendo una técnica de defensa. Seijuro Hiko no le enseña esta técnica a nadie ya que él posee la idea de que la catana es un arma que sirve para matar, de este modo solo se limita a dar consejos sabios a quienes acuden a visitarlo.

Solo hizo una excepción enseñándole el estilo de esgrima a su antiguo alumno, Kenshin Himura, que acudió a él para que lo ayudase a detener al poderoso asesino Makoto Shishio que fue su sucesor como hitokiri en la ciudad de Edo.5​ Kenshin aprendió a ejecutar a la perfección la técnica hirameki desarrollada por Hiko, lo que le permitió obtener la victoria en el combate que disputó contra Shishio

Társila Criado

Considerada una de las grandes damas del teatro dramático en España durante el siglo XX, se inició en la interpretación a la temprana edad de 8 años con la obra Los descamisados. Tras una etapa como tiple de Zarzuela, fue descubierta por los hermanos Álvarez Quintero. Protagonizó entonces Traidor, inconfeso y mártir. En 1929, ya convertida en primera actriz de la compañía de Francisco Fuentes, interpretó uno de sus mayores éxitos: El proceso de Mary Dugan.


Muy activa durante los años de la II República, estrenó El divino impaciente (1933) y Las cortes de Cádiz (1934), ambas de José María Pemán, así como la versión cinematográfica de La malquerida (1939), de Jacinto Benavente.

Tras la Guerra Civil continuó su carrera sobre los escenarios, con obras como Dueña y señora, también de Benavente, Don Juan Tenorio (1943), de José Zorrilla, en el papel de Doña Inés, Edipo rey (1954), de Sófocles o Tiestes (1956), de Séneca, las dos últimas en el Festival de Teatro Romano de Mérida bajo dirección de José Tamayo, Diálogos de Carmelitas (1954), de Georges Bernanos,2​ Los intereses creados (1956), de Jacinto Benavente, Las brujas de Salem (1957), de Arthur Miller, en el Teatro Español o Doña Diabla (1960), de Luis Fernández Ardavín. Continuó trabajando hasta 1975, siendo su última interpretación Tirano Banderas, de Valle-Inclán, junto a Manuel Gallardo.

Su paso por el cine fue testimonial y, aparte de la mencionada La malquerida, solo rodó tres películas, entre las que destaca la versión para la gran pantalla de Cañas y barro (1954), de Juan de Orduña.

El Divino Impaciente

El divino impaciente es una obra de teatro en verso con un prólogo, tres actos y un epílogo, escrita por José María Pemán1​ y estrenada en 1933. El autor la escribió como respuesta a la disolución legal de la Compañía de Jesús y al laicismo que trataba de instaurarse bajo el nuevo régimen democrático de la Segunda República. En pleno auge del nacional-catolicismo español (años 1950 y 1960) volvió a haber algunas representaciones. Desde entonces es, prácticamente, una obra olvidada.
La obra recrea la vida de San Francisco Javier, comenzando en su estancia en París donde conoció a San Ignacio de Loyola, pasando luego la acción a Roma, en la residencia de los jesuitas y finalmente su labor misionera en China.

Teatro Infanta Beatriz, (estreno el 27 de septiembre de 1933)
Intérpretes: Alfonso Muñoz (Francisco Javier), Ricardo Calvo Agostí (Ignacio de Loyola), Guillermo Marín, Rosario Iglesias, Társila Criado, Josefina Santaularia;
Teatro Calderón (Madrid) (1950)
Intérpretes: Alejandro Ulloa, Ricardo Calvo, Luis Calderón, Ana María Méndez.
Teatro Lope de Vega, Madrid, 1960
Intérpretes: Joaquín Pierra, Francisca Núñez, Rita Sansó
Estudio 1, TVE, 7 de abril de 1966.
Intérpretes: Manuel Dicenta, Rafael Navarro, Félix Dafauce, Carmen de la Maza, Joaquín Escola, Ana Maria Vidal.

miércoles, 28 de agosto de 2019

Sterling Serpent " Sterling Serpent"

Sterling Serpent " Sterling Serpent" Usa 2019  Rock
1. Violet
2. Eternity
3. Bones
4. Evelyn

Son cuatro músicos que proceden de Washington y Seattle que crean una nueva banda llamada Sterling Serpent, sus miembros proceden de bandas como King Dude, Bell Witch, Serpentent y Terminal Fuzz Terror.
Debutan con este ep compuesto por cuatro temas editado por Ván Records. Violet es un corte con un ritmo muy clásico en la guitarra rítmica, una especie de Doom mezclado con Rock setentero con su esencia de Neo Folk que me recuerda por momentos al proyecto en solitario del líder de los Neurosis. Coros femeninos para apoyar la labor del cantante y un sentimiento bastante épico.
Eternity es un corte de unos cinco minutos de duración que sigue la tónica marcada por el primer tema. Mas rock que Doom y nada oscuro. Olvídate del típico Fuzz, la distorsión y la oscuridad típica de este género. Buscan una especie de Doom/ Rock/ Neofolk. De nuevo apostando por la guitarra acústica y las voces dobladas femenina/ masculina, en esta ocasión con mas protagonismo para la voz femenina y una labor del batería algo mas profunda que no agresiva.
También me recuerdan algo a Slough Feg en sus temas mas lentos y acústicos. Una base rítmica en el tema Bones mas orientada hacia una mezcla entre Stoner y Southern Rock quizás lo menos vistoso de todo el trabajo pero aún así resulta curioso el trabajo de esta banda.
Cerramos el trabajo con Evelyn que es una balada acústica muy lenta y suave, tiene cierto encanto e incluso nos olvidamos ya de cualquier género musical relacionado con el metal y nos centramos en los años setenta y también en cantautores con mucho sentimiento como era Jhony Cash en el final de su carrera. Sterling Serpent es algo diferente y solo por eso, merece la pena la escucha.

Ola Englund " Master of the Universe"

Ola Englund " Master of the Universe" Suecia Metal Progresivo 2019
1. Pizza Hawaii
2. Cerberus
3. Solar, Pt 1
4. That Youtube Song
5. Solar, Pt 2
6. Slutet på skivan

Ola Englund: Guitarra, Bajo
Delta Empire: Batería
Jonas Kullhammar: Saxofón

Ola Englund es un músico muy respetado a nivel internacional. Músico, escritor y productor, lejos quedan los tiempos cuando este guitarrista empezó con la banda Subcyde de Thrash Metal. Tiene una banda llamada Feared de Death/ Thrash bien valorada por el público pero sin duda es conocido por ser el guitarrista de Six Feet Under durante un año, con ellos saco el álbum Unborn. Esta ahora mismo en la banda Haunted y toca en los directos con los At The Gates, un guitarrista muy valorado.
Empieza su carrera instrumental, siempre quiso sacarse un álbum instrumental y orientado hacia el progresivo. Hoy vamos a comprobar la magia de este músico alejado de su habitat natural que es el Death, Groove, Thrash...etc.
Pizza Hawaii es simplemente maravilloso. Empezando por su faceta acústica que dota al tema de una paz maravillosa y de una melodía intensa pasando por una distorsión en la guitarra que se acerca al Stoner/ Southern Rock, jugando con diversos ritmos y con un solo técnico y melódico.
Dos músicos de sesión le acompañan en esta nueva aventura que realizan un buen trabajo aunque el protagonista absoluto es Ola. Cerberus arranca con ritmo acústico de nuevo para luego buscar un Groove mezclado con Death and Roll, un sonido al que estamos muy familiarizados pues es lo que lleva haciendo toda la vida, ojo a los cambios de ritmo tan violentos de este tema.
Solar Pt 1 es un tema de 11 minutos de duración que tiene un trabajo que le acerca al Jazz Fussion mezclado con el Ambient, suavidad y experimentación absoluta, de nuevo vuelve a destacar esa guitarra acústica, desde luego es un todoterreno.
That Youtube Song es una muestra de fortaleza absoluta. En este caso trabaja menos el acompañamiento rítmico aunque tira de Groove para darle energía al tema. Destaca por encima de todo el solo de guitarra tan épico y oscuro que se marca que me recordó a los últimos tiempos de Sentenced.
Solar Pt 2 es muy similar al anterior tema, de nuevo otros 11 minutos de muy buena música. El Jazz Fussion vuelve a estar mas presente que nunca. En esta ocasión con solo de saxofón incluído, el protagonista y el invitado que orienta su música hacia una nueva dirección.
Slutet på skivan es el tema que cierra el disco y no lo puede hacer de manera mas elegante. Piano para dotar al tema de nostalgia y lentitud, melancolía en estado puro. La guitarra no se hace de rogar y cae una lluvía de riffs en distorsión con un trabajo técnico en la batería que acompaña, siempre con ese toque progresivo en la guitarra y la mezcla con el Death/ Groove sueco de toda la vida, excelente.

Feeling: 3/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 4/5
Producción: 4/5

Puntuación: 8/10


Seventh Son " Arc of Infinity"

Seventh Son " Arc of Infinity" Japón Heavy Metal 2019
01. In Your Heart
02. Behind Their Smile
03. Silent Truth
04. Camellia
05. Eternal Spiral
06. Blaze in the Dark
07. Master
08. Children of the Earth
09. Fallen in Love
10. In My Heart

Yoshiyuki Suzuki: Bajo
Tai Syouda: Batería
Yasumoto Otani: Guitarra
Yasuhiro Yamazaki: Cantante


Seventh Son es una banda poco conocida en Japón y mucho menos en el resto del mundo, pese a sus 19 años de carrera. Hay que entenderlo, son de Tokyo, llevan 19 años en esto y han publicado tres demos , un split y un ep, este es su segundo larga duración que sale publicado por uno de los mejores sellos japoneses del momento, Black Listed Productions.
La competencia es feroz en Japón, aquí se lleva la cultura del esfuerzo por lo tanto el fan no concibe eso de escucharse el álbum por Spotify sin comprarlo, deberíamos aprender mucho de los japoneses de su cultura del esfuerzo, de su elegancia y respeto y también de su amor por la naturaleza.
In your Heart es un tema elegante, quizás su cantante que tiene una tonalidad muy aguda se nota forzado en muchos momentos del tema y sufre pero es un tema que se mueve entre el metal melódico y el progresivo mas blando, con elementos de Queensrÿche.
Behind their Smile tira de un Groove que le sienta como un tiro al tema y tampoco aporta nada ese sonido de batería tan blando. A medida que va avanzando el tema se decantan por ese metal melódico acelerado pero con sonido clásico que recuerda a Dio, Riot V y por supuesto a los Loudness.
Silent Thruth es una especie de balada que acaba abriendo y se pasa al Hard Heavy, la parte de balada sin sentimiento, la parte metalera sin fuerza alguna con un ritmo de batería que ya lo catalogo como amateur, no están al nivel de un buen estribillo y un buen solo de guitarra.
Camellia si que es una balada en toda regla, muy al estilo japonés, rozando el Pop, por fin el cantante encuentra un traje a su medida, balada previsible pero al menos con cierto sentimiento. Eternal Spiral es el tema que mas destacaría de este trabajo por diversas razones. Primero por su clasicismo y es que es un simple Hard Heavy que recuerda en todo a los Riot  de Mark Reale y segundo a los Vanderberg y esos refrescantes tres álbumes de Hard Heavy melódico que sacó esta banda holandesa a inicios de los ochenta que fueron venerados en Japón y algunos situaron a la altura de los MSG.
En el trabajo de las guitarras tienen todo ese sonido que paseo por el mítico Budokan en los ochenta: quieren sonar a: Randy Rhoads y Ozzy en las partes mas violentas, quieren la atmósfera épica y elegante de los Black Sabbath en la era Tony " The Cat" Martin, quieren la energía de Vivian Campbell cuando estaba en Dio. Quieren también la magia de Loudness, la esencia del British Steel de los Judas Priest y sobre todo buscan el trabajo de guitarras de Dokken, MSG, Ufo, Vanderberg y Quiet Riot.... sencillo.
Blaze in the Dark es un estribillo con esencia de los Helloween.... Master es una balada calcada a cualquiera de Scorpions en sus tiempos de gloria. Se obsesionan quizás demasiado con buscar la replica perfecta al legado de los ochenta, el tema con mas gancho sin duda alguna es Children of the Earth aunque de personalidad tampoco va sobrado.
Lástima ese trabajo tan flojo en la base rítmica y esa carencia de ideas propias pues es una banda que tiene bastante gancho compositivo, pero si no son muy conocidos en Japón es porque hay bandas muy superiores a esta, en este país la competencia es total, a cada banda es mas buena que la anterior. Otro problema de los Seventh Son es que se olvidan del progresivo y se centran en un Rock/ Metal blando elegante, pero ejecutado de forma algo pobre y sin creatividad alguna.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 5,75/10