Helevorn " Aamamata"

Helevorn " Aamamata" Doom Gótico España 2019
01. A Sail to Sanity
02. Goodbye, Hope
03. Blackened Waves
04. Aurora
05. Forgotten Fields
06. Nostrum Mare (Et deixo un pont de mar blava)
07. Once upon a War
08. The Path to Puya (feat Heike Langhans)
09. La SibilВ·la

Xavi Gil: Batería

Samuel Morales: Guitarra

Josep Brunet: Cantante

Enrique Sierra: Teclados, Piano

Samuel Vizcaío: Guitarra

Guillen Calderon: Bajo

Esta es una banda que no suele salir en los medios, no me preguntéis porque pues no conozco la respuesta. Solo sé que es una de las pocas bandas españolas con éxito internacional, de las pocas digo, no porque haya pocas con calidad sino porque hay muy pocas que tengan esa suerte de encontrarse un promotor, un sello, una promoción, tener a los medios metaleros de su parte, que su trabajo les permita viajar.... son tantas cosas....El caso es que siempre se habla de las mismas bandas de siempre en los medios y por ejemplo los Helevorn van a realizar un tour por tierras canadienses, me pregunto ¿ Quién logró eso?

En el 2007 ya habían girado por toda España esta banda mallorquina, en el 2009 ya habían trabajado con el productor de Katatonia para su segundo álbum y habían realizado un tema tributo a esta gran banda y fichado por un sello ruso y han tocado en diversos festivales de Europa.

Ellos, obviamente, enfocan su carrera con vistas al mercado internacional y no al nacional como es obvio, como te hacen muchísimas bandas, ya solo pensando en las bandas de metal extremo que es donde está la calidad real en este país, pues citaría a Wormed y Balmog.

A Sail to Sanity es el primer corte, nos vamos a encontrar un tema bastante previsible pero bien ejecutado aunque me queda claro desde un primer momento que la banda busca un sonido mas oscuro y atmosférico y épico, la verdad es que hay muy poco riesgo, las cosas como son y siguen una línea continuista pero es que les va muy bien. Goodbye, Hope lo tiene todo y es el primer tema de Gótico real. Una melodía apagada con piano y teclado para recrear esa atmósfera creciendo poco a poco en intensidad gracias a la entrada de la guitarra y el paso de la voz melódica a la gutural.

Blackened Waves tiene ese trabajo en la distorsión de la guitarra que tanto se lleva hoy en día y que recuerda a bandas suecas como Nox Aurea o los Draconian. El acompañamiento al teclado es muy cinemático y mas que épico yo diría comercial y melódico pero yo me quedo con el trabajo de la guitarra, siempre potente y vistoso.

Una cosa, si empiezan a ser reconocidos a nivel internacional será por algo y lo demuestran en Aurora, tienen calidad para dar y regalar. El ritmo tribal de la batería es hipnótico, esos elementos étnicos en las voces y en la guitarra rítmica les queda bien para luego buscar un cambio de ritmo a medio tiempo muy Groove y sinfónico con toda la teatralidad del mundo, imposible no acordarse de los Therion en sus mejores tiempos.

Forgotten Fields sigue sumando en positivo gracias de nuevo a lo vistoso y técnico del trabajo de batería, suele ser un elemento que pasa desapercibido pero en grandes bandas hay que valorar siempre los detalles mas nimios y los ritmos de batería son poderosos y dinámicos y le dan un extra de calidad a los temas, en la parte mas melódica y sinfónica el tema no me dice nada pero en la parte de guitarra tiran de un Melodeath muy melancólico y gélido que me alegra el oído y me recuerda a los Sentenced.

Nostrum Mare (Et deixo un pont de mar blava) es un corte que arranca con atmósfera recreada a golpe de teclado y acompañamiento de piano para un ritmo suave donde voces habladas se van colando en el tema. para mi gusto se hace muy pesado el tema y tarda un siglo en arrancar, tan solo valorable la parte acústica del tema, cuando se ponen sinfónicos pierden un poco la esencia. 

Pero entienden de mezclas y después de un tema así hay que meter algo de electricidad y eso llega con Once Upon a War de nuevo excelentes en cuanto a los ritmos de guitarra se refiere. Hablemos del tema The Path to Puya que es un corte que roza los ocho minutos y medio de duración, como todas sus composiciones no se hace larga nunca, perfectamente equilibrada la estructura y quizás con exceso de maquillaje porque para esta ocasión han querido sonar mas teatrales que nunca. Finalizamos de forma pausada con la Sibil-la, interesante tema acústico con ligero acompañamiento sinfónico. Nadie les regalo nada y siguen conquistando metas a nivel internacional gracias a su calidad , tienen una carrera muy regular.

Feeling: 3/5

Originalidad: 3/5

Técnica: 4/5

Producción: 3/5

Puntuación: 7,5/10

Heavenger " Years of Hate"

Heavenger " Years of Hate" Heavy Metal Brasil 2019
1. Against my Doom
2. Apogee in the Zodiacal Circle
3. Forestate of Blood
4. Have for Revenge
5. Inquisition
6. Insanity Place
7. La Vengeur
8. Red Alert
9. Slave to my Sins
10. Thunder my Place

Sidney de Jesus: Bajo
Sidney Nonato: Batería
Caio Garibaldi: Guitarra
Anderson Olire: Guitarra
Helio Junior: Cantante

Desde Sao Paulo nos llega el debut de los Heavenger, una banda de creación reciente por unos músicos con cierto peso en la escena metalera underground de esta preciosa ciudad de la que tantos álbumes ya os hemos reseñado, siempre a muerte con el metal en Brasil.
Ellos tienen un a cuenta en Soundcloud donde se pueden escuchar sus demos y después en Spotify han subido su primer álbum ( la portada lo dice todo, esto es true metal amigo) Pues de eso va esta lección, te sientas en el banquillo y los Heavenger te recitan la biblia desde el primer versículo, aquí aparecen todos los apóstoles del Heavy Metal y también las divinidades.
Against my Doom tiene un cambio de ritmo donde aparece el primer apóstol del metal, Randy Rhoads que revolucionó la técnica del metal en los ochenta, primer versículo leído, amén. Apogee in the Zodiacal Circle, alumnos abran la lección por el segundo capítulo, Iron Maiden y los pasajes progresivos a golpe de bajo combinado con pasaje oscuro en la base rítmica a golpe de Us Power/ Thrash.
Lección tres: Forestate of Blood, Speed Metal , la verdadera esencia del metal mas genuíno de los ochenta. Lección cuarta y aquí ya tomamos conciencia de que existe algo que organiza el cosmos, se llama Judas Priest padres y creadores del metal con Have for Revenge y sus juegos entre los dos guitarristas hacen referencia a los maestros absolutos de este estilo.
Inquisition es un tema con una estructura muy a lo Iron Maiden, lo típico del metal brasileño, involutivo y todo pasión. Nada que ver con lo que se hace en Europa donde se busca hoy en día un metal de mezclas y alternativo. Nueva lección: la melodía y la Nwobhm, con esto ya se leyeron todos los versículos del metal, no cabe duda. Slave to my Sins es ese tema donde surge la melodía de la Nwobhm en su versión mas oscura, tampoco la melodía es lo suyo pues desarrollan una base rítmica que roza el Us Power/ Thrash americano de los ochenta y suelen acelerar siempre la maquinaria pasándose al Speed como demuestran una vez más en La Vengeur por ejemplo.
Lo típico del metal brasileño, nada innovador pero es pura pasión. Es coger la biblia del metal e ir versículo a versículo recitándolo. Con pasión desgarrada, creyendo ciegamente en el metal y devolviéndole toda la dignididad, es Brasil, que os puedo contar de este país, pues que todo lo que hacen lo hacen con el corazón y esa es la principal diferencia entre el metal en Brasil y el metal en otras regiones, no tiene nada que ver y por eso ofrecemos tantas reseñas de bandas brasileñas porque tienen ese punto emotivo que no te vas a encontrar en ningún otro sitio.
Excelente debut de Heavenger para amantes del sonido ochentero a tope con una base rítmica muy agresivo, con unos solos potentes y agresivos y una oda al Us Power Metal, el Speed Metal, un poco de Maiden un mucho de Judas Priest, emotivo debut.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

Khnvm " Foretold of the Monuments of Flesh"

Khnvm " Foretold of the Monuments of Flesh" 2019 Death Metal Alemania
1. Foretold Monuments Of Flesh
2. Invocato Deo Plaga
3. Heathen Beast
4. Sic Mundus Creatus Est
5. Profaning The Ancient Rites
6. Gutted To The Bone
7. Kabbalah Of Darkness

Obliterator : Guitarra, Bajo, Cantante
Krzystof Klingbein : Batería
Erik Wel : Batería

Se trata de una dupla musical entre un músico procedente de Alemania y otro de Bangladesh que recrean un Death Metal recomendado para fans de: Morbid angel , immolation, suffocation , sinister , severe torture , dead congregation , churchburn , sanguis imperem , obliteration , master , protector , monstorsity , terrorizer... ya pongo las cartas sobre la mesa.
Su álbum de debut, el 1 de marzo a través de Testimony Records. Foretold Monuments of Flesh tiene un cambio de ritmo con un ritmo tribal en la batería y un riff atmosférico con mucha distorsión que es el momento mas logrado de todo el tema, como van ganando en intensidad con la esencia del Thrash en la base rítmica.
Blast Beats que aunque no suenen excesivamente poderosos ni técnicos si que aportan energía al tema Invocato Deo Plaga aunque es el riff de la guitarra con su ritmo frenético y sus constantes cambios de ritmo el gran protagonista. Heathen Beast es un tema que va de menos a mas con ese toque oscuro de Groove y tirando de platillo, siempre con muy buenas maneras y esta ocasión pasándose a un Brutal Death que recuerda a los Suffocation pero sin tanta técnica claro está, jugando con los cambios de ritmo y el medio tiempo que se les da bien.
Para los amantes del Death mas primitivo y oscuro que tanto recuerda a los Morbid Angel tenemos el tema Sid Mundus Creatus Est. Mucho mas violento y agresivo es Profanin the Ancient Rites que no te da tiempo ni a respirar, sin pausa. Muy logrado esas aceleraciones frenéticas marcadas por el bajo que le dan un aire oscuro y hasta psicodélico al Death metal primitivo de esta nueva banda que a buen recaudo van a ser conocidos en un breve espacio de tiempo.
Entramos en la recta final del álbum con Gutted to the Bone que es un tema con una atmósfera de Black que recuerda a los Sinister, tienen los mecanismos muy bien aprendidos y un estilo que suena muy oscuro y sobre todo con carácter donde han trabajado con especial mimo la base rítmica.
Kabbalah of Darkness es el tema que cierra el álbum y lo van a hacer muy acorde a los tiempos que corren en este estilo musical. Con mucha atmósfera y con un riff lento y limpio que genera esa tonalidad oscura que hace que funcione con cambio de ritmo a golpe de blast Beats, gran tema. Una banda de Death Metal con un sonido crudo que va a gustar mucho por la calidad de sus composiciones, por las referencias citadas y sobre todo por su contundencia a todos los niveles.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,75/10

Abstracto " Abstracto"

Abstracto " Abstracto" Heavy Metal España 2019
01. Mentiras
02. Intocable
03. En tu ausencia (feat. José Broseta & Opera Magna)
04. Demonios
05. Corazones de Piedra (feat. Teresa Broseta)
06. El Sentido de la Vida
07. Payaso (feat. Teresa Broseta)
08. Septiembre

Alejandro Soria: Guitarra
Julio Pérez: Guitarra
Rafa Navarro: Cantante
Dario Montaña: Bajo

Es una nueva banda de metal melódico que cuenta con la colaboración de los hermanos Broseta. Mentiras es el típico metal al galope con mucha melodía que a mi me recordó a Ankhara y sobre todo a todo el metal que se hace en la zona del Levante, muy melódico y donde destaca el buen papel de su cantante.
Intocable es un nuevo tema al galope pero esta vez con groove y mas distorsión en la guitarra y algo mas de chispa en los ritmos de la batería. No cuaja el tema ni el riff es acertado pero sobre todo el estribillo y el intento de pasarse a algo melódico no cuaja, lo alargan sin ninguna necesidad y tratan a toda costa de sonar a lo Saratoga.
En tu ausencia es un tema donde colabora Jose Broseta, cantante de Opera Magna. Buen acompañamiento acústico en el tema y va cobrando en intensidad poco a poco con el típico sonido de la Bay Area, hasta apostar por ese Heavy/ Groove muy a lo Saratoga pero con muy buenos e intensos momentos a la guitarra, diría que es el primer gran tema del álbum.
Demonios tiene una esencia mas rockera y el estribillo tiene cierto gancho pero en cuanto a desarrollo instrumental pues es mas discreto pese al intento de generar esa corriente rockera y básica, en los solos de guitarra, cumplidores sin mas historia. Un poco de Thin Lizzy, un mucho de Iron Maiden y un todo de Ankhara, Azrael, Saratoga, Tierra Santa y Avalanch.
Corazones de Piedra es un tema para Teresa Broseta, la hermana de José Broseta que es la cantante de Quelonio. Le ponen a su disposición el tema mas agresivo de todo el álbum, mucho groove, un solo atmosférico y ese Power Groove de toda la vida al galope con voces dobladas en el estribillo en un canto antibelicista.
El sentido de la vida añade ritmo y aceleración y la esencia del Power Metal, un solo de guitarra elaborado pero que no transmite pasión alguna, parece introducido con calzador. Payaso es un tema cantado por Teresa Broseta con su colaboración en los coros en esta ocasión pues el peso del estribillo lo lleva entero el cantante de los Abstracto, el señor Rafa Navarro que tiene una voz muy emotiva que os recordará a muchos mitos del Power nacional, el típico tema con aceleración y doble bombo, muy visto.
Finalizamos con Septiembre con un ritmo algo mas complejo y buscando un cambio de ritmo melódico donde el bajista apuntala muy bien el riff melódico, tiene buenos momentos este último tema. Me falta pasión y garra en los solos de guitarra, a la vez siento que la propuesta de Abstracto está muy vista y es excesivamente previsible sobre todo en los momentos de Power Metal, es el problema de siempre, hay cientos de bandas con este sonido, en cambio en esos momentos rockeros tienen cierta chispa, hacen buenos estribillos y cuentan con un gran cantante, buen hacer en líneas generales.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción. 3/5

Puntuación: 6,5/10

Evnen " Act II"

Evnen " Act II" Death Metal España 2019
01. Perfidia
02. Falling Into Darkness
03. Angelus Infernalis
04. Thousand Tears
05. Eternal Kingdom
06. Beyond the Dark Light
07. Signati

Daniel Aparicio: Bajo
Yann: Batería
Diego Pérez: Guitarra
Jordi Rodriguez: Guitarra
Jonathan Plaza: Cantante

Evnen es una banda de Barcelona creada en el 2014 y que debuto al año siguiente con un Ep de título Act I, varios años después vuelven a la carga con su primer larga duración, Act II. Es una banda de Death Metal pero lo que mas destaca de ellos es su melodía. Perfidia es un tema que arranca con un ritmo acústico melódico que cuando llega la hora de la aceleración y de la guitarra eléctrica, retoman ese ritmo.
Falling into Darkness trata de generar una atmósfera y vuelven a tirar de una aceleración, un tema bastante convincente. Sobre todo por sus cambios de ritmo con mucha carga Thrash y generando una buena atmósfera, nada técnica pero si solvente y bastante oscura, recuerda un poco a Hipocresy por momentos. Un tema con una estructura mas compleja que funciona.
Angelus Infernalis le van a intentar dar en ese tema un ligero toque sinfónico al Death sin mojarse demasiado, todo sea dicho. Muy bueno el papel del cantante en este tema, se desgañita en cada estrofa y generan un riff con cierto aire oscuro que le da cierta potencia al tema.
Thousand Tears es un tema que roza los seis minutos de duración. con un ritmo mucho mas claro y contundente en la batería, tirando de Blast Beats y generando un medio tiempo en el estribillo con unos riffs con cadencia y que generan de forma natural ese Death con ligero toque sinfónico tan épico y cambios de ritmo que se acercan al Death melódico de los In Flames en sus inicios.
Eternal Kingdom sigue sumando en positivo. esta vez aparece el Groove y desarrollan el tema con su aceleración y ese pequeño destello épico en el trémolo de la guitarra, quizás previsible pero bien ejecutado. Beyond the Dark Light tira de Blast Beats y de un ritmo en la guitarra muy épico y a la vez melódico, que es la principal baza que juegan durante todo el álbum, un cambio de ritmo simple al que le falta agresividad y de nuevo que vuelven a las raíces del Death escandinavo mas melódico, en esta ocasión, ese paso al Death sinfónico si que lo dan gracias a la labor del guitarrista solista.
Finaliza el trabajo con los siete minutos de Signati. Un tema que quizás contengan el riff mas atmosférico de todo el trabajo, el mas técnico y con una sección de doble bombo para después buscar los cambios de ritmo de siempre de esta banda con sus aceleraciones. Funciona en todo momento este trabajo y hacen un Death bastante genérico pero aún así con personalidad y no encuentro parecido con otra banda nacional y ese es positivo.
https://evnen.bandcamp.com/album/act-ii
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

Guillotina " Guillotina"

Guillotina " Guillotina" Death Metal España 2019
1. La cuna de Judas
2. El toro de Falaris
3. La Garrucha
4. Guillotina

Este es un quinteto procedente desde Barcelona que debuta con esta demo grabada a finales del año pasado y editada a principios de este, se trata de un Death Metal de lo mas arcaico y jurásico. La Cuna de Judas es un tema que arranca como un medio tiempo de Death/ Thrash con un cambio de ritmo veloz donde el Punk se cuela como invitado, suenan tan primitivos que por momentos recuerdan a los Cancer entre otras muchas bandas. Pese a su extrema sencillez compositiva tienen algo en sus composiciones que te atrapa sin remedio.
El toro de Falaris vuelve a tener ese disfraz, esa mutación que hacen del Death al Punk pero yo diría que mas que mutación, la verdadera esencia de esta banda es el Punk y el DBeat y que la atmósfera tan rancia que hay en todos sus temas es de Death en este caso logran un medio tiempo bastante oscuro donde el matiz técnico lo introduce la batería.
La Garrucha son tres minutos directos al grano. De nuevo una sección rítmica que va acelerando poco a poco el tema y los típicos cambios donde se introduce el riff acelerado y el D- Beat, siempre con esencia Punk. Tienen un poco el sonido de los Machetazo en sus inicios por buscar una comparativa. Le veo futuro a los Guillotina.
Finalizamos con Guillotina en este tema ya lucen mas galones y se ponen el traje de banda de Death Metal, por primera vez generan una atmósfera cosa que no habían logrado en los tres temas anteriores. Nada técnico pero suena solvente y le da un plus al tema.
Es muy poco para juzgar a los Guillotina pero esta banda catalana nos regala un poco de Death, un mucho de Thrash y todo de Punk y suena bien y con ganas de algo mas elaborado en una próxima ocasión.
https://guillotina.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Scarlet Bullet " Historias de miedo I"

Scarlet Bullet " Historias de miedo I" Heavy Metal Colombia 2019
1. En el año 1581
2. La mujer de los sueños
3. Infierno
4. Sangre, Odio y Pasión
5. Eterno Amar
6. El Fruto
7. Pierrot y Abrahel
8. En Soledad
9. Resurrección
10. La mujer de los sueños ( acústica)

Santiago Cortes: Bajo
Edisson Dueñas: Batería
Johan Acevedo: Guitarra, Cantante
Andrés Aldana: Guitarra

Se trata de una banda de Bogotá que debutó en el 2011, pese a sus historias de miedo ( satanismo, apariciones demoníacas...etc) es una banda melódica que gustará a fans de Rata Blanca por ejemplo. Este es su álbum de debut. La mujer de los sueños trata de ser un tema de metal melódico y sinfónico con toque neoclásico a lo Yngwie y Rata Blanca, digo que trata porque no lo logran porque falta ténica en el trabajo de la guitarra y aún así logran tener cierta melodía y echarle clasicismo y ganas, destaca sobre todo el papel de su cantante, bastante bueno y es un tema que a los fans del metal en España pues les va a gustar, porque tiene cierto toque a Medina Azahara.
Infierno arranca con Shred en la guitarra y se instala luego en el típico ritmo de neoclásico melódico que te hace tanto Giardino, Axel Rudi Pell... tiene cierto encanto este tema y de nuevo nos hace viajar a los ochenta, sobre todo gracias a su labor en los teclados que a mi me recordó a los españoles Santa de la gran Azucena.
Sangre, Odio y Pasión contiene el riff mas pesado y contundente del trabajo, las bandas colombianas y su pasión por el metal clásico de los Judas Priest, quizás es una lástima el acompañamiento a los teclados y el rumbo que toma el tema, muy Aor porque pedía otra cosa el tema.
Eterno Amar es la balada que va de menos a mas en intensidad y que presenta el típico cambio de ritmo para su posterior aceleración donde nos encontramos con los dos ingredientes básicos para que el producto salga a flote, no son otros que un estribillo tatareable y un solo de guitarra potable, solo con eso ya sacas un tema adelante, tienen melodía.
De nuevo le vuelven a echar esa dosis extra de neoclásico a la composición de las guitarras en El Fruto para buscar un cambio de ritmo algo brusco y pasarse al Speed Metal donde se le ven todas las costuras, pues ni tienen una base rítmica potente, técnica ni nítida ni tienen agresividad alguna, no es lo suyo pero tratan de darle variedad al álbum.
Quizás la construcción mas compleja sea Pierrot y Abrahel y se agradece pues los anteriores temas pecaban de conformistas, tratan de darle una atmósfera mas oscura y sobre todo hay un trabajo de guitarra mucho mas elaborado. En soledad es una balada muy plana, bonita si pero plana porque es previsible al máximo. Muy Rainbow, después vendrían imitadores como Rata Blanca o Axel Rudi Pell que siguen componiendo este tipo de baladas.
Resurrección es un tema de ocho minutos con mas tonalidad grave en la guitarra y forma elegante de acabar con una balada acústica a lo Sangre Azul en la mujer de los sueños, lo mejor del álbum sin duda alguna. Hacen algo muy similar a Rata Blanca que te hacen muchas bandas pero su cantante, sus buenos solos, pese a su sencillez el álbum es bastante ameno.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6/10

Katechon " Sanger fra Auschwitz"

Katechon " Sanger fra Auschwitz" Noruega Black/ Death 2019
1. Fotspor
2. Eloi
3. Renselsen
4. Ankomst
5. Mørkets hjerte
6. Tre Horder
7. Davids skjold
8. Umhelich

LRB: Bajo
Broholt: Guitarra
Wullum: Cantante
Krabol: Batería

Trodheim es una ciudad noruega de la que han salido muchos mitos de la escena del Black Metal nórdica y los Katechon, pese a que es una banda creada en el 2011 está formada por miembros de dilatada experiencia en la escena que provienen de bandas como: Gangrenator, Killing for Company, Sarke o Sküll. Este es su tercer larga duración que sale a través del sello Saturnal Records el 1 de marzo, un álbum dedicado al mayor infierno que hubo en la tierra, el campo de concentración de Austwitz, para vergüenza de la humanidad que lo permitió.
Fotspor pone la brújula hacia el infierno con buen hacer, esa atmósfera difuminada buscando un horizonte donde el Black y el Death se dan la mano. Eloi es un tema con el cual obtenemos los primeros blast beats del álbum. Buena voz de su cantante y riffs potentes y estridentes con una tonalidad muy aguda de la vieja escuela, nada técnico y buscando ir al grano en todo momento, una oda al clasicismo de este estilo.
Renselsen arranca como un medio tiempo con un riff que genera cierta atmósfera, siempre de forma natural y con tonalidades oscuras para buscar la aceleración está vez con mucho platillo de por medio y siempre tirando de distorsión, mas complejo en su composición y con una base rítmica con esencia Punk.
La mejor labor en la distorsión se la lleva el tema Akomst, está tan potenciada que roza el Sludge pero la base rítmica le da un toque adictivo que lo que hace es dinamizar el ritmo. Turno para Tre Horder que va creciendo en intensidad poco a poco, un medio tiempo con un Black mucho mas espeso y ancestral que los anteriores temas, muy en la línea de bandas como Death Karma.
Davids Skjold es un tema directo al grano, con una base rítmica de Speed Metal y una ejecución de Thrash, el ritmo ya está marcado desde el inicio y en la batería apuntalan muy bien el tema con energía. Finalizamos con los siete minutos de Umhelich que es el único tema que es realmente diferente en su esquema y en su ejecución. El bajo se erige como protagonista con un ritmo amplificado y lento que sigue dentro de esa atmósfera tan fea que recrean durante todo el álbum dando una sensación de álbum conceptual que viaja en espiral, siempre acabas en el mismo punto de partida.
Katechon es una banda que apuesta por cambios de ritmo bruscos y acelerados y combinarlos con pasajes lentos de Death con una atmósfera muy oscura. Sabes siempre lo que te vas a encontrar en sus álbumes pero a la vez nunca defrauda.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

DunkelNacht " Empires of the Mediocracy"

DunkelNacht " Empires of the Mediocracy" Black Metal Francia 2019
1. Relentless Compendium
2. Servants
3. Eerie Horrendous Obsession
4. DunkelNacht - Amongst the Remnants of Liberty
5. Verses and Allegations
6. Empires of Mediocracy
7. The Necessary Evil
8. Non Canimus Surdis

Heimdall: Guitarra, Programación
Alkhemohr: Bajo
Abagor: Cantante
Tegaarst: Batería

Un poco de Black galo. Son los Dunkelnacht, banda que empezó su carrera en Lille en el 2004, sus inicios enmarcados dentro del Black ambiental, proyecto creado por Heimdall que es su cabecilla. Sus inicios fueron duros, varias demos y algún split hasta que decidieron cambiarse de estilo y pasarse al Black Metal. Sus letras giran entorno a la crítica contra la religión . Nos ofrecen en esta ocasión su tercer larga duración que sale a través del sello Non Serviam Records.
Relentless Compendium tiene un inicio machacón con un groove tan crudo y pesado que resulta adictivo y roza el Death por momentos hasta que aparece un solo melódico muy apagado, algo muy típico del Black francés, nada que ver con el nórdico.
Interesante banda con numerosos cambios de ritmo como el que presenta Servants, está vez con un ritmo mas veloz pero sin apostar claramente por los Blast Beats y dotando a la base rítmica de ritmos bastante técnicos con una progresión en los riffs al alcance de pocos.
Conservan de sus primeros tiempos ese toque ambiental y esa melodía en forma de cascada en los riffs de las bandas galas de Black, muy profusas a la mezcla del Black con otros estilos y recreando bellas melodías con energía como la de Eerie Horrendous Obsession.
DunkelNacht - Amongst the Remnants of Liberty en cambio es un tema de la vieja guardia. Tiene un ritmo de Black/ Thrash acelerado que recuerda a Marduk, solo que esta banda francesa produce unos cambios de ritmo siempre atmosféricos y mucho mas creativos, buscando siempre el medio tiempo machacon.
Verses and Allegations arranca con un trémolo muy violento de Blackened Death que en un torrente de notas va progresando y con diferentes tonalidades logran de forma sencilla darle vidilla al tema para luego buscar su firma que siempre llega con unos cambios de ritmo frescos.
Empires of Mediocracy es el tema que le da título al álbum y de nuevo rozando el Brutal Death, no sienten vértigo al cruzar el charco porque la esencia de Black Metal, eso sí, siempre con elementos progresivos, no la pierden nunca.
The Necessary of Evil es uno de los temas mas épicos de todo el trabajo, siempre logran ese riff que hace que el tema resulte explosivo. Con Non Canimus Surdis le ponen el broche al trabajo, es una especie de outro o de despedida atmosférica.
Técnica, mezcla eficiente entre Black, Death, Brutal Death con bastante técnica, riffs atmosféricos, no exentos en ocasiones de melodía, bastante completos y muy en la línea de la escuela gala, no te voy a decir que son tan creativos como los Deathspell Omega pero si que resulta adictivo todos esos temas gracias a un buen trabajo a todos los niveles.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 4/5

Puntuación: 7,75/10

Prophecy " Twisted Reality"

Prophecy " Twisted Reality" 2016 Thrash Metal Dinamarca
1. Twisted Reality
2. Condemned to Insanity

Nikolay Atanasov: Guitarra
Dennis Stromberg: Cantante
Nicklas Karstensen: Bajo
Dennis Kruse: Batería

Una banda danesa creada por el guitarrista Nikolay Atanasov de puro y primitivo Thrash Metal. Banda creada en Aulum en el 2016, tienen un total de tres demos. Esta en concreto seguramente sea la mas lograda, muy buena producción por cierto.
Twisted Reality es un medio tiempo que se acaba acelerando con un ritmo de batería nítido y potente y unos riffs correosos que me recordaron a los Artillery en sus buenos tiempos. Llama la atención la voz grave de su cantante Dennis Stromberg. Buscando siempre los cambios de ritmo y las aceleraciones combinadas con los medio tiempos y cambiando ligeramente el ritmo de batería para lanzar un solo de guitarra solvente en el tramo final del tema.
Vamos con el segundo tema de este trabajo, Condemned to Insanity también de una duración muy similar al anterior tema, rozando los seis minutos de duración. Es un corte que arranca con un ritmo veloz y el bajo marcando el ritmo en todo momento, acelerándose y sonando primitivo a partes iguales. Siempre con ritmos aguerridos y con cadencia que llevan el tema en volandas, sencillo pero suena aplastante. El solo de guitarra es mas elaborado que el del anterior tema, con una orientación musical mas elaborada que introduce cierta atmósfera.
Una voz mas típica del Black o del Death que del Thrash, unos ritmos primitivos que nada tienen que ver con el típico Thrash de la Bay Area, mas bien con bandas mas oscuras como pueden ser los Dark Angel, Hobbs Angel of Death, Iron Angel, Kublai Khan...etc. Te quedas con ganas de escuchar más.
https://prophecythrashmetal.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

3rd Stage Alert biografía

Una banda completamente olvidada por la gran mayoría del público que merece la pena recordar pues por esta banda pasaron grandes músicos que todo el mundo conoce. Banda creada en Los Ángeles en 1982 cuyo período de actividad se estira tan solo hasta 1985.
Basicamente han aparecido en los siguientes recopilatorios que paso a citar:

 "Mind Invader" on Metal Massacre II (Metal Blade, 1982)
- "Mind Invader" on Metal Massacre II + III (Metal Blade, 1983)
- "Mind Invader" on Metal Massacre Limited Edition Picture Disc Box (Metal Blade, 1984)
- "Adagio (For a Dead Soldier)" on Heavy Metal Warriors (Far East Metal Syndicate, 1987)
- "Metal Invader" on Grim Harvest: Complete Metal Massacre Volumes I-XII (Metal Blade, 1998)
- "Superstar" on Metal Blade: Goldmine's Taste of Metal (Metal Blade, 1999)

A parte de estos recopilatorios, cosa que era muy normal en esta época donde aún se vendían los discos y no existía el pirateo, la banda grabó un único ep a través de Metal Blade Records en 1984 de título homónimo que paso sin pena ni gloria.
Los integrantes de esta formación eran: el bajista Ron Murray que paso por las filas de Steeler ( la banda de Ron Keel) Mark Edwards a la batería, impresionante su hoja de servicios: Lion del 85-90, Steeler del 82-83 y los Riot del 86-87. El resto de músicos: Al Morris a la guitarra solista, Giulio Lomma a la guitarra rítmica y Dave Drury al micro, no se les conoce actividad musical posterior, lo dejaron en 1985 al no renovar su contrato con Metal Blade Records.

Le Trou

Francia 1960. Director: Jaques Becquer. Guión: Jose Giovanni. Música: Philippe arthiys. Fotografía: Ghislain Croqait. Prodcutora: Filmsonor. Reparto: Philipe Neroy, Marc Michel, Michel Constantin, Jean Keraudy, Raymond Meunier, André Bervil.
Sinopsis: Manu, Roland, Jo y Vosselin comparten celda en la prisión francesa de La Santé. Los cuatro han pensado un elaborado método para escapar de la prisión, pero cuando están a punto de ejecutarlo, les asignan un nuevo compañero de celda, al que no saben si comunicarle o no sus planes. (Becker murió antes del estreno de esta obra maestra que culmina su breve carrera (1942-1960), formada por una docena de películas que en vida no le dieron mucha gloria: sólidas, clásicas, repletas de recursos, serias y sin grandes audacias.
En los años finales coexistió con Bresson y el caldo de cultivo de la Nouvelle Vague: ‘Cahiers du cinéma’ y otros gérmenes. No adoptó ningún vanguardismo pero sí entró en diálogo explícito con el Bresson de “Un condenado a muerte se ha escapado” (1956).

Igual que Bresson, Becker se basó en un libro testimonial, en este caso una novela de José Giovanni, quien participó en los hechos narrados, de 1947, como asimismo participó Jean Kéraudy, que en la película se representa a sí mismo (el de los dedos cortados). También Becker prescinde de actores profesionales, buscando autenticidad. Y, como Bresson, crea un microcosmos sonoro y recrea al detalle las condiciones materiales de la fuga, con óptica de ingeniero. Consigue la misma intensidad vibrante.
Pero así como el enfoque de Bresson es individualista y trascendental, Becker apunta a valores tan a ras de tierra como nobles: compañerismo, organización colectiva, impulso libertario, solidaridad. Filma minuciosamente lo concreto de la tarea: fabricación de herramientas, creación de artilugios (como ese “periscopio” que les permite controlar desde la mirilla los movimientos del pasillo).

Becker maneja con perfecto ritmo una doble tensión: la derivada de camuflar ante los guardianes las obras y preparativos de la evasión, por una parte, y la ocasionada por Gaspard, el preso nuevo quien, con sus manifestaciones ambiguas, tiene con la mosca tras la oreja a varios conjurados del compenetrado quinteto original.

Sólo un maestro del cine puede lograr ciertas secuencias memorables, entre ellas un plano sublime que es casi una metáfora visual de la existencia humana: a lo largo de los túneles subterráneos dos personajes se mueven en medio de la tiniebla alumbrándose con una vela. Esta luz dibuja en el espacio negro unas líneas blancas que se deslizan por paredes, suelo y techo, líneas que acompañan a los personajes en su caminar, mientras se alejan lenta y perpendicularmente del espectador hacia lo profundo del plano…, hacia el punto de fuga.

Manifestación gay de Barcelona 1931

la primera manifestación gay documentada haya que situarla en verdad en Barcelona y en una fecha indeterminada, probablemente de 1931.Lo ocurrido lo retrata Jean Genet en su autobiográfica ‘Diario del ladrón’, una de las mejores mirillas que se pueden encontrar en una biblioteca para fisgonear en el Raval más sórdido, en este caso en el de los años 30. El novelista francés recoge en una de las páginas un acontecimiento que le sorprendió. Un grupo de hombres travestidos, al parecer algo muy común en aquella década, fueron a llevar flores a las ruinas de un urinario situado en la parte baja de la Rambla. Mejor, sin embargo, que lo cuente él propio testigo.“Estaba (se refiere al urinario) cerca del puerto y del cuartel, y la cálida orina de millares de soldados había corroído su chapa de metal. Al constatar su muerte definitiva, las Carolinas, con chales, mantillas, trajes de seda y chaquetillas ajustadas acudieron a ella en solemne delegación para depositar un ramo de flores rojas anudado con un crespón de gasa. El cortejo partió del Paral·lel, torció por la calle de Sant Pau, bajó por la Rambla hasta la estatua de Colón. Eran las ocho de la mañana, el sol iluminaba la escena. Las vi pasar y las acompañé de lejos. Sabía que mi puesto estaba en la comitiva: sus voces heridas, sus gritos de dolor, sus gestos exagerados, se proponían atravesar el espeso desprecio del mundo. Las Carolinas eran grandiosas: las Hijas de la Vergüenza. Llegadas al puerto, torcieron a la derecha en dirección al cuartel y sobre la chapa herrumbrosa y hedionda del meadero público, sobre su chatarra muerta, depositaron las flores”.

Las Carolinas eran, obviamente, hombres de pelo en pecho, habituales de las vespasianas, ese tipo de urinario de calle que adoptó Barcelona a finales del siglo XIX, inspirados en los modelos originales de París, y que tantos quebraderos de cabeza dieron a las autoridades. En Francia sobrevivieron hasta muy avanzado el siglo XX, pero en Barcelona, que durante un tiempo fue conocida como la ciudad de las bombas, fueron el blanco ocasional de grupos anarquistas y eso precipitó su desaparición. Eran un lugar perfecto para colocar un explosivo y huir. Del que habla Genet, situado en la Rambla de Santa Mònica, sa sabe que saltó por lo aires tres veces solo entre 1904 y 1908, aunque por el relato del autor parece que lo que precipitó su eliminación fue la corrosión del ácido úrico.

Joko invoca a Dios y muere

Italia. Spaguetti Western. 1958. 81 minutos. Dirección: Antonio Marghereti. Guión: Carlo Savina. Fotografía: Ricardo Palottini. Reparto: Richard Harrison, Claudio Camaso, Spela Rozin, Guido Lollobrigida, Werner Pochath. Productora: Arlington Pictures.
Sinopsis: Durante una estafa de algunos bandidos, Joko descubre que ha sido traicionado por sus compañeros, que huyen con un valioso cargamento de oro. Uno de sus amigos, Rikie, es asesinado por unos fuera de la ley por no querer revelar dónde debía haberse encontrado con Joko, quien, así, comienza a seguir la pista de los asesinos y del oro..
Interesante eurowestern que, a pesar de algunos defectos (principalmente, la absoluta falta de carisma de su protagonista, cortado por el socorrido patrón de “hombre sin nombre”), destaca entre la media de la producción gracias a la solvencia de su guionista y director y sobre todo a un argumento bien definido y alejado de la dispersión que da al traste con la mayoría de productos similares.

El argumento de hecho no puede ser mas sencillo y estar mas trillado: el Joko del título busca vengarse de los cinco individuos que acabaron de mala manera con su antiguo socio (o algo mas, ya que el amaneramiento que se le intuye a este y el pasotismo del tal Joko ante la corista de turno resultan bastante sospechosos)

La gracia del asunto está en los variados perfiles de estos 5 villanos que uno por uno van cayendo de una manera o de otra: el cobarde miserable, el tahúr, el cacique, el pistolero chulesco y por último, con sorpresa final incluída, un auténtico “colgao” con ínfulas de maestro del crímen; una mezcla de fantasma de la ópera y jorobado de Notre Dame que muy oportunamente se oculta en unas minas de azufre. En estas minas tiene lugar la comiquera secuencia final que emparenta directamente esta simpática película con las celebradas aportaciones de Margheriti al fantástico italiano por las que es principalmente recordado.

Cromos del lago de los tiburones

Podríamos aventurar que este primer contacto del universo de Tintín con el cine de animación fue el que, una década más tarde, animó a los estudios de animación belga Belvision a trasladar, en 1957, diez de los libros de Hergé en una recordadísima serie de 103 episodios de cinco minutos: escritas por Greg, un reconocido guionista de cómic francés que entre sus muchos créditos cuenta con haber sido co-creador junto a Franquin del inolvidable Spirou, dichas adaptaciones se alejaban bastante de los libros originales, cambiando en ocasiones la trama de los álbumes originales por completo.

El éxito que la serie tuvo desde el primer momento, dio ánimos a Belvision para aventurarse en la gran pantalla con un largometraje que, bajo el título 'Tintín en el templo del sol' ('Tintin et le temple du soleil', Eddie Lateste, 1969) era en realidad la adaptación de dos álbumes de Hergé: 'El templo del sol' y 'Las siete bolas de cristal'. Como había sucedido anteriormente en el formato televisivo, Raymond Leblanc, responsable de la productora y editor de 'Le journal de Tintin', dio luz verde a severos cambios de cara al guión definitivo, condensando el segundo libro en los quince primeros minutos de metraje y alterando el orden de ciertos eventos, detalles que sólo los tintinófilos serían capaces de detectar y que, obviamente, no restaron efectividad al éxito en taquilla del filme.

De hecho, el buen funcionamiento del mismo, sería el determinante para que los estudios belgas continuaran insistiendo con el personaje y, tres años después de 'Tintín en el templo del sol', se estrenaría la única historia del personaje no escrita por Hergé y el último filme de Tintín que vería la luz en la gran pantalla en cuarenta años hasta que Peter Jackson y Steven Spielberg se decidieran a rescatarlo con ese primer filme de una prometida, aunque quién sabe si factible, trilogía sobre el personaje del que ya hablaremos llegado el momento.El que 'Tintín en el lago de los tiburones' ('Tintin et le lac aux requins', Raymond Leblanc, 1972) no se basara en un álbum ya publicado por el creador del personaje fue una medida tomada por Leblanc para evitar los problemas que había acarreado la cinta anterior y, aunque la historia del filme haya llegado a considerarse como parte del canon del personaje y el propio Hergé se mantuviera como moderado supervisor de la producción, la responsabilidad del funcionamiento de ésta volvió a recaer en un guión "completamente" original redactado por Greg.

Y si he entrecomillado "completamente" es porque muchos y bastante evidentes son los préstamos e influencias que podemos encontrar del universo de Tintín —y el de Hergé en términos más generales— a lo largo del metraje, referencias que van desde pequeños detalles extraídos de 'La oreja rota', 'Objetivo: la Luna' o 'El cetro de Ottokar', a momentos concretos extraídos de la propia adaptación que Greg había hecho de 'El asunto Tornasol' para la serie de televisión, hasta llegar a la más evidente de todas, aquella que dirige nuestra mirada hacia una de las aventuras de 'Jo, Zette y Jocko'.Con claras referencias también a los filmes clásicos de James Bond —la forma de mantener el anonimato de Rastapopoulos es muy similar a la utilizada en las cintas de 007 con el enigmático líder de Spectra—, por más que Greg intenta en todo momento mantenerse fiel al espíritu del personaje, y aunque la animación de la cinta se ajusta de forma milimétrica a los diseños de personajes de Hergé, algo le falta a 'Tintín en el lago de los tiburones' para poder capturar de forma plena las sensaciones que uno tiene cuando lee cualquier álbum de Tintín, un algo elusivo que quizás tenga que ver con el cambio de formato o, de forma mucho más probable, con el hecho de que las aventuras originales son inimitables.

Poco importó esto de todas formas al público de la época, consiguiendo la cinta colocarse la tercera en la taquilla belga por detrás de 'El padrino' ('The Godfather', Francis Ford Coppola, 1972) y 'La naranja mecánica' ('A Clockwork Orange', Stanley Kubrick, 1972), un éxito que hizo que Raymond Leblanc declarara a un periodista americano que "ya hay un segundo estudio en el mundo capaz de producir largometrajes de animación aparte de Disney" 

Asamblea general de Yugoslavia

Bandera de la antigua república federal socialista de Yugoslavija , continuó utilizando los mismos colores pero introdujo en su centro una estrella roja,símbolo del socialismo

La bandera utilizada por la República Federal Socialista fue creada durante la segunda guerra mundial cuando se introdujo la estrella roja y se retiró el escudo real del reino de Yugoslavia, que se usaba en algunas enseñas. Finalizada la contienda, se le dio su forma final, incrementando el tamaño de la estrella y añadiéndole un borde angosto de color amarillo.

Una versión de la bandera, con unas proporciones más reducidas, fue utilizada como pabellón civil, mientras que sobre el Parlamento yugoslavo ondeaba una versión más alargada. La bandera era comúnmente izada en edificios oficiales junto con la bandera de la república federada que correspondiera y la bandera de la Liga de los Comunistas. A causa de esta costumbre, muchos edificios en la antigua Yugoslavia mantuvieron los soportes para tres mástiles

Plagas en Galicia

La primavera es tiempo de plagas. Especialmente de las propiciadas por insectos, en los que su ciclo vital se desarrolla cuando aumentan las temperaturas. Y este año fue anómalo en Galicia, con varios meses más calurosos de lo habitual. ¿Significa esto que se espera una mayor incidencia de las plagas en cultivos, árboles, plantas y frutales? No necesariamente. Es cierto que se ha detectado una aparición temprana de insectos como el pulgón, la mosca de la col o de distintos tipos de lepidópteros que atacan a las hojas, que hicieron su aparición incluso dos o tres meses antes de lo que le corresponde, pero esto no ha supuesto hasta el momento una mayor amenaza. «La situación no es distinta a la de otros años, aunque es complicado hacer un pronóstico, porque la situación puede cambiar en cualquier momento», explica Pedro Mansilla, jefe de servicio en la Estación Fitopalóxica do Areeiro

Pero si en las plagas de temporada, de momento, no se advierte mayor problema, no ocurre lo mismo con las denominadas de cuarentena, que obligan a la Administración, por normativa europea y nacional, a establecer medidas concretas para su erradicación. La Consellería de Medio Rural ha activado planes específicos para combatir siete invasiones de este tipo, a la que ha añadido uno más para atacar, mediante lucha biológica, a la avispilla del castaño, dada la importancia económica que este árbol tiene en Galicia. Las otras siete actuaciones se están llevando a cabo contra el nematodo del pino, el chancro bacteriano del kiwi, la psílido africana de los cítricos, la pulguilla de las patatas, la couza guatemalteca de la patata, el picudo rojo de las palmeras y el chancro del pino.

Cebú

La ciudad de Cebu fue fundada por los exploradores Españoles en el Siglo XVI, estableciendose en este enclave como base para la conquista del resto del archipiélago de Filipinas.

En sus orígenes la ciudad fue llamada Villa de San Miguél, en referencia al administrador colonial de Miguel López de Legazpi.La influencia en Filipinas de la cultura española es bastante notable y Cebu no es una excepción, en cualquiera de sus barangayes (barrios)
En los últimos años Cebu ha sido receptor de emigrantes que vienen tanto de otras partes de Filipinas como de otros paises de cualquier parte del mundo.

Muchas empresas internacionales tienen su delegación en el país en la isla de Cebu y la presencia de occidentales es muy notable.

El último censo arroja unos datos de población que ronda el millón de habitantes, aunque su área metropolitana triplica esta cifra.También está conectada con prácticamente todos los aeropuertos principales de Filipinas, siendo conManila, Puerto Princesa, Iloilo, Davao, Legazpi y Coron los destinos con los que más tráfico registra. Las aerolíneas filipinas que operan desde Mactan-Cebu Airport son Cebu Pacific Air, FlyZest, Fly Seair, Philippines Airlines y Airphils Express.Cebu está situada más o menos en el centro del país, esto provoca que la ciudad y su puerto tengan un gran tráfico de pasageros y mercancías, son muchas las navieras que tienen su base en la ciudad de Cebu y ofrecen servicios directos a multitud de destinos en Filipinas.

Las navieras con más rutas y frecuencias son 2GO, Montenegro Lines, Super Cat Ferries y Roble Shipping Lines y Trans Asia Shipping Lines.Destaca la gran variedad de reptiles y aves que habitan en Cebu Zoo, aunque también hay sitio para muchos ejemplares de mamiferos de Filipinas y otras regiones asiáticas tales como los Tarsiers de Bohol, numerosas especies de monos de Filipinas o el tigre de bengala.El Zoo de Cebu está situado en el barrio de Beberly Hills, al Este de Mandaue City, a pocos kilómetros del centro de Cebu, el viaje en taxi no debería superar los 30 minutos con un coste de 250 php (4€).

En casi todos los hoteles o resorts de la ciudad de Cebu y la isla de Mactan, vamos a encontrar información acerca de tours y actividades en los alrededores de Cebu. unos 90 kilómetros al sur de Cebu se encuentra Moalboal y Oslob, dos de los mejores lugares para la práctica del buceo en las Visayas centrales.

Vandor " In the Land of Vandor"

Vandor " In the Land of Vandor" Heavy/ Power Suecia 2019
1. Dark Times (Intro)
2. Wrath Of The Night
3. Beneath The Sky
4. Warriors Of Time
5. Possessive Eyes
6. Uncover The Earth
7. Serving Their Need
8. With Bleeding Hands I Stand
9. The Land Of Vandor
10. In The Shadows (Outro)


Alve Bjerde: Bajo
Jack L. Stroem : Guitarra, Cantante
Vide Bjerde: Guitarra
Uno Rosengren: Teclados

Esta es una banda creada en la capital de Suecia en el 2015 y la mayoría de sus miembros proceden de la banda On the Altar de Black Melódico, pues bien con Vandor se pasan a una mezcla entre Heavy y Power melódico. Han cambiado de estilo musical pero no de temática, siguen hablando sobre mitología nórdica. Este es el primer larga duración de la banda. La portada echa digitalmente un poco cutre y arrancamos con Wrath of the Night.... el cantante con voz aguda, elegante pero poco potente pero no desentona, recuerda a Joacim Cans de Hammerfall. Doble bombo, melodía acelerada entre Stratovarius/ Helloween y poco historia mas que contar.
Beneath the Sky es un tema a medio tiempo donde busca una melodía y la encuentra, sencilla pero envolvente y emotiva que por supuesto acaban acelerando, todo gira entorno al riff melódico del álbum, los ritmos de la batería demasiado anodinos. Warriors of Time apuesta por un groove tan blando como genérico para desarrollar un estribillo con coros y de nuevo la típica aceleración a doble bombo, la verdad es que siempre es lo mismo una y otra vez.
Possessive Eyes es una melodía pegadiza pero no deja de tener los mismos mecanismos que los anteriores temas y pese a que tienen buen gusto compositivo, vas a tener la sensación de estar escuchando el mismo tema una y otra vez y esto se debe principalmente por dos problemas, el primero de ellos es que la estructura de los temas siempre es la misma y el segundo son los riffs rítmicos, que siempre suenan igual.
Uncover the Earth aunque es un tema de 13 minutos de duración y se hace algo tedioso por momentos, se agradece que intenten rizar el rizo a base de ritmos de bajo a lo Manowar y solos de guitarra minuteros, pero no funciona, eso sí, a nivel vocal, su cantante da un paso o dos hacia delante, lo que mas se agradece del tema es el pasaje acústico.
Serving the Need es un tema donde aparece el teclado, que ya es noticia pues su participación es entre nula y escasa, medio tiempo con ligero aire sinfónico que pretende emular a Sonata Arctica y Kamelot y digo pretende porque se queda en tierra de nadie y ese intento de introducir un estribillo mas elaborado y enfocado hacia el progresivo no termina de cuajar.
With Bleeding Hands I Stand es el turno para la balada y luego The Land of Vandor es el clásico tema de " Happy Metal" emulando a Gamma Ray. In the Shadows es un outro instrumental. Muy poco trabajado las partes del teclado, riffs rítmicos genéricos y blandos.... el problema de este álbum es que no se sale del guión ni un ápice del sonido del Happy Power metal de los noventa y ya llovió desde aquella y las bandas evolucionan y es un estilo que cuenta aún con seguidores pero ya no tiene ni el tirón ni la aceptación de años anteriores porque ahora dentro de este estilo lo que se lleva es derivar hacia el sinfónico o el progresivo y los Vandor no lo supieron ver y su mezcla es clásica, para nostálgicos pero a la vez, tan vista que no deja de ser un álbum mas entre miles que hay al año.
https://vandorband.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 2/5
Producción: 2/5

Puntuación: 5/10

Mussessein " Demonologic"

Mussessein " Demonologic" Crust Punk España 2019
1. Ipos
2. Satanachia
3. Vual
4. Eligos
5. Murmur

Desde Tarragona un nuevo proyecto musical de una banda que realiza una mezcla entre Black, Crust Punk y Hardcore. Ipos es un tema que tiene un inicio muy potente con una base rítmica de Thrash muy de los noventa que recuerda a Slayer y Sepultura, buena carga de Groove a medida que avanza el tema se adientran en el Death and Roll de los Entombed con aceleraciones de Crust Punk.
No se quienes son estos músicos porque tan solo tienen una cuenta de Bandcamp y no se promocionan de momento pero esta claro que no son nuevos en esto, lo vuelven a demostrar en Satanachia un tema con buenos momentos vocales, doblando la voz, con un trémolo clásico, combinando desde Death Metal con Hardcore y una atmósfera muy sobrecargada.
Vual tira de un esquema mas tradiccional dentro del metal extremo, cuentan con el trémolo de la guitarra que lleva en volandas al tema en todo momento y genera a la vez una atmósfera muy densa para luego acelerar el ritmo y tirar siempre de distorsión en la guitarra, en esta ocasión mas enfocado hacia el Black Metal.
Vamos a por el tema Eligos, la banda siempre con temas elaborados con una estructura lógica y bien ejecutada. Por momentos recuerdan a Hate Eternal en ciertas fases, sobre todo cuando se pasan al Death pero lo combinan con sabiduría con el Black y yo diría que son capaces de generar una atmósfera muy oscura con un groove muy oscuro, tanto que la atmósfera roza la industrial en temas como este.
Murmur es el último tema con unos seis minutos de duración. Este es un corte donde la banda saca jugo a la base rítmica con unos ritmos mas básicos, rudimentarios y acelerados, siempre agudos y estridentes en la distorsión de la guitarra y de nuevo con esa mezcla primitiva entre Black y Death, muy eficientes. Cinco temas son muy pocos para juzgarlos la verdad pero no obstante dejan en este trabajo de debut sus pingas de calidad mas que evidentesy te dejan con ganas de escuchar más. Es una mezcla de estilos musicales de lo mas eficiente.
https://mussessein.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Nox Eternus " The Habitual Predator"

Nox Eternus " The Habitual Predator" Usa Doom 2019
01. The Habitual Predator
02. Deliberate Stranger
03. Feeding from the Blood of the Meek
04. Ominous View of a Ceiling Fan
05. Fleischwolf
06. Void Worm Forever
07. Human Skin Lizard Brain
08. The Final Chapter


Joe McKinney: Bajo
Dalton Oldham: Batería
Tyler Hickman : Guitarra, Cantante, Teclado, Bajo

Busco y encuentro frescura en este lanzamiento, se trata de los Nox Eternus de Santford, pequeña ciudad del estado de Carolina del Norte, es una banda de Doom que lo mezcla con elementos de Punk y de Black Metal a raudales, esto no es nada nuevo pero la forma que tienen de ejecutarlo, si que lo es.
En sus diez años de carrera, este es su segundo larga duración. Lo primero que llama la atención es la producción del álbum, casera a mas no poder, lo segundo es el trabajo de la batería, blanda con un sonido sucio con mucha caja que recuerda a los noventa, The Habitual Predator viaja en esa dirección y que nos deja un sabor fresco en la boca a base de constantes cambios de ritmo, cierto que destacan mas en las partes de Black que en las de Doom.
Una vez pasado el efecto sorpresa nos habituamos a su forma de hacer, tiene mas sentido del ritmo y por primera vez melodía el tema Deliberate Stranger, un corte de Black Raw con esa esencia primitiva y nostálgica del Black nórdico. Es cierto que una vez que se disipa el efecto sorpresa la banda se instala en zona de confort como en Feeding From the Blood of the Meek, donde tengo que añadir el esfuerzo en la base rítmica que hacen y pasarse al Black Thrash.
Lo mas destacado de esta banda son los cambios de ritmo, son rabiosos, sinceros y sin nada de técnica pero a la vez con una sinceridad aplastante, les falta feeling eso es innegable y a la vez les falta cierta pausa en la composición pero hay momentos muy buenos, sobre todo en esos medio tiempos que van cobrando velocidad poco a poco como Ominous Viwe of a Ceiling Fan.
Hoy en día en el Doom se lleva mucho la mezcla de estilos y a la vez la atmósfera y hay poco de eso en este trabajo lo que si vaticine desde el primer momento es el peso que tiene el Punk en todas sus composiciones y fruto de ello, el momento mas visible dentro del Punk es el tema Fleischwolf.
Al final se instalan en una especie de Black/ Heavy con cierto tinte Punk, Thrash y algo de lentitud como en Void Worm Forever, donde si que tienen esa esencia de los Black Sabbath pero potenciado mil veces. Human Skin Lizard Brain es un tema donde intentan darle un aire atmosférico a golpe de teclado, no funciona porque no es lo suyo y de nuevo se instalan dentro de su rutina, lo malo de este álbum es que es como una gaseosa, una vez que abres el tapón el gas se va evaporando de todas formas tienen su puntito de originalidad.
https://noxeternus1.bandcamp.com/album/the-habitual-predator-2
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 2/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6/10

Territory " Reborn"

Territory " Reborn" Uruguay Heavy/ Thrash 2019
1. Creatures
2. The Fire Inside
3. Without You
4. Pet Semetary
5. Tomb Sixteen
6. Take on Me
7. Wasted Madness
8. Reborn

Juan: Bajo
Marth Höbalk: Guitarra
Jason: Cantante
Gino: Batería
Juan Andrés: Teclados
Dani Caraballo: Guitarra

Desde Montevideo esta banda uruguaya creada en el 2008 que ya está consolidada en su país y que presenta su tercer larga duración. Banda que empieza a ser conocida fuera de sus fronteras, en España todavía no, pero acaban de fichar por un sello griego, Sleazy Rider Records.
Llama la atención el tono agudo y poderoso de su cantante y la teatralidad de sus composiciones que recuerda bastante a los Mercyful Fate, el toque justo para recrear una atmósfera oscura a golpe de teclados y un Heavy/ Thrash poderoso en las guitarras a lo Judas Priest en la era Ripper, es lo que transmite el tema Creatures.
A doble bombo el tema The Fire Inside, esta vez con una atmósfera mas cercana al Power Sinfónico de hoy en día que efectivamente les da un aire mas actual pero a la vez les resta agresividad. Without You arranca con unas notas de piano acompañado por un solo limpio y voz femenina que le vuelve a dar un aire sinfónico, muy floja la producción en este tema.
Pet Semetary recupera los ambientes de pesadilla, las atmósferas cargadas y el Heavy Thrash de los Priest en la era Ripper o los ochenta para los Megadeth pero a nivel vocal vuelve a ser un tema equivocado, se atropella el cantante en cada estrofa y se desgañita hasta el gallo. Tomb Sixteen es un tema que le falta un poco de creatividad y desarrollo instrumental, de nuevo ese intento de " Metal Collage" que tanto se lleva hoy en día y que a fin de cuentas, no te lleva a ningún sitio pues es tratas de contentar a todos y al final lo único que haces es dejarlos a medias a todos, a los fanáticos del sinfónico, del power, del metal, del Thrash.... querer estar en todas es peligroso.
El álbum presenta buenas ideas porque es una banda con energía pero es un álbum que se va evaporando como un azucarillo en el café y el momento mas bajo de todo el trabajo es la versión de A- Ha de 1985, era un grupo noruego que se hicieron muy famosos con esa canción pero es que eso de mezclar Pop con Metal nunca fue buena idea.
Wasted Madness lo mismo que anteriores temas, le falta desarrollo, le falta garra, le falta ideas. Finalizamos con Reborn y con la conclusión de que en la variedad no está el gusto. El cantante empieza con fuerza pero a medida que van sucediéndose los temas le va costando mas porque no están echo los temas a su medida, a eso se le añade la variedad del álbum, tanta que la verdad es que no hay una conexión y tanta variedad despista, parece una colección de temas sueltos a los que siempre les falta desarrollo.
https://territorytty.bandcamp.com/album/reborn
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 2/5
Producción: 2/5

Puntuación: 4,5/10

Oreyeon " Ode to Oblivion"

Oreyeon " Ode to Oblivion" Stoner Rock Italia 2019
1. T.I.O
2. Trudgin Vacuity
3. Odeto Oblivion
4. Big Surprise
5. The ones
6. Starship Pusher

Richard Silvaggio : Bajo, Cantante
Andrea Ricci: Guitarra
Matteo Signanini : Guitarra
Pietro Virgilio : Batería

Banda formada en el 2014 por músicos que pasaron por las filas de Woodwall o Mexican Mud. Esta banda debutó en el 2016 con Builders of Cosmos y ahora vuelve de nuevo a la carga con este segundo trabajo " Ode to Oblivion".
T.I.O es un tema que arranca con una distorsión brutal tirando de Sludge y es uno de los elementos significativos del álbum, esa mezcla con una base rítmica de Stoner le confiere mucha energía a sus temas. La batería aporta un medio tiempo dinámico que es apuntalado por una guitarra que realiza un trabajo melódico y progresivo, pero siempre los mejores momentos son cuando apuestan por el proto doom con energía, buscando las raíces de Black Sabbath.
Trudgin Vacuity va creciendo poco a poco en intensidad gracias a la labor del bajista. Hasta la introducción de un medio tiempo machacón que se va acelerando poco a poco y donde se introducen por primera vez voces para elaborar el típico estribillo de este género, voces en un plano secundario tapadas por la adrenalina de las guitarras.
Ode to Oblivion son nueve minutos de tema que no defraudan en ningún momento. Una ligera distorsión en la guitarra y buscando un ritmo tribal para luego tirar de un riff progresivo que da el pistoletazo de salida, siempre tienen salidas refrescantes. Son capaces de sonar clásicos y muy potentes dentro de su esquema de Doom/ Stoner y a la vez le añaden ciertas dosis de chispa creativa en los solos y en los momentos mas armónicos que genera esa chispa.
Big Surprise en cambio es clasicismo en estado puro, es construír un tema de Doom analizando sus raíces, suena mastodóntico y el riff tiene mucho gancho, el tema mas sencillo de todo el álbum pero a la vez el mas adictivo, suele pasar, muchas veces el camino mas sencillo es el mas difícil porque ni lo valoramos.
The Ones volvemos al esquema de larga duración donde tan bien se desenvuelve esta banda y en esta ocasión logran generar una atmósfera muy oscura con una distorsión que recuerda a Saint Vitus por momentos, muy sucia la ejecución y mostrando la otra cara de la moneda para luego buscar el cambio de ritmo y pasarse al stoner. Finaliza el trabajo con Starship Pusher donde vuelven a una especie de Heavy/ Stoner mas vistoso y es que es algo que se lleva mucho hoy en día. Es una banda con gancho que presenta un sonido muy pulido que suena potente dentro de su clasicismo, tienen un gran gusto compositivo y es una banda que sigue sumando en positivo todo lo que hace.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción:  4/5

Puntuación: 7,5/10

Hazpiq " Cepheid"

Hazpiq " Cepheid" Francia Metal Progresivo 2019
1. Trailokya
2. From Dust
3. Cepheid
4. Epacte
5. Aphelion
6. To Nothing
7. Saros
8. Mecaniques Celestes
9. Theory of Everything


Simeon: Guitarra, Cantante
Melody: Cantante
Lylian: Batería
Joseph: Bajo
Manuel: Guitarra

El camino de la creatividad siempre es el mas arduo para el oyente pero a la larga el mas gratificante y si escuchas lo nuevo de los franceses Hazpiq te llevarás una grata sorpresa. Fans de  Gojira, Opeth, Magma, Arvo Pärt, Tool, Corpo Mente, Hypnose, Karnivool, Intronaut... tenéis una cita con esta banda de París creada en el 2015.
Trailokya es una intro suave donde lo que mas destaco es la labor del bajo, no es la típica intro de atmósfera cinemática que se lleva hoy en día, no despeja dudas sobre por donde irán los tiros y si lo hace From Dust. Lo progresivo se mezcla con el metal alternativo con unos ritmos salpicados por el Groove y el Grunge, buena voz la de su cantante Melody que es acompañada por una voz gutural.
En los cambios de ritmo siempre muestran esa pausa atmosférica tirando de Post Rock que me recuerdan ligeramente a Pelican y tantos otros y sobre todo la voz de Melody se presta a otros estilos que van desde el rock el sinfónico o el gótico, buena muestra de esta versatilidad es el tema Cepheid que da título al álbum, no tienen excesivo gancho pero si calidad.
Epacte diría que es el primer gran tema del álbum, tiene cadencia el ritmo pero aún así les falta energía a todos los niveles sobre todo en la base rítmica. No es una banda excesivamente técnica y le conceden una gran importancia a los estribillos, pero el riff de este tema si que es un acierto pero sobre todo los pequeños matices como el acompañamiento del bajo.
Volvemos a los ritmos contemplativos con To Nothing, ritmos acústicos con esa pausa y tirando de ritmos de Jazz Fussion en la base rítmica. Quizás con el paso de los temas se repiten demasiado pues en Saros vuelven a remitirse al mismo guión, tratan de recrear una atmósfera que se hace algo repetitiva, aunque eso sí, generada de forma natural.
Mecaquines Celestes tiene desde Funk pasando por Grunge y rock alternativo, de nuevo el punto fuerte vuelve a ser la labor del bajista como las dosis de técnica y creatividad mas altas. La combinación de voz melódica con su coro gutural quizás está demasiado vista y pese a que le conceden su importancia a los estribillos les falta garra.
Es un álbum muy pausado con muchos fragmentos acústicos, esto es mas viejo que la parca ya te lo hacían en los setenta los canadienses Rush y tropecientos más pero aún así le confiere personalidad, es un trabajo que va ganando con el paso de las escuchas.

Feeling: 2/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,25/10