miércoles, 16 de octubre de 2019

Inania Regna " Malevola"

Inania Regna " Malevola" España Blackened Death 2019
01. Suddenly Bloodstained
02. Queen of Horror
03. A Pale Hand
04. Life Oscillates Between Pain and Boredom
05. Deepression
06. The End's Inception
07. The Hands Resist Him

GoG : Batería
Raskolnikov: Guitarra, Cantante
NglDogma: Bajo, Cantante

Inania Regna es una banda surgida en Madrid en 1998 y que tuvo un primer período de actividad hasta el 2001, que yo sepa en ese período no llegaron a grabar nada. En el 2017 regresaron con un Ep y un single y ahora lanzan de forma independiente su primer larga duración.
Groove en un medio tiempo para Suddlenly Bloodstained mientras ejecutan un riff atmosférico que me recordó a los Behemoth, quizás en el desarrollo no me termina de convencer y se instalan en zona de confort y el cambio de ritmo no es demasiado agresivo. Queen of Horror ubicado siempre dentro de un esquema de Blackened Death que suena más a Death que a cualquier otro estilo, buscando una buena atmósfera para el desarrollo del tema y a destacar el trabajo de la batería. A Pale of Horror arranca con ritmo acústico y voz limpia para de repente buscar un cambio de ritmo con ejecución veloz en la batería y un trémolo en la guitarra a la velocidad de la luz, me falta un punto en la producción.
Life Oscillates Between Pain and Boredom peca de lo mismo que el anterior tema, me falta un punto en la producción y en cuanto a la ejecución del riff, como siempre muy buena y oscura aunque en el desarrollo no me termina de encajar, quizás les falta algo de agresividad para llevar los temas a otro término superior, pero en cuanto al estribillo, este es el tema más adictivo.
Deepression en cambio contiene la energía que demandaba en el trabajo de guitarra, quizás menos atmosférico que otros temas pero a la vez más impactante y salen ganando. Más fluído los cambios de ritmo buscando ritmos más pausados donde se encuentran realmente cómodos como banda. The Ends Inception contiene una aceleración que añade intensidad y siguen con sus ritmos oscuros, tirando de Blackened Death y con el típico trémolo del Death Metal pero con una atmósfera muy típica del Blackened Death, tienen esa esencia de los noventa que los hace muy interesantes.
Finaliza el trabajo con The Hands Resist Him, un corte de nueve minutos de duración. A destacar de nuevo el buen trabajo de la batería aunque le sucede un poco lo mismo que al resto de temas, intensos, agresivos, con calidad pero un tanto irregulares con el pasar de los minutos en los temas sin dar ese paso definitivo. De todas formas es una banda muy interesante y si sigue trabajando en esta dirección apunta a grandes cosas, se nota la veteranía.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

Mosaic " Cloven Fires"

Mosaic " Cloven Fires" Alemania Black Metal 2019
1. Cloven Fires
2. Ambrosia


Martin van Valkenstijn: Cantante, Guitarra
E.H. : Batería
Sulphur: Guitarra
Iskaremus : Bajo

Eisenwald es un sello discográfico de Black Metal alemán, uno de los más importantes de su país que se hace eco de este lanzamiento, el nuevo ep de los Mosaic, una banda alemana de Black Metal procedente de la región de Turingia. La banda fue creada en el 2006 y han editado cinco Splits en colaboración con diferentes bandas. Dos álbumes recopilatorios, un álbum en directo y con este, es su tercer Ep.
En esta ocasión compuesto por dos temas nuevos, el primero de ellos, Cloven Fires que le da título al trabajo. Se trata de un tema donde juegan con dos voces, una voz rota que interpreta muy bien su papel para darle un aire caótico y unos coros oscuros, medio tiempo más atmosférico que otra cosa aunque me falta desarrollo en el tema.
Ambrosia contiene más trabajo a todos los niveles. Se trata de un corte que arranca con un trabajo curioso en la guitarra, rozando la psicodelia y es el que el Black Metal alemán es otra historia, suele estar emparentado con el Pagan Black Metal pero recordar que Alemania es la cuna del Krautrock y los Mosaic tienen esa atmósfera tan oscura común en las bandas alemanas pero a la vez tienen un toque psicodélico de lo más sugerente.
Es una banda con músicos de prestigio que han pasado por las filas de bandas tan buenas como Ysengrin o Mysterion. Para ubicar al oyente os diré que su música recuerda claramente a la banda holandesa de Black ambiental los Urfaust.


Reign in Blood " Missa Pro Defunctis"

Reign in Blood " Missa Pro Defunctis" Alemania Black Metal 2019
01. Invoke the Shapeless Ones
02. Dawn of a Dying Soul
03. Black Hole
04. Metamorphose with the Universe
05. Missa pro Defunctis
06. Domus Mortuorum
07. Anima
08. Wolfhour
09. Into Nothingness

D. Raise: Cantante, Guitarra
Malus Deus: Guitarra, Bajo

En la Baja Sajonia alemana se creo este proyecto entre dos músicos haya por el 2004. No se prodigan demasiado en el estudio de grabación y tampoco se dejan ver demasiado en los directos. Esta es la típica banda que más bien es un proyecto y que aparcan para tocar en otras bandas pero cuando se juntan, sientan cátedra.
De echo su anterior trabajo fue grabado hace diez años y vuelven de nuevo a la carga. Después de la intro, Dawn of a Dying Soul tiran de ritmos que se alejan bastante del típico Pagan alemán. Distorsión brutal en la guitarra, con elementos de Black/ Thrash y cambios de ritmo constantes para profanar tumbas y seguir a lo suyo con una voz rota que no es gutural.
Black Hole es una especie de Blackened Death por momentos que tiene elementos del Death que recuerdan a los Bolt Thrower pero que en el desarrollo vuelven a tirar de Black Thrash muy sucio con mucha presencia de Punk pero en esta ocasión generando más atmósfera.  Metamorphose with the Universe solo lo puedo calificar de caótico, están completamente influenciados por los Impaled Nazarene.
Missa Pro Defunctis es un medio tiempo lento con un bajo amplificado que se cuela en la parte más atmosférica y con los primeros riffs típicos del Black Raw nórdico de toda la vida, que en esta ocasión recuerdan a los Taake, pero dentro de su caótico mundo sonoro son capaces de generar una atmósfera pesimista, caótica y agresiva a más no poder. Domus Mortuorum es un acercamiento al Black/ Doom con elementos de Hardcore, desde luego, la producción es siempre acertada.
Anima es un canto a todas aquellas bandas empezando por los Hellhammer, buscando las raíces de los Sodom y su Black/ Thrash y siguiendo por el Black Japonés mezclado con Thrash de los primeros tiempos de los Sabbat.
Wolfhour es el tema que más suena a Thrash pero atención con su brutal cambio de ritmo a medio tiempo y el jugo que son capaces de sacarle al bajo, porque recrean algo realmente sucio y extremo. Into the Nothingness ejerce de Outro.
Lo nuevo de Reign in Blood está muy en su línea. Speed Metal, Black Thrash, Blackened Death, atmósfera industrial, Black Raw.... Speed/ Punk, de un lado a otro pero sonando con personalidad y carácter, lo han vuelto a hacer.
https://ironboneheadproductions.bandcamp.com/album/reign-in-blood-missa-pro-defunctis
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,5/10


Cifer " The Summoning"

Cifer " The Summoning" Brasil Speed Metal 2019
1. Intro
2. The Summoning
3. Hex of the Night
4. Armaggedon
5. Demons assault
6. City of Guilty
7. Revenge of the Witch
8. Creatures from the Chasm
9. The End of All

Henrique Peristrelo: Cantante, Todos los instrumentos

Henrique es un músico brasileño que pasó por las filas de Blackthrash, Flagelador, Infected, Cemiterio o Heritage.... no es un cualquiera y tiene perfectamente asimilado el sonido Speed/ Thrash brasileño de los ochenta, lo demuestran desde la Intro hasta el último tema.
The Summoning viaja a la velocidad de la luz con solos desbocados y alocados, la base rítmica siempre acelerada, poco elaborada y con una tonalidad sucia y baja dejándole todo el protagonismo a los riffs que son afilados como cuchillos.
Hex of the Night es un tributo al metal clásico de los Mercyful Fate, Judas Priest , con un trabajo de guitarra un poco más melódico y una ligera pincelada melódica que recuerda a la Nwobhm en su vertiente más acelerada, pensar en bandas de Speed Metal como los Avenger por ejemplo. Con Armaggedon no se complica la vida pero resulta óptimo y refrescante que haya tanta variedad entre tema y tema y que pese a que no sea algo ni creativo ni técnico, si que logra hacernos viajar a los ochenta.
Demons Assault es más Thrash y recuerda a los Sodom en los inicios de su carrera, porque hay acercamientos al legado inmortal de los Sarcófago y de los Sodom en aquellos tiempos remotos del Black/ Thrash de los ochenta. Para luego apostar por el Heavy Metal de los Priest con City of Guilty que contiene el estribillo más elaborado de todo el trabajo.
Revenge of the Witch nos devuelve a la electricidad más agresiva, a la velocidad de crucero que siempre impone a esos riffs afilados como cuchillos que son los que se llevan la palma, dándole un poco de lado al Heavy Metal y al Thrash para centrarse en el Speed más sucio y agresivo con alguna que otra pincelada de Punk. Creatures of the Chasm no llega a los tres minutos de duración y es el tema más corto del trabajo pero no se resiente en ningún momento y apuesta y esos riffs doblados épicos, agudos y afilados vuelven a alegrar al oyente, ávido de riffs de la vieja escuela.
Una muestra de que puede incluso evolucionar hacia otros terrenos con The end of All, donde tira de una especie de Thrash/ Doom atmosférico donde de nuevo cuela la melodía en la guitarra, clásico a más no poder, disco divertido donde los haya.
https://cifer666metal.bandcamp.com/album/the-summoning
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

Adiga " Kali Pacjace Njeba"

Adiga " Kali Pacjace Njeba" Bielorrusia Post Metal 2019
1. Vandrounik
2. Nakanavanne
3. Kali Pacjace Njeba
4. Buravesnik
5. Boj

Esta es una nueva banda procedente de Minsk, que es la capital de Bielorrusia o Belarus, ambos nombres están aceptados para referirse a este país. Es el proyecto de Kate Sidelova, una joven cantante que tiene mucho que ofrecer.
Lo malo es la producción y la parte instrumental. Vandrounik tira de un medio tiempo con mucha distorsión que se acerca al Sludge y al Post Metal de los Neurosis y la cantante tira de un registro étnico por momentos y sinfónico, pero la producción es muy pobre y se resiente el tema.
Nakanavanne es un tema instrumental de un minuto y medio más ambiental que otra cosa tirando de sintetizadores y que refleja una atmósfera muy oscura. Kali Pacjace Njeba arranca con una parte acústica a la que le introducen una melodía sinfónica oriental típica de la Europa del Este que aporta y te introduce en otros elementos. El caso es que es un tema intenso que va de menos a más y saben como subir de revoluciones gracias a un solo progresivo intenso, oscuro y potente, sin lugar a dudas es el mejor tema del Ep y el camino a seguir para esta banda.
Buravesnik es un corte más melódico y ambiental, esta es la otra cara o faceta de la banda y es donde más trabajo de cara al futuro tienen, pues destacan mucho más cuando ponen la quinta marcha, es una banda más de sombras que de luces.
Boj es un corte de ocho minutos de duración que sirve para cerrar el trabajo y con buen sabor de boca. De nuevo buscando el riff rítmico oscuro emparentado con el Post Metal y el Sludge con una atmósfera tan sucia que rozan el metal industrial, por momentos suenan apocalípticos y su cantante tiene una variedad de registros que le hacen ser una todoterreno que puede abarcar cualquier género musical, falta algo de trabajo en la batería, algo más técnico y una mejor producción pero esta banda apunta maneras.
https://adliga.bandcamp.com/album/kali-pa-ja-e-njeba
Álbum Completo

Ligature " Suicide Fever"

Ligature " Suicide Fever" Hardcore Usa 2019
1. Suicide Fever
2. Court of Wars

Hoy os traigo una pequeña joya del Underground a uno de los pioneros del Hardcore en la zona de Nueva York, los Ligature. Una banda poco conocida pero que merece mucho la pena. Es una banda que se mueve entre el Post Punk y el Hardcore más experimental. El primer tema, Suicide Fever fue grabado en 1981 y está muy influenciado por los Joey Division entre otros. El riff es melódico y está muy bien hilvanado, el cantante más que cantar recita y prestar atención al sonido del bajo pues es el que lleva el timón del tema. Un sonido muy sucio que le da otra dimensión al tema.
Court of Wars es un tema que fue grabado en 1979 y tan solo con dos años de diferencia muestra otra faceta completamente diferente de esta banda. En su última etapa estaban completamente influenciados por el Post Punk y en su primera etapa era una banda de Hardcore Punk pura y dura. Un tema muy sucio y agresivo que sigue los pasos de forma clara de los Brad Brains. Un rescate del olvido que merece mucho la pena, una curiosidad del Underground. En estos momentos, los Ligadure de Brooklyn, se dedican a recopilar su viejo material.
https://roachlegrecords.bandcamp.com/album/ligature-plays-aas-suicide-fever-second-layers-courts-or-wars
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Kemakil " Play your Shards Right"

Kemakil " Play your Shards Right" Crust Punk Inglaterra 2019
1. Nemesis
2. Blood Removal Machines
3. Bruce Forsyth

LLevan desde el 2013 esta banda inglesa trabajando y todavía no les llega el momento de dar el salto y darse a conocer. Kemakil es una banda de Crust Punk pero con pinceladas de Hardcore, Crossover.... una banda de sonido muy clásico.
Nemesis es un corte de cuatro minutos de duración al que le falta fuerza por todas partes pero no intención. La producción es convincente y el sonido es basicamente Thrash con mucho Groove en la distorsión de la guitarra pero sin fuerza y con una estructura del tema que no sorprende y que le falta gancho. Aún así contiene este tema cambios de ritmo donde intentan ofrecer algo más creativo pero hilvanan de forma un tanto irregular las partes diferentes del tema.
Blood Removal Machines tiene un sonido más convincente porque aceleran y en los ritmos veloces el Punk es más visible, algo que les sienta algo mejor. Pero uno de los grandes problemas de este trabajo es que no convence en cuanto al sonido de batería que es blando y flojo.
Bruce Forsyth es el único tema que resulta convincente. Un minuto de duración, el cantante dándolo todo y dejando la sensación de que no lo hizo en los dos anteriores temas. Un ritmo veloz de puro Punk y la búsqueda de un Crust Punk a lo Discharge que les sienta mucho mejor que esos intentos de Crossover y Thrash que realmente, no es lo que mejor pueden hacer. En definitiva, los Kemakil son una banda tan sencilla como clásica, pero destacan más en el Crust que en otros estilos.
https://kemakil-official.bandcamp.com/album/play-your-shards-right
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Testament " The New Order"

Testament " The New Order" 1988 Thrash Metal Usa
1. Eerie Inhabitants
2. The New Order
3. Trial by Fire
4. Into the Pit
5. Hypnosis (instrumental)
6. Disciples of the Watch
7. The Preacher
8. Nobody's Fault
9. Day of Reckoning
10. Musical Death (A Dirge)(instrumental)

Chuck Billy: Cantante
Alex Skolnick: Guitarra
Eric Peterson: Guitarra
Greg Christian: Bajo
Louie Clemente: Batería

Seguramente es al álbum que más cariño le tengo a los Testament y el que más veces escuche en mi vida de ellos. Cariño porque es el primero que escuché de ellos y le doy cera porque siempre entró a la primera pero desde luego creo que su primer álbum es superior y lo que vendría después también.
Los dos temas instrumentales están muy bien ejecutados, dos guitarristas de gran calidad como son Skolnick y Peterson pues no te puedes esperar menos pero no creo que sea lo que demandaba el álbum, en cuanto a la versión de Aerosmith pues introducida con calzador.
Esos tres temas son el gran pero de este trabajo que quizás sería más redondo si saliera en formato Ep. De todas formas en estos primeros tiempos los Testament suenan con una marcha más respecto a sus competidores, algo que hay que destacar de ellos, ya no es por la calidad en los solos de guitarra, nada que ver por ejemplo con los solos de guitarra de los Exodus y en cuanto a la contundencia, pues no eran tan oscuros como los Slayer de los primeros tiempos, nunca fueron Underground como fueron los Morbid Saint entre muchos otros pero tenían su potencia y su toque oscuro, lo suficiente para considerarlos como unos clásicos y una banda Top dentro del Thrash Metal.
El trabajo quizás no tiene la fuerza del The Legacy y ya se sabe que las comparaciones son odiosas, está mucho mejor su primer álbum. Tampoco me encuentro con una gran producción algo que lastra aunque hubo muchas reediciones de este álbum.
Aún así, hay un par de clásicos que merecen estar en toda colección de hits de Testament, aunque no la considero una banda de temas sueltos sino como una especie de rodillo que quema tierras a su paso con su gran música. Los clásicos que encuentro en este trabajo son Disciples of the watch, Into the Pit por ejemplo, donde Alex Skolknick demuestra una vez más que si Testament está por encima de la media no es por su cantante Chuck Billy ni por el resto de compañeros, sino por su destreza en la guitarra, mezclando Thrash con Shred y dejando notas de clase muy importantes. El siguiente trabajo se come a este con patatas, así que está en medio de un bocadillo que le perjudica pero aún así siempre fue un álbum muy recurrente para ellos que no es ni el mejor ni el peor pero siempre acabamos por echarle mano porque quitando esos tres temas, se puede decir que tiene algo especial.





Camilo Sesto " Amor sin vértigo"

Camilo Sesto " Amor sin vértigo" 1994 Pop España
1. No hay nada mío
2. Que hago con mi vida
3. Quién mejor que yo
4. Nunca dejaré de amarte
5. El borde del final
6. Sentimiento de amor
7. Amor sin vértigo
8. Héroes de amor
9. Pecado de amor
10. Se acabó

Entramos en la recta final de su carrera, tan solo le quedaba un álbum más por publicar. Los noventa no fueron una buena década para el, demasiados cambios en el mercado y era muy difícil que un artista siguiera la estela de como iba cambiando el mercado, imposible para un artista que fue top en los setenta y ochenta. En este trabajo pasó de aclimatarse a los cambios generados en el mercado, a la explosión de otros estilos, que es algo muy común en el Pop, pero es que Camilo es otra cosa. Digo que es otra cosa pues los artistas actuales de Pop lo único que hacen es poner su voz, comprar letras y que los productores según lo que este de moda, poner la música conveniente a la canción, así de sencillo. Promoción por los platós de televisión haciendo Playback y mini gira para tocar los cuatro temas de los que viven, porque pasan los años pero todo sigue igual en el Pop, te sacaban un disco con diez temas y solo tenía un hit y nueve rellenos, hoy en día lo que se hace es sacar singles y ahorrarse costes.
Pero Camilo Sesto es un artesano, el compuso la mayoría de sus temas y le sobró tiempo para componer para otros artistas. Además de letrista, el seguía todo el proceso del álbum, es decir, la producción, los arreglos, siempre fue muy profesional, tanto en el estudio como en el directo, lo cuál habla muy bien de el, era mucho más que talento, era un trabajador y un amante de su profesión.
Así que decidió en este trabajo hacer lo que siempre hizo, baladas de amor atemporales sin más historia, sin arreglos llamativos, sin buscar la complicidad de las nuevas generaciones en busca del artista de moda o el tema que todo el mundo escucha, Camilo piensa en sus fans de toda la vida y saca este disco que dentro de su basta producción pues seguramente ocupe uno de los puestos más bajos. Destaco que hago con mi vida, sentimiento de amory el borde del final como los tres temas más destacados de este trabajo, como curiosidad diré que hay un tema en este álbum que cantó con su hijo.


Narita biografía


En una de las pausas de Riot, Reale decidió crear otra banda llamada Narita, este nombre es en honor al segundo trabajo publicado por los Riot. La banda la creo Mark Reale, el líder de Riot, que quiso llamar a esta banda simplemente como Mark Reale Project, pero el sello no les dejó y se llamaron Narita para buscar la complicidad de los fans de Riot.

Riot lo dejó en 1984 ante la falta de oportunidades y Mark Reale creo este nuevo proyecto con Don Van Stavern al bajo ( Riot, Slayer S.A) Dave McClain a la batería ( S.A Slayer, Sacred Reich, Juggernaut, Machine Head) Steve Cooper al micro ( S.A Slayer) acompañando a Reale a la guitarra.
Todos los músicos de esta banda procedían de la banda S.A Slayer, una banda de Power Metal de San Antonio que lo dejaron en 1984, aprovechando que Slayer S.A y los Riot lo habían dejado al mismo tiempo, Reale fusionó a miembros de ambas bandas.
La única grabación fue una demo después de que Sandy Slavin convenciera a Reale de que lo mejor era una reunión de Riot. Así que junto al bajista Don Van Stavern regresó a Nueva York para reformar Riot. De la demo que publico como Narita, se quedó con una canción para sus Riot, Thundersteel que sería el tema estrella de su siguiente álbum de reunión.



Rongdrik atolón

Rongerik (También conocido como Rongdrik, Roñdik) es un atolón inhabitado de 1,68 km² en el océano Pacífico. Está formado por 17 islas rodeando una laguna de 144 km². Forma parte de la cadena Ralik en las Islas Marshall, encontrándose a 200 km al este del atolón Bikini. Estados Unidos recolocó en este atolón a los habitantes del atolón Bikini mientras llevaba a cabo las pruebas nucleares. Después de meses de hambruna y desnutrición fueron trasladados a Kwajalein y finalmente a Kili.


Algunos autores sugieren que Rongerik pudo haber sido descubierto en 1537 por el explorador español Fernando de Grijalva, suponiendo que podría ser la isla que llamó Coroa/s,1​2​ de la cual no se indicó su ubicación, ni se mencionan distancias ni latitudes.

Aunque se especuló que el atolón tendría que ser de soberanía española,3​ el gobierno español en 2014 dejó clara la situación: desde el Tratado Germano-Español, de 1899, nunca fueron de soberanía española.

Samurái

La primera gran prueba de estabilidad del sistema tuvo lugar en el año 935 con una revuelta protagonizada por Taira no Masakado, descendiente del Príncipe Takamochi, a quien la autoridad imperial había enviado a sofocar los disturbios en Kantō y que recibía el apodo de «El Pacificador».28​ Al principio la corte Heian consideró que el incidente protagonizado por Masakado era tan solo un incidente local, hasta que este llegó a autoproclamarse «nuevo emperador». Debido a lo anterior, se envió un ejército provincial para sofocar su rebelión, muriendo decapitado en 940.28​ A partir de este momento y debido a su origen social, estos líderes guerreros se comienzan a definir como una aristocracia local.29​

Durante este periodo, los linajes de mayor importancia política fueron los Taira, los Fujiwara y los Minamoto. Minamoto no Yoriyoshi se vio envuelto en un conflicto importante de la época llamado la Guerra Zenkunen o «guerra de los primeros nueve años». Este conflicto duró de 1051 a 1062, siendo la primera guerra que se vivía en el país desde los enfrentamientos contra los emishi.30​ El incidente se originó cuando Abe no Yoritoki, descendiente de los emishi y miembro del clan Abe, no entregó a la Corte los impuestos recaudados, por lo que Yoriyoshi fue enviado a tratar con él.30​ Yoriyoshi y Yoritoki habían llegado ya a un acuerdo pacífico, pero estalló un conflicto interno en el clan Abe y Yoritoki fue asesinado. Por este motivo se declara la guerra entre Abe no Sadato, hijo de Yoritoki, y los Minamoto.30​ Hasta 1062 Yoriyoshi no pudo vencer a los Abe en la Batalla de Kuriyagawa, llevando la cabeza del rebelde hasta Kioto en señal de triunfo.30​ Minamoto no Yoshiie, hijo de Yoriyoshi, estuvo al lado de su padre durante todo el conflicto, ganando un gran prestigio por sus proezas militares. Esto le valió el apodo de Hachimantarō o «el primer hijo nacido de Hachiman, dios de la guerra»En el año de 1083 estallaría nuevamente un conflicto armado en el que los Minamoto se verían envueltos, ahora en la Guerra Gosannen o «guerra de los últimos tres años», originada por diferencias entre los líderes de los antiguos clanes aliados Minamoto y Kiyowara. Después de una feroz contienda de tres años en que la Corte se negó a auxiliar a los Minamoto, estos lograron, sin embargo, salir finalmente victoriosos. Cuando Yoshiie asistió a Kioto con la finalidad de buscar una recompensa, la Corte se negó y aun le recriminó los impuestos atrasados que debía, con lo que se inicia un claro distanciamiento entre ambos. Mientras tanto, sus rivales, los Taira iban mejorando las relaciones con ellos debido a sus hazañas en el oeste del país.31​ La rivalidad entre los clanes Minamoto y Taira fue aumentando y haciéndose cada vez más evidente. En 1156 tuvo lugar un conflicto entre ambos clanes, cuando Minamoto no Yoshitomo se unió a Taira no Kiyomori contra su padre Minamoto no Tameyoshi y su hermano Tametomo, durante la Rebelión Hōgen. La batalla fue muy breve y al final Tameyoshi fue ejecutado y Tametomo fue castigado con el destierro.


En 1160 se produjo un nuevo enfrentamiento conocido como Rebelión Heiji, donde Yoshitomo se enfrentó con Kiyomori. La victoria del clan Taira fue tan decisiva que los miembros del clan Minamoto huyeron para salvarse. Los Taira los persiguieron y Yoshitomo fue capturado y ejecutado. De los miembros de la rama original de la familia Minamoto, solo quedaron algunos pocos, siendo aniquilados casi por completo.33​ En 1167 Taira Kiyomori recibió del emperador el título de Daijō Daijin (Gran Ministro), el cual constituía el rango más alto que podía conceder el emperador, por lo que se convirtió en el gobernante de facto del país

Mapuche

Desde hace un tiempo venimos viendo que algunos de los grupos mapuches radicalizados de Chubut utilizan en sus actos violentos una bandera que no es la conocida Wenufoye, creada por el Consejo de Todas las Tierras en 1991. Indagando un poco, nos encontramos con que la misma es la denominada bandera «mapuche tehuelche» (imagen 4), lo cual suena bastante confuso y parece un oxímoron. Esta fue creada en 1987 por Julio Antieco, quien empezó las gestiones con comunidades mapuches para confeccionar una bandera «que representase al pueblo mapuche-tehuelche».

El 3 de agosto de 1991, en la Primera Reunión Provincial de Caciques y Comunidades Aborígenes, realizado en Trevelin, expresó la intención de crear un símbolo común. Por medio de la ley 4072, publicada el 5 de abril de 1995, la Provincia del Chubut la reconoció como «símbolo y emblema de las Comunidades Aborígenes de la Provincia». La bandera lleva los colores amarillo, blanco y azul y una punta de flecha.
La bandera ha cobrado oficialidad por parte del Ministerio de Educación Argentino que ha permitido su izamiento en escuelas de la región y en importantes oportunidades para el «pueblo mapuche-tehuelche».

Chicos

Chicos fue una revista infantil española que se publicó entre 1938 y 1955, con periodicidad semanal, inaugurando así la época dorada del tebeo español. Tuvo tres épocas diferenciadas:El primer número de los Chicos apareció el 23 de febrero de 1938, en San Sebastián, ciudad donde estaba centrada la producción de tebeos de la llamada "zona nacional" durante la guerra civil. Su editor y propietario fue Juan Baygual y Bas y su directora artística y literaria, Consuelo Gil Roësset, quienes se habían conocido en la redacción de "Pelayos". Su formato era muy similar al de "Flechas y Pelayos", pero con menos páginas y un precio más asequible (10 céntimos en vez de 25).



El 15 de noviembre del mismo año, la revista pasó a ser propiedad de la Delegación Nacional de Prensa y Propaganda, según documento firmado por el Delegado de ésta y Consuelo Gil. A pesar de ello, Chicos nunca fue una revista de propaganda (aunque, obviamente, no pudo -ni quiso- permanecer al margen de la ideología dominante).1​ Gracias a sus buenas relaciones con el régimen franquista, no tuvo problemas para conseguir el cupo de papel necesario para publicar periódicamente el semanario.Consuelo Gil llevaba directamente las secciones de correspondencia con los lectores, El Club de Chicos y Mis Chicas, firmando para ello con los seudónimos de L. de Villadiego y Madrina.2​

Terminada la contienda, algunos de los más destacados autores barceloneses comenzaron a colaborar con la revista,2​ dando pie a series que se volverían míticas:Hay que mencionar también a otros dibujantes como Bernal, Adriano Blasco, Alejandro Blasco, Coelho, Cozzi, Delgado, Alfonso Figueras, Arturo Moreno, Julian Nadal, Opisso, Pena, Carlos Roca o Zaragüeta; entre los guionistas, se cita a José María Canellas, José Fernández Gómez y José María Huertas

El acorazado Potenkim


La escalera de Odessa yo diría que la mejor escena del cine mudo de todos los tiempos, una obra maestra que marcó un antes y un después que hay que estudiar que refleja mejor que ninguna otra película lo cruel de la guerra, la desesperación  y el genocidio.

Charles Bronson

quien fuera varias veces su pareja en la pantalla. Estuvieron casados desde 1968 hasta la muerte de ella, en 1990. Su tercer matrimonio lo contrajo en 1998 con Kim Weeks, que le dio dos hijos.

Trayectoria[editar]
A su regreso de la guerra, hizo dos años de teatro amateur en Filadelfia, y después obtuvo algunos pequeños papeles en Hollywood, como el que realizó al lado de Gary Cooper en You are in the Navy now (1951), en pequeños papeles sin acreditar.

En esta etapa llevaba el nombre de Charles Buchinski, y uno de los primeros papeles en que se le vio fue en la legendaria película de terror Los crímenes del museo de cera (1953), de Andre De Toth, en la que curiosamente hacía de mudo. En 1954 la Comité de Actividades Antiestadounidenses lo amenaza con incluirlo en la lista de actores comunistas y le ordenan cambiarse el apellido ruso para que sonara más estadounidense. Charles se fijó en el aviso que indicaba el nombre de una calle aledaña al estudio donde trabajaba y a partir de allí comenzó su carrera artística como Charles Bronson.3​ Continúa haciendo papeles secundarios y apariciones en series de televisión para curtirse e ir consiguiendo mayor relevancia a nivel profesional.

Destacan sus trabajos como secundario en westerns como Veracruz (1954), de Robert Aldrich, Jubal (1955), de Delmer Daves, o Yuma (1957), de Samuel Fuller. En esta última haría el rol de indio, papel que su peculiar rostro y su físico musculado le permitirían interpretar en otras ocasiones.

A finales de los años 1950 en 1957, tras varios años de trabajo en papeles secundarios, obtuvo el protagonismo al trabajar con Roger Corman, el llamado rey de la serie B, en Machine Gun Kelly, película de gángsters en la que interpreta su primer papel protagonista en la gran pantalla y obtiene un pago de 5 000 US$ por su actuación. Gracias a su apariencia ruda y varonil, se especializó en papeles de «hombre duro» y de policía vengador.3​ Además participa en capítulos de importantes series de televisión, como The Twilight Zone y Alfred Hitchcock Presents. Tuvo su propia serie de televisión como protagonista: A man with a camera. La serie se emitió desde 1958 hasta 1960 por el canal ABC alcanzando los 29 episodios y devengando un sueldo semanal de 2 000 US$.3​

En 1960 es elegido para ser uno de Los siete magníficos, de John Sturges, junto a Yul Brynner, Steve McQueen, James Coburn, Horst Buchholz, Robert Vaughn, Eli Wallach y Brad Dexter lo que inició su popularidad. Por su actuación devengó 50 000 US$, de los cuales ya debía 30 000 de un préstamo que le hiciera el productor Warren Lewis para adquirir su casa en Cheviot Hills, California.3​

En 1961 volvería a trabajar con Corman para una floja adaptación de Julio Verne, El amo del mundo, de William Witney, y aparecería en la película Piso de lona (1962, de Phil Karlson), realizada a mayor gloria de Elvis Presley, pero volverá a ser John Sturges quien le consolidará como un héroe de acción cuando le llama para ser uno de los protagonistas de la fuga de La gran evasión, junto a Steve McQueen y James Coburn otra vez. Luego trabaja con Robert Aldrich en la disparatada comedia del oeste Cuatro tíos de Texas, donde es el villano que no deja de acosar a Frank Sinatra y Dean Martin.

Aunque trabaja con directores importantes como Vincente Minnelli o Sydney Pollack, sus papeles en estas producciones siempre son de secundario, siendo las películas que protagoniza siempre de artesanos menores. Continúa apareciendo en series importantes como El fugitivo o El virginiano, y en 1967 volvería a destacar en Doce del patíbulo, de Robert Aldrich.

En 1968 sigue los pasos de Clint Eastwood y emigra a Europa para protagonizar un nuevo «Spaghetti-Western» de Sergio Leone, triunfó en Europa con C'era una volta il West Erase una vez en el Oeste, al lado de actores como Henry Fonda y Claudia Cardinale, Jason Robards y Gabriele Ferzetti.

También en Europa volvería a trabajar con John Sturges en la película Caballos salvajes. Pero el western que más marcaría su carrera en estos momentos sería Chato el apache (1971), no tanto por la película en sí sino porque comienza su colaboración con el director Michael Winner, que será fructífera en los siguientes años. En el mismo año 1972 rodará un exitoso thriller: Fríamente, sin motivos personales, también con Michael Winner, la que sería una de sus películas más recordadas.


Pero las películas que más fama mundial iban a dar al tándem Winner-Bronson serían las de "El vengador Anónimo" Death Wish, saga de películas en que Bronson interpretaría a Paul Kersey, y que comenzarían en 1974 con el Justiciero de la ciudad, continuaría en Yo soy la Justicia, de 1982, y El Justiciero de la noche, de 1984. Charles Bronson volvería a retomar el papel de Kersey en otras dos películas: Yo soy la justicia II y El Rostro de la muerte, la primera dirigida por el veterano J. Lee Thompson y la otra por Allan A. Goldstein.

Pese a su éxito, estas cintas no añadían nada a la filmografía del actor, que hizo sus mejores actuaciones de los años 1970 en títulos como Nevada express (1975, Tom Gries), El luchador (1975, Walter Hill) y Sucedió entre las 12 y las 3 (1976, Allan D. Goldstein), todas junto a su esposa en la vida real y recurrente pareja en el cine, Jill Ireland; El temerario Ives (1976, J. Lee Thompson) junto a Jacqueline Bisset o Teléfono (1977, Don Siegel), al lado de Lee Remick. En 1972, con el director Terence Young, responsable de las primeras películas de la serie Bond, protagoniza Los secretos de la Cosa Nostra (también llamada Los papeles Valachi), surgida dentro de una respuesta del cine europeo a la moda de películas sobre la mafia comenzada por El Padrino (y que engloba también a Lucky Luciano (1973), por ejemplo).

Sucedió entre las 12 y las 3

Usa 1976 95 minutos. Director: Frank Gilroy. Guión: Frank Gilroy. Música: Elmer Berstein. Fotografía: Lucien Ballard. Productora: Frankovich Productions. Reparto: Charles Bronson,  Jill Ireland,  Douglas V. Fowley,  Stan Haze,  Damon Douglas, Héctor Morales,  Bert Williams,  Davis Roberts,  Betty Cole,  William Lanteau, Larry French,  Michael LeClair
Sinopsis: La noche anterior a un atraco, Graham Dorsey (Charles Bronson), uno de los ladrones, sueña que va a salir mal, por lo que a la mañana siguiente provoca un accidente con su caballo para no ir al poblado donde está el banco. Los cuatro restantes de la banda aceptan que les espere en una casa solitaria donde vive una viuda. Dorsey se enamora inmediatamente de la viuda y entre ambos surge un extraño romance que tendrá que acabar cuando el resto de la banda regrese del atraco.
Ante una película así entiendo que haya oposición, sólo por el hecho de que se trate de un western nacido en los años 70 ya tiene mala pinta. Sin embargo su rareza la hace única, tan diferente y original es que observando su esencia una vez acabada la película no es poca cosa plantearse que adornarla con esas determinadas formas no la hacen estrictamente un western. Para mí es más buena de lo que se dice, más buena que la nota que tiene y hasta mejor de lo que digo yo. Será un western por la localización, por las formas y por parte de su contenido pero de verdad, "Sucedió entre las 12 y las 3" va más allá del género. Y funciona, cosa rara.

Me gusta plantarme aquí y escribir que Charles Bronson está genial, un actor en parte tan encasillado en cierto tipo de películas de machote de calidad más bien dudosa. La película tiene un par de giros tan sorprendentes que aún no me los creo. No sólo hay que tener capacidad inventiva, también hay que tener mucho valor para materializar ciertas ideas nada sencillas. Pasar de la escurridiza realidad a la indiscutible leyenda, ese extraño proceso que lo cambia y altera todo, debido al paso del tiempo. Ya no importan las tres horas que nuestros dos enamorados pasan, es su vida y su existencia. Tras un inicio muy bueno, a los diez minutos parece que estamos asistiendo a un burdo festejo entre Charles Bronson y Jill Ireland (matrimonio en la vida real). Pero si se tiene paciencia y se aguarda justo hasta la mitad de la cinta, entonces es cuando te das cuenta de que empieza la película de verdad . ¡Y qué película! Si la historia de amor entre los dos protagonistas te pareció lenta y convencional, ahora comprendes que solamente tratándola así se podía dar sentido al resto del film.

Una obra triste, cínica y desencantada pero a la vez bellísima. Otra muestra más de que el western puede tratar temas universales, en este caso el de la confusión entre lo real y lo sublime.

martes, 15 de octubre de 2019

Аллея Героев " Начало"

Аллея Героев " Начало" Rusia Power Metal 2019
01. 1943 (Intro)
02. Бог войны
03. Трансильвания
04. Вдаль уносят…
05. Начала
06. Тёмный эльф
07. Легенда
08. Аллея Героев
09. Кто ты, скажи
10. Вертикаль

Hasta once músicos procedentes de Rusia que crean esta banda nueva que debuta con total acierto. 1943 (Intro) es un tema introductorio instrumental y neoclásico que nos ubica perfectamente. Esto no es otra cosa que el típico Heavy/ Power con ligero toque progresivo en ocasiones, neoclásico en otras.... otra banda emulando a los Aria, un clásico en este país y eso nos da la muestra a las claras de la grandeza de los Aria en Rusia, banda absolutamente de culto mucho más valorada por ejemplo que cualquier banda de fuera, se llame Maiden, Priest, Metallica o Slayer, les da igual.
Esto forma parte del orgullo ruso, si los Aria no han cantado nunca en inglés es porque en su casa tienen un mercado muy basto y no lo necesitan para nada. Los Aria son venerados y imitados hasta la extenuación, no solo por bandas rusas sino por bandas de toda la Europa del Este, hasta ahí extienden sus tentáculos los Aria .
Бог войны es el primer tema y calco absoluto de los Aria. Los rusos siempre estuvieron muy orgullosos de lo suyo y siempre miraron lo de fuerza con apreciación pero con cierto escepticismo. Lo dicho, en toda la Europa del Este hay cientos y cientos de bandas que tratan de sonar como los Aria cuando estos todavían están en activo.
Diría que la segunda banda mas importante de Heavy Metal clásico, se entiende, de toda la Europa del telón de acero son los húngaros Pokolgep y el tercer puesto se lo otorgaría a los polacos Turbo. No puedo ponerle ninguna pega a esta banda rusa nueva salvo su evidente falta de originalidad.
Трансильвания tiene una puesta en escena de lo más clásica e incluso previsible pero suena bien y le echan bastante chispa en la guitarra con un poco de distorsión e incluso rozando en los coros del tema la voz gutural algo que es muy habitual en todos lados salvo en Rusia.
Начала es el mejor tema de todo el trabajo y Кто ты, скажи el más elaborado. Pero para todos los fanáticos de los Aria, había que razonar en donde radica la similitud. Bueno, pues estos once nuevos músicos que han creado esta banda buscan en concreto el sonido de los primeros cuatro álbumes de Aria, es decir, su etapa dorada y más clásica. Pero también hay una fuerte influencia de Kipelov en solitario, que fue el primer cantante de Aria que ahora emprendió vuelo en solitario y se desmarca un poco del Heavy/ Power/ Progresivo y eslavo de los últimos tiempos de Aria y suena más sinfónico. Pues una mezcla clara de ambos mundos.
Esto es metal ruso cantado en ruso, más clásico imposible. En Rusia también llegan las modas europeas en el metal, lo de mezclar estilos musicales, lo de hacer coros guturales y jugar al Metalcore.... solo que en Rusia están demasiado centrados en lo suyo y siguen sus propias reglas pasando de modas, quizás deberíamos reflexionar y copiarles en lo que ellos hacen bien.
https://www.youtube.com/watch?v=NiWazKRZi1s
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,75/10

Sulf - Atär " Aurora Tenebris"

Sulf - Atär " Aurora Tenebris" Galiza Black/ Death 2019
1. Metum
2. Crudellis Libellum
3. Estercore
4. Incious Populus

Devil : Bajo
Nertaken: Batería
Iago de Jons: Guitarra
Stoura Timpanos: Guitarra
Makoie: Cantante

Si no sois de campo os diré que sulfatar es pulverizar o bañar con sulfato de cobre una cosa, especialmente las vides para preservarlas de ciertas enfermedades. Se utiliza mucho esta técnica agraria en Ourense con las cosecha de las vides.
Esto viene a nombre por el nombre de la banda, Sulf - Atär en clara alusión hacia sulfatar de ahí que ellos mismos se definan como una banda de " Agrometal". Son de Ponteareas, población perteneciente a la provincia de Pontevedra con más de 22000 habitantes y es famosa a nivel internacional por la celebración del Corpus Christi además de ser región vinícola, de ahí el nombre de la banda.
Con el tema Metum esta banda gallega debutante pisa el acelerador en todo momento. Es una banda de mezcla de estilos de forma sencilla e impactante y hacen una buena labor en la producción. En este tema me llama la atención la claridad del riff que tiene bastante gancho pero sobre todo, lo que destaca por encima de todo es la labor del batería que en este tema es brutal.
Crudellis Libellum es un medio tiempo con riffs doblados crudos y de nuevo los blast beats que nunca nos abandonan. Esto es una especie de Blackened Death pero sin atmósfera ortodoxa como te hacen hoy en día los Balmog por ejemplo que emulan a los Mgla que es la banda que pone las nuevas reglas. La música de esta banda de Ponteareas es mucho más directa e impactante y menos atmosférica.
Mucho Groove y pinceladas a lo Entombed en temas como Estercore, al menos en lo que se refiere a la parte del Death y tengo que decir que en su Blackened Death ellos apuestan más por el Death. Siempre con un sonido de batería tan nítido como potente donde suelen tirar de Blast Beats que no aburre para nada pues le da un extra de agresividad al tema. En cuanto a la labor vocal tengo que decir que este es el mejor tema pues su cantante tira de varios registros y precisamente de este tema me quiero quedar con el riff de metal alternativo de los noventa emulando a los Sepultura del Roots que presenta el puente que nos lleva hacia un cambio de ritmo en este tema.
Incious Populus con riffs doblados muy Thrashers y variedad en un ritmo tribal en la batería, rozando por momentos el Death melódico en su vertiente más primitiva, me recordaron por momentos a los suecos Desultory, antes de ir progresivamente acelerando en el tema.
Mas Death que Black, esta banda gallega es una máquina perfectamente engrasada. Que tiene elementos de Groove/ Hardcore asesino que recuerda a Machetazo y un sonido de Blackened Death directo al grano, sin atmósfera sin tecnicismos ni complicaciones pero con profesionalidad, una producción elaborada, un sonido contundente y mucha hambre, buen debut.
https://sulf-atar.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Kringa " Feast upon the Gleam"

Kringa " Feast upon the Gleam" Austria Black Metal 2019
1. As Kaleidoscopic Patterns Arise
2. Unwind The Gap Anew!
3. To Sleep In Vermin Velvet
4. Eroding Passage
5. Cloak Of Unbound Fears
6. Eyers Of Stone


Teeth: Bajo, Cantante
Spectres: Guitarra, Cantante
Talon: Batería
Neidr: Guitarra


Terratur Posessions es un sello muy interesante que a finales de agosto publicó este trabajo de la banda austríaca los Kringa, lo cual supone su primer larga duración. Pero no son nuevos en esto, los Kringa son una banda creada en la pequeña ciudad austríaca de Upper en el 2009 y desde aquella han trabajado lanzando ep y demos.
Ahora les llega la oportunidad de lanzar su primer larga duración y prosiguen con su filosofía de siempre. Letras ocultistas y vampíricas y aquí tengo que explicar el nombre de la banda. Kringa es el nombre de un pueblo croata donde nació Jure Grando el primer ser humano descrito como un vampiro, una historia bastante interesante la verdad.
Ocultismo y vampiros.... ¿ Y en lo musical? Pues una banda que entra a la primera con temas como As Kaleidoscopic Patterns Arise donde pese a la complicación en las letras en el apartado musical no se complican para nada la vida. Este es un tema de puro Black/ Thrash sin atmósfera alguna y con un trabajo en la batería de puro Speed/ Punk.
Unwind The Gap Anew! sigue con la propuesta del anterior tema solo que con otra orientación musical o mejor dicho con otro tipo de influencias. Caóticos y tirando del Black/ Death más primitivo, emulando de forma clara a los Hellhammer. To Sleep in vermit velvet es un tema.... casi todos los temas de esta banda suelen rondar los seis minutos y medio o siete y tengo que decir que quizás es el punto débil de esta banda. No porque aburran que no lo hacen o porque el oyente no esté preparado para escuchar este tipo de temas que lo está y más siendo Underground, el problema radica en que suceden demasiadas pocas cosas para tan larga duración.
Eroding Passage quizás es el tema más logrado de todo el trabajo pues consigue mantener esa esencia Punk en el trabajo de la batería que le imprime carácter a la banda y a parte de eso, logra un riff que evoca claramente a la escena del Black Raw nórdico de los primeros tiempos, primer tema que logra sonar realmente oscuro.
Cloak Of Unbound Fears   arranca con una distorsión atonal y aguda y prosigue como un medio tiempo bastante oscuro y es que esta banda austríaca intenta acercamientos desde al Heavy oscuro pasando por el Doom y hay que valorar sus intentos de plasmar otro tipo de influencias, buen riff emulando el Pagan Metal más primitivo en este tema para buscar después la aceleración.
Eyers of Stone es el único tema que se permite buscar una atmósfera y sinceramente no es lo suyo, brillan sobre todo, cuando tiran de Punk. Destaco por encima de todo la energía y la voz gruesa y potente de su cantante.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 4/5

Puntuación: 7,5/10

Gawthrop " Demo"

Gawthrop " Demo" Corea del Sur Sludge 2019
1. Exhaust
2. Guru
3. Blowtorch



Hyunwoong: Guitarra
Sunggun: Bajo, Cantante
Owen: Batería

Una banda de Sludge de las más oscuras que escuché en los últimos tiempos. Es habitual hoy en día la mezcla de estilos musicales y la búsqueda de la mezcla entre Sludge y Post Metal para buscar una atmósfera, también queda muy bien la mezcla Sludge/ Doom o buscar un acercamiento a la atmósfera industrial, incluso tirar de ritmos de Stoner en la base rítmica, esto suele ser lo habitual pero los Gawthrorp rompen la baraja.
Exhaust es un tema que hace digno el nombre del tema, efectivamente quedas exhausto escuchando el tema y esto es un aspecto positivo pues es justamente lo que intentan reflejar en su música. Como decía esta banda coreana tiene otras ambiciones y suena clásica sin mezcla de estilos tirando del viejo Sludge pero sin caer en los tópicos de los Melvins y derivados.
Hacen de la distorsión su religión como demuestran en Guru. Me gusta mucho la voz de su cantante y las variantes que ofrece. En el primer tema tiraba de un distorsionador de voz y una voz gutural más propia del Funeral Doom o incluso del Black Metal, en cambio en el segundo tema es una voz rota más propia del Hardcore que introduce un aspecto más fiero a la composición.
Blowtorch es el último corte de esta banda de la capital del país, Seúl, que se estrenan de forma independiente con esta demo. Arranca de forma completamente diferente con un ritmo de bajo muy pausado. Esta es otra característica de la banda, no abusa del bajo amplificado y distorsionado como suele ser habitual en este estilo, es más la guitarra y su distorsión es la gran protagonista de esta demo y suena tan distorsionada que roza por momentos el Drone y el Noise, siempre con mucha suciedad en la producción, con el protagonismo para el batería que abusa del platillo y generando cambios de ritmo siempre lentos y de ritmo atonal, un buen debut.
https://gawthropcult.bandcamp.com/album/demo
Álbum Completo

Mob Rules " Beast Over Europe"

Mob Rules " Beast Over Europe" Alemania Power Metal 2019
01. Beast Reborn (Instrumental)
02. Ghost Of A Chance
03. Somerled
04. Black Rain
05. Sinister Light
06. Dykemaster's Tale
07. My Kingdom Come
08. The Last Farewell
09. Children's Crusade
10. On The Edge
11. (In The Land Of) Wind and Rain
12. Hollowed Be Thy Name
13. Way Back Home
14. Rain Song

Klaus Dirks: Cantante
Markus Brinkmann: Bajo
Sven Lüdke: Guitarra
Nikolas Fritz: Batería
Jan Christian Halfbrodt: Teclados
Florian Dyszbalis: Guitarra

Mob Rules sigue a lo suyo, siempre fue una banda en la una línea bastante coherente y recta sin grandes altibajos. La banda alemana se creo en 1994 y su nombre es un tributo al disco de los Sabbath con Dio, el Mob Rules pero su música no tiene nada que ver.
Este trabajo conmemora toda una vida dedicada al metal y como tal hacemos una ligera reflexión sobre lo que fue su carrera. Savage Land fue su álbum de debut en 1999 y yo diría que es su mejor trabajo donde nos sorprendieron en la era del " Happy Power Metal" con un trabajo contundente que se salía un poco de esa tendencia.
Temple of Two Suns del 2000 ya no tenía esa calidad. Nunca tuvieron tiempo ni para respirar y sus primeros años de carrera fueron frenéticos, si no estaban girando, estaban en el estudio de grabación. Hollowed by the Name fue su tercer trabajo del 2002 , más comercial.
En el 2004 dan el gran salto a fichar por Steamhammer y graban el trabajo Among the Gods para celebrarlo, su trabajo más elaborado en un plano instrumental. Ethnolution A.D del 2006 es el peor álbum en toda la carrera de Mob Rules, muy irregular y poco inspirado. Hicieron bien en tomarse un descanso hasta el 2009 y volver con nuevos bríos con el trabajo Radical Peace, mucho más cañero.
Cannibal Nation del 2012 y Tales from beyond del 2016 son dos buenos trabajos. En cambio Beast Reborn del 2018 no me convence demasiado. De toda su discografía yo diría que solo tienen dos discos flojos y uno de ellos es el del año pasado, de ahí que se graben este álbum en directo.
Además este trabajo en directo sirve para presentar en sociedad al nuevo guitarrista de los Mob Rules, el señor Florian Dyszbalis que procede de Ravage Inc. Los Mob Rules siguen a lo suyo y tengo que decir que el sello Steamhammer es especialista en los directos y suele hacer una gran labor en este sentido.
Catorce temas que repasan todo esto que os mencione, su carrera dentro del Power Metal, unas veces melódico, otras veces más técnico y en ocasiones un Power enérgico y clásico. Los Mob Rules siempre van variando pero de una forma muy básica y sin grandes riesgos. Cuando uno escucha un trabajo de Mob Rules pueden cambiar dos o tres conceptos pero uno ya sabe de memoria lo que se va a encontrar siempre, sin sorpresas pero suele ser una experiencia agradable y en directo siempre tuvieron un plus y es una banda bastante regular.
Buen sonido aunque echo más en falta que los directos de hoy en día sean más reales aunque eso implique un gallo del cantante o una nota fuera de tono, yo creo que el que se compra un CD de música, practica que por desgracia ya no es nada habitual, valora más la sinceridad y el aspecto de la música en vivo más sincero que hacer parecer al artista una máquina perfectamente engrasada que suena igual en el estudio de grabación que en el directo, lo cual de real no tiene nada, pero es lo que hacen todas las bandas y echo de menos el espíritu del Bootleg, de todas formas me parece un trabajo divertido.


Tuner " Catharsis"

Tuner " Catharsis" México Metal Progresivo 2019
01. Erial Aethernum
02. Cold Body
03. Deum Vocula
04. Sing of One Silence
05. Voices
06. Hang
07. Petricor
08. Aqua
09. Medusa Zero
10. Requiem
11. Shadow of Horus
12. The Forgiven

Miguel Hernández Gomez "Mick" : Guitarra, Cantante
Rodrigo Plascencia : Bajo
Alberto SK Rico : Batería

Este es el segundo larga duración para esta banda creada en el 2010 en el D.F. El trabajo arranca con una intro a piano que introduce la música clásica como elemento como es Erial Aethernum. La verdad es que no pega nada de nada con Cold Body. Ellos utilizan el metal extremo y lo tratan de mezclar con el Heavy Metal de corte progresivo, Djen y Shred se dan la mano en un tema como este cuyos mejores momentos son esas partes de Death que recuerdan a Suffocation.
Deum Vocula va creciendo poco a poco en intensidad con un buen Groove que añade cierta plasticidad y contundencia al trabajo de la banda. Una esencia primitiva de Heavy Metal subyace bajo este tema que opta por el Death melódico de los Amon Amarth pero yo diría que con un toque más contundente, ni rastro del metal progresivo.
Sign of One Silence es una balada acústica de unos siete minutos de duración. Influencias variadas, desde los canadienses Rush pasando por los Black Sabbath en su etapa más técnica y por supuesto los Opeth, no tiene demasiado gancho ni una melodía que te atrapa y el cambio de ritmo es algo rudo. Voices es puro Groove y de nuevo llega ese groove con un ligero toque sureño, no podría ser de otra forma, estamos en México.
Hang es un tema de ocho minutos de duración donde de nuevo la banda intenta esa mezcla de estilos pero esta vez le cede el protagonismo al guitarrista que se marca un solo de rock progresivo que como siempre, no tiene demasiado que ver con la mezcla que después realizan. El tema Preticor muy en la línea de los demás, Groove y Heavy/ Thrash, con el paso de los temas olvidándose del Death Metal y centrándose en los solos de guitarra con soltura y técnica. Otro de esos interludios acústicos, bello arpegio en la guitarra con Aqua que sirve para introducir Medusa Zero, con una escalada entre los riffs y un trabajo de nuevo orientado hacia el Death melódico más clásico, con pinceladas de Desultory. Requiem es otro tema acústico instrumental que no llega al minuto de duración que sirve para introducir al tema Shadow of Horus, de este tema quiero destacar la labor tan agresiva, que no técnica, en la batería.
Esta banda mexicana tiene muy buenos momentos, el problema es que quieren hacer demasiadas cosas a la vez y pecan de bruscos por momentos, provocando la desconexión del oyente. Lo mejor son los solos de guitarra que se marca su líder y en el Groove también destacan.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,5/10

Camilo Sesto " Huracán de amor"

Camilo Sesto " Huracán de amor" 1992 Pop España
1. Tatuaje de amor
2. Bocadito de caviar
3. Tinieblas
4. Resplandor de amor
5. Shaila
6. Huracán de amor
7. No digas no
8. Mejor sin ti que contigo
9. Comprensión
10. Enciende o apaga

Saxofón y ritmos latinos para la dulce balada tatuaje de amor, con unos arreglos bastante elaborados donde sigue la misma línea que en el trabajo agenda de baile, su último gran éxito. Bocadito de caviar es uno de los peores temas de Camilo Sesto. Tinieblas recupera un poco el pulso a uno de los peores trabajos de Camilo por no decir el peor, de este tema quiero destacar sobre todo el gran momento que protagoniza la guitarra acústica en el tema.
Los únicos temas destacados de este trabajo son Huracán de amor que es una balada muy sinfónica. Tampoco creo que sea un trabajo donde Camilo Sesto goza de un buen momento a nivel vocal ni tampoco compositivo. Pero tampoco se le puede pedir más, se trata ni más ni menos de su vigésimo trabajo de estudio.
Shaila y Comprensión al menos tienen cierto gancho, tampoco os creáis que demasiado. Es un trabajo desacertado con un par de momentos buenos y poco más. Huracán de amor es el tema de este trabajo, donde abunda la labor del saxofonista.
Estamos en la recta final de su carrera al menos en cuanto a lo de publicar álbumes y es que hay que entender que las reglas del juego habían cambiado por completo y que se llevaba otro tipo de música y era muy difícil que siguiera destacando como en los setenta y ochenta.

Riot " Rock City"

Riot " Rock City" 1977 Heavy Metal Usa
1. Desperation
2. Warrior
3. Rock City
4. Overdrive
5. Angel
6. Tokyo Rose
7. Heart of Fire
8. Gypsy Queen
9. This Is What I Get

Guy Speranza: Cantante
Mark Reale: Guitarra
L.A. Kouvaris: Guitarra
Jimmy Iommi: Bajo
Peter Bitelli: Batería

Vamos a subir la discografía completa de Riot para completar la sección de clásicos internacionales en Metalbrothers.es. Es una banda que vivió todas las épocas y aunque nunca han sido valorados como unos primeros espadas, yo considero que están en el grupo de los elegidos.
Los neoyorkinos Riot nacieron en 1975 , por las razones que sean, al carrera de Riot aunque prolífica, nunca tuvo un impacto internacional verdadero, nunca tuvieron un Boom auténtico como si lo tuvieron Judas Priest o Iron Maiden por ejemplo.
Es a la banda de Halford con los que hay que comparar a los Riot porque son coetáneos y porque Reale se miraba al espejo de Tipton y Tipton al de Reale, ambos se copiaron en según que momentos. Por ejemplo las etapas más cañeras de los Priest fueron un espejo donde mirarse para los Riot y en 1981 los Judas Priest querían embarcarse en el mercado americano y triunfar a lo bestia, para ello querían tocar un Hard Heavy comercial, melódico y blando y sacaron el Point of Entry con la fórmula Priest de siempre pero la influencia comercial de Riot existe, Reale vs Halford/ Tipton, artistas que tienen más que ver de lo que parece, caballeros de la escena que siempre se admiraron y podía meter en la ecuación a los hermanos Oliva de Savatage... bandas que juegan en otra liga.
Sobre este álbum Desperation es un tema que es un clásico absoluto dentro de su carrera, pero yo me quedo de largo con Warrior como el mejor corte de todo el trabajo con ese estribillo mágico que hemos repetido generaciones enteras durante décadas y acompañado por un solo de guitarra que es puro sentimiento.
Rock City, Tokyo Rose.... que buena etapa para la banda, que buen disco para empezar su carrera. No tiene nada que ver por ejemplo con el debut de los Metal Church que ya nadie se acuerda que lanzaron un trabajo instrumental para empezar pues no tenían cantante o el debut de los Accept, que era un rock blando y sin ideas del que siempre quisieron renegar.... bandas más conocidas que Riot y que tuvieron unos inicios titubeantes.
Un Hard Heavy melódico que se aleja de la psicodelia setentera, no tiene nada que ver con la magia de los Judas Priest, Riot siempre fue una banda más melódica y comercial y decir comercial no tiene ninguna connotación negativa.
También nos encontramos temas alegres muy típicos de la época como Gypsy Queen, toda banda quiere tener siempre un Breaking the Law o Living after Midnight para calentar los conciertos, esto es clara herencia de los Kiss, banda también neoyorkina.
Las bandas neoyorkinas siempre gozaron de muy mala fama. Siempre hubo rivalidad entre la escena neoyorkina y la californiana.... son carácteres completamente opuestos la verdad. Por una parte el carácter californiano es muy sureño, típico de persona afable y alegre y el carácter neoyorkino es más cerrado, cosmopólita y egocentrista.... el caso es que Riot eran y son unos músicos que rompieron por completo este estereotipo pues son una de las bandas más respetadas del escenario, ajenos siempre a las polémicas y adictos al trabajo.
Guy Speranza al micro, inmenso vocalista de los Riot del 75 al 81, falleció en el 2003 de cáncer. Steve Costello al teclado aunque no aparezca en los créditos. Este es un trabajo muy divertido donde Reale deja su impronta con unos solos de guitarra viciosos, con algún que otro buen estribillo como el del tema Warrior que ya es un tema inmortal, me parece un debut redondo que los desmarca por completo de bandas de su época como los Quiet Riot por ejemplo. Un trabajo que me parece superior a su siguiente álbum, Narita, aunque para gustos.... El caso es que la carrera de Riot no fue precisamente un camino de rosas, más bien todo lo contrario, fue una carrera plagada de espinas y siempre al borde del precipicio en numerosas ocasiones, es la historia de Reale y la historia de la persistencia.
https://www.youtube.com/watch?v=EOzrX1CkngI
Álbum Completo

Ripping Corpse Biografía

Banda americana de Death/ Thrash creada en 1987 en Red Bank, una localidad de Nueva Jersey. Esta banda apareció en los siguientes recopilatorios:

- "The Unblessed" on Satan's Revenge Part II (New Renaissance, 1988)
- "Chugging Pus" on Speed Kills 6 (Violence of the Slams) (Under One Flag, 1992)


Erik Rutan dejó Ripping Corpse para unirse a Morbid Angel, eso ocurrió en 1993 para grabar el álbum " Domination". En ese mismo año, también Scott Hornick dejó a los Ripping Corpse para hacerse cargo de un puesto de profesor musical en el Berklee College de música de Boston.
Estas dos marchas repentinas en 1992 fue lo que acabo definitivamente con esta banda. La  última formación de 1992 grabo dos canciones que fueron escritas por Erik Rutan y Shaune Kelley pero Erik Rutan dejó la banda al igual que Scott Hornick, en una desbandada general en la que no quedó ni el apuntador. Eso que tenía mucho material, sobre todo temas instrumentales para grabar su segundo trabajo pero esas canciones ya preparadas nunca llegaron a ver la luz.
Tom Stevens pasó por las filas de Incantation y resucitó a la banda Ripping Corpse en más de una ocasión aunque con músicos nuevos y tocando clásicos de los Ripping Corpse pero nunca esos temas que se quedaron en el tintero.
En 1987 debutaron con la demo " Death Warmed Over" considerado un clásico. En 1989 su segunda demo " Slapettered Remains" tan buena como la primera, consideradas dos obras maestras del Death Metal. Tercera demo " Glorious Depravity" en 1990 y antesala del que sería su único lanzamiento.
En 1991 fichan por el sello Kraze y lanzan su único larga duración " Dreaming with the Dead". En 1992 llegaría su último trabajo " Industry", un Ep.

La revolución que nunca cesa

En líneas generales América tanto central como Latina o incluso caribeña siempre fue un polvorín político. Pasto de revoluciones, de gobiernos a dedo dirigidos desde Usa, pasto de la revolución social.... ahora se abre un nuevo escenario.
Saltaba la noticia de que las grandes bandas de Rock suspendían sus conciertos por la situación social de Ecuador. Nada que ver con la crisis de identidad de Brasil que por ejemplo cuenta con el primer presidente de ultraderecha de su historia, algo que aún están dirigiendo. Nada que ver con la eterna crisis de identidad venezolana que sigue sin gobierno, nada que ver con la crisis argentina.
La polémica estalló con el decreto 883 que se sacó el presidente Lenín Moreno de la manga. Este paquete de medidas provocó una ola de protestas en todo el país que pusieron en jaque por completo al gobierno, a parte de tener presiones desde el extranjero lo cual hizo que se diera marcha atrás.

Entre batalla campal, con el estado de excepción, con unas fuerzas del orden completamente impotentes ante la oleada de protestas que sacudió al país de punta a punta, el gobierno de Lenín Moreno tuvo que dar marcha atrás.
Justo antes de dar marcha atrás se estaba preparando un toque de queda para militarizar las calles de Quito, la situación era realmente extrema. Según el defensor del pueblo, fueron 12 días de protesta que dejaron un saldo de 5 muertos, pero más haya de las cifras, la sensación es que el pueblo tiene el mando y el gobierno se vio totalmente incapaz.
Según Lenín Moreno detrás de todas estas protestas se esconde la sombra del ex presidente Correa.... es la historia de siempre de América Latina. Recuerdo la oreja rota de Hergé, esas maravillosas viñetas donde el general Alcazar y el general Tapioca se disputan el poder del país, los soldados no saben quién gana y gritan Viva Tapioca para luego enterarse de que ganó Alcazar para gritar viva Alcazar, es así de sencillo.
Este decreto 883 afectaba sobre todo a la minoría del país, los indígenas que representan un 8 % de la población.
Este paquete de medias que propuso Lenín Moreno incluía una subida del precio de la gasolina en 50 céntimos de dolar por galón, mantenían el IVA en el 12 % aunque las empresas pagan una contribución especial.
Estas fueron las seis medidas:

1. Se libera el precio del diésel y la gasolina extra y ecopaís.
 2. 300 000 familias más recibirán USD 15 mensuales adicionales a través de diferentes bonos
. 3. Eliminación o reducción de aranceles para maquinaria, equipos y materias primas agrícolas e industriales. 4. Eliminación de aranceles a la importación de celulares, computadoras, tabletas.
 5. USD 1000 millones para créditos hipotecarios desde noviembre, a una tasa del 4,99%.
6. Contratos ocasionales se renuevan con 20% menos de remuneración.

No parecen medidas como para asaltar las calles, la verdad. ¿ Porque de estas protestas? El problema es que si sube el precio de la gasolina sube el precio de otros muchos productos y eso es lo que encendió la llama. De echo el gobierno decidió cambiar de residencia de Quito a Guayaquil como hizo la republica española en su día.
El problema es que el gobierno de Quito pidió un crédito internacional y debe reducir déficit para pagarlo y le pide al ciudadano que se apriete el cinturón, incluso como los trabajadores del estado deben pagar un día al mes de su salario al estado pero lo que hizo saltar la llama fue la subida de la gasolina, una subida del 120%.... por cierto que el FMI aplaudió las medidas de Moreno.
Saqueos, tomando las calles, represión policial.... ¿ Porque los indígenas? Pues porque tienen mucho peso entre la sociedad y porque se unieron a los estudiantes para tomar las calles, han logrado que el presidente de marcha atrás y proponga otro tipo de medidas.


En la cuerda floja

Usa 2005 136 minutos. Director: James Mangold. Guión: James Mangold. Música: T- Boone. Fotografía: Phendon Papamichael. Productora: 20 th Fox. Reparto: Joaquin Phoenix,  Reese Witherspoon,  Robert Patrick,  Ginnifer Goodwin, Shelby Lynne,  Hailey Anne Nelson,  Dallas Roberts,  Larry Bagby,  Waylon Payne, Lucas Till
Sinopsis: Biopic del gran cantante de música country Johnny Cash y su mujer y compañera June Carter. La historia comienza en Arkansas, en la época de la Gran Depresión. John R. Cash, hijo de un aparcero, no tardará en realizar salvajes giras con los pioneros del rock and roll: Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Waylon Jennings, giras que culminan con su inolvidable concierto de 1968 en la Prisión de Folsom. Cash se convirtió en el artista más popular del momento, llegando a vender más discos que The Beatles.
Y es que Phoenix (“La noche es nuestra“, 2007) parece estar metido dentro de la piel auténtica de Cash. De hecho, ambos artistas albergan ese estilo de vida que les sitúa ‘en la cuerda floja’, siendo brillantes en su profesión y polémicos en su vida privada, arrastrados por su alma hasta lugares sombríos y melancólicos. Phoenix tuvo que soportar muchas horas de clases para poder situar su voz al nivel de la de Johnny Cash y poder así cantar todos los temas que se reproducen en la película. El parecido entre las voces es clamoroso pero se puede distinguir con facilidad una cierta diferencia de estilos entre el actor y el cantante. Mientras Cash emitía una fuerza atronadora a un nivel que se mantenía firme durante toda la canción, Phoenix suena más desgarrado y su tono delata altibajos, pero demuestra el mismo poderío, seguridad y pasión que ‘el hombre de negro’. Escuchar a ambos es una experiencia igual de motivadora, pues el truco de las canciones de Cash es precisamente el de ofrecer la cara más amarga de la vida de una forma en la que puedas reírte de ella y sentirte especial, con los ánimos suficientes para superar cualquier adversidad. Eso de “coge ritmo cuando te sientas triste” de su “Get Rhythm”.

Pero si hay que algo que junto con Phoenix brille en esta película es Reese Witherspoon (“Pleasantville“, 1998), enamorando con su interpretación de June Carter y una voz espléndida que no me he cansado de volver a escuchar una vez terminada la cinta. El papel de Reese está lleno de vitalidad, confianza, simpatía, humildad, sencillez. Si era tal cual la amada de Cash, era una de las mejores mujeres del planeta. El retrato que se hace de ella en “Walk the line” difícilmente no pueda enamorar a nadie.

Los fabulosos de Trinidad

Spaguetti Western 1972 86 minutos. Director: Ignacio Aquino. Guión: Jakie Kelly. Música: Enrique Escobar. Fotografía: Antonio Ballesteros. Productora: Ifi. Reparto: Richard Harrison,  Fernando Sancho,  Fanny Grey,  Cris Huerta,  Ricardo Palacios, Tito García
Sinopsis: En un pueblo del salvaje Oeste, Nora, una bella contrabandista, conoce a Scott, un cazador de recompensas que la acompaña a México por asuntos de trabajo. Una vez allí, la chica usa todas sus dotes de seducción para conseguir la liberación de tres contrabandistas que habían sido arrestados. Pero, cuando el jefe de la guerrilla se da cuenta de la trampa, persigue a los contrabandistas. Y lo mismo hace Scott.

Leonor Izquierdo

Leonor era la primogénita de Isabel Cuevas y Ceferino Izquierdo, sargento de la Guardia Civil.2​a​ Tuvo una hermana, Antonia Izquierdo Cuevas, y un hermano. Nació en la casa cuartel situada en el Castillo de Almenar, en Almenar de Soria. Queda noticia de que ya estaba en Soria en enero de 1908, en la pensión que regentaban sus tíos y donde conoció a Antonio Machado, entonces profesor de instituto recién llegado a la capital soriana.


El embeleso de Machado fue tan intenso que por primera vez quizá en su vida se mostró impaciente y, cuando tuvo la certeza de que su amor era correspondido, acordó el compromiso con la madre de Leonor.3​ b​ Había pasado poco más de un año, y los novios aún tuvieron que esperar otro hasta que ella alcanzase la edad legal para casarse. Y así, a las diez de la mañana del 30 de julio de 1909 se celebró la ceremonia en la Iglesia de Santa María la Mayor (Soria). Hace un mes que Leonor ha cumplido los 15 y el poeta ya tiene 34. Y contra todo pronóstico, el matrimonio fue modelo de entendimiento y felicidad, hasta tal punto que la joven esposa se apasionó por el trabajo del poeta con toda la ilusión de su juventud. Así lo han referido todos los testigos de este episodio de la vida de Antonio MachadEn julio de 1911, mientras acompañaba en París a su esposo, que estaba realizando una ampliación de estudios con una beca, fue ingresada en un sanatorio durante algunas semanas tras vomitar sangre debido a que había contraído tuberculosis. En aquella época, el único 'remedio' contra tan terrible enfermedad eran las curas de reposo y aire puro en zonas de montaña, motivo por el cual volvieron a Soria, donde alquilaron una casa junto a la Ermita de Nuestra Señora del Mirón. Tras una breve y engañosa mejoría, Leonor murió el 1 de agosto de 1912

La prima Fernanda

La apacible vida del matrimonio formado por Leopoldo y Matilde se ve alterado con la llegada de la prima Fernanda. Ésta, buscando su propia felicidad, se interpone entre la pareja, con Leovigildo apasionado por su prima, provocando de paso la ruina del negocio que el hombre gestiona con su socio Román.
La prima Fernanda es una obra de teatro en tres actos y en verso, escrita por Manuel y Antonio Machado y estrenada en 1931.
En octubre de 1931 la República le concedió a Machado, por fin, una cátedra de francés en Madrid, donde a partir de 1932 pudo vivir de nuevo en compañía de su familia (su madre, su hermano José, mujer e hijas). En la capital, el poeta continuó viéndose en secreto con la inspiradora de Guiomar y estrenando las comedias escritas con Manuel.


En una Orden gubernamental de 19 de marzo de 1932, a petición del secretario del Patronato de las Misiones Pedagógicas, se autoriza a Machado a residir en Madrid «para la organización del Teatro popular».43​

Durante los siguientes años, Machado escribió menos poesía pero aumentó su producción en prosa, publicando con frecuencia en el Diario de Madrid y El Sol y perfilando definitivamente a sus dos apócrifos, los pensadores (y cómo Machado, poetas y maestros) Juan de Mairena y Abel Martín.q​

En 1935, Machado se trasladó del Instituto Calderón de la Barca al Cervantes. Días antes, el 1 de septiembre había muerto su maestro Cossío, poco después de haberse reunido con él en su retiro de la sierra de Guadarrama y en compañía de otros institucionistas, Ángel Llorca y Luis Álvarez Santullano. Las pérdidas se acumulan: el 5 de enero muere Valle-Inclán y el 9 de abril un olvidado Francisco Villaespesa... el desfile de la muerte se había adelantado

La contaminación en el Mar Negro

"Esto no tiene nada que ver con la contaminación. En todo el mar Negro hay unaexplosión de Emiliania huxleyi. Esto es una bendición para el mar Negro", aseguró el experto, quien explicó que este microorganismo es bueno particularmente para las anchoas, un alimento muy popular en Turquía."Este organismo particular está recubierto por carbonato de calcio blanco y, cuando está presente en grandes cantidades, tiende a darle al agua un brillo blanquecino", explicó la NASA.

No todos tienen el mismo efecto. Las diatomeas, por ejemplo, que también pueden aumentar repentinamente en el Mar Negro, tienden a oscurecer el agua y no a aclararla.
Emiliania huxleyi es una especie de cocolitóforo de distribución global y uno de los organismos más exitosos del planeta.
Su increíble adaptabilidad le permite prosperar en aguas desde el Ecuador hasta regiones subárticas.
Si bien cada microorganismo vive apenas unos pocos días, estos inmensos mantos de fitoplancton pueden permanecer en el agua por semanas.En días recientes, las aguas normalmente azules del Bósforo, el estrecho que separa a Europa de Asia, sorprendieron a los habitantes de Estambul por su intensa coloración turquesa.
Alarmados, muchos residentes de esta ciudad turca expresaron su temor en las redes sociales, donde se preguntaban si el fenómeno podría deberse a la contaminación.
Algunos incluso lo vincularon a un terremoto que sacudió la región el lunes.
El gigantesco lago que de repente pasó de ser color verde esmeralda a teñirse de rojo sangre (y que se ve desde el espacio)
Sin embargo, según científicos, el cambio en la tonalidad -acompañado de olor potente- responde a una causa muy diferente: se debe a un incremento repentino de una especie de fitoplancton en el mar Negro.

Braveheart

Motivación

lunes, 14 de octubre de 2019

Virus " Memento Collider"

Virus " Memento Collider" Heavy Metal 2016
1. Afield
2. Rogue Fossil
3. Dripping into Orbit
4. Steammer
5. Gravity Seeker
6. Phantom Oil Silk


Plenum: Bajo
Einar Sjursø: Batería
Czral: Cantante, Guitarra

Czral fue el cerebro de esta banda de echo en unas declaraciones dijo que era una banda más orientada hacia el rock que hacia el metal, el decía que eran un cruce entre Voivod y Talking Heads. Banda de Oslo creada en el 2000 que lo dejo de forma definitiva en el 2018, este es su último larga duración, el cuarto, lo último que publicarían sería un Ep en el 2017.
Os decía que Czral es el cerebro, en realidad se llama Carl Michael Eide, de sobra conocido sobre todo en el Underground. Empezó como batería su carrera pero se cayó desde un cuarto piso y estuvo hospitalizado durante muchos meses, como secuelas perdió un pie y dejó de tocar la batería para centrarse en su labor como cantante, guitarrista y bajista.
Es el líder de los Aura Noir desde 1993, banda venerada de Black/ Thrash aunque de poca producción, guitarrista de la banda Infernö, una banda de Thrash Metal que lanzó varios álbumes a finales de los noventa. Justamente ahora mismo tiene un proyecto que se llama Ved Buens Ende donde sigue la estela de Virus, solo que mezcla el Avantgarde con el Black Metal.
Empezó su carrera como batería con los Ulver y previamente en Satyricon, siempre su imagen asociada al Inner Circle,  es un mítico de la escena. Este proyecto, Virus, siempre fue para minorías. Digamos que le han puesto la etiqueta de Avantgarde, etiqueta que nunca me gustó pues no tiene un significado claro, Avantgarde no deja de ser una mezcla de estilos y una estructura compleja de tema, técnica y a la vez ambiental. Las influencias de esta banda son varias: Voivod, Carbonized, Manes, Manimalism, Erraunt, Disharmonic Orchestra, Whirling...etc.
Esto es un viaje a las raíces del Rock de los 60/ 70 un trabajo de distorsión absoluta que en vez de buscar una atmósfera busca el anti- climax. Ahora que está de moda la banda Ghost, pues simplemente decir que se vieron al espejo de esta banda.