miércoles, 14 de noviembre de 2018

Santydark Jett "Behold the Roots"

Santydark Jett "Behold the Roots"Metal Industrial Uruguay 2018
1.My Own Song
2.On Weird Chemicals
3.The Melody Of Downgrade
4.Cheers!, Before You're Gone
5.Wait The Redeemer
6.Your Flawsthe World That I Want To Live
7.Smoke Screen
8.Analyze And Disengage
9.Lone Wolves Dance
10.Momentum

Se trata de un proyecto individual que mezcla el Metal Industrial, el Metalcore y el Death Melódico, todo desde un punto de vista muy comercial, es un artista procedente de Montevideo con muy buena voz y composiciones adictivas.
Me gusta el pasaje acústico de My Own Song y el estribillo es pegadizo, poco de metal industrial es la única pega que le puedo poner. Los pasajes acústicos vuelven a aparecer en On Weird Chemicals pero en esta ocasión con el metal industrial, esta vez sí, como protagonista, muy comercial y me recuerda a Ektomorf, buen Groove en las guitarras y sonido de batería programada típico.
Juega en todo momento con la programación y los sintetizadores pero sin suciedad, cuando hablo de metal industrial no penséis en los inicios de este género tan oscuro y versátil, de echo el pionero de este estilo, el señor Broderick salió de la banda de Grindcore los Napalm Death, su proyecto de metal industrial, Godflesh hizo historia es como citar a los Neurosis en el Post Metal, una historia completamente diferente. Este estilo fue evolucionando y a día de hoy, yo diría que perdió su esencia pues se mezcla con subgéneros de lo mas variados, la verdad es que es un estilo musical que se presta a todo tipo de mezclas.
Por lo tanto muy poca oscuridad aunque hay temas Smoke Screem donde demuestra una pericia sin igual en el solo de la guitarra con una emotividad y técnica muy elevadas aunque con la pega que no le da profundidad al buen momento, me recordó a Edge of Sanity.
Hay temas que rozan el metal industrial mezclado con el electrónico como The Melody of Downgrade pero este artista siempre lo hace interesante, me recordó a los últimos tiempos de In Flames y siempre lo hace interesante porque es un genial guitarrista.
Otros temas como Wait the Reedemer tienen cierto toque gótico que te hace soñar con Type o Negative.... ¿ La banda con mas personalidad del planeta? como se echa en falta al señor Steele un genio a la altura de Quorthon o de Schuldinner.
Una de las variantes del metal industrial es el Darkwave y prueba fortuna con el tema Your Flaswthe World That I Want To Live. Hay variedad en todos sus temas y es de agradecer pues nunca aburre. Pero como os decía anteriormente en la faceta en la que mas destaca es en la de compositor ( composiciones equilibradas y con gancho, no es nada fácil amigos, hay que darle su valor, hay bandas con mas de veinte años de carrera que conocéis todos que no tienen gancho ninguno) y sobre todo es muy buen guitarrista, lástima que no le de mas profundidad a sus solos de guitarra porque me quedo con ganas de más.

Puntuación: 6/10

Lecher " Castle of Hallucinations"

Lecher " Castle of Hallucinations" Heavy Metal Brasil 2018
01. The Wolf Still Barks
02. Anonymous in Hell
03. Believe
04. Betrayer Deluxe
05. The Weight of Gold
06. Face Your Fear
07. Usurpers of Freedom
08. Supreme Dynasty
09. Castle of Hallucinations

Marcelo Machado: Batería
Diego Alquezar: Guitarra
Juliano Costa: Cantante, Bajo
Alex Aquino: Guitarra



Bienvenidos al mundo sonoro de los Lecher, no te arrepentirás si escuchas este trabajo. Son una banda de Brasil, se creo Sorocaba que es una región de Sao Paulo en el 2007 y en el 2011 lanzaron su primer Ep. Están obsesionados con la licantropía y siempre aparece un hombre lobo en sus portadas.
Su primer larga duración ya está aquí. Lo primero que te va a llamar la atención es la voz de su cantante, tiene una tonalidad muy aguda que me recuerda a las bandas de Speed Metal alemanas de los ochenta. Pero a la vez son bastante melódicos por ejemplo en The Wolf Still Barks tiran de acústicas para empezar con melodía para después lanzar Anonymous in Hell, un tema con tres partes diferenciadas. La primera es un medio tiempo con coros que quizás le falta algo de energía a la batería, lo segundo es el estribillo donde calcan un riff de los MSG que les queda de auténtico lujo y buscan el solo melódico de la Nwobhm.
Believe tiene un riff hipnótico y acelerado que vuelve a recordar a esas bandas del Speed Metal ochenteras como Maniac, Living Death, Vectom.... saben lo que hacen y siempre generan esa atmósfera melódica con la guitarra pero aún así, suenan en todo momento potentes.
Betrayer Deluxe es un medio tiempo al galope con un riff que suena a los Grave Digger o Running Wild en sus buenos tiempos. Siempre tienen gancho en el estribillo, en ese sentido, sin ser una banda dinámica que no aporta nada novedoso, mas bien todo lo contrario, se puede decir que su clasicismo es su mejor arma y que tienen bastante gancho compositivo.
Obviamente en un país como Brasil con una gran pasión por el metal clásico y sobre todo por los Iron Maiden no podría faltar el tributo a la banda de Harris con el tema The Weight of Gold, con la única diferencia que ellos siempre suenan acelerados, intentando abarcar el Speed Metal pero dándole un toque melódico al asunto.
Face your Fear es un tema al que le falta desarrollo, demasiado simple y van perdiendo un poco de gas, el típico tema que suena mas rockero que metalero y que en este caso recuerda bastante a Udo en cualquier etapa suya. Usurpers of Freedom siguen apostando claramente por el Rock, son temas que en directo pueden y deben funcionar pero que en el estudio de grabación te van restando enteros después de un arranque tan prometedor.
Supreme Dinasty, aunque suena a mas de lo mismo, nos devuelve al camino correcto con ese riff melódico y a la vez épico al galope que se acaba acelerando y buscando esos estribillos con coros que suenan como cuchillas que ya son marca de la casa y una de las mejores razones de los Lecher para llamar la atención a nivel nacional y porque no, internacional.
Finalizamos con redobles de batería, la melodía Nwobhm en el riff doblado, con mucha épica y sobre todo sentimiento. Esa es la clave de este trabajo que los Lecher componen temas a corazón abierto, son pura pasión por el Heavy Metal clásico y pese a que el álbum tiene algún que otro bajón importante de calidad, el álbum empieza bien, por el medio decae y acaban de forma potente y convincente, una banda a seguir de cerca.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,5/10

Nauticus " DISAPPEAR IN BLUE"

Nauticus " DISAPPEAR IN BLUE" Finlandia Post Metal 2018
1. Magma (6:26)
2. Jesus of Lübeck (1:37)
3. Claimed By the Sea (10:33)
4. Strange Sequences / Lost Frequencies (10:26)
5. Desolation (3:21)
6. Singularity (7:43)
7. Arrival (11:13)
8. Whale Bones (2:54)
9. Hieronymus (14:47)
10. Glass Pyramids (9:01)

Tuomas Rajala : Batería, Piano
Juuso Jalava : Bajo
Markku Kastell : Guitarra
 Jani Portaanoja : Guitarra

Hoy os propongo algo completamente diferente, novedoso, creativo pero ya os aviso de que no es una banda sencilla de digerir. Es una banda de Turku ( Finlandia) son cuatro músicos que siempre cuentan con colaboradores. En este caso hay cinco cantantes adiccionales, un cello y una violinista.
Estamos ante su tercera entrega. Si buscas el típico estribillo melódico sencillo será mejor que huyas corriendo porque esta no es tu banda. Los Nauticus son una banda que marcan un antes y un después que buscan algo que no es nada sencillo. Una mezcla extravagante entre Post Metal, Sludge, Metal/ Rock progresivo, Ambient... hay un poco de todo.
Si estás metido de lleno en el Underground sabrás de que va el Post Metal pero tampoco es la típica estructura de los temas del Post Metal con esos cambios de ritmo prodigiosos e inesperados y con ese típico sonido de ritmos sostenidos y melódicos, se podría decir que en este trabajo la melodía brilla por su ausencia.
El primer problema al que se enfrenta el oyente es la duración del mismo trabajo con unos 78 minutos musicales que se le pueden hacer engorrosos por momentos. También la duración de los temas, en algún caso excesiva pero hay que decir que ellos no se marcan objetivos, buscan la creatividad y la pregunta clara que os formulo es ¿ Cuantas bandas buscan hoy en día la creatividad? Pues muy pocas por eso los Nauticus tienen un lugar especial en Metalbrothers.es.
No quiero resultar farragoso y enfangarme en estilos porque lo que mejor se puede hacer con Nauticus es dejarse llevar por la música. La mezcla que realizan es de laboratorio es la típica banda mas valorada por el músico que por el público en sí. 
Hay un elemento básico que se repite en todos los temas que es el metal alternativo sobre todo a la hora de elaborar los estribillos eso es algo mas que evidente en temas como Arrival, Glass Pyramids o Magma. El metal alternativo usado en unos estribillos que no suenan agresivos pero si algo oscuros y como ya os dije carecen de melodía.
En cuanto a la atmósfera de los temas se hacen valer del Ambient que domina hoy en día la escena metalera, hay desde elementos comerciales a lo Mastodon, pasando por algo mas complejo como puede ser lo que te hacen los Shining por ejemplo.
Brillante trabajo de batería y del bajista, yo diría que son los grandes protagonistas de este álbum, lo que hacen en Desolation y el tema Singularity es sencillamente brillante. Hay que decir también que la banda no se corta ni un pelo a la hora de provocar al oyente y de hacerle pensar. Así tenemos también influencias que van desde Neurosis, Pelican o pasando por los Voivod. Muy experimental en todo momento, es un trabajo que necesita de muchas escuchas para que un oyente pueda extraerle el jugo. Producto complejo que en algún que otro momento se hace algo tedioso pero que tiene su recompensa.

Feeling: 2/5
Originalidad: 5/5
Técnica: 4/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6,75/10




Karg " Dornenvögel"

Karg " Dornenvögel" Black/ Ambient Austria 2018
1. Drangsal
2. La tristesse durera toujours
3. Petrichor
4. L'appel du vide
5. Meine Freiheit war ihr Tod
6. F 19.5
7. Heimat bist Du tiefster Winter
8. Advent


V. Wahntraum Guitars, Vocals (2006-present)

Karg es el proyecto de un músico austríaco de 31 años de edad llamado Michael que reside en Viena, la capital mundial de la música. Es un viejo conocido de Metalbrothers.es porque es el cantante de Harakiri from Sky, banda de la que ya os hablamos.
Su proyecto invidual Karg nació en el 2006 y presenta su sexto álbum. Es un trabajo lleno de sorpresas. No me imagino un mejor inicio para un álbum que Drangsal. Un tema con unas notas melódicas de gran calidad que inundan de melancolía el tema para un cambio de ritmo explosivo donde auna Post Black Metal con Ambient.
Es un álbum con aires conceptuales donde se repiten automatismos como en  La tristesse durera toujours donde repite esas notas melódicas que llenan de profundidad el trabajo, de una carga emotiva genial que está a caballo entre el Ambient y el Shoegaze, se trata de una melodía desgarradora y como es habitual en el, siempre hay luces y sombras en su música y aparece la oscuridad de golpe.
Turno para Petrichor con un trabajo de batería completamente diferente y un riff sostenido, los automatismos del Post Metal están en este trabajo, la típica estructura elaborada de este estilo. Prolonga con sabiduría los pasajes donde mas brilla esa melodía.
 L'appel du vide es completamente diferente, con un ritmo lento en la batería típico del rock progresivo, mucho platillo y un ritmo acústico suave y oscuro a la vez que sirve para que vayan poco a poco introduciendo elementos. Esa es la diferencia de este trabajo, los pequeños detalles son lo que lo hacen grande.
 Sigue la carga de profundidad musical con Meine Freiheit war ihr Tod y sus letras inteligentes sobre la existencia. Quizás es el tema mas luminoso de todo el álbum. Es una lástima que Karg ya no ofrezca conciertos en directo porque la verdad es que merece mucho la pena verlos.
Entre tanta melodía hay que buscar elementos diferentes y eso llega con  F 19.5, un medio tiempo que se acerca mucho a lo que buscan los ucranianos Druidkd o incluso Burzum en sus buenos tiempos, este tema se acerca al Pagan Metal y nos ofrece otro punto de vista.
 Como ya dije si por algo destaca este proyecto es por su melodía potenciada por el Black Metal y un claro ejemplo de esto que os digo es el tema Heimat bist Du tiefster Winter que me recuerda mucho a bandas como Harakiri from Sky, Anomalie, Heretoir, Fen, Alcest, Archivist y por supuesto los maestros suecos Shining.
Finaliza el álbum con Advent un tema que contiene el cambio de ritmo mas brillante de todo el trabajo. Es muy constante y trabajador este músico que con prolijidad y esmero compone unos ritmos que no pasan desapercibidos en ningún momento, Karg siempre es una garantía de música inteligente.

Feeling: 3/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 4/5
Producción: 3/5

Puntuación: 8,25/10

Titanic " Soumrak Titánů"

Titanic " Soumrak Titánů" Heavy Metal República Checa 2018
1.Pěkný Vokno
2.Kam Se Schovám
3.Eso Herz
4.Soumrak Titánů
5.Rohatej
6.Rock 'N' Roll Man
7.V Pekle Procitnem
8.Netradiční Hodokvas
9.Boží Mlýny
10.Bude Fajn


Marthus: Batería
Milan Hanák: Bajo, Cantante
Zdeněk Černý: Guitarra, Cantante
Dzoro Encev: Guitarra, Cantante


Titanic es una de las bandas mas veteranas de Heavy Metal clásico procedentes de la República Checa. Esta banda se creo en la industrializada ciudad de Brno en 1984 y desde aquella llevan una carrera sólida aunque hay que reconocer que con escaso reconocimiento pues en este país, tienen muchísima mas fama las bandas de metal extremo que las melódicas.
Este es el sexto trabajo en estudio para los Titanic que siguen cantando en checo y se limitan a su mercado nacional. Pěkný Vokno es un tema con potencia y todo gracias al fichaje estelar de Marthus un batería checo conocido a nivel internacional por tocar con Cradle of Filth, Masterplan o Mantas entre muchos otros, tiene técnica y pegada y le da una potencia a los Titanic que nunca tuvieron pues mas bien siempre fueron una banda de Hard Heavy, el caso es que hay muy buenos condimentos pero el plato no tiene sabor porque no hay feeling.
.Kam Se Schovám no deja de ser un sencillo y básico rock and roll solo que potenciado mil por mil con el extra de vitaminas que aporta la distorsión en la guitarra y la contundencia del batería. Sin melodía adictiva sin una contudencia que lo oriente hacia el Heavy Metal.... en tierra de nadie.
Eso Herz tiene un trabajo de bajo que es mas típico del Thrash Metal y que en este tema queda como un elemento extraño. Los Titanic siempre tuvieron una idea musical emotiva sin ser brillante ni gozar de técnica pero siempre efectiva y en este trabajo no encuentran la tecla en ningún momento.
Soumrak Titanu es el tema que le da título al álbum y es un corte donde la banda tira de teclados para darle un aire atmosférico a un riff mas oscuro de lo habitual. Acústica para acompañar al cantante y cambios de ritmo a medio gas para ir de menos a mas, sin llegar a convencer al menos hay más elaboración.
Rohatej tira de agresividad y clasicismo en la guitarra y ganan enteros con el primer riff que en realidad funciona de todo el trabajo y se pasan al Groove/ Power tan típico de la Europa del Este muy similar al que te pueden practicar los Ossian o Pokolgép, bandas húngaras.
Rock 'N' Roll Man es un tema de los de toda la vida de los Titanic, un tema acelerado que está completamente influenciado por Black Sabbath y la carrera de Dio y de Ozzy en solitario. A su vez es un rock acelerado que lleva la firma de bandas míticas de la República Checa que llevan en esto del metal clásico toda la vida y con la que los Titanic han compartido escenario en multitud de ocasiones como son los Arakain, Sifon o Araxa, bandas creadas estas dos últimas a finales de los setenta.
V Pekle Procitnem es un tema con muy buenas maneras aunque no funcione esa melodía generada en las guitarras pero le falta desarrollo, demasiado sencillo para una banda que lleva en esto toda la vida. El tema Netradiční Hodokvas sigue ahondando en el abismo sonoro al que cae este trabajo porque no aporta nada de nada.
Boží Mlýny corta la hemorragia, se trata de una balada acústica, terreno en el que siempre destacaron pues tienen un sentimiento único que es típico de la Europa oriental. Finaliza el trabajo con Bude Fajn que es oscuro y por fin aporta esa dosis de maldad, de agresividad que tenían sus anteriores trabajos pero que en este han perdido por completo.
Gracias a los dos últimos temas y los del arranque del álbum salvan el trabajo pero sin lugar a dudas es el álbum mas flojo de Titanic una banda que nunca brilló pero que si sacaba sus trabajos con solvencia, en esta ocasión no se da el caso. El problema es el quiero y no puedo constante en todos los temas. Siguen fieles a su estilo y lo dan todo pero no hay feeling, no hay ideas frescas y el trabajo pasa sin pena ni gloria.

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 5/10

N-232 " N- 232"

N-232 " N- 232" Heavy Metal España 1989
1. Muerte
2. Fuegoalma
3. Soledad
4. Santificado
5. Destruido
6. Encadenado
7. Silencio de Sol
8. Corre Vuela

Fernando: Bajo
Alberto Sánchez: Batería
Alfredo Pascual: Guitarra
Manolo: Guitarra
César Pascual: Cantante

La N-232 es la carretera que une Vinaroz con Santander  y esta banda tomo ese nombre, curiosamente. En 1987 se creo en Casetas ( una localidad cercana a Zaragoza) a esta banda que en sus primeros momentos estaba formada por César Pascual al micro, Alfredo Pascual a la guitarra, Manolo a la guitarra rítmica, Fernando al bajo y Alfredo Sánchez a la batería.
Bueno.... ¿ y porque tomaron el nombre de esa carretera en concreto? pues porque la N-232 pasaba junto a su local de ensayo... tampoco se comieron el coco, la verdad. Eran unos tipos curiosos, los que ya somos veteranos y vivimos los ochenta pues recordamos aquella época con nostalgia y las pintas eran de aquella muy importantes, si practicabas un metal potente ibas de negro con tus melenas y tachuelas y si tocabas el Hard Rock melódico el pelo cardado y las mallas típicas de aquella época tan hortera en cuanto a la vestimenta, el caso es que N-232 iban vestidos como se dice, de calle, sin llamar para nada la atención y eso chocaba en aquella época.
Ellos como tantas y tantas bandas de aquella época tenían un estilo sin definir, un rock muy potente pero con momentos de Metal e incluso algo de Thrash, intentando mezclar la melodía de los Metallica que estaban tan de moda por aquella época con el rock melódico y urbano, un poco caótico todo pero mas o menos había muchas bandas con la misma idea.
En 1989 participaron en el festival el heavy no es violencia en el pabellón municipal de Casetas junto a Bruque, Pedro Botero, Reo, Badana, Excess, Último de Cuba o Áspid, ese fue el gran momento en la carrera de esta banda.
El problema de esta banda fue la localización como tantas y tantas otras bandas del panorama nacional que no son de Madrid y en menor medida de Barcelona o Bilbao... pues lo tenían realmente difícil y es lo que le sucedió a esta banda. Imaginaos que tocaban poco en directo porque uno de sus guitarristas compaginaba la banda con tocar en una orquesta en verano. Tan solo grabaron dos demos en 1989 y 1990 y la idea era publicar un álbum pero no pudo ser.




Atlain " G.O.E"

Atlain " G.O.E" Speed Metal Alemania 1985
1. Waste
2. Guardians of Eternity
3. Break Down your Neck
4. Brainstorm
5. Out on the Streets
6. Fast Attack
7. Space & Time
8. Demons Feast
9. Break That Wall

Andre Chapelier: Bajo
Chris Efthimiadis: Batería
Andreas Büttner: Guitarra
Jörg 'Pritze' Pryzarski: Guitarra
Peter Müller: Cantante

Segundo y último trabajo para esta banda alemana que tuvo una carrera de lo mas breve de 1983 a 1986 con dos álbumes en su haber tan solo, al no encontrar un sello que le publicara su tercer álbum decidieron dejarlo y cada uno se busco la vida en otra banda.
Peter Müller es el típico cantante de los ochenta, con un timbre muy agudo que le sienta bien a los temas de esta banda. Este trabajo está injustamente olvidado por el público que considera mejor el primer trabajo de Atlain, pues yo justo pienso lo contrario, este trabajo está mas logrado que el primero.
Waste es un tema con un trabajo de bajo y batería pasable, llama la atención pues Chris Efthimiadis el batería de Atlain es muy bueno y paso por las filas de Rage pero en este trabajo pasa de puntillas con un trabajo acelerado, potente pero anodino. Lluvía ácida de riffs y solos de guitarra con la pasión de los Judas Priest pero a la vez con un sonido mas oscuro que en su primer álbum.
Guardians of Eternity es el típico medio tiempo que se acelera, previsible al máximo pero de buen gusto con una pequeña dosis de melodía aunque con un trabajo calcado de guitarras al de su primer tema y que siempre te hagan lo mismo en la batería pues le resta un poco de creatividad al tema pero al menos suena con fuerza.
Break Down your Neck si que es un tema que llama la atención, esa distorsión que sirve para abrir el tema y ese riff extraído del British Steel que recuerda al riff del tema Rapid Fire pero enfocado hacia territorios mas oscuros, tiene cierta esencia del Thrash alemán de toda la vida y es el primer gran tema del álbum.
Nos aguarda la típica balada del metal clásico a mediados de los ochenta con Brainstorm y es que era casi obligatoria por esta época, te la imponían los sellos y oye, no se les da nada mal. El tema con mas energía y mejor trabajo de guitarras es Fast Attack que recuerda mucho a los temas de su primer álbum, riffs y solos de guitarra a borbotones.
La cara B del vinilo baja bastante las prestaciones porque es repetir una y otra vez el mismo esquema, aún así temas como Space & Time o Demons Feast te dejan buen sabor de boca. La diferencia principal con su primer álbum es que su primer trabajo sonaba a Speed Metal alemán en toda su esencia y en esta ocasión nos aguarda un poco de Power teutón a lo Stormwitch pero algo mas oscuro, acelerado y cañero y pinceladas de Thrash blando por momentos, en todo caso es un álbum variado que fue injustamente olvidado ya que el público solo recuerda su primer álbum y este no desmerece en absoluto.
https://www.youtube.com/watch?v=mKkYxmd1ccQ
Álbum Completo



Aparajito


India 1954 105 minutos. Drama. Director: Satyajit Ray. Guión: Satyajit Ray. Música: Ravi Shankar. Música: Subrata Mitra. Productora: Epic Productions. Reparto: Kanu Bannerjee,  Karuna Bannerjee,  Pinaki Sengupta,  Smaran Ghosal, Santi Gupta,  Ramani Sengupta,  Ranibala,  Sudipta Roy. Sinopsis: Relata la juventud de Apu en Benarés, su deseo de independizarse y estudiar en Calcuta para poder llevar una vida diferente a la que han conocido sus padres. Segundo film de la "Trilogía de Apu".
La magnífica trilogía fílmica de Satyajit Ray, continúa con esta 2ª parte o filme llamado "Aparajito (El invencible)", o sea sobre la infancia y adolescencia de Apu, el protagonista principal de la misma; casi seguro la mejor o una de las tres mejores trilogías cinematográficas de toda la historia del cine. Su fuerza narrativa, la palpitante historia que se cuenta, comprensible y universal, el proceso existencial del ser humano rodeado siempre por la muerte de lo que ama o de lo bello o de lo que más le apega al mundo, los sentimientos tan bien descritos y excelentemente filmados, hacen de esta obra un auténtico tesoro.


Verdaderamente el mérito y genialidad de esta trilogía de Satyajit Ray, es haber logrado componer un maravilloso ensayo existencialista, histórico y sociológico de lo que es la existencia o la vida humana por regla general; es decir, de cómo son realmente las cosas en vez de cómo quisiéramos que fueran.

En esta 2ª parte o "Aparajito", el director Ray nos sigue contando la historia del matrimonio hindú compuesto por un pobre brahmán o sacerdote del hinduismo (el mismo actor que hacía de padre de Apu en la 1ª parte, es decir Kanu Banerji) y su esposa (la misma actriz excepcional y magnífica, Karuna Bennerjee, que hacía en la anterior película también de madre de Apu y que en esta cinta encarna sin lugar a dudas el papel principal, la base, el fuste y el capitel sobre el que se asienta la humanidad y la sociedad, el hogar, la economía, el progreso, la educación y el desarrollo de los hijos: es decir la bendita y sacrificada madre de familia) una mujer atenta al cuidado constante de su esposo y de su hijo; de como los tres emigran desde la aldea campestre a Benarés, la gran ciudad de rituales a orillas del río Ganges.

La historia de esta familia, los personajes tratando de sobrevivir y prosperar, nos llegan directamente al corazón, se comprenden en cualquier parte del mundo. Todo narrado y filmado de manera sencillamente magistral. Una delicia cinematográfica que invita a reflexionar sobre la vida humana, sobre el esfuerzo de nuestros padres para que salgamos adelante y seamos más que ellos, sobre lo ingratos que somos los hijos con los padres (algo que no reconocemos hasta que se nos van de este mundo y ya no podemos mirarlos más a los ojos).

Satyajit Ray

Ray nació en una importante familia bengalí de literatos y artistas. Se graduó en el Presidency College de Calcuta y estudió bellas artes en la Visva-Bharati University, en Santiniketan. En Visva-Bharati fue influido profundamente por el humanismo de Rabindranath Tagore, el fundador de la universidad.

Tras completar su formación, Ray estudió diseño gráfico antes de dedicarse a la dirección de cine. Fue atraído por la cinematografía tras conocer al cineasta francés Jean Renoir y ver la película neorrealista italiana Ladri di biciclette durante una visita a Londres. Se inició en el cine con Pather Panchali (La canción del camino), film con el que ganó once premios internacionales incluyendo el de Mejor Documento Humano en el Festival de Cine de Cannes. Junto con Aparajito y Apur Sansar, Pather Panchali forma la Trilogía de Apu, la obra maestra de Ray.

Ray era profundamente sensible a la gente y las condiciones socioeconómicas reinantes en Bengala y, aunque sus películas tienen un interés humanista universal, la vida de las diversas clases sociales de Bengala, el conflicto de los nuevos y antiguos valores, y los efectos de las rápidamente cambiantes condiciones económicas y políticas de la India son algunos de los temas recurrentes en su obra.

Fue un cineasta prolífico y dirigió treinta y siete películas en su vida, que comprenden largometrajes, documentales y cortos. Dado el nivel de participación de Ray en cada aspecto de la creación de cine, sus películas muestran un nivel de expresión personal raramente visto en el cine. Se dedicaba a la creación de guiones, casting, dirección, partitura para las películas, cámara, trabajando estrechamente con la dirección artística y montaje, incluso diseñando sus propios títulos de crédito y material publicitario. Aparte de ser director de cine, fue también escritor, editor, ilustrador, diseñador gráfico y crítico de cine

Recibió muchos importantes premios de cine en su ilustre carrera, incluyendo un Óscar honorífico en 1992, poco antes de morir.

cine del destape

Se denomina cine de destape al género cinematográfico aparecido progresivamente en España desde la supresión oficial de la censura franquista consiguiente a la muerte del dictador en noviembre de 1975, representado en su mayoría por un verdadero aluvión de películas (solo en 1976, casi el cincuenta por ciento de las cintas producidas pertenecen a este género)1​ de alto contenido erótico –de escasa calidad y mínimo coste–, en las que (a menudo de manera gratuita) se muestran sin tapujos constantes desnudos femeninos, algunas de las cuales llegan a convertirse en su momento en éxitos comerciales sin precedentes, e interpretadas casi exclusivamente en sus papeles masculinos por el tándem formado por Andrés Pajares y Fernando Esteso, Antonio Ozores y, en menor medida, por José Sacristán y José Luis López Vázquez.


Destacan entre ellas El amor del capitán Brando (Jaime de Armiñán, estrenada en noviembre de 1974), vista por algo más de dos millones de espectadores atraídos por los pocos fotogramas en los que Ana Belén (Aurora) muestra los pechos ante un espejo, La trastienda3​ (Jorge Grau, febrero de 1976), protagonizada por María José Cantudo (Juana Ríos), considerada la primera película española en que aparece un desnudo frontal íntegro,4​ la mucho más explícita secuencia en la que una desinhibida Sara Mora (Cecilia) (Los energéticos, 1979) se ducha con total naturalidad ante la mirada sorprendida de Agapito (Andrés Pajares)…, las escenas eróticas de El caminante (clasificada «S») (Paul Naschy, 1979), para las que el cineasta contó con la colaboración de actrices ya consagradas en el género como Blanca Estrada, Adriana Vega, Eva León o Tadia Urruzola, o las adaptaciones cinematográficas de clásicos literarios como El libro de buen amor (1975) o La lozana andaluza (1976).

En cuanto a las llamadas «musas del destape»,5​6​7​ cabe reseñar junto a la ya citada María José Cantudo, a Blanca y Susana Estrada, María Luisa San José, Ágata Lys, Victoria Vera, Nadiuska, Bárbara Rey, Silvia Tortosa, Eva Lyberten, Victoria Abril… o las ya desaparecidas Sandra Mozarowsky (f. 1977) y Amparo Muñoz (f. 2011).8​

En octubre de 2008, se estrena Los años desnudos (Clasificada S) –protagonizada por Candela Peña, Mar Flores y Goya Toledo–, ambientada en esa época.

Crystal

Se reveló más tarde cómo había rescatado a un moribundo Quicksilver (Pietro Maximoff). Ella eligió a Quicksilver sobre la antorcha como el hombre que amaba.10​Poco después, se casó con Quicksilver.11​Más tarde dio a luz a su hija, Luna, y acompañó a los Inhumanos cuando Atillan se trasladó a la Luna de la Tierra.12​Durante el tiempo en que los Inhumanos vivieron en la Luna, Crystal desafió a la estructura de poder de la sociedad y huyó con muchos Inhumanos a una parte aislada de la Tierra. Ellos estaban allí para ayudar a Medusa, su reina, dar a luz en secreto. Crystal usó sus poderes para eliminar la contaminación procedente de una amplia área alrededor de su escondite, un error que condujo a consecuencias aún peores.


Quicksilver y Crystal han tenido un inestable matrimonio. Pietro siempre ha tenido un temperamento fuerte y Crystal había tenido una vez un romance con un agente de bienes raíces llamado Norman Webster. Ella y la Antorcha Humana todavía tenían sentimientos el uno al otro durante su supuesto matrimonio con Alicia Masters (Más tarde se reveló ser un Skrull llamado Lyja simplemente fingiendo ser Alicia). También desarrolló sentimientos hacia Dane Whitman, el Caballero Negro, pero nada físico vino de él. Estas razones han provocado que se separen varias veces, incitado por Maximus el Loco toma el crédito por el descenso de Pietro en la locura. Uno de estos intentos de reconciliación se produjo en un pequeño pueblo, en una cabaña alquilada, donde Crystal tuvo que instar a Quicksilver "ir lento". Desafortunadamente, incluso esta se vio afectada por fuerzas externas.Crystal es la hija de los Inhumanos Quelin y Ambur, y vivió en Attilan con los otros Inhumanos, hasta que la familia real los Inhumanos fue obligado a salir de el Gran Refugio por Maximus.3​ Sus primeros encuentros con el mundo exterior fueron a través de los Cuatro Fantásticos. Ella se encontró con la Antorcha Humana, y lo llevó a los Inhumanos en la secreta base de Nueva York. Ella salió de Nueva York con los miembros de su familia para escapar de Seeker, pero quedó atrapado en el interior de Maximus "Zona Negativa" la barrera cúpula alrededor de el Gran Refugio. Ella se enamoró de la Antorcha Humana, a pesar de que su romance fue bloqueado por una barrera literal, en torno a la ciudad de los Inhumanos. Los Inhumanos fueron finalmente liberados de la barrera "zona negativa", y dejó el Gran Refugio junto con la Familia Real para visitar el mundo exterior. Ella envió a Tritón para rescatar a Mister Fantástico de la verdadera zona negativa y con la ayuda de los Cuatro Fantásticos en la batalla contra Blastaar

Ron Harper

Ron Harper cumplió su ciclo de 4 años universitarios en el equipo de la Universidad de Miami (Ohio), donde obtuvo unas excelentes estadísticas de 19,8 puntos, 9,3 rebotes y 2,8 asistencias.Fue elegido en el Draft de la NBA de 1986 por Cleveland Cavaliers, en la octava posición de la primera ronda. Promedió 22,9 puntos en su primera temporada como profesional, siendo incluido en el mejor quinteto de rookies. Después de tres temporadas, fue traspasado a Los Angeles Clippers, donde jugó 5 temporadas a un gran nivel. En la ciudad del viento ganó sus tres primeros anillos de campeón de la NBA en los 5 años que permaneció allí.


En 1999 decidió seguir los pasos del que había sido su entrenador en Chicago, Phil Jackson, y fichó por Los Angeles Lakers ya con 36 años, pero rindiendo todavía a un gran nivel. En la ciudad californiana ganó otros dos anillos de campeón en sendas campañas, retirándose del baloncesto en activo al finalizar la temporada 2000-2001. Ganó los 5 campeonatos con el mismo entrenador.

Bettie Page

En la víspera de año nuevo de 1958, durante una de sus visitas regulares a Key West, Florida, Page fue a un servicio en el ahora Templo Bautista de la Iglesia de Key West. Se encontró atraída por el ambiente multirracial y comenzó a ir de forma regular. Con el tiempo iría a tres escuelas bíblicas: el Instituto de la Biblia de Los Ángeles; la escuela bíblica de Multnomah en Portland, Oregón; y, brevemente, a un retiro cristiano denominado "Bibletown", parte de la comunidad cristiana de la iglesia de Boca Ratón, en Florida.

Mantuvo una relación con el diseñador industrial Richard Arbib en los años 50. Luego se casó con Armond Walterson en 1958. Se divorciaron en 1963.

Durante los años 60, trató de convertirse en una misionera cristiana en África, pero fue rechazada por haberse divorciado. Durante los años siguientes trabajó para varias organizaciones cristianas antes de establecerse en Nashville en 1963. Trabajó a tiempo completo para el Reverendo Billy Graham.

Se casó por segunda vez, y brevemente, con su primer esposo; quien la ayudó a ganar un puesto en trabajos misionarios; sin embargo, se divorciaron poco tiempo después. Ella regresó a Florida en 1967, en donde se casó nuevamente con Harry Lear, pero este matrimonio terminó en divorcio en 1972.


Luego se mudó a California del Sur en 1979. Allí tuvo un colapso nervioso y tuvo un altercado con su casera. Los doctores que la examinaron la diagnosticaron de esquizofrenia aguda y pasó 20 meses en un hospital psiquiátrico en San Bernardino, California.

Después de otro altercado con otro casero, fue arrestada por agresión, pero fue encontrada inocente por locura y fue puesta bajo supervisión estatal durante 8 años. Fue dada de alta del Patton State Hospital en 1992 en el condado de San Bernardino.

Un culto de fanáticos se creó a su alrededor durante los años 80, del cual ella no estaba al tanto. Esta renovada atención estaba focalizada en su trabajo como modelo de lencería más que en aquellas que mostraban parafilias, y se ganó cierta redención por parte de la gente y estatus popular como ícono de la erótica de una nueva era. Esta atención también elevó la pregunta en sus nuevos hinchas acerca de su paradero después de los años 50. La edición de 1990 del popular "Book of Lists" incluye a Page en una lista de las 11 más famosas celebridades que parecen haberse desvanecido de la faz de la Tierra.

Omega " The Prophet"

Nwobhm  1983

Javier Otxoa

Los inicios de su carrera estuvieron muy ligados a su hermano gemelo Ricardo. A los 13 años comenzó en la cantera de la Sociedad Ciclista Punta Galea. Fue varias veces campeón en las categorías inferiores, destacando la consecución de un Circuito Montañés.3​ Tras su debut con el equipo ONCE, pasó a Kelme-Costa Blanca. El 10 de julio de 2000, en el Tour de Francia, ganó en solitario la etapa de Dax-Hautacam, por delante de Lance Armstrong.


El 15 de febrero de 2001, fue arrollado por un coche en la carretera de Cártama (Málaga), mientras entrenaba junto a su hermano gemelo, el también ciclista Ricardo Otxoa, que falleció en el accidente.Como consecuencia del mismo, Javier sufrió una parálisis cerebral.6​ Javier siguió practicando el ciclismo.

Ganó cuatro medallas en los Juegos Paralímpicos de Verano en los años 2004 y 2008.8​9​ Falleció el 24 de agosto de 2018 tras una larga enfermedad.

martes, 13 de noviembre de 2018

Dirt is Destiny " Dirt is Destiny"

Dirt is Destiny " Dirt is Destiny" Chipre Black Metal
1. Marooned
2. I Have Come into Being
3. Echo
4. You Will Hang by the Noose

Danny Krrio: Bajo, Guitarra, Cantante
Daniel Georgiu: Batería

Chipre es una isla muy influenciada por Turquía y Grecia y esta banda no se escapa de estas influencias culturales. Dirt is Destiny es un proyecto de dos músicos procedentes de Nicosia, la capital chipriota, que debutan de forma independiente con un ep con cuatro temas que te van a sorprender.
Decía que Chipre es una isla que no tiene una identidad nacional definida, la mitad de la población es de origen griego y la otra mitad de origen turco, y estos dos países manejan el designio de este pequeño país. Pues bien, estos dos músicos son de ascendencia griega y su música es un calco del Black ortodoxo griego con mezcla de estilos.
Lo primero que me llama la atención es la excelente producción, nitidez total y cada instrumento con su cota de protagonismo. Estos tios van muy en serio, Marooned lo tiene absolutamente todo. Un medio tiempo lento atmosférico donde mezclan el Doom con el Black ortodoxo, lo increíble es el cambio de ritmo donce aceleran la batería y nos regalan un riff limpio, de puro heavy metal clásico y muy épico que pone el listón muy alto y encima no te lo esperas para nada.
 I Have Come into Being me recuerda mucho a los Neurosis pero también a los Rotting Christ. Es cierto que hay cientos de bandas a lo largo y ancho de todo el planeta que buscan este sonido pero muy pocas las que pueden llegar al nivel de las bandas a imitar, pero ojo con estos chipriotas porque han echo un trabajo muy profesional y brillante por momentos.
Echo sigue esa combinación entre Black, Death y siempre ritmos lentos de Doom, ya les cogemos el truco, en este tema por ejemplo en el inicio suenan mas orientados hacia el Death con un ritmo tribal a la batería interesante y de nuevo con un riff que valdría para cualquier estilo musical que simplemente es metalero y épico y limpio pero tengo que decir que le dan ese toque oriental al riff que lo hace todavía mas jugoso de cara al oyente.
 Finalizan con nota con You Will Hang by the Noose un tema de Black/ Thrash. No es el tema mas brillante de todo el trabajo ni de lejos, de echo aunque sea el menos dotado a nivel técnico a excepción del solo de guitarra que vuelve a ser espectacular, es un tema agresivo que le sienta muy bien al trabajo.
Dirt is Destiny es una banda que le podría gustar a cualquier fan del metal, ya le guste el Death Metal, el Black, el Epic Metal o cualquier estilo con clase y épica, una banda a seguir muy de cerca.
https://dirtisdestiny.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Hibernia " Summerstorm"

Hibernia " Summerstorm" Folk Metal España 2018
1. Danroch Clann
2. Hymn of Glory
3. Summerstorm
4. Celtic Furor

Es una banda procedente de Torrelavega ( Cantabria) seis músicos que tienen que trabajar mucho mas sus redes sociales y demás páginas de uso común para darse a común porque si no lo van a tener en chino. Su biografia dice lo siguiente, Hibernia se formo a inicios del 2015 con la idea de formar un grupo de musica celta, mezclando instrumentos tradicionales como mandolinas, whistles y percusion variada junto a una potente base de power/death metal. Sobre esta descripción todavía sigo buscando el Power/ Death Metal en sus composiciones porque no aparece por ninguna parte.
 Dicen estar influenciados por estos artistas: Sonata Arctica, Ensiferum, Eluveitie, In Extremo, Rhapsody, Wintersum, Equilibrium, tampoco encuentro comparación posible ni parecido razonable en ningún fragmento de este Ep, hay que venderse mejor y de forma mas real.
Es una banda de Folk Metal con un sonido muy asturiano, buscan siempre una melodía épica, bella y ligera en todas sus composiciones que es lo que mas destaca. Mucho trabajo por delante, la guitarra no aporta nada en ningún momento, es un simple acompañamiento que suelta en todos los temas un riff distorsionado y con groove y sin ninguna historia. Lo peor de esta banda es la voz de su cantante, una voz gutural sin ninguna gracia que no le sienta nada bien. La idea de combinar voz gutural con elementos melódicos es la idea de mezclar melodía y fuerza pero en el caso de esta banda queda como un pegote, además abusan del estribillo y no se trata de una banda con gancho precisamente.
La base rítmica es inaudible, batería y bajo no aportan nada, la guitarra es lineal, el cantante está desacertado y todo el protagonismo recae sobre esos elementos de Folk que aportan los violines y la flauta y acaban aburriendo pues abusan en todo momento del mismo ritmo sin cambiar nada, tan solo el tema Danroch Clann me parece salvable, Summerstorm tiene una buena melodía pero es tan lineal que acaba aburriendo y esto es común a todos los temas, Celtic Furor transmite algo de alegría pero se queda tan solo en eso.
Power/ Death Metal, elementos de no se que.... mira la cosa es sencilla, suena a Magö de Oz pero con voz gutural, no hay mas historia. La producción es floja y el trabajo que le queda a esta banda por delante es arduo pues es un debut muy flojo.


Tremenda Jauría " Codo con Codo"

Tremenda Jauría " Codo con Codo" Punk España 2018
1. Por todos lados
2. Nos cuesta
3. Hazme una perdida
4. Codo con Codo
5. ¿ Dónde vas corazón?

Mc Chucho: Cantante, Guitarra, Producción Electrónica
Mc Machete: Cantante, Producción electrónica
Mc Larrata: Cantante, Bajo, Acordeón, Producción Electrónica
Ganga DJ: DJ

Me acerque a este álbum porque me vendían que sonaba a Punk... sigo buscándolo por todas partes, pero ya que estamos aquí, hagamos reseña de esta banda. " Cumbiaton Insurgente". Vamos a ver, seguramente esta sea la reseña mas breve de toda la historia de Metalbrothers.es, porque sinceramente no hay nada que contar.
Esta es una banda de Cumbia- Reggeaton- Música electrónica. El caso es que me acerque a este álbum porque en el Bandcamp está etiquetado como Punk y ya os digo que de Punk no hay absolutamente nada. El caso es que ellos dicen ser una banda de Cumbiaton Insurgente, me imagino que lo que pretenden es tener una actitud Punk y que sus letras son mas profundas que las de las bandas de Reggeaton.... y es que todos los temas de este tipo de bandas me suenan exactamente iguales.
La banda dice que cuenta con un bajo y una guitarra,  que no aparece en ningún momento. Lo que si aparece en algún momento es el piano que le da un aire atmosférico a este trabajo. Me quedo con el tema Codo a Codo por las letras, feministas y un canto a todas aquellas mujeres trabajadoras de Madrid que cogen el metro a primera hora y regresan a última hora de la noche a sus casas, viviendo unas vidas anónimas para la sociedad pero son fundamentales para su familia. Es un tema que tiene un aire Reggae que es logrado a golpe de producción electrónica y que también tiene elementos de Hip Hop.
Desde luego no se a quién le puede gustar este proyecto, porque los puretas del Reggaeton no les gustará este tipo de canciones que no son bailables y no contienen letras chorras como es habitual en el Reggeaton al que me niego a llamarle estilo musical, su actitud reinvindicativa hace que salgan en Metalbrothers.es aunque su estilo musical nos es completamente ajeno.
https://tremendajauria.bandcamp.com/album/codo-con-codo-2018
Álbum Completo




Ieon " Across the Sphere of IEON"

Ieon " Across the Sphere of IEON" Malaysia Black Metal 2018
1. N-X-M Xul
2. Anti
3.  Evangelium Nazarenorum
4. Dominus Noctis
5. Eulogy
6. Black-Craft-Kult
7. Origin

Son tres músicos que prefieren mantenerse en el anonimato, tres músicos procedentes de Malasia, que mantienen ese anonimato por la crudeza de sus letras, no es que los malayos tengan problemas con la libertad de expresión como si está sucediendo tristemente en España en los últimos tiempos, pero mas vale prevenir que curar.
En este país se habla el malayo como lengua principal y como secundaria el inglés, lengua que hablan casi todos los habitantes del país y que eligen el 90% de las bandas que salen de este país, porque todas las bandas malayas tienen la idea de triunfar a nivel internacional, o al menos a ser visibles en Asia.
Pese a que en Malasia hay minorías chinas e indias que practican el hinduismo y el budismo, de echo en este país hay estatuas gigantescas bañadas en oro de Buda, pese a que aún quedan tribus de indígenas que practican el animismo como son los Iban o los Bidayuh que viven en las regiones boscosas de las islas.... pese a todo esa cultura globalizada del país, la religión oficial es el Islam lo que hace que estos tres músicos se mantengan en el anonimato porque el Islam ve con muy malos ojos la blasfemia y el satanismo y es que no entienden que esto simplemente es música, sin mas historia.
Hay una gran tradicción de Black Metal en Malasia desde los noventa y los Ieon que tocan en directo en Kuala Lumpur siempre encapuchados, la verdad es que suenan muy bien. Mi tema favorito es Anti un corte que me recordó a los Mgla polacos, lo que demuestra una vez que vivimos en un mundo globalizado y que todo está al alcance de cualquiera, el conocimiento bien entendido... aunque esto es un arma de doble filo, también la desinformación puede causar el caos.
Ieon es una banda que suena a Black Metal clásico pero con un toque de metal clásico muy evidente. Se eternizan con sus riffs como en Evangelium Nazarenorum porque saben que tienen gancho y recrean una atmósfera de lo mas natural. Otro ejemplo para escuchar su música, es que también tienen mucho de los Darkthrone en su última época, cuando añadieron un par de matices de metal underground a su música, aunque ahora hayan regresado al Black Raw de toda la vida.
Dominus Noctis arranca con una distorsión que les acerca al Noise para luego tirar de Blast Beats por primera vez, el ritmo es frenético y por primera vez en todo el álbum logran sonar muy oscuros y a Black Raw tradicional. El cambio de ritmo, de los de toda la vida, de la escuela nórdica, el Black/ Thrash de la vieja escuela que suena como un mazo de potente, muy en la línea de Sargeist o Immortal.
Turno para Eulogy donde vuelven a la acústica y a la melodía. Son los nuevos tiempos que corren para el Black Metal y estos malayos quieren estar en todas las salsas, ya sea a base de ritmos agresivos y sucios del Black nórdico de toda la vida o buscar la nueva tendencia del Black mas atmosférico y ambiental a golpe de intro acústica sazonada con sintetizadores para darle una capa atmosférica. Black Craft Kult si que suena agresivo y de la vieja escuela, un medio tiempo que gracias al enorme trabajo de la guitarra, logran siempre su efecto y es que los riffs de esta banda suenan como el mazo de Thor golpeando tus costillas.
No te creas que no hay cierto riesgo en alguna fase del álbum y buscan algo mas ambicioso como es el caso de Origin, donde buscan unir estos dos mundos, un intento que sale rana, porque se les da mucho mejor sonar a Black Raw que a Black Ambient, eso es lo que deben pulir y cuando lo logren yo creo que se pueden convertir en un fenómeno mundial, pues tienen mucho gancho.
https://originofieon.bandcamp.com/album/across-the-sphere-of-ieon
Álbum Completo

Feeling: 4/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,5/10


Alcatrazz " Live in Japan"

Alcatrazz " Live in Japan" Hard Rock Usa 2018
01. Opening
02. Too Young To Die, Too Drunk To Live
03. Hiroshima Mon Amour
04. Night Games
05. Big Foot
06. Island In The Sun
07. Kree Nakoorie
08. Coming Bach
09. Since You Been Gone
10. Suffer Me
11. Desert Song
12. Jet To Jet
13. Evil Eye
14. Guitar Crush
15. All Night Long
16. Lost In Hollywood
17. Kojo No Tsuki
18. Something Else

Graham Bonnet: Cantante
Jimmi Waldo: Teclados
Gary Shea: Bajo
Mark Benquechea: Batería
Conrado Pesinato: Guitarra

Un trabajo muy especial para todos los fans de los enormes Alcatrazz, quizás una de las mejores bandas de rock melódico de la historia aunque la sensación mas bien es que se quedaron a medio camino de serlo. Alcatrazz es una banda que creo el propio Graham Bonnet después de salir de MSG en 1983 Debutaron con No Parole for Rock and Roll y un directo y contaban ni mas ni menos que con Yngwie Malmsteen. En 1985 llegaría Disturbing the Peace, un trabajo donde Yngwie fue sustituido por Steve Vai, casi nada.
Harto de figuras que le dejaban tirado, tras la marcha de Vai se ficha a Danny Johnson que venía de girar con Alice Cooper, la banda saca al mercado su tercer álbum " Dangerous Games". La banda lo dejó en 1987.
Pero volvamos al presente, el año pasado Graham Bonnet estreno su banda bajo su nombre y lanzó el álbum The Book, aprovechó la gira para reunirse con ex miembros de Alcatrazz, se unió a Jimmi Waldo y Gary Shea, teclista y bajista respectivamente. Steve Vai e Yngwie nunca quisieron saber nada de estas reuniones de Alcatrazz.
Graham completa la formación de Alcatrazz con Benquechea y Pesinato, dos miembros de su banda, La Graham Bonnett Band.... una banda por cierto, que en sus directos siempre toca muchos temas de Alcatrazz, así que esta vuelta.... pues no me parece tal.
No me parece un regreso porque Bonnet vuelve con su antiguo teclista, el señor Jimmy Waldo, que es productor e íntimo amigo de Bonnet que giro con este en numerosas ocasiones, igual que el bajista, Gary Shea, así que no me parece una reunión. Ya no pido a Vai o Yngwie pero por lo menos el batería Jan Uvena o el guitarrista Jhonson.... por no hablar que nos venden un concierto especial de una formación que solo es el 50 % de Alcatrazz y nos la venden como única, cuando Alcatrazz ya se reunió en muchas ocasiones y siempre con esta formación, es decir con parches temporales, la última de ellas en el 2008, digamos que en Japón el señor Bonnet sigue teniendo su feudo y se marcó todo el repertorio de Alcatrazz que es lo que mas interesa al público nipón.
Esta formación tocó en Osaka, Nayoga y Tokio en marzo del 2017. Me hace gracia porque dicen que es la actuación despedida de Alcatrazz, cosa que ya escuche un par de veces y no os lo creais, volverán cuando mas convenga a Bonnet y a la discográfica de turno. Ahora bien, esta actuación en directo, bastante retocada en el estudio de grabación y donde no se escucha apenas al público, si contiene algo especial. Unos archivos en forma de temas en sus sesiones originales antes de ser retocadas en el estudio de grabación que pertenecen a una sesión de 1985
Alcatrazz siempre fue una banda de enorme clase y una banda que en directo siempre gozo de enorme fama. y es un placer escuchar sus clásicos. A lo largo de los años los Alcatrazz han ido lanzando directos de forma mas o menos habitual, unas veces de giras del propio Graham Bonnet Band con algún Alcatrazz que aún siga en el negocio musical y otras veces se dedica a lanzar álbumes en directo, esos bootlegs piratas que ahora se profesionalizan y lanzan como directo oficial de sus numerosas giras por Japón, en este caso del ocaso de la banda en 1985. Nos venderán que es una ocasión única pero de única no tiene nada pues hay cientos de directos de Alcatrazz pululando por la red, tanto oficiales como bootlegs y por cierto, la mayoría de ellos, de mayor calidad que este.


Riser " Temple of Addiction "

Riser " Temple of Addiction " Thrash Metal Estonia 2018
01. Broken
02. Temple of Addiction
03. Silent Anger
04. Wild Man
05. Damage Land
06. Strip Queen

Andres Uuspõld Bass, Backing vocals
Karl Hannes Veskus Drums
Taavi Lass Guitars (lead), Backing vocals
Sten Lindmets Guitars (rhythm), Vocals



Una nueva banda de la Europa del Este se viene arriba son los Riser procedentes de Tallin, la capital de Estonia. País báltico que comparte frontera con Estonia y Lituania y con mucha historia en el mundo del metal, una historia no reconocida por el resto del viejo continente, pues la historia del metal en Estonia se remonta a 1973 con Gunnar Graps Group, el caso es que las bandas de Estonia empiezan a tener reconocimiento poco a poco.
Los Riser son una banda creada en el 2015 que debutan con este ep. Arranca el trabajo con Broken un tema donde la banda nos regala un medio tiempo que se acaba acelerando. Esta falto de fuerza, se trata de un Heavy/ Thrash que suena clásico y ameno en cualquier caso pero que ni en cuanto al metal ni al Thrash suena aguerrido en ningún momento, esta sensación también está provocado por un solo de guitarra que suena mas rockero que otra cosa y por un cantante bastante lineal.
Temple of Addiction es un tema bastante similar al anterior solo que dura la mitad que el anterior tema. La diferencia es que hay cierta energía en la composición, sobre todo en el tono de la guitarra, que recuerda un poco a los Judas Priest en la era Ripper Owens. El problema de los Riser es que suenan muy sencillos y se complican poco la vida. Ahora bien, se agradece el cambio de ritmo donde si introducen matices de puro Thrash Metal como el trabajo del bajista que recuerda a Overkill.
Silent Anger aparece en un primer momento con un pasaje acústico de primera, muy melódico y sentimental que me recordó a Scorpions y MSG, bandas muy seguidas por Gunnar Graps que son los pioneros del metal y Rock en este país. Llega el cambio de ritmo con un medio tiempo cargado de Groove que es un cruce entre Annihilator, Metallica y Megadeth con un solo de guitarra al final.
Misma fórmula para Wild Mand, tema de tres minutos donde vuelve a tirar del repertorio de los Megadeth, aunque un trabajo en la batería menos técnico y mas básico. Se les da bien construir estribillos, lástima que su cantante no sepa amoldarse, porque no tiene registros vocales, siempre es lineal, al igual que algún pasaje de guitarra como es el caso de este tema, que suena estancado o rutinario.
Al galope llega Damage Land con un buen ritmo de batería y bajo que vuelven a constatar que cuando unen sus fuerzas esta banda puede ofrecer mucho mas de sí, con unos ritmos mas agresivos que se echan en falta en ciertas fases de este trabajo. Siempre tiran de clasicismo y hay muy poco riesgo y ambición en este trabajo en líneas generales aunque si, su buen hacer.
Strip Queen es un tema que solo puedo calificar de rockero y tiran del legado del señor Lemmy Kilmister para elaborar un rock sucio que quizás si que le queda como anillo al dedo a su cantante que en ritmos mas agresivos y potentes se ve en un plano secundario que acaba perjudicando a su banda. Muy poca caña para esta banda de Heavy/ Thrash con algún que otro buen tema, pero aún así suenan amenos en todo momento y seguro que van a mas en el futuro.


K- XX " Después del Kaos"

K- XX " Después del Kaos" Heavy Metal España 2001
1. Todo sigue igual
2. Solución
3. No es un hombre
4. 2000 años del kaos
5. Francotirador
6. Eutanasia
7. Karne de kañón
8. Mírate bien
9. Psicofonía

Nano Pérez: Cantante, Bajo
Alberto Sánchez: Guitarra
Carmelo Berdiel: Guitarra

Una banda con bastante historia dentro de Zaragoza. Esta banda se formó en la localidad de Casetas, región cercana a Zaragoza en 1993 con el nombre de Kaos. Estuvieron en activo del 93 al 2001 y debutaron en ese año 93 con una demo editada por el sello Kikos en formato cassette, de título homónimo y que contenía cuatro temas.
Cuatro años después llegaría su primer larga duración " Estado de Konfusión" un trabajo de Heavy/ Thrash con muy buenas letras por cierto, aspecto en el que destacaba esta banda. Estaban preparando su segundo trabajo en el 2001 pero por razones legales se tuvieron que cambiar de nombre a K-XX para sacar su segundo trabajo.
La formación la componían Nano Pérez al micro y al bajo que paso por las filas de Pedro Botero del 83 al 91 como bajista y desde el 2015 regreso a Pedro Botero. Alberto Sánchez a la batería que paso por las filas de la banda maña  N-232 y Carmelo Bardiel.
Estos tres músicos sacaron este Después del Kaos con la misma idea musical que con Kaos, nada cambio, quizás un trabajo mas acoplado a los tiempos que corren con una pequeña dosis de Thrash en la base rítmica, mas presencia del bajo y algo de Groove en las guitarras pero siguen con sus buenas letras aunque en esta ocasión mas de temática social y mas directas y siguen sobre todo con su esencia de Heavy Metal clásico que recorre sus venas.
El problema es que este trabajo paso inadvertido por su mala promoción y lo dejaron poco tiempo después de publicar este trabajo y la banda no regreso hasta el 2010 y regresaron para recuperar su nombre de siempre, Kaos. Eso sí, no tenemos noticias de ellos, ni buenas ni malas, porque ni tienen redes sociales ni hay noticia alguna me imagino que Nano estará centrado en Pedro Botero, el caso es que la banda sigue activa en la Metal Archives pero como os dije, sin noticias de ellos.



Atlain " Living in the Dark"

Atlain " Living in the Dark" Speed Metal Alemania 1984
1. Hallowed by the Priest
2. Living in the Dark
3. Sinner
4. Dig It
5. Satanica
6. Sphinx
7. Thousand Nights in Hell
8. Hold Back the Night
9. Evil Forces

Andre Chapelier : Bajo
Chris Efthimiadis: Batería
Andreas Büttner : Guitarra
Jörg 'Pritze' Pryzarski : Guitarra
Peter Müller : Cantante

Atlain fue una banda de Speed/ Power Metal... mas de Speed que de Power creada en 1983
en Herne, una región alemana cercana a Munich. Eran como una familia, tan solo tuvieron tres años
de carrera hasta 1986 y sin cambios de formación. Los diferentes miembros de esta banda pasaron
por las filas de Holy Moses, Refuge, Running Wild, Faithealer... no eran unos cualquiera.
Debutaron con una demo lanzada de forma independiente en 1984 y en la época dorada del metal
lograron un contrato con el sello belga Mausoleum Records que les lanzó su primer trabajo, este
Living in the Dark, producido por Axel Thubeuaville que es el que creo el sello Earthshaker Records
y el que trabajo como productor para bandas como At Vance, Breaker, Carrie, Living Death, Mad Butcher
Steeler, Overdose, Xxaron, Virgin Steele.... entre muchos otros. Se puede decir que las bandas de Speed
Metal alemanas de mediados de los ochenta, el 90 % de esas bandas pasaron por su manos y el peso de
un productor experimentado en una banda novel se nota mucho así que si no conocéis a Atlain os podéis
hacer una idea de lo que os espera aquí, un ataque masivo de Speed Metal de la vieja guardia.
Quizás la producción no es la mejor y la base rítmica a lo largo de los temas es un tanto lineal, pinceladas
que eran bastante mejorables. Respecto a otras bandas de Speed Metal alemanas lo que hay es un intento
de introducir cierta melodía en unos estribillos que siempre son repetitivos y tratan de ser melódicos, de
metal clásico y el mejor ejemplo de esto que os digo es el tema Sinner.
Un punto flojo de la banda es su cantante, un tanto lineal pero tiene un buen falsette aunque no se prodiga
demasiado en este aspecto. Lo mejor es el trabajo de sus dos guitarristas, hay temas que tienen una gran
garra como es el caso de Dig It aunque desmerece bastante el trabajo de bajo y batería que siempre es tan
lineal como poco profundo.
Esto es Speed Metal clásico en vena con la única diferencia que hay un intento de darle un aire mas melódico
a los estribillos si lo comparamos con otras bandas alemanas de Speed Metal de la época, por ejemplo, nada
que ver con los Vectom o los Living Death que eran mas oscuros pero si similares a S.D.I o Tyrant. Aunque
tengo que decir que esta banda saco un disco más que reseñare y que tuvieron cierta evolución musical,
donde mezclaban ese Speed con Power Metal y las referencias cambiaron, influencias de Stormwitch,
Avenger ( los Avenger alemanes, no los ingleses de la Nwobhm) o los alemanes Attack.
Lo mejor como decía antes toda la galería de solos con algunos riffs en máxima distorsión que le añaden
fuerza a las composiciones, el viejo Speed alemán de toda la vida, es un álbum ensalzado por la
comunidad Underground, sinceramente no es para tanto, todo lo que sale de los ochenta es rapidamente
mitificado, eso sí, sin ser ninguna joya es un buen álbum.



Las Brujas de Eastwick

1987 118 minutos. Usa. Director: George Miller. Guión: Michael Cristofer. Música: Jon Williams. Fotografía: Vilmos Zsigmond. Productora: Warner Bros. Reparto: Jack Nicholson,  Michelle Pfeiffer,  Cher,  Susan Sarandon,  Veronica Cartwright, Richard Jenkins,  Carel Struycken,  Keith Jochim,  Helen Lloyd Breed. Sinopsis: En la pequeña y tranquila población de Eastwick, Nueva Inglaterra, viven Jane (Sarandon), Sukie (Pfeiffer) y Alexandra (Cher), tres modernas y aburridas mujeres. Hartas de esperar al hombre capaz de satisfacerlas, una noche de lluvia se reúnen, e inocentemente, invocan al hombre perfecto. Pronto las tres mujeres descubren sus extraordinarios poderes cuando llega a la ciudad el misterioso Daryl Van Horne (Nicholson), un personaje tan diabólico como seductor.
Film basado en la novela homónima, "The Witches of Eastwick" (1984), de John Updike, dirigido por George Miller ("El aceite de la vida", 1992). Se rueda en localidades de Massachussetts y California. Obtiene dos nominaciones a los Oscar (música y sonido). Se estrena el 12-VI-1987 (EEUU).

La acción tiene lugar en Eastwick, pequeña ciudad de Nueva Inglaterra (EEUU), a lo largo de varios meses, en 1986. Narra la historia de tres amigas, de edades similares, que comparten soledades: una es viuda, otra ha sido abandonada por el marido y la tercera se ha divorciado. Son Alexandra "Alex" Medford (Cher), Jane Spofford (Sarandon) y Sukie Redgmont (Pfeiffer). Trabajan y son económicamente autosuficientes. Arrastran deseos insatisfechos y represiones derivadas del conservadurismo de la sociedad del lugar. Se reúnen con frecuencia para entretenerse, compartir opiniones y conversar. Una tarde exploran las características del hombre más deseable y tratan de definir al que sería el ideal para las tres. A modo de juego, deciden conjurar su presencia.

Daryl Van Horne (Nicholson), un forastero recién llegado, es rico, soltero y de una edad adecuada. Pronto se muestra extraño, misterioso, contradictorio y dotado de un potente atractivo personal. Es machista, maltratador, cínico, vengativo, solitario y cruel. Vive dominado por la pereza, la gula, la lujuria, la ira, la soberbia, etc.

Las relaciones entre las tres mujeres teintañeras y el presuntuoso Daryl dan lugar a una larga serie de lances que se desarrollan en un contexto de exageración, desmesura y delirio. Combinan magia y realidad, poderes sobrenaturales y pasiones humanas, amistad y lucha de sexos. La historia contrapone lo femenino y lo masculino, liberalismo y conservadurismo, el mundo mágico y el real, el bien y el mal. Plantea interrogantes sobre los conceptos de lo que es bueno y lo que es malo y sobre las sorprendentes similitudes que se dan en las definiciones extremistas de los mismos.

Combina humor visual y verbal, explícito y sugerido, disparatado y absurdo, mediante el uso de una fotografía meritoria, aunque sobrecargada posiblemente de efectos visuales. Frente a unas interpretaciones femeninas corectas y ajustadas, sobresale la de un Nicholson que gradualmente se hace el amo de la pantalla.

La banda sonora, de John Williams, es excelente. Combina un tema central jocoso, sombrío e intenso, que acompaña a Daryl, y un tema pausado, alegre y suave, que acompaña a las tres amigas. Añade el aria "Nessun dorma", de "Turandot" (Puccini), un tema de George e Ira Gershwin, un fragmento del concierto para cello de Dvorak y un bonito tema, “Devil’s Dance”, del propio John Williams. La obra es entretenida. Sobresalen la banda sonora y la interpretación de Nicholson.

Saab 900


El 13 de junio de 2012, en una rueda de prensa, se anunció que la mayoría de los activos en uso de la antigua Saab Automobile AB, así como sus filiales Saab Automobile Powertrain AB y Saab Automobile Tools AB y la planta de producción de la Saab habían sido adquiridas por una firma inversora china llamada National Electric Vehicle Sweden (NEVS).6​ Saab Automobile Parts AB no fue incluida en el acuerdo de compra y la Oficina Nacional Sueca de Deudores continuará siendo su propietaria hasta que un mejor postor aparezca.

​ El plan de la sociedad NEVS era el de producir únicamente automóviles de propulsión eléctrica, comenzando con una versión de dicha motorización para el modelo Saab 9-3, y posteriormente continuar con el desarrollo del reemplazo de dicho modelo, el Phoenix. GM continuó denegando la licencia de la tecnología en el Saab 9-5 y 9-4X, por lo que estos modelos no serán producidos. Los derechos de uso de la marca Saab aún no han sido otorgados por Saab AB y Scania AB. Las negociaciones sobre ese asunto continúan.

Duccio Tessari


Comenzó en la industria del cine como documentalista, ayudante de dirección en películas de peplo y como guionista; en la película Por un puñado de dólares (1964) fue guionista para el también cineasta italiano Sergio Leone. Es conocido por sus películas ambientadas en el oeste americano, dentro del subgénero de los spaghetti western. Tal vez sus películas más conocidas sean las de la saga de "Ringo", protagonizada por el actor Giuliano Gemma. También dirigió un giallo (Una mariposa con las alas ensangrentadas) y películas de aventuras como Los héroes millonarios, Safari Express (que le volvería a reunir con Giuliano Gemma) o una versión de El Zorro protagonizada por Alain Delon. En la década de 1980 se dedicó principalmente a la televisión.

Rio Valira


Andorra ha informado hoy de que el agua verde en el río Valira obedece a las pruebas que se están llevando a cabo estos días en el marco de la investigación de la Font d'Arinsal, tras el brote de contaminación que sufrió este manantial en abril del año pasado y que obligó a clausurar una planta embotelladora.
El ejecutivo andorrano también ha remarcado que los productos que han causado la coloración no son tóxicos ni afectan al medio ambiente, y el color verde de las aguas del río se van degradando a medida que pasen las horas.

Ernst Jophenson

Su familia era una influyente familia judía de Estocolmo. Conoció desde su juventud las escuelas pictóricas europeas a través de viajes de estudios a Francia, Holanda e Italia, entre otros lugares.Sus primeras pinturas muestran cierta cercanía a los presupuestos de la Hermandad Prerrafaelista, que había sido fundada en 1845 en Inglaterra; se aprecia en ellas un vivo interés por reflejar las costumbres populares de manera precisa y un tanto idealizada. Muchas de estas obras tempranas fueron retratos, plasmados con un colorido rico, de raigambre impresionista, como sucede con el de Pontus von Fürstemberg. El escritor William Butler Yeats, en un panegírico de agradecimiento a Suecia por su Premio Nobel (La Generosidad de Suecia, 1925), dirá de estas primeras obras: Su pintor [Josephson] estaba enteramente preocupado en la personalidad del modelo; luz, color, diseño, todo, debía ser subordinado a esto.Sin embargo, estos prometedores inicios se vieron frenados en parte por ciertos síntomas de inestabilidad mental. Hacia 1871 declaró haber visto, durante un paseo campestre por Noruega, la figura de una ondina o espíritu de las aguas, tema que desarrollará en un famoso ciclo de pinturas. En 1887 marcha a la Bretaña francesa, donde da rienda suelta a todas estas visiones con la ayuda de un médium de la localidad de Bréhat. La familia del artista, sin embargo, logró que volviera a Suecia, siendo internado en un hospital de Upsala. Es posible que la esquizofrenia que le fue diagnosticada estuviera agravada por la sífilis, que había contraído de joven.A pesar de los crecientes ataques, Josephson continuó con sus actividades artísticas. Su pintura se apartó del costumbrismo brillante y optimista de sus primeros tiempos, y, aunque atenta a la realidad cotidiana, adquirió tintes sombríos, altamentes expresivos. Su paleta se oscureció, bajo el influjo de ciertos pintores barrocos, significativamente Velázquez, cuya huella es palpable en el cuadro Herreros españoles, muy cercano a la pintura de José Gutiérrez Solana; en algunos casos, las formas se abrevian y aparecen como abocetadas, como se ve en su famosa serie sobre Nöck, el genio de las aguas, figura de la mitología escandinava que "atrae y pierde a los humanos con su canto".2​ En obras más avanzadas, especialmente en bocetos y obras preparatorias, la violencia de los trazos y los colores y la distorsión de las formas las acerca al expresionismo, y algunas parecen incluso prefiguración de la abstracción.


Se han destacado las analogías de su obra con la del pintor francés Gustave Moreau y con su compatriota, el literato August Strindberg, que también fue pintor. Como se ha señalado, su obra presenta "todos los elementos estridentes y contradictorios de la psique de Josephson: el judío contra el sueco, el sueño contra la realidad, el amor por la tierra contra el exilio".3​

Murió en Estocolmo, el 22 de noviembre de 1906.

Albóndigas suecas

Para las albóndigas: 750 g de carne picada de ternera o mezcla con cerdo, 1/2 cebolla grande, 30 g de mantequilla, 80 ml de leche, 25 g de miga de pan, 1 huevo L, 1 cucharadita de sal, 1/2 cucharadita de nuez moscada molida, 1/2 cucharadita de cardamomo molido, 1 cucharadita de pimienta negra molida, aceite de oliva para freír.


Para la salsa de carne: 90 g de mantequilla, 40 g de harina, 500 ml de caldo de carne, 100 ml de nata ligera para cocinar.En una sartén ponemos la mantequilla a derretir y rehogamos la cebolla muy picadita durante unos minutos a fuego medio hasta que se vuelva transparente y un poco dorada. La reservamos y la dejamos enfriar. En un bol echamos la miga de pan con la leche y la dejamos reposar unos minutos para que se ablande, una vez blanda le metemos una batidora para triturarla.

En un bol grande echamos la carne picada, la sal, el cardamomo molido si era en semillas, la pimienta negra y la nuez moscada. Posteriormente añadimos el huevo batido, la leche con el pan y por último la cebolla caramelizada. Removemos para integrar bien los ingredientes. Esta operación como mejor nos queda es haciéndolo con las manos bien limpias.

Vamos cogiendo porciones iguales de carne con una cuchara o un racionador de helados pequeño y preparando nuestras albóndigas para una bandeja. Ir friéndolas en aceite de oliva o mantequilla por tandas y reservándolas para añadirlas después a la salsa.

Macbeth teatro

Ambición y traición. Temas estrechamente relacionados. Macbeth puede verse como una advertencia acerca de los peligros que entraña la ambición. La ambición es el rasgo principal del carácter de Macbeth y de Lady Macbeth, y la causa de su ruina. Aparece por primera vez cuando, a comienzos del acto II, Macbeth asesina a su rey, al que debe lealtad y que acaba además de recompensarle con un título; y se reitera cuando ordena matar a su amigo Banquo, en el acto III. Antes de eso, el tema de la traición había aparecido ya tras la profecía, en el acto III.

Visiones y el sentimiento de culpa. A lo largo de la obra, Macbeth y su esposa sufren varias visiones. En la escena primera del segundo acto, poco antes de asesinar a Duncan, Macbeth cree ver un puñal ensangrentado flotando ante sí. Más adelante, en la escena primera del quinto acto, Lady Macbeth, sonámbula, ve en sus manos manchas de sangre que no consigue lavar, imagen con la que se muestran sus remordimientos por su responsabilidad en el asesinato de Duncan. Una tercera visión —aunque no está claro si se trata de una alucinación de Macbeth, atormentado por su conciencia culpable, o de la aparición sobrenatural de un fantasma— es el espectro de Banquo que se presenta en el banquete (acto III, escena IV).

Mohamed destituido, Cardoso nuevo entrenador del Celta

Miguel Cardoso, de 46 años, que viene de ser destituido del Nantes francés, al que llegó el verano pasado para sustituir a Claudio Rainieri y después de realizar una gran labor en el Río Ave, al que clasificó en la quinta plaza de la liga lusa. El nuevo entrenador céltico será presentado a las 13.00 horas de hoy en A Sede de Príncipe y por la tarde dirigirá el primer entrenamiento en las instalaciones de A Madroa. Firma hasta junio y renovará de forma automática por una temporada si queda entre los diez primeros.


Cardoso estaba incluido en la terna de candidatos que manejó el verano pasado el Celta para sustituir a Unzué (con Óscar García y Mohamed). De hecho, representantes del club vigués viajaron a Oporto para entrevistarse con este técnico al que en Vigo consideran "ambicioso" y con un método de juego similar al de Luis Enrique Martínez y Unzué.

Teutonic Slaughter " Puppeteer Of Death"

Teutonic Slaughter " Puppeteer Of Death" Thrash Metal 2018 Alemania
1. The Puppeteers Tale
2. Puppeteer Of Death
3. Teutonic Thrash
4. Eternal Darkness
5. Your Birthright Is Death
6. One By One
7. Insane Minds
8. Damnation And Violence
9. Spirits Of Evil
10. The Slaughter Is Back
11. Thrash Mania

Fabian: Bajo
Chris: Batería
Jan: Guitarra
Philip: Cantante, Guitarra


Teutonic Slaughter es una banda alemana que presenta su segundo trabajo. El álbum arranca con The Puppeteers Tale, una intro acústica con buen ritmo y ligero toque oriental que me recordó a los daneses Artillery. Las cartas quedan encima de la mesa desde el primer momento con Puppeteer Of Death, riffs de inicio que recuerdan a los Judas Priest mas metaleros con una base rítmica que se va acelerando poco a poco y que mantiene su esencia Punk con el típico cantante de voz chillona y propenso a los agudos.
Temas cortos y directos al grano como Teutonic Thrash que tienen la esencia de la vieja escuela Thrasher alemana. Pero no penséis en el tridente típico: Sodom, Destruction o Kreator, tampoco en los Tankard, pensad en bandas mas oscuras como los Torment.
Eternal Darkness es mas de lo mismo. Es un estilo musical que se mueve entre el Thrash mas agresivo ( Infernal Majesty) combinado con el Speed Metal ( Vectom y Living Death entre sus influencias) Lo mas destacado son los medio tiempos como  Your Birthright Is Death que se mueven entre el Thrash de la vieja escuela como los Deathrow o los Razor combinado con el metal mas oscuro alemán y speed metal de los ochenta como los Tyrant.
El problema que tienen es que la estructura de los temas es muy lineal y predecible. Otro problema es la falta técnica por eso destacan en temas de corta duración con esencia Punk porque es cuando logran extraer toda la rabia que llevan dentro como en One by One. 
Con Inside Minds tienes la sensación de estar escuchando el mismo tema una y otra vez, cuando no es A optan por la opción B, el medio tiempo lento y oscuro de Damnation of Violence, pero siempre es lo mismo, dos tipos de temas.
La tercera vía es la que ya comente anteriormente, temas de corta duración, mezclando Speed y en este caso con Black, en Spirits of Evil, mostrando esa esencia de los Sodom en sus primeros tiempos. The Slaughter is Back es el tema de mas larga duración del trabajo y su mayor esfuerzo compositivo pero igualmente es repetitivo como los anteriores temas. Cierran el trabajo con Thrash Mania una mezcla de Living Death con lo mas agresivo del Thrash alemán, los Exhumed o los Tyrant, poco mas que añadir. El estilo te atrapa porque es Under y suena muy sucio pero les falta creatividad y técnica a todos los níveles, son muy previsibles.

Puntuación: 6/10