sábado, 23 de junio de 2018

Tröncho " Del Lado que maska la iguana es del lado que arde el Napalm"

Tröncho " Del Lado que maska la iguana es del lado que arde el Napalm" Sludge/ Crust Perú 2018
1. Altar de Hash
2. 99,9 %
3. Mamba Negra
4. Anhedonia

Franz: Bajo
Marut: Batería
Delfín: Guitarra
Emi: Cantante


Me gustan las apuestas arriesgadas y esta la es. Tröncho es una banda procedente de Lima, la capital de Perú y un país con una escena floreciente y que se remonta a 1972 con la creación de la banda psicodélica Tarkus. No menciono a los Tarkus al azar, lo hago porque esta banda tiene esa esencia creativa que tenían los Tarkus solo que lo llevan a matices mucho mas sombríos.
Composiciones de larga duración, producción sucia y casera que para nada le resta brillo a la calidad que hay compositiva en estos temas. Los Tröncho son una banda de mezcla de estilos, desde el Stoner pasando por la mezcla radioactiva de Sludge/ Crust que para mi gusto es lo mas destacado de este inicio en su carrera que espero que sea larga pues se lo merecen solo por la originalidad.
Quizás un gran defecto es que tienen que pulir varios aspectos como el sonido tan blando y pobre en ritmos de la batería y mejorar la calidad de sus riffs que suenan con muy poca fuerza como para abarcar el Crust. Mas bien el espíritu de esta banda es el Stoner como demuestran en el tema de siete minutos de duración, Mamba Negra, pero es un Stoner al que podíamos catalogar de psicodélico y con claras influencias de los años setenta como señalaba anteriormente a los Tarkus, pues tienen esa creatividad de los tiempos dorados del proto metal.
Lo que me gusta son las aceleraciones combinadas con esa voz gutural y ahí es donde tiran mas de distorsión y donde el Punk aparece para dar paso a esa mezcla de Crust/ Sludge que esta banda todavía tiene que pulir pues ni suena a buena mezcla ni suena con agresividad como exige este estilo musical tan underground, buenas ideas en Altar de Hash pero todavía con mucho trabajo por delante.
Lo dicho, lo que mas destaca de ellos son las composiciones creativas y lo que mas se agradece de sus composiciones es su aspecto progresivo así como las buenas y originales letras de las canciones. Lo que les queda es pulir esa mezcla de estilos que quieren llevar a cabo.

Angelitos Negros " Sanatorio Mental"

Angelitos Negros " Sanatorio Mental"  Sleaze  Rock España 2018
01. Sube el Volumen
02. Mamá
03. Angelitos Negros
04. Melancolia
05. Estoy Llorando
06. Fitipaldi
07. A Tu Padre No Le Gustan los Rolling Stones
08. Son del Color
09. Tuareg

Cuarteto de Sleaze Rock procedentes de Zaragoza. El Sleaze Rock es la vertiente sucia y callejera del Glam Metal, alejados de los pelos cardados, el maquillaje femenino y toda la parafernalia. Muchos situán el origen del Sleaze al álbum " Rocks" de Aerosmith... yo no lo veo. El caso es que bandas como Hanoi Rocks, L.A Guns, Guns and Roses, Roxx Gang, Skid Row... pues cambiaron la historia del Rock. Ahora hay una cantera de bandas que sin ninguna originalidad pretenden revivir la llama del Sleaze como es el caso de Crashdiet o Hardcore Superstars, pues de eso va la música de Angelitos Negros.
Aunque en este nuevo esfuerzo discográfico, la clave está en la producción. Sube el Volumen y Mamá, son dos temas que basicamente suenan a metal blando y melódico mas que a Sleaze Rock. Sobre todo quiero destacar el segundo, está mas logrado con un estribillo bastante adictivo, lástima el trabajo de guitarra, el riff melódico es bueno pero la producción no le hace justicia al trabajo de guitarra, mucho mas logrado es el sonido de batería y bajo y eso en una banda comercial como es esta es un pecado imperdonable.
Menos Rock y mas Metal blando y simple ¿ a lo Twisted Sister? Pues tampoco y menciono a esa banda tan mediocre que lleva veinte años tocando los mismos temas y se permiten el lujo de criticar a bandas que crean temas nuevos porque los Angelitos Negros intentaron emularlos en trabajos anteriores. Lo que hay en este álbum es un sencillo metal blando y comercial que en directo puede funcionar. Temas como Angelitos Negros me recuerdan bastante a Strypper.
Pero también me recuerdan a los Bella Bestia, banda ochentera madrileña que sigue en activo, son de Glam ( pero para mí el Glam y el Sleaze no son estilos musicales, es solo una diferencia estética) Buenas baladas como Melancolía con toque bluesy a la guitarra que me recordó a Bella Bestia solo que Angelitos Negros tiene mas feeling y mas decibelios que Bella Bestia, también pensé en los Beethoven R. Por cierto, buen cambio de ritmo y arrancada en este tema.
Originalidad la justa como demuestran en Estoy Llorando, un tema que le escuché a muchas bandas pero tengo que admitir que esta banda maña tiene un buen trabajo vocal, que presentan unos riffs clásicos que son un calco de Strypper a la hora de ejecutar la estructura de sus temas y que el disco entra a la primera aunque no deja huella alguna.
Lo que si es una oda a esas bandas sean de Glam ( Poison) o sean de Sleaze ( L.A Guns) o probaran con ambas vertientes ( Mötley Crüe) es el tema Estoy Flipando, el menos brillante de todo el trabajo pero el mas rockero. Piratas del Caribe es un tema excesivamente previsible cuyo único momento destacable es el solo melódico que adorna el tema.
Desvencijado y anticuado el A tu padre no le gustan los Rolling Stones que recuerda a los Obús de los ochenta, mucho mejor Son de Color y su buen riff fresco y salvaje con una gran labor en el estribillo, mas potentes y melódicos. Del tema Tuareg me quedo con su gran solo de guitarra que me recordó a los Guns and Roses y en cuanto al estribillo es muy Aor y pensé en los Atlás, que lástima que esa banda madrileña se separase.
Quitando un par de temas, hay que decir que han echo un buen esfuerzo discográfico y que este es su trabajo mas potente y ya llevan bastantes años en la escena aunque su legado nunca fuera reconocido, quizás ya va siendo hora de que salgan de Zaragoza y sean conocidos en toda la península, se lo merecen.

Puntuación: 6,5/10





Northwoods " Wasteland"

Northwoods " Wasteland" Hardcore Italia 2018
01. Ground Zero
02. Moebius
03. City 40
04. Asylum
05. Strength Path
06. Future is a Shadow Line
07. Detachment
08. The Witness

Alvaro Diamanti: Cantante, Guitarra
Federico Mazzoli: Bajo
Andrea Gentili: Batería


Desde Perugia los Northwoods una banda que nos va a ofrecer una versión diferente del Hardcore con su mezcla de subgéneros. Es una banda creada en el 2013 por veteranos de la escena Underground italiana. Presentan su nuevo trabajo este Northwoods .
 Temas como City 40, Asylum o Strenght Path son los que mas brillan en este, su primer larga duración, y brillan por su apuesta por el Mathcore. La música de este subgénero es a menudo discordante, aunque muy sólido y armónico, con complicados y técnicos riffs de guitarra, complejos compases musicales y estructuras en sus canciones y apasionadas interpretaciones vocales, empleando a veces el característico tono gutural propio del hardcore. La duración de las canciones interpretadas por los grupos encuadrados dentro de este estilo varía entre unos pocos segundos y más de 15 minutos, y es muy poco frecuente encontrar una canción basada en la estructura común de «verso-estribillo-verso». Debido al poco auge comercial de este tipo de bandas, muchas de ellas son categorizadas en numerosos estilos dependiendo del crítico musical que las evalúe, fluctuando entre el hardcore punk, el heavy metal o el grindcore. Una parte importante de formaciones enmarcadas en el mathcore escriben unas letras que tienden hacia el punk debido a la carga social de las mismas, como es el caso de Head Wound City o Some Girls, aunque la técnica musical de dichas bandas se corresponde con la del mathcore.
Pero nos vamos a encontrar con versatilidad. Lo primero que hay que agradecer es la producción del trabajo, tan sucia que te transporta mentalmente a los años dorados del Hardcore pero en su vertiente mas Underground, nada de Metalcore ni comercialismo alguno. Brilla la esencia del Punk desnudo de cualquier aditivo como en Detachment y es por eso que me parecen una banda sincera en todos los aspectos, lo que te hacen en el estudio de grabación te lo trasladan de forma natural al directo y eso hoy en día me parece vital para que una banda salga adelante.
También nos vamos a encontrar con Hardcore extremo o pinceladas de Post Metal mezcladas con Hardcore como en el tema The Withness. Lo mas importante para una banda de Hardcore es la agresividad y la actitud, en ese sentido van sobrados. Los elementos de Mathcore y las aceleraciones que recuerdan al Crossover ponen el punto de calidad necesario para hacer este trabajo atractivo en el cual no falta cierta atmósfera sombría a los temas. También tengo que destacar el trabajo del bajista, muy técnico con unos estribillos muy elaborados, una banda que pese a su corta existencia se nota sus tablas en todas y cada una de sus composiciones, es una apuesta segura.

Puntuación: 7/10

Orion Saiph " Seven Stages of Grief"

Orion Saiph " Seven Stages of Grief" Metal Progresivo España 2018
1. Pain, Grief and Sorrow
2. Final Spring
3. The Bride
4. Serotonin
5. Distant Sun
6. Breaker of Chains
7. The Hunter's Fall

Oscar Sánchez: Bajo
José Guisande: Guitarra
Paula González: Guitarra
Azu Creis: Teclado, Violín
Jhonny González: Cantante


Es una banda creada en el 2011 en Santander aunque varios miembros de esta banda proceden de Galicia y Asturias. El nombre de la banda la tomaron de un tema instrumental de los Metallica que fue una de las primeras versiones que esta banda afincada en Cantabria tocó en directo.
Los últimos fichajes de esta banda son Jhony González de 33 años, un cantante venezolano y Azu Creis de Santander que es la teclista y violinista. La producción del álbum era bastante mejorable. Esta banda practica un metal progresivo bastante variable con diversas influencias.  Pain, Grief and Sorrow no es una buena idea para iniciar el álbum, es un tema lento al que le falta ritmo y feeling por doquier en todas sus partes pese a las buenas formas que muestra esta banda, sobre todo sus guitarristas, que es lo mas destacado de esta banda, esa dupla.
Final Spring presenta el mismo problema que el anterior tema, la banda no tiene feeling compositivo y eso pesa mucho a la hora de ejecutar un estilo como este. Se agradece la energía de las guitarristas que tiran de groove como te hacen los Symphony X, en ese sentido no arriesgan absolutamente nada. También hay una buena participación de su batería con ritmos técnicos y variando constantemente, en la voz los típicos coros guturales que se llevan hoy en día que quedan como un auténtico pegote.
The Bride es el tema mas interesante del trabajo y no lo podemos señalar como Metal Progresivo, simplemente es un metal melódico de los de toda la vida, un poco de Iron Maiden y mucho del Power Metal mas comercial. Hay buenas partes acústicas en el tema y un riff que al menos te introduce en el tema con fuerza, es el primer tema que llama mi atención.
Serotonin empieza con un ritmo acústico tan melódico como melancólico, de nuevo sumando en positivo y todo bien combinado con un solo melódico limpio bastante potable. El arranque del tema bastante bien, cuando cambian de ritmo hay momentos intensos pero alargan el tema sin ninguna necesidad y les falta garra y técnica para considerarse una banda de metal progresivo.
Distant Sun es quizás el tema mas progresivo de todo el trabajo pero el estribillo por ejemplo es lioso y está fatal mezclado, el solo no tiene nada que ver con el tema.... un completo desaguisado. En el tema Breaker of Chains aparece por primera vez el violín.... que en realidad no se que pinta y encima una voz hablada en un tema que no hay por donde cogerlo.  The Hunter's Fall cierra el trabajo sin brillo.
Esta banda debe hacer los deberes. Primero definir su estilo, dicen ser una banda de metal progresivo, hay tres o cuatro pinceladas de este estilo pero sinceramente no es lo suyo. Les falta feeling en las composiciones, energía, una buena producción y creatividad. Me pregunto cuál es el papel de Azu Creis porque el teclado no tiene ningún papel en el álbum y su violín aparece en un único tema para ofrecernos la peor cara de la banda. ¿ Metal melódico, Folk Metal, Rock progresivo? No sé, hay que pulir mucho este producto y darle una vuelta al estilo de la banda, definirlo y pulirlo.
https://orionsaiph.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Puntuación: 4,25/10


Nuclear Antichrist " Nuclear Antichrist"

Nuclear Antichrist " Nuclear Antichrist" Death/ Thrash España 2018
1. Ultra Rapid Death
2. Nuclear Legions
3. Killing Spree ( Game of Destiny)
4. Reaper Command
5. In Death we Trust
6. My Worst Enemy

Toni: Bajo
Kike: Batería
Alex: Guitarra
Nadia: Guitarra
Jesús: Cantante


Death/ Thrash sevillano para esta banda creada por Alex en el 2016 que lanza de forma independiente su primer EP. Ultra Rapid Death es una intro instrumental con un ritmo tribal en la batería y un riff agresivo y oscuro que te recuerda a los Sepultura en sus primeros tiempos, la idea es buena pero le falta profundidad.
Nuclear Legions tira de voz gutural bastante gruesa y ritmo Thrash de la Bay Area en la batería, lo mejor llega en el cambio de ritmo que sirve para introducir el estribillo con un riff del Scream Bloody Gore de los Death que suena a gloria bendita para luego regresar con un riff que roza el Death and Roll de los actuales Entombed A.D, le echan ganas estos sevillanos.
Killing Spree ( Game of Destiny) tiene un ritmo sencillo pero efectivo. Tienen contudencia, les falta riesgo y técnica pero suenan potentes y con la sensación de que en directo pueden multiplicar por tres su potencial. Este tema es bien sencillo de entender es una mezcla entre Death, Slayer y Sepultura, lo mas básico pero a la vez es la esencia de este estilo musical que mezcla el Thrash y el Death.
Reaper Command es un tema de unos tres minutos y medio de duración donde por primera vez tiran de una atmósfera oscura y lo que mas destaco de esta banda son sus aceleraciones aunque les falta potencia y sonido en la ejecución de los ritmos de batería. La estructura del tema es previsible, ritmo veloz sin cambio aparente, buen riff eso sí, suena tan intenso como oscuro y una labor vocal tirando de Growls y Shrieks que a mi por momentos me recordaron a los coruñeses Machetazo, al tema le falta mas frescura y originalidad pues es demasiado sencillo.
En el tema In Death We Trust encuentro la contundencia que le faltaba al anterior tema y de paso nos encontramos con la esencia del Punk en el tema que siempre es de agradecer. Un poco lioso el cambio de ritmo y sin feeling pero le echan garra y suena agresivo al menos. Es un tema que va de mas a menos, estos dos últimos temas reseñados bajan algo el listón.
Finaliza la escucha del ep con My Worst Enemy donde demuestran que los ritmos lentos y pesados no son lo suyo y que se desenvuelven mejor en temas veloces. El tema cambia de ritmo y el riff de inicio es realmente bueno pero no le dan profundidad y vuelven a esa lentitud en busca de una atmósfera oscura y no encuentran la esencia del tema que se va perdiendo poco a poco. Mucho que mejorar pero tienen lo esencial, una idea clara de lo que quieren, suenan agresivos y en directo van a sonar mucho mejores y le echan muchas ganas sobre todo su cantante, muy bueno. Yo apostaría por ellos en el futuro me parece una banda muy interesante.
https://nuclearantichrist.bandcamp.com/
Álbum Completo

Toledo Steel " No Quarter"

Toledo Steel " No Quarter" Heavy Metal Usa 2018
01. Behold the Machine
02. No Quarter
03. Cemetery Lake
04. Visions in the Fire
05. Sight of the Sniper
06. Rock Nights
07. Heavy Metal Headache
08. When the Night Draws In

Matt Dobson: Batería
Rich Rutter: Cantante
Tom Potter: Guitarra
Sam Withbread: Bajo


Metalbrothers.es es la web que mas reseñas te ofrece del mundo y de todos los estilos. Nuestra apuesta es la de descubrir talento por eso le damos promoción a artistas que editan su trabajo de forma independiente y tenemos la sección de bandas noveles. Hace un par de años el equipo de esta web apostó fuerte por dos bandas de metal clásico como el relevo de los titanes de toda la vida, los Visigoth que han editado álbum este año y nos han decepcionado mucho y los Toledo Steel que ya veremos.
Estos ingleses son una nueva banda de Nwothm que nos sorprendieron muy gratamente en su debut con el ep " Toledo Steel" acero toledano del bueno. Su segundo Ep " Zero Hour" hizo confirmarnos los buenos augurios que teníamos sobre ellos. Ahora llegó la hora de la verdad para estos ingleses con su primer larga duración, este No Quarter.
Muchos cambios de formación respecto a sus anteriores trabajos. Behold the Machine es un tema lineal que agradecería un cambio de ritmo que nunca llega pero en cambio nos regala un gran solo de " twin guitars" a lo Judas Priest con su sección melódica. No Quarter también es un tema bastante repetitivo pero donde apuestan por el metal clásico, quieren salirse un poco de la etiqueta de Nwothm y brindar cosas básicas pero mas variadas, hay una clara influencia de Judas Priest y Dio en este tema y de nuevo el solo de guitarra es espectacular, en los solos me recuerdan a Ram.
No es la banda mas virtuosa del planeta pero juegan bien sus cartas, Cementery Lake tiene los ingredientes de siempre, lo basan todo en presentar siempre un gran solo de guitarra y además el estribillo está bien construido y tiene un toque oscuro de Us Power Metal interesante. Visions of the Fire es un medio tiempo de Hard Heavy clásico y básico que es un nuevo calco de bandas como Saint o Judas Priest y otro tema cliché de toda la vida es Sight of the Sniper y su Speed Metal melódico que te recordará a bandas de la actualidad pero con sonido de los ochenta como Amulet.
Me gusta lo básico que suena Rock Nights y sobre todo el trabajo de la batería que a base de redobles logra ritmos épicos y presentar el solo de guitarra mas esencial y rockero de todo el trabajo, un tema que sonara muy bien en los directos.
Heavy Metal Headache es un tema menor pero aún así disfrutable de nuevo vuelven a componer una oda al metal a golpe de ritmos al galope y un estribillo machacón y riffs básicos de Riot/ Dio sin demasiada historia. When the Night Drawn In es el último tema del álbum, este si que tiene la esencia de la Nwobhm solo que presenta un cambio de ritmo lento y oscuro que le da algo de atmósfera y esencia al metal clásico de los Toledo Steel.
Heavy Metal clásico de toda la vida muy disfrutable. No son dioses ni nunca lo serán los Toledo Steel están a mil kilometros de los grandes y también están a muchos kilometros de bandas de Nwothm como Striker o Ram que son los que lideran hoy en día la escena metalera con el permiso ( no concedido) de Judas Priest que es la mejor banda del planeta. Pero pese a no estar a la altura ( todavía) los Toledo Steel suenan tan sinceros tan metaleros que te emocionan hasta el tuétano y es la típica banda que contará con numerosos fans.

Puntuación: 7,25/10

Gråsind "Fødsel"

Gråsind "Fødsel" Black Metal Dinamarca 2018
1. T2
2. T3
3. T1

A: Bajo
T: Batería
L: Guitarra
M: Cantante

Interesante el debut de esta banda procedente de Copenhague. Para empezar que han querido hacer algo diferente, han debutado con una demo pagada de su propio bolsillo que contiene tres temas de larga duración todos ellos ( la demo casi dura media hora) y los tres temas son tocados en directo.
Son un cuarteto de cuatro chavales muy jóvenes y con hambre que buscan algo diferente. Hay que situarse, esto es Black Metal en Dinamarca. Los tiempos del Black Raw , las caras pintadas y la quema de iglesias acompañadas de leyendas negras ya sean reales o inventadas ( mucho postureo en el Black Metal) pasaron ya de moda, quedan un buen puñado de nostálgicos que no quieren evolucionar pero la verdad es que el Black Metal ya viaja por otros derroteros.
Este es un estilo musical que se presta a la mezcla de estilos. Un estilo musical que hoy en día ( cuestión de gustos) para mi está liderada la escena por los polacos Mgla, los suizos Bolzer y los gallegos Balmog. Estas tres bandas pueden ser calificadas de Black ortodoxo.... pero esto del Black ortodoxo no es un invento de ahora. En los primeros noventa se llevaba en Grecia, los Rotting Christ crearon escuela, también en los noventa un artista francés creo la banda Blut Aus Nord y mucho antes, a finales de los ochenta en la antigua Checoslovaquia el señor Big Boss creo a los Root. Digamos que Bathory creo escuela y de ahí salieron bandas de Black Ortodoxo con otro esquema, en esos noventa convivían en paz esos dos estilos, el Black raw nórdico y el Black Ortodoxo. Pero en el 2018 la balanza se desequilibra por completo, el Black Raw pasa a ser estilo minoritario y para nostálgicos aunque no lo deis nunca por muerto, las modas siempre vuelven, ya lo sabéis. Ahora lo que se lleva es el Black ortodoxo y esta etiqueta equivale a muchas cosas. Blackened Death, Black/ Thrash, Black/ Speed, Black/ Punk, Blackgaze, Blackened Doom, Black&Post Metal, Avantgarde, Ambient, Drone, Noise..... es un estilo musical que se presta a mezclarse con muchos estilos.
Esta banda danesa decide mezclarlo con Post Metal pero les falta calidad para ello. Tres mundos pretenden mezclar, la esencia del Black Metal pero desnaturalizada y para ello le restan su suciedad y velocidad y se quedan tan solo con su épica. Tres temas, quizás el mas logrado sea T2, aunque no tiene demasiado brillo. El instrumento que se luce es la batería, siempre con ritmo lento, técnico y con mucho platillo combinado todo con riffs repetitivos que pretenden sonar hipnóticos pero que tienen una producción pésima y a los que les falta calidad, la idea es buena pero hay que trabajarla mucho más.

Obssesion " Savage Rule"

Obssesion " Savage Rule" China Black Metal 2018
1. Intro
2. Blood Bitch
3. ASMR
4. Winter is Coming
5. Sexy Murder
6. 731
7. Outro

Kun: Bajo
Ran: Batería
Sharoth: Guitarra
Mo: Guitarra
Zquagmire: Cantante

Cada vez son mas las bandas chinas que tratan de dar el salto a Europa, misión compleja. Cuando hice en alguna ocasión entrevista con bandas chinas me di cuenta de que tienen una visión bastante distorsionada de lo que realmente sucede en el viejo continente. Piensan la mayoría de bandas chinas que en Europa hay grandes giras y se maneja dinero, tienen una mente muy buena para los negocios, eso hay que admitirlo pero a su vez no saben realmente lo que sucede aquí. Al igual que en China o en cualquier parte del globo terraqueo abundan los estudios caseros e improvisados y los conciertos en las salas vacías, hoy en día fichar por un sello no significa ganar dinero o promoción, es más muchas veces significa perder dinero y hacerte la promoción por tu cuenta.
El metal está muerto ( al menos como negocio) y esta banda de Zhengzhou ( en la provincia de Henan) al menos tiene un contrato con el sello chino Pest Productions para producir su primer trabajo, este Savage Rule que me parece muy descafeinado y por momentos incluso desfasado.
Se trata de un álbum descompensado a todos los niveles. La producción muy casera con un sonido de batería bastante lineal, siempre los mismos ritmos una y otra vez. Lo que peor llevo no es que el bajista no aporte nada o que el batería presente unos ritmos anodinos y con muy poca pegada, lo peor es la orientación musical y su cantante.
En cuanto a su orientación musical diré que no sabes nunca lo que pretenden. Hay temas como temática sexual, otras hablan de la naturaleza y en cuanto a lo musical, pues tenemos temas de Black/ Speed/ Punk como Sexy Murder, otros que pretenden recrear un Black atmosférico y a la vez depresivo como Winter is Coming sin sonar ni a uno ni a otro, y por último incluso nos encontramos con un tema como Blood Witch que es un tema de Thrash/ Heavy. Tiene la influencia de Megadeth/ Metallica y en el solo de guitarra nos encontramos con un calco de Metallica/ Iron Maiden.
Con lo cuál el oyente no sabe a que carta quieren jugar. ¿ Se trata de una banda de Heavy Metal melódico o de una banda de Black/ Punk con solos melódicos? Ahora vamos a hablar de la voz de su cantante, no es gutural y tampoco podemos decir que sea melódico así que se las canta todas igual, yo lo veo bien para un estilo como el Crossover para el resto de estilos va muy justito.
Los chinos tienen una mente muy comercial y a mi este trabajo no me extraña nada, mezclan influencias de Immortal, Iron Maiden, Megadeth, Metallica, Mayhem.... en un desaguisado importante. Esta banda no está llamada para el Black Metal y lo que deberían es trabajar mas la originalidad, porque una cosa es estar influenciado por Metallica o Maiden y otra cosa es calcar sus solos de guitarra y cambiarse de estilo rapidamente porque destacan mas en la melodía que en ritmos mas agresivos.

Puntuación: 3,25/10

Beer Soldiers " Alcoholic Roars of Total Destruction"

Beer Soldiers " Alcoholic Roars of Total Destruction" Ecuador Thrash Metal 2018
1. Intro
2. Epitaph of Destruction (Beeritual)
3. Street Thrash n' Roll
4. Satan's Whores
5. Total Violence
6. Alcoholic Troops
7. I wanna Break... (your Fucking Face)
8. Invisible Gods
9. Outro

Evil Bringer: Bajo, Cantante
Agressor: Batería
Helldestruktor: Guitarra


Es de estas bandas que te emocionan hasta el tuétano porque suenan sinceras. La música es música, da igual el estilo musical como también da igual el lugar de procedencia. Cuando escuches los temas de Beer Soldiers, con tan solo un acorde de guitarra te sentirás familiarizado con un pasado glorioso que niega a morirse del que os hablaré a continuación, esa es la magia de la música.
Los Beer Soldiers son una banda procedente de Quito, banda creada en el 2010, por lo tanto ocho años de carrera aunque también habría que añadir que tienen experiencia previa, su bajista y cantante, Evil Bringer, tocó en Eyaculator, una banda de Black/ Thrash y también en Hellbutcher, una banda del mismo estilo con el que sacó un par de trabajos.
Interesante que el debut de esta banda sea a través de un sello colombiano como es Rotten Leather Productions, que saca una tira en formato físico de 300 ejemplares, que no está nada mal, además en Colombia tienen mercado pues es un estilo musical que gusta mucho en ese país.
Defectos que nos vamos a encontrar en este trabajo, pues muchos, para que os voy a engañar. La producción no es del todo mala, de echo, este sello colombiano trabaja bastante bien y es muy profesional, incluso en su roster tienen a una banda procedente de Finlandia, así que se trata de un sello bastante interesante que aún está en pañales y están dando sus primeros pasos. Esta banda de Ecuador dice practicar un Black/ Thrash Street.... lo de Street es un añadido que ellos mismos se dan para dárselas de ingeniosos aunque su música de ingeniosa no tiene nada.
Todos los temas de este trabajo suenan iguales sin excepción. Los temas mas destacados son: Total Violence, Alcoholic Troops e Invisible Gods, pero no por su calidad, bastante justita, tampoco por su creatividad que ya dije que es nula, tan solo los destaco por su intensidad y agresividad, resumiendo, que es una banda que suena muy sincera.
¿ Black/Thrash? Más bien me suenan a Thrash/ Punk/ Speed Metal, recuerdan a lo de siempre, Gehennah, Midnight, Venom, NME, Bombarder.... sin más historia. Discos como estos ya reseñamos en la web toneladas de ellos, este estilo de Thrash mezclado con Speed y Punk y toque de Black es auténtico, genuino y siempre gusta al público pero necesita de bandas que aporten algo a este subgénero, que no se limiten a calcar el legado de los grandes sin ofrecer nada de lo suyo, sin dotar a ese legado de una pincelada personal y los Beer Soldiers de momento, no aportan nada a ese legado.

Puntuación: 5/10

Owane " Yeah Whatever"

Owane " Yeah Whatever" Jazz Fussion/ Rock Progresivo Noruega 2018
01. Groove of Satan
02. Love Juice
03. Rock is Too Heavy
04. Saturday Ends
05. Indian Explosion Bowling
06. One Curl in Bangkok
07. Born in Space
08. Japanese Bonus Track

Aléjate de la música de Owane si buscas algo sencillo que llevarte a la boca porque esto es elixir para el paladar y la búsqueda de texturas musicales de lo mas complejas. Metalbrothers.es pretende abarcarlo absolutamente todo y lo logra tirando desde lo mas básico y rudimentario como puede ser hacer una reseña de rock básico tirando de cosas mas complejas como la que intenta este músico.
Nosotros hemos echo y haremos reseñas de rock progresivo, por ejemplo en la sección clásicos nacionales tenéis reseñas de bandas de los setenta de España de Rock progresivo de mezcla de estilos y si estáis familiarizados con este género entonces acercaos y disfrutad de la música de este músico noruego.
Se hace llamar Owane y es un multinstrumentalista que cuenta con una batería programada y la colaboración de un saxofonista. El pone la guitarra, la acústica y la eléctrica al igual que el bajo y el teclado y piano. Lo suyo es un álbum instrumental donde mezcla el Jazz Fussion con elementos electrónicos e incluso de Pop... pero lo hace con una elegancia increíble.
Uno se imagina asistiendo a un concierto de Owane en un bar y visualiza a la clase de público que podría congregar, amantes del Jazz  otros músicos hábidos de catalogar su técnica y quedarse con algo de su pericia musical.
Lo que me gusta de su música son los elementos de Jazz. Un estilo musical que se mezcla perfectamente con cualquier estilo musical. Los Atheist y Death lo combinaron con el Death Metal y muchos otros como los ingleses Camel con el rock progresivo en los años setenta
Para entender el Jazz hay que tener al menos unas nociones básicas y tener controlado a artistas como Miles Davis o Return to Forever que aparecen entre las influencias de este artista. En cuanto al Jazz Fussion de los setenta, hay que pensar en artistas como: Chicago, Embryo, Nucleus, Return to Forever o los Matching Mole.
Jazz, Bossa Nova, Funk, Rock Progresivo, Avantgarde, Electropop.... los setenta, los ochenta.... todo aparece reflejado en este trabajo del que me niego a comentar tema por tema porque hay mas de cincuenta influencias diferentes en cada uno de ellos y es un trabajo que sirve para dejarse llevar y poner todos tus sentidos en cada acorde, un artista muy valorado en Japón.
https://owane.bandcamp.com/album/yeah-whatever
Álbum Completo

Puntuación: 7,5/10

Ostura " The Room"

Ostura " The Room" Líbano Power Metal 2018
1. The Room
2. Escape
3. Beyond ( The New World)
4. Let There Be
5. Erosion
6. Only One
7. Mourning Light
8. Deathless
9. Darker Shade of Black
10. The Surge
11. Duality
12. Exit the Room?

Dan Veall: Bajo
Elia Monsef: Cantante
Younma Jressati: Cantante
Danny: Teclados
Alain Ibrahim: Guitarra


El talento se esconde en cualquier rincón del planeta, así lo debió entender el sello Universal Music que después del debut de esta banda procedente del Líbano decidió ficharlos para editar su segundo trabajo y darle una promoción internacional.
Te esperas quizás algo exuberante con toques orientales en la atmósfera de estos temas de Power/ Sinfónico y lo que te vas a encontrar en realidad es un " eurometal comercial" en toda regla, por eso los ficharon los Universal Music, vivimos en un mundo globalizado.
The Room es un tema a dos voces, femenina y masculina y con toque sinfónico pero ojo al groove del riff principal emulando a Symphony X y ojo al solo de guitarra progresivo porque esta banda tiene calidad a raudales.
Una de las principales características de la música de estos libaneses es que le dan un aire muy teatral a las composiciones a golpe de teclados sin llegar a  cansar pues saben introducirte después elementos metaleros con gran calidad como en Erosion. Hay mas características que van surgiendo en los temas como es el caso de Deathless. Tienen gancho en las composiciones y saben recrear una atmósfera acorde con lo que requiere el tema, veremos después si en el directo son capaces de reflejarla, eso es otro cantar.
Mi tema favorito de todo el trabajo es Duality que es un calco que resulta de la mezcla de dos bandas: Symphony X y Dream Theather... vale, hay cientos de bandas detrás de este sonido pero esta banda tiene calidad por arrobas y tiene gancho, esa es la diferencia.
No son ajenos a introducir, eso sí, a pequeñas pinceladas, instrumentos de viento para darle un ligero toque folklórico oriental que dote de personalidad y sello propio a sus temas, ya era hora en que apareciese este elemento, Darker Shape of Black es un claro ejemplo.
Quizás se pasan con las intros en los temas y lo hacen algo pesado, pese a que suenan muy cinemáticas, guerreras y hasta épicas como en Escape. Cite a la banda como una banda de Power Metal pero es que hay mucho más, son progresivos, sinfónicos.... quieren abarcarlo todo. Desde Epica, Avantasia, Nightwish, Sirenia, Stratovarius pasando incluso por el legado de los Savatage y esos pasajes a piano que hace el maestro Oliva.
También hay temas cortos como Mourning Light pero no brillan tanto como en los largos pues sus temas necesitan desarrollo para que se refleje en ellos toda su capacidad para mezclar estilos musicales. Quizás demasiado adornado, quizás por momento muy comercial y hasta eurovisivo, pero hay que admitir que tienen clase.

Puntuación: 6,75/10

Skinless " Savagery"

Skinless " Savagery" Brutal Death Usa 2018
01 Savagery
02 Siege Engine
03 Skull Session
04 Reversal Of Fortune
05 Exacting Revenge
06 Medieval
07 Line Of Dissent
08 Cruel Blade Of The Guillotine
09 The Hordes
10 High Rate Extinction (Bonus Track)

Noah Carpenter: Guitarra
Sherwood Webber: Cantante
Joe Keyser: Bajo
Bob Beulac: Batería
Dave Matthews: Guitarra



Son uno de los grandes nombres del Brutal Death/ Goregrind. Una de esas bandas que surgió en 1992 y que compartieron cartel con los mas grandes de este género: Suffocation, Dying Fetus, Aborted, Putrid Pile, Jungle Rot, Gorgasm...etc, bandas a las que por cierto, tienen una similitud en cuanto a sonido.
Esta banda procedente de Glens Falls ( New York) es una banda creada en 1992 y que no se prodiga demasiado en el estudio, de echo este es su sexto larga duración. Las primeras canciones de este trabajo suenan como un mazo, si bien es cierto, con el paso de los minutos el álbum va decayendo algo. Savagery es un medio tiempo marcado por un bajo distorsionado de seis cuerdas, mucho groove en los riffs y pasajes bien escogidos de D- Beats en la aceleración con un solo limpio y tirando incluso a melódico.
Siege Engine es un tema menos brillante que el anterior pero resulta interesante de todas formas, gracias a su versatilidad porque en las aceleraciones nos encontramos partes del viejo Goregrind y en sus partes lentas hay mucha similitud con Suffocation e incluso hay cambios de ritmo donde intentan introducir un pasaje atmosférico donde nos regalan un riff " made in Chuck Schuldinner".
Esta claro que lo que han querido lograr con este álbum es un regreso a los orígenes de este género porque todo suena excesivamente añejo, es el caso de Skull Session que pese a que suena previsible y pese a su sencillez, nos conquista con su solo acelerado y sobre todo su groove aplastante y sus ritmos machacones y lentos con mucho feeling y que dífícil es tener feeling con mas de 20 años de carrera sobre tus espaldas, ellos lo tienen.
El éxito de este trabajo radica en su mezcla de estilos. No suena ni fresco, ni novedoso.... simplemente han querido hacer una vuelta al pasado y repasar todos los estilos que les gusta. Hay pinceladas de todo: Goregrind, Death clásico, Death/ Thrash, Brutal Death, Death/ Doom, Thrash y mucho Crossover. En ese sentido, para mentes abiertas la banda nos regala el tema mas espectacular de todo el trabajo el himno Reversal of Fortune con inicio acústico y ritmos de Thrash épico.
Después le llega el turno a un Death macabro como es el de Exacting Revenge que en las aceleraciones llegan a tener partes de Crossover incluso. Son veteranos de la escena del Death y buscan los riffs mas añejos y clásicos para este álbum como en Medieval donde nos encontramos de nuevo con los Death pero también con otras bandas como los Carcass en su paso melódico, también el tema presenta una aceleración y un cambio de estilo y es junto a Line of Dissent de los pocos temas donde nos encontramos con Brutal Death.
Este es el álbum de Skinless que menos Brutal Death y Goregrind te vas a encontrar en toda su discografía. Aunque en su anterior trabajo del 2015 ya nos daban una pista de que los tiros iban por aquí. Es cierto que en la parte final del álbum se desinfla un poco pero aún así, nunca fueron una banda de excesiva técnica pero siempre tuvieron ese toque clásica, esa esencia que defiende a ultranza el estilo que practican y de eso va este álbum amigos míos, es una oda al Death Metal clásico en toda su extensión y se trata de unos temas muy disfrutables.... que quizás le falta algo de mordiente y mayor agresividad, pues seguramente si, sobre todo se echa en falta mas Grindcore pero tan disfrutable como cualquier álbum de Skinless que siempre son un 1 en la quiniela.
https://skinless.bandcamp.com/
Álbum Completo

Puntuación: 7/10

Exekution " The Worst is yet to Come "

Exekution " The Worst is yet to Come " Thrash Metal España 2018
1.An Eeire Down
2.Over The Altar
3.Hegemony Of Hatred
4.Escoria Humana
5.On Your Mother´s Face
6.The Worst Is Yet To Come
7.Sodomize A Priest
8.El Cepo De Mi Coche
9.Epic Hangover
10.God Is A Shemale

Alberto: Guitarra
David: Bajo
Gabi: Cantante
Álvaro: Guitarra
Amadeu: Batería


Desde Tarragona los Exekution, una banda creada en el 2007. Debutaron en el 2009 con su demo Nuclear Devastation a la que le seguiria otra nueva demo al año siguiente Toxic Troops. En el 2014 lanzaban su primer larga duración " Depravity" que recibió muy buenas críticas. Ahora vuelven a la carga con su segundo larga duración este The Worst is yet to Come que editan de forma independiente. El álbum arranca con la intro instrumental An eire down que tiene un trabajo de guitarra melancólico y metalero.
Las cartas están encima de la mesa en todo momento, tienen un estilo muy definido. Unas letras que nos hablan sobre la maldad del ser humano o sobre un hipotético holocausto nuclear y unos ritmos muy oscuros que recuerdan a Sodom. Por ejemplo el mediotiempo Over the altar parece extraído del Code Red de los Sodom.
Hegemony of Hatred abusa del groove y cambios continuos en el ritmo con agresividad siempre, la voz de su cantante es muy similar a la de Tom Angelripper algo que le sienta muy bien al álbum, trabajan muy bien los solos, limpios en el caso de este tema y dotándolo de atmósfera muy oscura.
Precisamente esa es la clave del álbum, esa atmósfera oscura latente durante todo el trabajo combinado con pasajes metaleros que me recuerdan mucho a los Testament y también combinando con un metal mas extremo que recuerda a Onslaught o Sodom. Escoria Humana es como revivar la llama que encendio en su día en Cataluña grandes bandas como Legión o Fuck Off.
On Your Mother´s Face va creciendo con el paso de las escuchas, veloz, agresivo y con un ritmo que va de menos a mas muy clásico y excelente trabajo de la guitarra solista que le da la pizca de técnica al tema. The Worst Is Yet To Come es un tema con el que me quiero quedar con el trabajo de su bajista y como van progresando en esa dinámica atmosférica gracias al labor del guitarrista rítmico, lo mejor del tema es cuando aceleran al máximo.
No estamos muy acostumbrados en España a escuchar un Thrash tan oscuro como el que nos propone esta banda y es de agradecer. Sodomize a Priest es un corte que arranca con ambientación para introducirnos en la historia y que tiene un desarrollo muy teutón que recuerda a los Destruction/ Sodom en todo momento, yo diría que es el tema mas ochentero y el mas logrado del álbum.
El cepo de mi coche es una guarrada de tema que arranca con erupto que define perfectamente lo que es este tema y lo digo en el buen sentido de la palabra. Crossover/ Punk, velocidad máxima... pura guarrada que en directo gustará y que de nuevo nos vuelve a conectar con el pasado y con la música de una banda catalana de Thrash de los ochenta/ noventa los últimos de Cuba.
Epic Hangover es un tema veloz que se planta en un mediotiempo y nos regala sin lugar a dudas el solo de guitarra mas frenético de todo el álbum. God is a Shemale sigue con la tralla y es que no bajan el listón de intensidad en ningún momento.
Buen Thrash el que nos regala esta banda de Tarragona, muy potente y agresivo, por encima de la media y con una mezcla de referencias, mitad Thrash teutón de los ochenta y buscando en las raíces del Thrash catalán y no tan catalán, pienso en los salmantinos President también... un álbum para disfrutarlo al máximo.

Puntuación: 8/10

Commando 9 mm " Dios salve a los Taraos"

Commando 9 mm " Dios salve a los Taraos" 2001 Punk Rock
  1. Charlie no hace surf
  2. Miénteme
  3. No hay futuro
  4. Desconectado
  5. 1000000 de voces
  6. Canción de odio
  7. Dios salve a los taraos
  8. Mañana
  9. La gran estafa
  10. Johnny coge el subfusil
  11. Pompas de jabón
  12. Carga social
  13. Me quieres enterrar
  14. Rodando
  15. Mi objetivo
Fue un buen regreso para esta banda. En 1991 la banda sufrió su primer parón, la banda se volvió a reunir porque sus álbumes se reeditaron y volvieron a estar un poco encima de la cresta de la ola. Este trabajo se grabó en los estudios Sonaland de Madrid en el mes de septiembre. Charlie no hace Surf lo toman prestado la letra de Apocalypse Now, siempre fueron unos grandes letristas y saben como darle la vuelta a la tortilla, aunque los Clash se referian a este tema. 
Miénteme es uno de los mejores temas que han compuesto en su vida y resume a la perfección lo que son en realidad esta banda, un Punk Rock agresivo y con un gran trabajo de guitarras y siempre con el trabajo vocal entre dos, pollo y Manolo que lo hacen bien.
Canción de odio sigue por la buena senda, la agresividad se vuelve a asentar entre sus bases rítmicas y el trabajo de guitarra, tiran de ironía siempre en las letras y a caballo entre el Punk y el Rock urbano con riffs con sabor clásico y electrizantes, con ilusión componen de nuevo, buscando su esencia como banda, esa es la clave del éxito de este trabajo.
Dios salve a los taraos quizás no es el mejor tema del álbum pero Mañana nos devuelve al Punk inglés de toda la vida, al igual que la gran estafa que suena a Sex Pistols por todas partes. Johny coge el subfusil es un tema que ya tocaban en sus inicios y que recuperan para este álbum " Jhony coge su subfusil y hace una matanza en el Burger King" Jhony coge su fusil es una película antibelicista a la que Commando le da de nuevo la vuelta a la tortilla. Lo que aquí nos vamos a encontrar es un disco que va directo al grano sin mas historia. Media hora de puro Punk Rock como el que te hacían en sus inicios, regresan haciendo lo de siempre y cumplen a la perfección. 





Cannibal Corpse " Kill"

Cannibal Corpse " Kill" Death Metal Usa 2006
1. The Time to Kill is Now
2. Make Them Suffer
3. Murder Worship
4. Necrosadistic Warning
5. Five Nails Through the Neck
6. Purification by Fire
7. Death Walking Terror
8. Barbaric Bludgeonings
9. The Discipline of Revenge
10. Brain Removal Device
11. Maniacal
12. Submerged in Boiling Flesh
13. Infinite Misery

George Fisher: Voz
Pat O'Brien: Guitarra
Rob Barrett: Guitarra
Alex Webster: Bajo
Paul Mazurkiewicz: Bateria

Resulta cansino para una banda y también para el público las exigencias de los grandes sellos de sacar un álbum con temas nuevos cada dos años. ¿ Que puedes ofrecer cada dos años de novedoso? La faceta creativa de una banda se concentra sobre todo en los primeros años de existencia cuando tocan por pasión, cuando la música se convierte en negocio deja de ser divertido. Pero con Cannibal Corpse hay otras reglas de juego.
Las bandas que nunca se bajan los pantalones son las mejores, desde luego.Cannibal Corpse nunca hizo caso de modas y siguen ahí desde el primer día con el mismo estilo de siempre. Este es un álbum al que se le tiene cariño. Me hace gracia la venda en los ojos que tienen los fans de cualquier banda, no son capaces de ver la realidad nunca. Dicen de este trabajo que es el mas técnico de la historia de Cannibal Corpse.... ¿ donde está la técnica en esta banda? Nunca la tuvieron. Si hablamos de calidad, lo que hay que decir que siempre estuvieron a mil millones de kilometros de bandas como Death, Suffocation.... solo por decir dos, y si hablamos de bandas míticas pero en un segundo escalón pues también están a mil años luz de Vital Remains y eso que los Cannibal son mucho mas conocidos.
Cannibal no tiene técnica alguna, solo pasión por el Death Metal. Por momentos este trabajo resulta un tanto cansino. Sobre todo porque el vocalista abusa de los estribillos y no se calla nunca, es escupir frase tras frase en este trabajo. Los solos de guitarra que tuvieron la buena idea de cuidar en su anterior trabajo, vuelven a sus viejos tiempos y no les conceden ninguna importancia, solos disparatados, sin apenas duración y que no aportan nada al trabajo.
Es un álbum con una producción muy sucia, donde cuesta discernir los instrumentos por separado y basan todo su sonido en esa suciedad. Ahora entenderéis mi introducción a la hora de enfocar esta reseña cuando hablaba de la exigencia de sacar un álbum cada dos años, no hay ideas frescas y como no las hay, se tira de producción para lograr un sonido oscuro.
Demasiados temas y todos muy similares. Es un álbum oscuro, gracias a esa producción, veloz pero lineal y que tira de esa velocidad, de vez en cuando un cambio de ritmo que llama la atención y que logra su objetivo de sorprendernos de vez en cuando, pero ojo, esto está al alcance de cualquier banda. El caso es que nunca defraudan a sus fans, porque siempre le dan lo mismo..... ¿ alguién vio cerrar un Macdonalds o un Burger King? Pues esto es lo mismo, los Cannibal Corpse siempre son los Cannibal Corpse, tienen su estilo patentado, siempre gustan aunque nunca asombran. No son ni de lejos la mejor banda de Death, ni siquiera son una de las veinte o treinta mejores bandas de este estilo pero resumen siempre la esencia de este estilo a la perfección y por eso triunfan.
https://www.youtube.com/watch?v=3Odc1AHxYWg
Álbum Completo

Volkana Biografía

La banda se creo en Brasilia, la capital de Brasil en 1987 por Mila Menezes al bajo, Karla Carneiro a la guitarra, Ana a la batería y Eliane Raye como cantante y guitarrista rítmica. Al poco tiempo Ana  y Eliane abandonaron la banda para ceder sus puestos a Mariele Loyola al micro y Débora a la batería que procedían de bandas de metal extremo de Brasilia.

Con esta nueva formación pasan de cantar en su idioma natal al inglés, al igual que en esos momentos hacían los Sepultura, esta banda quería seguir sus pasos. En Brasilia la escena es muy reducida así que optaron por irse a Sao Paulo donde en los ochenta se vivió el boom del metal extremo y las bandas de Thrash tenían mucha aceptación en esta ciudad por aquel momento. Al año siguiente de mudarse y después de ofrecer varias actuaciones la banda graba una demo con dos temas que se titula " Thrash Flowers". Gracias a esa demo, les da cierta popularidad y en 1991 logran un contrato discográfico para poder así grabar su primer larga duración " First" lanzado por Eldorado Records sin apenas promoción pero que tuvo mucha aceptación, eran un cruce estas chicas entre Sepultura y Slayer.
Después Débora dejó la banda y fue sustituida por Pat que a su vez sería sustituido por Sérgio Facci a la batería. Marielle también dejó la banda y fue sustituida por Cláudia Franca. El segundo trabajo no se hizo esperar, salió en 1994 con el título de Mindtrips lanzado por Emi que vio en ellas una oportunidad para dar un salto a la fama, el trabajo era mucho mas creativo y acorde con el año de su publicación, 1994 donde el metal ya estaba a la deriva, hay una versión de Led Zeppelin en este trabajo y participó en un video para promocionar a la banda Frank Godszik ( ex Sodom). La banda pese a sus buenos trabajos no tienen aceptación, tiempos duros los que corrían así que lo dejaron en 1996.
Regresaron en el 2017 con formación nueva al completo, solo sobrevive Marielle Loyola que está en la banda desde 1989 y se quedo con el nombre, pese a que la banda fue fundada en 1987. La banda va a girar y está preparando un tercer álbum.

Curro Vargas

1923 España . 107 minutos. drama. Director: José Buchs. Guión: José Buchs. Fotografía: Jose María Maristany. Productora: Film española. Reparto: Ricardo Galache,  Angelina Bretón,  María Comendador,  José Montenegro, Ramón Meca,  Laura Pinillos,  Antonio Gil Varela “Varillas”,  María Anaya Sinopsis: A principios del siglo XIX en un pueblo granadino, el fallecimiento de Juan de Vargas deja en la miseria al hijo de éste, Curro. El cura local se hace cargo del muchacho, pero un buen día éste conoce a la hija del usurero, Soledad, y surge el amor. Falto de medios económicos, Curro emigra a América con la intención de enriquecerse y casarse con la muchacha tras volver a España.Curro Vargas es una película sin sonido, en blanco y negro de España dirigida por José Buchs según su propio guion sobre la zarzuela del mismo nombre con música de Ruperto Chapí y libreto de Joaquín Dicenta y Antonio Paso y Cano, basada en la novela El niño de la bola de Pedro Antonio de Alarcón. La zarzuela se había estrenado el 10 de diciembre de 1898 y el filme, que se estrenó el 17 diciembre de 1923, que tuvo como protagonistas a Ricardo Galache, Angelina Bretón, María Comendador y José Montenegro.

Durante la década de 1920 el filme se presentaba con la música original de Chapí, y a pesar de no haberse conservado la adaptación musical preparada para acompañar la película, el músico Javier Pérez de Azpeitia realizó en la década de 2010 una nueva adaptación musical sincronizada con la película para hacer con un grupo de cámara y una cantante que interpretará los temas vocales: saetas, canciones, etc.La historia comienza a inicios del siglo XIX en un pequeño pueblo granadino, tras la muerte de Juan de vargas, Curro, el hijo de este queda en la miseria. El cura del pueblo se hace cargo del niño. Un día Curro conoce a Soledad y nace el amor. Con la intención de casarse con la muchacha Curro se muda a América para enriquecerse.

Ricardo Galache

Tras debutar en el Coliseo Imperial de Madrid en la obra Doña Desdenes, se le encuentra trabajando en 1924 en el teatro Español con la compañía de María Herrero y Francisco Hernández, bajo la dirección artística de Enrique López Alarcón,2​ y en 1932 junto a Isabel Barrón.


En 1939 llegó a la Argentina con Margarita Xirgu, participando en el montaje de El alcalde de Zalamea en el Teatro Odeón. En 1945 dirigió en Montevideo la obra Chopin3​ y actuó en el Teatro Comedia en la representación de la obra Luz de gas, de Patrick Hamilton, en un elenco encabezado por Elsa O'Connor en el que también participó Bernardo Perrone.4​ En 1949 actuó junto a Nélida Quiroga en Liberación, la pieza de Vicente Martínez Cuitiño dirigida por Armando Discépolo,5​en Un crimen vulgar en el Teatro Argentino con el mismo director,6​ y con Margarita Xirgu en La corona de espinas, en el mismo teatro
En 1923 protagonizó la película sin sonido Curro Vargas dirigida por José Buchs, en el papel del personaje que da nombre al filme. En 1931 intervino en el filme Isabel de Solís, reina de Granada y luego en Alhambra, una película filmada en 1936 y estrenada en 1940.

Ya en Argentina, tuvo uno de sus papeles más destacados en La guerra gaucha (1942), dirigido por Lucas Demare. Bajo la dirección de Carlos Schlieper tuvo el papel de Gustave Flaubert en Madame Bovary y el del tío Silas en El misterioso tío Silas, ambas de 1947. También se recuerdan sus interpretaciones del sacerdote en Armiño negro (1953) y del profesor de La voz de mi ciudad (1953).

Angelina Bretón


Angelina Bretón era una desconocidísima actriz y cantante tiple. Participó por ejemplo en la película "Curro Vargas" (una película sin sonido, en blanco y negro y de España dirigida por José Buchs según su propio guion sobre la zarzuela del mismo nombre con música de Ruperto Chapí y libreto de Joaquín Dicenta y Antonio Paso y Cano, y que estaba basada a su vez en la novela "El Niño de la Bola" de Pedro Antonio de Alarcón), haciendo el papel de Soledad, o en las revistas musicales "El Príncipe se Casa!" (del maestro Serrano y de los años 20, así como de notable éxito y puesta en escena) o "Ay, Aurora!", que diera nombre a uno de los temas del presente disco. Nada más he encontrado de información sobre la artista. En la imagen del vídeo, Angelina Bretón en la portada del número 672 de "Mundo Gráfico", correspondiente al 17 

Segunda república española

http://hugoefp.blogspot.com/2017/12/bandera-de-la-cnt.html

Mi blog sobre la segunda república española, no te lo pierdas.

Pilar Guerra


1926 España 63 minutos. Director: Jose Buchs. Guión: Jose Buchs. Fotografía: Alberto Arroyo. Productora: Film Linares. Reparto: María Antonieta Monterreal,  Juan de Orduña,  Rafael Calvo,  Modesto Rivas, María Comendador,  Antonio Gil Varela 'Varillas',  Santiago Barat,  Flora Rossini
Sinopsis: La maestra del pueblo de Araceli, Pilar Guerra, mantiene relaciones amorosas con Luciano, el hijo del alcalde, quien no acepta los amores de los jóvenes. Para separarlos decide enviar a Luciano de viaje y consigue que a Pilar la trasladen de destino.Pilar Guerra es profesora en el pueblo de Araceli y mantiene una relación amorosa con Luciano, hijo del alcalde y aficionado a la escultura. Cuando el padre de este se entera, desaprobando la relación por la condición social de Pilar, mandará a Luciano de viaje y conseguirá el traslado de la protagonista otra ciudad de Andalucía. Con su madre enferma, Pilar termina estableciéndose en Madrid, donde no logra encontrar trabajo. Las dificultades económicas la conducirán a posar como modelo de un escultor (Rafael Calvo), que se enamora de ella. Pero Margot, una amiga en común de la ex pareja, informa a Luciano, que también se encontraba en Madrid, de que Pilar está en la capital y juntos preparan una treta para engañarla. Cuando ésta llega a casa de Margot, la emborrachan y la reúnen con Luciano, con el que perderá el honor al mantener relaciones. Pilar, sintiéndose engañada y traicionada, decide vengarse de la familia de Luciano. La venganza la llevará a cabo por medio del dinero de la familia de Luciano, la razón por la que había sido separada de él y caído en desgracia. Así, fingirá ser la amante de Luciano y le hará gastar todo su dinero en caros viajes y caprichos Se anuncia en la ciudad que va a tener lugar un concurso de escultura en el que va a participar el escultor que había contratado como modelo a Pilar compitiendo contra Luciano. Este escultor, de gran fama, era el único impedimento para que Luciano, ya arruinado, recuperase algo de dinero. Pilar, sintiéndose culpable por sus actos, va a la casa del escultor a pedirle que no participe en el concurso, y este le promete no hacerlo movido por el amor que siente hacia ella. Pero Luciano la seguirá hasta la casa, se sentirá traicionado y caerá enfermo.


Pilar, exitosa en su venganza, vuelve a Araceli, pero los padres de Luciano irán a buscarla para pedir su ayuda con Luciano, que se encuentra muy grave. Pilar, que aún le quiere, volverá con él y se arrepentirá por todo lo que le ha hecho a su familia. Finalmente, Luciano ganará el concurso de escultura, recuperando parte de su fortuna, se curará y Pilar y él serán, finalmente, una pareja feliz.Toda la trama gira en torno a una historia melodramática de sentimientos y honor y parte de una novela, de corte folletinesco, con Pilar Guerra (María Antonieta Monterreal) como protagonista representante del estereotipo femenino de su época, la mujer honesta. Su nombre representa la psicología y el carácter de su personaje, una mujer fuerte que luchará para defenderse con las armas que la sociedad le permite emplear. Luciano (Juan de Orduña), por su parte, es un niño bien de familia muy rica, que será progresivamente desvalijado por Pilar en su venganza. Un progreso de este cine, frente al de años anteriores, es el hecho de que se comienza a profundizar más en la psicología de los personajes, ya no mediante rótulos, sino mediante la actuación de los actores y sus acciones.

En la película, se nos muestra la sociedad española de los años 20 y su mentalidad: sus valores morales y prejuicios, el autoritarismo de los padres, las dificultades de las relaciones interclasistas, el matrimonio como meta vital, la honra basada en la virtud femenina, etc. En definitiva, la estricta moral de la sociedad de la época. La película se encuentra, de una manera contradictoria, entre el conservadurismo y una visión más liberal, ya que se nos presenta en el comienzo, una protagonista de ideales conservadores que, no obstante, se liberará para volverse independiente pero, finalmente, volverá al lado de Luciano en un papel de mujer tradicional que recupera los valores de la época que parecían estar siendo transgredidos durante el desarrollo del filme.

Frankestein de Mary Shilley


Sinopsis: Mary Shelley empezó a gestar esta novela en el verano de 1816, un verano lluvioso y sin apenas sol. Tal vez estas circunstancias extraordinarias propiciaran este relato de terror, en el que no solo se cuenta la historia del joven científico Victor Frankenstein y su "demoníaca criatura", sino que se abordan temas fundamentales de la naturaleza humana plenamente vigentes en la sociedad actual.

Opinión Personal: No es la primera vez que una creación literaria pasa a la inmortalidad y su creador al olvido mas absoluto así de mágico y ruin a la vez es el mundo de la literatura. Durante el verano de 1816 Mary Shelley y su marido hacen una visita a Lord Byron que residía en Suiza en aquel momento. En una velada nocturna, después de la cena, Lord Byron conduce al joven matrimonio a su salón y allí les lee una antología de cuentos de terror alemanes. Ahí es cuando a Mary Shelley se le enciende la bombilla y su idea de un monstruo empieza a germinar en su cabeza.
Frankenstein es uno de los " monstruos" mas geniales de todos los tiempos, es una historia a caballo entre el terror, el mundo gótico y el romanticismo. Eso que se dice que Mary Shelley tuvo una pesadilla y creo a Frankenstein a raíz de ese sueño no es del todo verdad, así concibió el capítulo cuarto de esta novela pero nada más, el resto surgió la idea en el salón de Lord Byron.
Para la creación de Frankenstein se basó en las investigaciones de Luigi Galvani y Darwin sobre el poder de la electricidad para revivir cuerpos inertes, eso se denomina como experimentos galvánicos. Todos estos experimentos, hacen que se dispare la literatura clásica de terror y Lord Byron tuvo mucho que ver, sobre todo por sus viajes a los Balcanes, porque las historias de los vampiros, que no Drácula, nacen al mismo tiempos que Frankenstein.
Lo que recomiendo al lector es que se lea el manuscrito original porque es mucho mas duro que la versión que circula por todas las librerías. En cuanto a la figura del joven doctor Frankenstein está basado en el científico Andrew Crosse, un conocido de Mary Shelley que experimentaba con cadáveres y electricidad. Shelley y su marido acudieron a una charla de este científico sobre la " Electro- cristalización" de matería inanimada y a raíz de eso saca todos los datos científicos de su novela para adelante.
Hay que situarse en la época, Andrew Crosse fracasó en sus experimentos y además tuvo una fuerte oposición en el mundo científico pero también en el político y religioso, considerándole un auténtico hereje y murió solo en su destierro,  pero para Shelley era un romántico y por eso lo plasmó en su novela. Al poco tiempo de irse a su destierro en su mansión, el doctor Crosse sufrió una parálisis y poco tiempo después falleció y una vez que estiro la pata su mansión ardió llevándose consigo todos los experimentos que llevaba a cabo.... la realidad que supera la ficción de nuevo.
La novela narra la vida de Victor Frankenstein un joven doctor suizo estudiante de medicina. Víctor crea un cuerpo a partir de la unión de distintas partes de cadáveres diseccionados. Se menciona al galvanismo y a la electricidad para revivir un cuerpo muerto.
Víctor comprende que se equivocó a jugar al ser Dios y rechaza el experimento pero su ser ya está vivo. "El monstruo" huye del laboratorio y por donde pasa es tratado con odio y perseguido solo por ser diferente. Es cuando después de tantas peripecias el doctor se encuentra en las montañas suizas con su creación y este le promete desaparecer si le crea una compañera . Frankenstein está harto de sentirse solo y rechazado y quiere una mujer con su aspecto que no huya al verle.
Víctor empieza a trabajar en la novia de Frankenstein pero tiene remordimientos y aborta el plan y Frankenstein decide vengarse, y asesina a Clerval el mejor amigo de Víctor y en la noche de bodas asesinará a Elizabeth, la prometida de Víctor.
Esta novela tiene varias lecturas. Lo primero que hay que decir es que está muy inspirada en Lord Byron. Lo segundo es que es una alegoría contra el desarrollo científico y sus consecuencias. Quiere decir, que la medicina y la investigación científica se estaban desarrollando con fuerta en aquellos años y que existía siempre el debate moral. Es como ahora, por ejemplo, con la clonación y el aborto. Pues de aquella se hablaba de galvanización y de la posibilidad de revivir a los muertos, la eterna obsesión de la vida eterna, así surgió la temática de los zombies, mezclado con leyendas de santeros y voodoo procedentes de Haití.
¿ Juega el doctor Frankenstein a ser Dios? Pues este sería el titular y el resumen de la novela. La rebelión de la criatura creada contra su creador es una muestra de como el progreso se vuelve contra el hombre, una obsesión que nos persigue desde los tiempos del desarrollo industrial, crear máquinas o esclavos y que estos se vuelvan contra nosotros.
Otros creen que también Shelley habla sobre el parto que sufrió y el miedo a quedarse embarazada y que la criatura nazca mal.  Una de las obras favoritas de Byron era la obra teatral de Esquilo, y el propio Percy Shelley escribió sobre el tema. Prometeo también se presenta a veces como el escultor de la humanidad, un titán que, según explicaría esta leyenda, creó al hombre a partir de la arcilla. La novela no es una simple reescritura del mito clásico, ya que, a diferencia del titán, el moderno Prometeo no es castigado por los dioses, sino por su propia creación. En cierto sentido, el de Prometeo es otra elaboración del mito de diferenciación entre la humanidad y la naturaleza, por el conocimiento y la técnica, y el castigo que ello conlleva, y tiene conexiones con la idea bíblica del demonio. La descripción de la criatura realizada por Mary Shelley se nutre directamente del personaje de Satán en "El paraíso perdido" de John Milton (uno de los hitos en la historia de la literatura británica, muy valorado por los intelectuales de principios del siglo XVIII).
Po lo tanto la novela es romántica y gótica a la vez, se desarrolla en los tiempos de la revolución industrial y narra como el hombre trata de desarrollarse hasta el punto de desafiar a la moralidad de los hombres y al mismísimo Dios con sus creaciones, de eso va la obra en realidad.
El Frankenstein de Mary Shelley es un ser despiadado que se alimenta del odio y la repulsión que sienten hacia el y nos da un poco de lástima cuando le pide al joven doctor que le cree una compañera. Pero la idea de un Frankesntein solitario, triste, depresivo, que es insultado allá por donde pasa, pero que en el fondo tiene un corazón bondadoso y un alma blanca y que solo se acerca a los niños porque son los únicos que no lo rechazan.... eso ya es producto del cine, pero no es la idea original de esta novela.