lunes, 22 de octubre de 2018

Fortress " Fortress"

Fortress " Fortress" Heavy Metal Usa 2018
1. Witchcraft
2. Midnight Dream
3. Bloodmoon
4. Peace in Hell


Ulises Serrano: Bajo
Robert Duran: Batería
Eddie- Jonathan Bravo: Guitarra
Fili Bibiano: Guitarra
Chris Scott Nuñez: Cantante



Este Heavy Metal clásico que se marcan estos chicos de California te va a sentar de maravilla porque tienen todos los ingredientes para divertir al personal. Atención a la recomendación de Metalbrothers.es, no solemos dar muchas y cuando la damos es porque el grupo merece la pena y normalmente al cabo de un tiempo acaba siendo una banda conocida.
Witchcraft es el primer tema que nos regalan. El cantante es un calco de Bruce Dickinson pero su música no tiene nada que ver con los Iron Maiden. Es el clásico metal construído a base de solos y mas solos de guitarra... y de que calidad y que pasión hay en cada uno de ellos. Un torrente de notas que me recuerda al bueno de Randy Rhoads y Criss Oliva.... si estos dos nombres sagrados no te ponen los dientes largos mejor será que dejes de leer esta crónica y te pongas los cuarenta principales. Atención al cambio de ritmo y la introducción de un ritmo de Blues para retomar el tema con fuerza.
Midnight Dream es un tema con la esencia de Riot y Dio, suena clásico, soy consciente de que hay cientos de bandas con este sonido pero pocas con el gancho de Fortress... os avise chachos y nunca lo hago por hacer. Es un tema con el riff acertado, suena hipnótico en todo momento y el tema se desarrolla con gancho y acierto. El anterior corte sonaba a Hard Heavy melódico americano de los ochenta pero en esta ocasión suenan mas a Heavy Metal... y que arrancada por Dios, el solo a lo Judas Priest en el Screaming For Vengeance... ten el papel higiénico a mano.
Bloodmoon es clavar la espada en la tierra, es gritar tierra conquistada a los cuatro vientos. En esta ocasión si que sacan de la chistera el típico ritmo de los Iron Maiden, pero con una pequeña diferencia o grande según se vea. La diferencia es que los Fortress siempre buscan la rapidez y no se eternizan con los riffs atmosféricos como la banda británica . A este tema le falta el solo de guitarra final.
Un ritmo calcado al de Randy Rhoads en su etapa en Ozzy para cerrar el trabajo, me parece una muy buena idea. Peace in Hell es ese tema que sirve para cerrar el trabajo. De nuevo un riff melódico y de metal blando que lleva el tema en volandas y en esta ocasión si que surgen los solos que escupen fuego.
Tremenda banda y tremendo pepinazo en forma de cuatro temas, una banda revival llamada a hacer grandes cosas, anota el nombre, que no se te olvide, los Fortress están en esto para ser una de las bandas junto a los ya encumbrados Them, Cauldron, Ram o Striker a darle el relevo a Judas Priest... si es que a Judas Priest se le puede dar relevo porque después del Firepower no lo tengo claro.




Ulises SerranoBass
Robert DuranDrums
Eddie-Jonathan BravoGuitars
Fili BibianoGuitars
See also: Witherfall
Chris Scott NunezVocals

Conan " Existencial Void Guardian"

Conan " Existencial Void Guardian" Inglaterra Stoner/ Doom 2018
01. Prosper on the Path
02. Eye to Eye to Eye
03. Paincantation
04. Amidst the Infinite
05. Volt Thrower
06. Vexxagon
07. Eternal Silent Legend


Jon Davis: Guitarra, Cantante
Chris Fielding : Bajo
Johnny King : Batería




Seguramente es uno de los álbumes mas esperados del año, los Conan de Liverpool siempre levantan una gran
expectación haya por donde pasan. Banda creada en el 2006 que presenta su tercer larga duración. El trabajo
arranca con Prosper of the Path, me gusta el ritmo de la batería, con muchos matices, la distorsión de siempre,
a caballo entre el Stoner y el Doom pero con tanta oscuridad que se acercan al Sludge. El estribillo muy
oscuro con ramalazos de los Slayer. Estas esperando un cambio de ritmo todo el rato que cuando se produce
te deja mas frío que un tempano.
Eye to Eye to Eye es un corte que prosiguen con la misma tonalidad y mecánica que el anterior corte. Siguen
sonando oscuros con una muy buena aceleración de Death and Roll para enseguida volver a pisar el freno. A
mitad del tema paran las máquinas, tiran de platillo y de un fuzz completamente distorsionado y lento, vuelven
a generar expectación para quedar en nada.
Dos disparos que no rozan el larguero... no es habitual en Conan y empieza a ser preocupante. Agresivo a mas
no poder el inicio de Paincaintation, tanto que es inclasificable. Una mezcla de Sludge, Black, Death... agresivo.
Recuerda un poco a Sadistic Execution pero...¿ 55 segundos de tema? Suena a broma y no pega ni con cola
con el resto de cortes, otra idea sin desarrollar.
Inicio lento y muy distorsionado en Amidst the Infinite que hace honor a su nombre y se te hace infinito el tema
pero no para bien. La introducción del estribillo metida a calzador, tan solo es destacable el trabajo del
batería que salva al tema de la quema pero aún así no aporta nada.
Nunca fueron una banda de muchos temas en un álbum y encontrarse cuatro temas seguidos que no están
ni por asomo cerca del resto de su discografía, en el anterior tema tan solo puedo destacar el riff final que te
recuerda a Neurosis, pero es que llega en la recta final y no tiene desarrollo y ese es el gran mal de este
trabajo.
Volt Thrower presenta un ritmo de batería técnico y con un arranque violento, eso sí, a agresividad no hay
quién les gane y yo diría que es el álbum mas agresivo de toda su carrera. El tema no puede ser mas monótono,
una repetición constante de ritmos que no llevan a ninguna parte y de nuevo ese estribillo que te recuerda en
todo a los Slayer de los noventa... no es una buena señal.
Vexxagon presenta el riff mas agresivo y distorsionado de todo el trabajo es una lástima que cuando cambian
de ritmo y tiran de lentitud pierdan toda esa energía generada en el primer tramo del tema pero esta es una
constante en el nuevo trabajo de esta banda.
Eternal Silent Legend es mas de lo mismo, generar ritmos pesados que no te llegan a atrapar en ningún momento
cuando esta banda siempre se caracterizo por tener un enorme gancho, en la parte final, de nuevo, un buen
riff que llega demasiado tarde.
Castañazo épico el que se come Conan una de los mayores tropezones de lo que va de año. No se les puede
acusar de que hayan variado de estilo. Siguen con su Stoner/ Doom/ Sludge oscuro de siempre. Emulando a
bandas como Khemmis, Thou, Monolord, Yob, Sleep... pero es que no enganchan en ningún momento y está
a mil años luz de su anterior trabajo, decepción máxima, salvan el álbum de la quema solo porque tienen una
gran calidad.

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 5/10

Clutch " Book of Bad Decisions"

Clutch " Book of Bad Decisions" Rock Usa 2018
1. Gimme the Keys
2. Spirit of ’76
3. Book of Bad Decisions
4. How to Shake Hands
5. In Walks Barbarella
6. Vision Quest
7. Weird Times
8. Emily Dickinson
9. Sonic Counselor
10. A Good Fire
11. Ghoul Wrangler
12. HB Is in Control
13. Hot Bottom Feeder
14. Paper & Strife
15. Lorelei

Neil Fallon: Cantante
Jean Paul Gaster: Batería
Tim Sult: Guitarra
Daine Maines: Bajo


Esta es una banda veterana procedente de Maryland creada en 1991. En un primer momento se llamaron Glut Trip y después Moral Minority hasta que finalmente se denominaron Clutch. En 1995 lanzaron un álbum de título homónimo que tuvo un gran éxito y empezaron a girar por todo Estados Unidos.
Doceavo álbum de estudio con su música de siempre, sin ninguna sorpresa. La producción es sucia, algo que siempre buscan en la mayoría de sus álbumes porque quieren tirar siempre de Stoner en sus composiciones y sobre todo con el liderazgo de Neil Fallon, un gran cantante.
Demasiados temas para mi gusto que acaban sonando a mas de lo mismo aún así hay un buen puñado de temas destacables como es Spirit of 76, que hace honor a su nombre con un sencillo ritmo de los Black Sabbath, la última era de Ozzy en la banda, quizás la menos valorada.
Del tema Book of bad Decisions le toman el pulso al rock con un solo de guitarra con alma de Blues y mucha distorsión, buen trabajo del bajista apoyando ese solo, sonando similar a los Mountain y con cierta esencia de Hendrix.
In Walks Barbarella juegan con el Funk y también con elementos de Deep Purple, el estribillo tiene bastante gancho. Visions Quest es un rock alternativo mas abierto, un poco de The Cult mezclado con los Monster Magnet.
En la pausa es donde se manejan mejor como en Emily Dickinson y sacan la chistera con todos esos elementos clásicos: Stoner, Psych Rock, Hard Blues.... aunque echo en falta un poco de rock sureño en este trabajo.
Siempre utilizando el Funk como en Sonic Counselor con un estribillo que es calcado a cualquiera de Kiss de los años setenta y es que esta banda tiene la fórmula del éxito bien cogida, sinceramente me da algo de lástima como está el panorama musical porque hoy en día todo es citar fuentes de otros artistas, mezclas que pueden ser mejor echas o peor pero que de originales no tienen nada.
Aparece el rock sureño que demandaba con Hot Bottom Feeder, un poco de ZZTop pero con mucha distorsión, experimental pero siempre buscando el gancho comercial.  Finaliza el trabajo con Lorelei demostrando que las baladas y la melodía no son lo suyo.
Conservan la energía de siempre, tienen adrenalina en cada nota que tocan pero ya no hay esa chispa a nivel compositivo que si había en los inicios de su carrera, poco creativo respecto a los anteriores trabajos y muchos temas de relleno, quizás demasiados.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 5,75/10


Destroy Clocks " Tarot"

Destroy Clocks " Tarot" Canadá 2018 Post Metal/ Shoegaze
01. Pale Horse
02. Highway Eyes
03. Throwing Shade
04. Nervous System
05. Tin Man
06. Halifax Myst
07. Counting the Days
08. Witch House

Kevin N. Hell : Guitarra, Cantante
Nicole Lefebvre: Teclado, Sintetizador, Bajo
Tyler Black : Batería

Una banda muy interesante llamada a hacer grandes cosas en el mundo del metal, son los Destroy Clocks procedentes de Ottawa. Estos canadienses realizan una fusión de estilos con un gran trabajo de teclado y de sintetizadores, demostrándolo desde un primer momento con el tema Pale Horse, épico a mas no poder donde os va a sorprender la voz de su cantante a mi me recuerda a Tim Baker de los Cirith Ungol, no pega ni con cola con el estilo musical de esta banda pero resulta curioso.
Hay elementos progresivos y tienen la oscuridad y también la pausa de los primeros tiempos de Savatage y eso son palabras mayores. Highway Eyes es una nueva demostración de fuerza con una composición que va de menos a más con elementos de Shoegaze que salpican ese metal tradiccional.
Throwing Shade es el tema mas controvertido y arriesgado de todo el trabajo buscando un trabajo con sintetizadores que recuerda, introduciendo elementos electrónicos y también étnicos en el estribillo con una voz femenina, arriesgado pero quién no arriesga no gana, quizás te desconecta algo del álbum.
Nervous System vuelven a su caos organizado donde se mueven como pez en el agua. Elementos clásicos con esas notas de órgano que recuerdan a Virgin Steel o Savatage pero con lentitud y riffs distorsionados a lo Candlemass.
Tinman juega con el rock progresivo y mezclándolo con elementos de metal clásico de nuevo a lo Savatage en concreto este tema me recuerda al Poets and Madmen un álbum infravalorado y casi diría que olvidado que merece la pena que volváis a escuchar.
Halifax Myst es el primer tema acelerado se exceden quizás con ese órgano y se echa en falta esas pinceladas de Shoegaze que han ido desapareciendo a medida que va avanzando el trabajo. Counting the Days es el penúltimo tema, el mas progresivo y complejo de todo el trabajo, siempre con el teclado como elemento principal y con un buen trabajo en la percusión.
Witch House es la última carta que se juega la banda, tarda en arrancar y esperas un cambio de ritmo creativo que nunca llega a producirse, quizás eso es lo que mas echo en falta en esta banda, esa creatividad. Tienen pinceladas de Shoegaze aunque de forma muy esporádica, en cuanto al Post Metal algún momento tribal y oscuro a lo Neurosis o Pelican pero tampoco es su baza principal. Les falta la creatividad en los cambios de ritmo que es habitual en este estilo. Pese a que la sorpresa se disipa tema a tema y pese a que el álbum se va desinflando poco a poco, dejan una sensación curiosa de querer seguir escuchándolos más y más para acercarse a su mundo sonoro.
https://destroyclocks.bandcamp.com/
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,5/10

Treat " Tunguska "

Treat " Tunguska "Hard Rock Suecia 2018
01. Progenitors
02. Always Have, Always Will
03. Best Of Enemies
04. Rose Of Jericho
05. Hearthmath City
06. Creeps
07. Build The Love
08. Man Overboard
09. Riptide
10. Tomorrow Never Comes
11. All Bets Are Off
12. Undefeated
13. Tomorrow Never Comes (Acoustic Version) (Japan Bonus Track)

Gary Wickström: Guitarra, Teclado
Robert Ernlund: Cantante
Jamie Borger: Batería
Patrick Green. Teclado, Piano, Sintetizador, Guitarra
Pontus Egberg: Bajo



Treat es una banda creada en Estocolmo en 1981 por el cantante Robert Ernlund el líder de esta banda de Hard Rock sueca. Se hicieron famosos en 1988 tocando en el festival Monsters of Rock o haciendo de teloneros a Wasp o Queen en sus giras por Suecia.
Lo dejaron en el 93 y regresaron en el 2006 y este es su octavo álbum de estudio. Es una de las bandas de Hard Rock mas en forma de la actualidad y lo es gracias a su variedad musical, Hard Rock, Heavy Metal Melódico... muy versátiles y siempre con una gran producción.
No me puedo quitar de la cabeza el tema Progenitors, me atrevo a decir que es el mejor tema que han compuesto en toda su carrera es un auténtico bombazo. Tiene ritmo gracias a su batería, el estribillo es simplemente mágico y estarás tatareándolo en la ducha durante meses. El cambio de ritmo añade oscuridad melódica a lo Mercyful Fate o Candlemass y es que cuidado que está Pontus Egberg en la banda, lo tiene todo, así de claro, uno de los mejores temas del año.
Always Have, Always Will es un bajonazo pero lo es porque el anterior tema era irreal de lo bueno que es. Es un rock sencillo y con mucho teclado que recuerda a los Europe, banda con la que estuvieron compitiendo codo con codo durante los ochenta y principios de los noventa.
Best of Enemies es un corte con ritmo y un bajo potente, buenos estribillos, milimitrados, no nos podíamos esperar otra cosa de una banda tan profesional, buen cambio de ritmo con esos teclados que le dan un aire electrónico y combinan con el Groove oscuro en el riff.
Rose of Jericho quizás se pasa con la producción en este caso ya que es un tema excesivo a todos los niveles y está claro que en directo no va a sonar ni similar pero ojo con los estribillos de este álbum, son adictivos aunque este tema suena 100 % a Chinese Democracy.
Hearthmath City tiene un punto pomposo de Aor y mucho Glam en el estribillo, divertido porque en el riff calcan a los Van Halen. Creeps vuelve a encontrar la mejor base rítmica, metalera para desarrollar su buena música con un riff muy creativo, intenso y con rock en estado puro para desarrollar el estribillo y es que los fans del Rock melódico van a aplaudir hasta que les salgan callos en las manos con este álbum.
Build the Love es una banda muy Aor a lo FM o Bad Company pero potenciado un mil por mil, excesivamente azucarado pero con otro solo de guitarra emotivo como pocos que lanza el tema de forma definitiva. Man Overboard instrumentalmente es un tema con mucha clase. Solo de teclado y un medio tiempo de rock básico y setentero, buen tributo a los Deep Purple del Perfect Strangers.
Riptide es un corte menor comparado con los registros que manejan en este trabajo a caballo entre TNT y Bon Jovi. Tomorrow Never Comes sigue bajando el listón y es una lástima porque el álbum empezaba como un cohete. Por eso un poco de rock básico a lo Scorpions como en All Bets Are Off no le sienta nada mal al disco. Undeafeated es la receta de siempre, mezcla de estilos musicales y mucho gancho compositivo, cierran con buena nota el álbum.
Muy comercial pero con clase, garra y algún que otro tema top, los Treat siempre están en la primera línea de fuego del Hard Rock melódico y vuelven a cumplir una vez más.

Feeling: 4/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción. 4/5

Puntuación: 7,75/10

Manii " Sinnets irrganger"

Manii " Sinnets irrganger" Noruega Black 2018
1.Da Har De Sænket Mig Ned I Jord
2.Gravsang
3.Dødmands Ben
4.Hundre Gonger Hengd
5.Sinnets Irrganger

Cernnunus: Batería Programada, Guitarra, Bajo, Teclados
Sargatanas: Cantante
Bornyhake: Batería, Guitarra

Controvertida esta banda. Nombrar la ciudad de Trodheim es nombrar la ciudad de Noruega junto a Oslo donde empezó todo, el Inner Circle, la leyenda negra, el misticismo pero también el Black Raw Metal en su estado mas puro, de allí proceden los Manii.
Son una banda veterana, de los pioneros del Black Raw Metal en Noruega aunque no se lo reconozcan. Esta banda se creo con el nombre de Perifa en 1991 y editaron dos demos. En 1993 se cambiaron de nombre a Manes con este nombre saltaron a la fama, del 93 al 2011 como Manes y con un total de cinco álbumes y numerosas colaboraciones en un primer momento la banda tocaba Black Raw Metal y después se paso a la mezcla de Jazz/ Avantgarde con Black. Manes sigue en activo pero Sargatanas abandonó esa banda y creo Manii donde recupera el Black Raw aunque con mezclas.
Este es el segundo trabajo de la banda. Arranca el álbum con Da Har de Saenket Mig Ned I Jord, un tema minimalista que busca la atmósfera a golpe de teclados y sintetizador, son buenos en la programación, lo han demostrado desde los noventa hasta nuestros tiempos. ¿ Con quién compararlos? con los Ulver.
Gravsang es un tema que te traslada a los bosques noruegos, si os soy sincero no me gustan las reseñas de pacotilla que dicen chorradas y frases echas para no reseñar el álbum porque no se lo escucharon pero en el caso de Manii tengo que soltar alguna frase echa porque es una banda que aporta sentimiento y te hace volver a los orígenes del Black Raw nórdico... de los que ellos forman parte, aunque no con un papel primordial.
Dodmands Ben es un tema mas acorde con lo que Manes hizo en los últimos años. Ojo con el acompañamiento acústico que pone el Avantgarde sobre el tapete, el cambio de ritmo es creativo y original y aunque cuesta trabajo digerirlo si no estas familiarizado con el Black de mezclas de estilos y técnico, hay que decir que juegan en una liga superior.
Lo que mas destaca es el Black raw mas oscuro y agresivo con riffs que suben y bajan de escalas a una velocidad de vértigo, siempre con esa producción sucia que por momentos roza el Noise y el Metal industrial como la de Hundre Gonger Hengd
Sinnets Irrganger es el último tema otro tema atmosférico, con cierta melodía donde aparecen los primeros solos limpios y lentos de todo el trabajo con cierta melodía, buen trabajo con la guitarra rítmica creando una atmósfera melancólica y en el cambio de ritmo de nuevo apostando por el sonido de la vieja escuela los Burzum o Darkthroned.
El caso es que Manii al contrario que Manes busca la variedad, es decir combina el Black Raw mas oscuro y clásico con elementos atmosféricos de complejidad técnica aunque no tanto como Manes, me parece un buen álbum.
https://terraturpossessions.bandcamp.com/album/manii-sinnets-irrganger
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 4/5
Producción:3/5

Puntuación: 7,75/10

Carraz " Carraz"

Carraz " Carraz" Thrash Metal Brasil 2018
1. Doomination
2. Human Devastation
3. Face Your Fate
4. QR Code 666
5. Bloody Eagle
6. Endemic Plague
7. Shroud
8. Guillotine
9. Night Riders
10. Beer From Hell


Filippe Lawmaker: Guitarra
Rodrigo Retamero : Guitarra
Raphael W. D'amaro : Cantante
Marco Guerra : Bajo
Giovani Calavcanti : Batería


Carraz son músicos de Sao Paulo que estuvieron al frente de bandas como War Age, Comando Nuclear o Life in Black, bandas de Thrash, Speed y Metal clásico. Como Carraz este supone su debut, que lástima de producción, echa a perder un buen producto. El sonido del bajo inaudible pero lo peor es el sonido de la batería está muy por encima y la guitarra muy por debajo, flojísima la producción.
Doomination en sus partes lentas introduce un estribillo con acompañamiento acústico que introduce una buena atmósfera que recuerda a Sodom, buena alternancia de solos de guitarra. Demasiada presentación de guitarras en Human Devastation para al final marcarse una especie de Speed mezclado con Crossover con los típicos coros en el estribillo, suenan un tanto acelerados y no lo digo porque sean una banda de Speed Metal, lo digo porque quieren abarcar demasiado en tan poco tiempo y suenan atropellados aunque con muchas ganas de hacerlo bien.
Face your Fate es un corte que contiene los elementos que hacen funcionar un tema que son las ganas, eso lo primero, un riff oscuro que para este estilo siempre le sienta bien y aciertan en el estribillo, tienen cierto gancho porque recuerdan a la escuela brasileña del Thrash mezclada con la escuela alemana.
QR Code 666 no me dice nada pero si lo hace Bloody Eagle, donde la banda mezcla Motörhead en su primera época con los Sodom y los Discharge... la fórmula de siempre.
Endemic Plague es el tema mas veloz de todo el trabajo, la potencia sin control no es nada y en el futuro deben aprender esta lección que les hará mejorar. Los mejores solos de guitarra de todo el trabajo llegan con Shroud pero siempre utilizan el mismo acompañamiento.
Guillotine es un ejercicio clásico donde prescinden de la clásica fórmula del Thrash Metal para emular a los Judas Priest mas cañeros que ya sabéis que en Brasil son considerados dioses y lo son realmente. Tienen esa velocidad estos Carraz que por momentos te recuerdan a los Hirax.
En Night Riders no cumplen porque suenan a mas de lo mismo y es que a medida que va avanzando el trabajo nos encontramos ante los típicos temas de toda la vida y demasiados similares entre sí. Beer from Hell es alegre y poco más.
Los puntos fuertes de esta banda es sobre todo que tienen feeling en los estribillos, un buen cantante con un tono agresivo y versatil. De vez en cuando algún que otro buen solo de guitarra y los aspectos a mejorar son que necesitan un sonido de batería mas técnico y menos rutinario, mas trabajo al bajo, estructuras de temas menos predecibles y mas complejas y algo mas de versatilidad entre los temas pero tienen actitud, garra por momentos y el álbum no ilusiona pero divierte.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 2/5

Puntuación: 6,25/10

Hawkwind " Road to Utopia "

Hawkwind " Road to Utopia " Rock Progresivo Inglaterra 2018
1. Quark, Strangeness and Charm
2. The Watcher
3. We Took the Wrong Step Years Ago
4. Flying Doctor
5. Psychic Power
6. Hymn to the Sun
7. The Age of the Micro Man
8. Intro the Night
9. Down Through the Night

Dave Brock: Guitarra, Bajo, Sintetizador, Cantante
Mr Dibs: Bajo, Cello
Rick Chadwick: Batería
Niall Horn: Bajo, Sintetizador
Dead Fred: Violín, Teclados,Cantante


Una de las bandas mas especiales y " espaciales" de todos los tiempos. ¿ Porque digo espacial? Pues que en las letras han colaborado escritores de ciencia ficción como David Moonrock. Banda formada en Londres en 1969 con una carrera prolífica... pero muy poco seguida. Este es su vigésimo noveno álbum de estudio... pensando mientras escribo esta reseña solo se me ocurre a los japoneses Loudness como una banda con más álbumes en estudio que los Hawkwind.
Creo que Dave Brock que es el único miembro de la formación original que queda, ya esta harto que los Hawkwind sean recordados por ser la banda por la que tuvo un breve paso Lemmy Kilmister... pero tiene muy difícil que algún día sean reconocidos ya que su música es involutiva y según los gustos actuales del mercado musical casi se podría decir que jurásica.
¿ Sabéis cuantos músicos han pasado por esta banda? 39... me parecen pocos para llevar mas de cincuenta años juntos. El caso es que Lemmy no es el único que falleció, han fallecido hasta un total de seis músicos que tocaron en esta banda de Londres.
Son los pioneros del Space Rock en sus inicios estaban influenciados por el Krautock alemán y el Psych Rock inglés. En los ochenta triunfaba la Nwobhm y trataron de emular ese sonido pero desde el Rock progresivo y en los noventa combinaron música electrónica con rock psicodélico ahora simplemente son un espíritu libre.
 Quark, Strangeness and Charm es una bossa nova muy alegre y eso ya te da una idea de que a estas alturas de la película sin ninguna presión comercial encima, hacen lo que les da la gana. The Watcher es una versión de Eric Clapton, me llama poderosamente la atención porque no es una banda que se dedique a hacer versiones pero oye... " Slowhand" y buen blues.
We Took the Wrong Step Years Ago me pareció maravillosa, balada acústica y sinfónica y aquí entra la verdadera importancia de esta banda que influenció a otras que siguieron sus pasos en este tipo de temas como Kansas, Saracen, Wishbone Ash, Magnum...etc.
Flying Doctor es un corte alegre donde entra un saxofón y hay elementos de Jazz que se agradecen y aportan frescura total, es una " Big Band" que en los últimos años están dejado los sintetizadores y la música electrónica en el fondo del armario y me alegro que apuesten por la naturalidad.
Psychic Power es una balada acústica de ritmo veloz en la batería, tributo total a Jhonny Cash que podría ser una banda sonora para cualquier película de Tarantino del oeste. Esa vena sinfónica y progresiva se vuelve a acentuar con Hymn to the Sun y prosigue pero con un cariz de música clásica en The Age of the Micro Man... siempre con ese punto de Sci Fi en las letras.
Siguen explorando su dominio acústico algo que siempre fue prioritario para ellos con Intro the Night que sirve de introducción para Down Through the Night. Los últimos temas del álbum son acústicos y sinfónicos. No os voy a engañar, esto no es un producto comercial ni tampoco va a ser un álbum que vais a encontrar reseñado en ninguna web de habla hispana. Es de difícil digestión como cualquier álbum de Hawkwind pero como todos los álbumes de esta banda inglesa tiene su encanto, su magia, yo sobre todo quiero destacar los buenos momentos de Blues y Jazz que me recordaron bastante a Savoy Brown. Parafraseando a nuestro líder y creador de Metalbrothers.es, Vpower, este es un álbum para gente con mejillones en los huevos o en los ovarios.

Feeling: 2/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 4/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,5/10

Benito Lertxundi " Zuberoa y Askatasunaren semeei"

Benito Lertxundi " Zuberoa y Askatasunaren semeei" 1977 Folk Euskadi
1. Aire delizius huntan
2. Zuberoa I
3. Zuberoa II
4. Zuberoako bralia
5. Prima eijerra
6. Pastoraleko martxa
7. Oi Zuberoa
8. Orhiko txoria
9. Mündian malerusik
10. Goizian argi hastian
11. Kadrille

Los setenta fueron la mejor época la Lertxundi en el plano social y musical y es que ambos van de la mano de un artista tan comprometido. Aquí en 1977 es cuando verdaderamente empieza su etapa de Folk y acaba su etapa como cantautor al menos para nosotros. El caso es que hablaba del plano social y tengo que decir que a un nivel social pues fueron años muy duros para el País Vasco los setenta y para toda España, pero recuerdo que estaba muy mal visto hablar en euskera.
Ahora estamos en el 2018 y hay que recordar aquellos tiempos.... que por cierto amenazan con volver. Metalbrothers.es es mucho mas que una web de metal más, somos diferentes. Lo somos por lo que todos sabéis, que hablamos de todos los estilos musicales, porque somos los que mas reseñas suben al año y porque le damos aire al underground. Pero hay dos secciones que merecen una mención aparte. Una es la ocio cultura y deporte donde subiremos opiniones, películas, resúmenes deportivos, geografía política y social... etc.
Otra es el la sección clásicos nacionales. Es el objetivo mas ambicioso de Metalbrothers.es. Pretendemos subir absolutamente todo lo que se hizo en España y que tenga que ver minimamente con el Metal. Pero no pudimos evitar la tentación de subir artistas que no tienen nada que ver con el metal como fue en su día Fuxan os Ventos, los pioneros del folk galego que recuperaron las canciones populares en Galicia y defendieron la identidad nacional ante el franquismo y el caciquismo. Lertxundi es un escultor metido a músico es un poeta y sobre todo es un enamorado de su tierra, eso no es un délito. Aunque lo parece ser en los tiempos que corren donde sentirse vasco, galego o catalán parece un delito y las otras regiones de España nos tienen que decir como nos tenemos que sentir, pues no, porque nosotros tenemos idioma propio y cultura propio completamente diferente a la de España, así de claro. Metalbrothers.es siempre defenderá la cultura y las costumbres propias.
En este trabajo se rodea el artista de Jose María Irastorza, Humberto Astibia, Marian Arregui, Joaquín Maria Melera, Ramón Beraza y lo grabo en los estudios Fonogram, un clásico de la música popular vasca.


Tsjuder " Ved ferdens ende"

Tsjuder " Ved ferdens ende" 1995 Black Metal Noruega
1. Intro
2. Age of Destruction
3. Fimbulvinter
4. Ved ferdens ende


Draugluin : Guitarra
Nag : Bajo, Cantante, Programación
Berserk : Guitarra

El debut de los Tsjuder se produjo en unas condiciones complejas debido a los constantes cambios
de formación, de ahí que cada trabajo en estos inicios sonaran diferentes.... digamos que cada
músico puso su granito de arena en el sonido de esta banda en sus primeras demos, pero cada una
suena diferente, así hasta llegar a la tercera demo que es la que sentó las bases de esta banda.
Aún así respecto a su primera demo, se nota cierta mejoría.
Lo primero es que la voz de Nag se escucha mucho mas nítida y que el realiza un esfuerzo a su vez
para hacer un trabajo mucho mas agresivo y potente. También los riffs nos encontramos con algo mas
elaborado aunque mas que elaboración hay nitidez. Digamos que mejoran un mil por mil sus prestaciones
respecto a su primera demo, porque también nos encontramos con un trabajo mas potente, nítido y técnico
sin llegar a ser algo del otro mundo pero esta claro que la batería y el bajo mejoran de forma evidente.
Nos encontramos con una Intro que trata de introducir cierta atmósfera a base de programación
y sintetizadores pero que no logra nada.
Age of Destruction es un corte donde tiran de medio tiempo y buscan incluso solos de guitarra limpios
siguen buscando la estela del Pagan y también del metal depresivo y dejan un poco atrás el Black Raw
de sus inicios. El tema mas elaborado es Fimbulvinter de unos 12 minutos de duración. No te creas que es
complejo porque dure doce minutos de echo lo que hacen estos artistas es repetirse de forma reiterada a
base de eternizar los riffs pero logran algún que otro buen momento.
Con sus pros y sus contras, aveces aburrido y falto de energía pero se les nota que empezaban a crecer
como banda, esta segunda demo de 25 minutos pulieron su sonido, pero todavía no es significativa para
la carrera de los Tsjuder pues no supuso nada para ellos, ni un contrato discográfico ni un salto de calidad
evidente, de todas formas, fueron mejorando muy poco a poco.
https://www.youtube.com/watch?v=5YtO4X0E1YQ
Álbum Completo

Fifth Angel Biografía



Fifth Angel es una banda que nació en los suburbios de Seattle en 1983, en Bellevue Area. En su primera formación estaba la banda compuesta por Ted Pilot al micro, James Byrd a la guitarra, Ed Archer a la guitarra rítmica, Ken Mary a la batería y Kenny Kay al bajo.
Con esta formación la banda acude al estudio de Steve Lawson en 1983 con Terry Date como productor e ingeniero de sonido para grabar cuatro temas que supusieron su estreno en la demo titulada como " Fate to Flames" y que hoy en día es tan buscada por los coleccionistas.

Esta demo llamó la atención de Shrapnel Records que contrato los servicios de la banda para 1985 y financio su álbum de debut en 1985 de título homónimo. El álbum se movía entre el Us Power Metal y el Hard Heavy melódico y supuso todo un bombazo a nivel comercial.
Pero los problemas se empezaron a suceder, Kenny Kay fue el primero en abandonar la banda en 1987 y fue sustituido por John Macko. Hubo cambio de manager que le buscó a la banda un contrato con un sello mas grande y logró al firmar por Epic Records que volvió a relanzar su álbum de debut. La banda estaba en el estudio de grabación preparando lo que sería su segundo trabajo cuando James Byrd deja la banda y es sustituido por Kendall Betchel.
Previamente habría que hablar que a nivel promocional se lanzaron dos splits. El primero de ellos se titulo Megahurtz y salió a través de Epic Records donde la banda compartía temas como Sanctuary, Riot V y Slammin Watusis. El segundo de ellos salió a través del sello CBS y era un split donde compartían temas con Sanctuary, banda con la que salieron de gira en unas cuantas ocasiones y con la que siempre hubo lazos de amistad.
Time will Tell es el título de su segundo álbum, muy valorado pero con el paso de los años y la poca promoción y las escasas ventas supusieron que se separasen en 1990 después de realizar la gira del álbum.
En el año 2000 hubo rumores de reunión pero no sería hasta el 2009 cuando John Macko, Kendall Betchel, Jeffrey McKormak tuvieron una breve reunión y tocaron por primera vez en el Keep it True Festival con el cantante Peter Orullian que paso por Heir Apparent.
McCormak dejó el grupo en el 2011 y la banda anunció al cantante David Fefolt pero lo volvieron a dejar aunque no de forma oficial. Finalmente la banda decidió regresar en el 2017, regresó Ken Mary a la batería, Ed Archer a la guitarra que fue el guitarrista original de la banda , John Macko al bajo que entró en la banda en 1987 y Kendall Betchel que fue guitarrista de la banda desde 1987 que también se ocupa hoy en día del micro. En esta reunión el único que falta es su mítico cantante Ted Pilot que dejo el mundo del metal para hacerse cirujano dental. La banda fichó por Nuclear Blast y saca el álbum " The Third Secret" y prepara gira mundial.



Fifth Angel


La mujer del Chatarrero

Bosnia- Herzegovina 2013 75 minutos. Drama. Director: Danis Tanovic. Guión: Danis Tanovic. Fotografía: Erol Zubcevic. Productora: Coproducción Bosnia y Herzegovina-Francia-Eslovenia; Asap Films / Vertigo/Emotionfilm / Rai Cinema / Fabrika / Fondacija za Kinematografiju Sarajevo / Restart. Reparto: Senada, la madre de una familia gitana que vive de la chatarra, comienza un día a sangrar y a tener fuertes dolores en el estómago. En el hospital le comunican que ha tenido un aborto espontáneo, y le recomiendan una urgente intervención quirúrgica, pero al carecer de cobertura sanitaria, no puede ser atendida. Su marido, Nazif, tratará de encontrar durante esos días más chatarra para vender, y lograr los 500 euros que cuesta la operación. Hay películas necesarias. No forzosamente gratas o livianas o que uno desee volver a ver pronto o en alguna otra ocasión, pero que se aferran a la conciencia de uno durante la proyección y no abandona la memoria tras el fin de la cinta por mucho que uno lo intente o quiera. Revuelven el mundo conocido, tanto emocional como geográficamente y persisten como una alucinación casi fantasmagórica, recordándonos en todo momento la suerte que tenemos por vivir bien, en un mundo previsible, ordenado, tutelado, lleno de ventajas sociales, mullido y acogedor, todo lo contrario de lo que se ha visto y padecido en pantalla.

Es una película breve e intensa – y desde el primer momento te atrapa una angustia, un desasosiego, una congoja que casi te ahoga y te acompaña hasta la última imagen: casi se vuelve insoportable la escasez que atrapa a esa anónima familia de chatarreros, de etnia gitana, que viven en algún recóndito y nevado paraje de Bosnia y Herzegovina, país hace no tanto tiempo asolado por las bombas y la guerra fratricida… Sólo se trata de realizar una rápida intervención quirúrgica, a vida a muerte, que por su coste se vuelve en un empeño inalcanzable, en una realidad que nos hace comprender que nada es fácil cuando vives al borde de la subsistencia. Es un desamparo que te hace revolverte en la butaca y te hace comprender la suerte que tienes por no estar ahí, por no compartir ese destino.

Se hace difícil recomendar una película que refleja la miseria cotidiana de una familia laboriosa pero pobre, buena pero malamente tratada por el destino. El catálogo de penurias se hace angustioso y agobiante, impresiona la sobriedad con la que se refleja la cotidianeidad sin alardes de este matrimonio modesto y esforzado, impregnando de verdad todo el relato y dejando con el alma devastada por lo injusta que puede ser la vida cuando tratas de sobrevivir en tu penuria cotidiana. Dura y sobrecogedora, no es propicia para almas sensibles o impresionables, sino más bien para gente curtida en la desgracia y con afán de explorar el mundo sin prejuicios ni anteojos. Buena pero ardua, penetrante pero llena de espinas – sencillamente necesaria.

Javier Murguialday

Javier Murguialday Chasco (Salvatierra/Agurain, 4 de febrero de 1962) es un ex ciclista profesional español.

Fue un corredor modesto que desempeñó a lo largo de su carrera principalmente labores de gregario por lo que su palmarés se limita a 3 victorias. Entre ellas destaca sobre todo la etapa que ganó en el Tour de Francia 1992, (San Sebastián -> Pau), tras protagonizar una larga escapada junto al entonces desconocido Richard Virenque.1​2​

En el Tour de Francia participó en 6 ocasiones, finalizando en 5 de las ediciones y siendo sus mejores clasificaciones el 22º puesto de 1991 y el 26º de 1992, año en el que ganó una etapa. En la Vuelta ciclista a España también participó en 6 ocasiones y finalizó en 5, destacando su 16º puesto de 1993. En 1991 y 1992 fue seleccionado para formar parte de la selección española en el Campeonato mundial de ciclismo en ruta.3​4​

Llevó a cabo su carrera profesional entre 1986 y 1994. Debutó con el equipo KAS en 1986, pasando en 1988 al equipo B.H., que posteriormente pasaría a llamarse Amaya Seguros. Cerró su carrera en 1994 en el recién creado equipo de la Fundación Euskadi (actual Euskaltel-Euskadi).

En 2017 se convirtió en director deportivo del conjunto Equipo Bolivia

Kelly Tripucka

 (nacido el 16 de febrero de 1959 en Glen Ridge, Nueva Jersey) es un ex jugador profesional de baloncesto de la NBA que militó en Detroit Pistons, Utah Jazz y Charlotte Hornets desde 1981 hasta 1991. Gran anotador, aunque pobre defensor, fue seleccionado por los Pistons en primera ronda del draft, y firmó por los Hornets en su año de expansión en la liga.Jugó durante cuatro temporadas con los Fighting Irish de la Universidad de Notre Dame, en las que promedió 15,3 puntos y 5,4 rebotes por partido.Fue elegido en la duodécima posición del 1981 por Detroit Pistons,3​ donde jugó 5 temporadas, llegando a disputar el All-Star de 1982 y 1984. En 1986 fue traspasado junto con Kent Benson a Utah Jazz a cambio de Adrian Dantley y dos segundas rondas del draft.4​

Jugó además en los Charlotte Hornets, acabando su carrera en el CSP Limoges de la liga francesa.

La venganza y mi perdón

Spaguetti Western. Italia 1969. 78 minutos. Director: Roberto Mauri. Guión: Tito Carpi, Francesco Degli Espinosa. Música: Giancarlo Rizzi. Fotografía: Franco Delli Colli, Mario Mancini. Productora: G.I.A. Cinematografica. Reparto: Tab Hunter,  Erika Blanc,  Piero Lulli,  Mimmo Palmara,  Daniele Vargas, Renato Romano,  Alfredo Rizzo,  Franco Pasquetto,  Dada Gallotti,  Fortunato Arena. Sinopsis: La venganza emprendida por un sheriff (llamado Durango) cuya novia ha sido asesinada cuando estaban a punto de casarse.

Mary Celeste

El Mary Celeste fue un bergantín mercante estadounidense que fue encontrado a la deriva en medio del océano Atlántico sin tripulación el 5 de diciembre de 1872. Sus botes salvavidas habían desaparecido, pero el barco estaba en perfectas condiciones y bien aprovisionado. Ninguno de los tripulantes que iban a bordo fue visto nunca más. Las teorías acerca de lo que ocurrió con la tripulación incluyen ataques de criaturas del fondo del mar, piratas e incluso un motín, pero ninguna ha sido demostrada.La quilla del futuro Mary Celeste se plantó en los astilleros de Joshua Dewis en Spencer's Island, Nueva Escocia, a finales de 1860.1​ El barco se construyó con madera talada en la localidad, con dos mástiles y aparejado como bergantín; con el casco estilo carabela —en el que los tablones del entarimado se colocan borde con borde en lugar de superpuestos—.2​ Se botó el 18 de mayo de 1861 con el nombre de Amazon y se registró en la cercana localidad de Parrsboro el 10 de junio de 1861. Sus documentos de registro lo describieron como un barco de 30.3 m de largo, 7.8 m de ancho, con una profundidad de 3.6 m y de 198.42 toneladas de peso bruto.3​4​ Era propiedad de un consorcio local formado por nueve personas y encabezado por Dewis; entre los copropietarios estaba Robert McLellan, el primer capitán del barco.5​

En su primer viaje en junio de 1861, el Amazon navegó a Five Islands para recoger un cargamento de madera que cruzaría el Atlántico con destino a Londres.n 1​ Después de supervisar la carga del barco, el capitán McLellan cayó enfermo; su condición empeoró y el Amazon regresó a Spencer's Island donde McLellan murió el 19 de junio.7​8​ John Nutting Parker asumió el cargo de capitán y reanudó el viaje a Londres, en el transcurso del cual el Amazon se enfrentó a más desventuras. Colisionó con el equipo de pesca en el estrecho de Eastport, Maine, y después de salir de Londres chocó con un velero en el canal de la Mancha y lo hundió.


Parker permaneció al mando por dos años, durante ese tiempo trabajó principalmente en el comercio con las Indias Occidentales. Cruzó nuevamente el Atlántico con rumbo a Francia en noviembre de 1861,6​ en Marsella el Amazon fue tema de una pintura, posiblemente de Honoré de Pellegrin, un conocido artista de temas marítimos de la Escuela de Marsella.9​10​ A Parker lo sucedió William Thompson en 1863, quien permaneció al mando hasta 1867.7​ Esos fueron años tranquilos; un oficial del Amazon recordaría más tarde: «Fuimos a las Indias Occidentales, Inglaterra y el Mediterráneo —lo que llamamos el comercio extranjero—. No sucedió algo inusual».6​ El barco fue arrastrado a tierra por una tormenta en octubre de 1867, en la isla de Cabo Bretón, y quedó tan gravemente dañado que sus propietarios lo consideraron perdido.11​ Alexander McBean de Glace Bay, Nueva Escocia, lo adquirió como derelicto el 15 de octubre.Aunque la evidencia presentada en Gibraltar no apoyó la teoría de asesinato y conspiración de Solly-Flood, la suposición de juego sucio persistió. Por un breve tiempo se sospechó un probable fraude a la aseguradora por parte de Winchester, con base en la aseveración de un periódico que publicó que el Mary Celeste había sido asegurado por una suma excesiva. Winchester pudo refutar estas acusaciones y las compañías que expidieron las pólizas no iniciaron ninguna investigación.72​ Un artículo de Quarterly Review publicado en 1931, sugirió que Morehouse podría haber estado a la espera del Mary Celeste y luego atrajo a Briggs y su tripulación a bordo del Dei Gratia y los mató allí. Paul Begg, en su crónica del misterio, comenta que esta teoría ignora hechos indiscutibles: El Dei Gratia dejó Nueva York ocho días después que el Mary Celeste, además era una embarcación más lenta y no hubiera podido alcanzarlo antes de que llegara a Gibraltar.73​74​ Otra teoría postula que Briggs y Morehouse eran socios en una conspiración para compartir la remuneración por el rescate.75​ La posible amistad no documentada entre los dos capitanes ha sido citada para convertir este supuesto plan en una explicación plausible.76​ Hicks señala que, «si Morehouse y Briggs habían planeado realizar tal estafa, no habrían ideado un misterio que llamara tanto la atención» y también pregunta por qué Briggs dejaría a su hijo Arthur en casa si pensaba desaparecer permanentemente.72​

Otras teorías de juego sucio sugieren la posibilidad de un ataque de piratas rifeños, que eran activos en la costa de Marruecos en la década de 1870. Charles Edey Fay, en su libro de 1942, comenta que los piratas habrían saqueado el barco, sin embargo las posesiones personales del capitán y la tripulación, algunas de gran valor, permanecieron en su sitio.77​ En 1925, el historiador John Gilbert Lockhart conjeturó que Briggs, en un ataque de manía religiosa, había sacrificado a todas las personas a bordo y luego se suicidó. En una posterior edición de su libro, Lockhart, quien para entonces había tenido comunicación con los descendientes de Briggs, se disculpó y se retractó de esta teoría

rio turia


viernes, 19 de octubre de 2018

Frig " Vid Nocturn"

Frig " Vid Nocturn" Rumania Metal Industrial 2018
1. Ante Steller
2. Sfere
3. Glaciar Tarn
4. Minus 0.010
5. Pendular Underwaters

Radu Baciu: Bajo
Lorenzo Meirone: Batería
Radu Ifrim: Guitarra
Gunes Sensoy: Guitarra
Alex Deak: Cantante
George Duimovici: Cantante



Nos gusta la valentía y estos rumanos lo son, nos ofrecen una mezcla de estilos bastante oríginales, un debut potente a todos los niveles y con ganas de llamar la atención a nivel internacional. Ante Steller es el primer tema compuesto por esta banda de metal industrial de Bucarest, la capital de Rumania. Nos encontramos con un tema que tiene un sonido industrial pero que a la vez suena a metal clásico sin excesivo riesgo en su primera composición pero con una producción nítida con protagonismo y buen sonido para todos los instrumentos con oscuridad en la atmósfera tan natural que recrean en el mismo tema y con un groove a medio tiempo que en directo puede sonar aplastante a pesar de su sencillez.
Sfere arranca con un ritmo atmosférico en la guitarra y acompañado por platillos en la batería, poco a poco creciendo dentro del mismo tema y abarcando un subgénero tan complejo como es el Avantgarde, aunque yo diría que mas bien se quedan en la frontera de este género que en realidad mas que un género musical es una mezcla de diferentes estilos. El cambio de ritmo es bueno y potente y de nuevo vuelven a dejarme claro que su principal baza es el Heavy Metal y los riffs clásicos, tienen mucha influencia por ejemplo de los Queensrÿche.
Glaciar Tarn coquetea con el metal electrónico y mas lejos de desviarse de su línea marcada de clasicismo lo que aporta es vigor y frescura porque precisamente lo combinan con un sonido de batería potente y un riff de nuevo clásico así que las pinceladas electrónicas aportan cierta dosis de adrenalina al tema sin apartarles del camino correcto.
Minus O.O10 es un tema a medio tiempo con un riff muy marcado y oscuro propio del Doom y de los Black Sabbath y con esos rasgos que se mueven entre el metal industrial y el metal electrónico. Para que os hagáis una idea, para guiaros, son un calco de Type o Negative, o pretenden serlo.
Pendular Underwaters es el último tema. Ellos por ejemplo en su carta de presentación dicen ser una banda que abarca el Drone ( no aparece en ningún momento) el Avantgarde ( aparece tan solo en un tema) y el Metal Industrial. Pues bien esta banda rumana es una banda de metal industrial con pinceladas electrónicas y una base rítmica muy metalera. Tienen pegada, el trabajo presenta un sonido muy profesional y sus composiciones tienen cierto gancho, hay dos cantantes, pero la verdad es que solo uno de ellos tiene cierto protagonismo. Buen debut.
https://frig.bandcamp.com/album/vid-nocturn-2
Álbum Completo

Traidor " Holocausto Cotidiano"

Traidor " Holocausto Cotidiano" Sludge/ Doom España
1. Bastardo
2. Traidor
3. Violento

Huevo: Bajo, Cantante
Txarli: Batería
Xiu: Guitarra, Cantante



Traidor es una banda valenciana de Sludge que nos presenta un holocausto cotidiano, título ingenioso y real como la vida misma. No hace falta que pongas el telediario para enterarte de como va el mundo, solo basta que mires a tu alrededor para que veas esa ración de caos y de holocausto que nos propone esta banda valenciana.
Ellos practican un Sludge de manual como el de Bastardo. La batería es la que lleva el peso de la composición, sin que suene técnico o progresivo en ningún momento. El fuzz de la guitarra también no puede ser mas claro pero ni recrean atmósfera en ningún momento ni se produce una mezcla de estilos y el Sludge, es un subgénero que yo nunca consideraría un estilo musical y se presta a mezclas. El tema arranca sin gancho alguno pero a medida que va avanzando nos encontramos con elementos mas sugerentes como ese trabajo del bajo.
Traidor tiene todo lo que le faltaba al anterior tema. Un inicio lento y atmosférico mas acústico que genera una electricidad y una oscuridad que se echaban en falta. El acompañamiento con el bajo distorsionado y los ritmos tribales de la batería están muy logrados, es un tema que suena con mucha personalidad. La arrancada es tan sucia que suena a Black la atmósfera que generan. Suena estruendoso y potente a mas no poder y la verdad es que la producción está muy lograda. El cambio de ritmo de este tema pese a su sencillez no te lo esperas y sigue la tormenta perfecta, la verdad es que es un auténtico temazo y esta banda valenciana demuestra con este tema que puede hacer grandes cosas.
Violento es el último tema, otra vez rozando los ocho minutos de duración. Un Sludge muy similar al de bandas como Acid Bath, Soilent Green, Grief o Burning Witch, es decir, suena muy a los noventa. Un ritmo lento y perfecto porque el riff es acertado, hipnótico y surca todo el tema con acierto mientras el bajo distorsionado y el ritmo de batería generan ese acompañamiento rítmico que es el principal protagonista en un género musical tan oscuro como es el Sludge. Es curioso que en este tema se produce la primera aceleración y ritmo rápido de todo el trabajo, aunque dura un suspiro, ahí tienen un filón creativo que explotar de cara a próximos lanzamientos porque la banda puede sonar a Crust, Punk, Sludge, Black... lo que les echen encima.
Un primer tema que me generaba dudas por su monotonía y dos temas finales que son un bombazo. Con su atmósfera, con su técnica, agresivos y que suenan adictivos en todo momento, tiene mucho futuro esta banda y hay que seguirlos muy de cerca.
https://traidorvlc.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Axe Steeler " On the Run"

Axe Steeler " On the Run"  Heavy Metal Colombia 2018
01. Back to the Stage
02. Hellrider
03. Axe of Steel
04. Beyond the Stars
05. On the Run
06. Storm
07. Over the Top
08. Battlefield

Luís Fernando Rodríguez: Bajo
Jorge Quintana: Batería
Camilo Torres: Guitarra
Nehider Cabrera: Guitarra
Javi Metal: Cantante

Se trata de una banda procedente de Medellín cuyos músicos ya estuvieron enfrascados en numerosos proyectos de Heavy Metal clásico y muchos de ellos ya reseñados en Metalbrothers.es lo cuál es garantía de buen gusto y calidad.
Destaca Javi Metal como  líder de esta banda su cantante presenta unas características vocales que suenan muy personales con esos agudos imposibles y su voz nasal son la mejor carta de presentación para esta banda.
Del tema Back to the Stage quiero resaltar que de una base rítmica típica de Speed Metal ellos tienen esos dos elementos que van a ser sus armas en todo momento, los agudos del cantante y el tema que es salpicado por el solo de guitarra a cada paso.
Temas sencillos y directos al grano como Hellrider a los que les falta una producción mucho mejor, se escucha muy bajo sobre todo la base rítmica que no tiene ninguna presencia en los temas pero aún así el sabor clásico de los temas hace que entren a la primera.
Axe of the Steel tiene un arranque con la batería que no sabes muy bien a donde te llevará hasta que entra la guitarra al tema, un medio tiempo en el que si esta vez el batería y el bajista aportan su grano de arena y suena mas técnico y épico pero en esta clase de temas mas exigentes que exigen mas matices a nivel vocal su cantante se ve muy forzado.
El metal colombiano siempre presenta la misma característica.... llámale metal, llámale Black Metal, da igual el estilo musical que sea el caso es que las bandas de este país tienen esa esencia única y es que tocan con el corazón y transmiten muchas emociones, ellos sienten el metal como en casi ningún otro país, son muy pasionales así que disfrutamos al máximo de la balada Beyond the Stars.
On the Run es la vuelta al esquema clásico, la velocidad y es que esta banda emula al Speed Metal alemán, belga y holandés de los años ochenta, las bandas mas clásicas como Tyrant, S.D.I, Acid... suena a los ochenta en todo momento.
Han fichado por el sello alemán Iron Shield Records así que es normal que opten por buscar el sonido del viejo continente en todo momento con un breve acercamiento al Power metal como en Storm. pero esa no es la mejor característica de la banda, siempre buscan la velocidad, quizás les falta agresividad y quizás su clasicismo les lleva a tirar de clichés como los riffs melódicos doblados de la Nwobhm y esa forma de componer de los Iron Maiden como en Over the Top.
Finaliza el trabajo Battlefield quizàs el tema mas intenso de todo el trabajo. Les hace falta mas técnica, mas dinamismo a la hora de componer porque no suena demasiado atrevido, tienen buen gusto compositivo pero tiran de cliches y no buscan desarrollar su personalidad y su cantante aunque con una voz personal y diferenciadora, sufre mucho en determinadas partes de los temas.

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 2/5
Producción: 3/5

Puntuación: 5,75/10

Thy Unmasked " Echoes Murdered in Time"

Thy Unmasked " Echoes  Murdered in Time" Death Melódico Colombia 2018
1. Chaos Extinguishing Life
2. Life Crawling to Death
3. Machines Enslaving the Weak
4. The Beggining
5. Roots of Damnation
6. Asherah
7. The Bridge of the Unknown


John Pérez: Cantante
Jonathan Castañeda: Guitarra
Anyelo González: Batería
Gustavo Casasbuenas: Guitarra
Juan Boneth: Bajo




Thy Unmasked es una banda procedente de Bogotá creada en Junio del 2010 por John Harold Pérez / ex under threat y ex Karneia) apoyado por Jonathan Castañeda que paso por las filas de Legion Morteb y Anyelo González ( Horncrowned)
Lo que quiero decir es que no son precisamente nuevos en esto, su andadura arrancó en el 2011 con una demo compuesta por tres temas y en el 2013 lanzaron un ep " The Beggining". Llega el turno del lanzamiento de su primer larga duración.
Elaborado, muy profesional y tecnicamente adecuado y con una producción nítida y potente son algunas de las bases sobre las que se sienta el lanzamiento de Thy Unmasked. Chaos Extinguishing Life es un corte en el que destaca el buen hacer en el estribillo y la nitidez y contundencia de la base rítmica, la banda no termina de afincarse dentro de ningún estilo concreto pero con Life Crowlings to Death lo hacen de forma definitiva. Es una banda de Death Metal calificada como banda de Death melódico pero me cuesta mucho ver esa melodía, no es que les falte feeling a nivel compositivo pero es que su música pide guerra y suenan muy agresivos, demasiado para ser calificados como banda de Death melódico. Recrean una buena atmósfera y quizás le falta desarrollo instrumental al tema en vez de tanto estribillo, sobre todo en la recta final esos coros son innecesarios y hacen perder toda la intensidad y carga emocional del tema.
Machines Enslaving the Weak arranca con una Intro hablada que es rota a golpe de Blast Beat y brutal Groove, rozando el Brutal Death incluso. Interesante el cambio de ritmo que se produce en el estribillo con voces limpias y acompañamiento acústico, les queda original y aporta melodía aparte de otra perspectiva al sonido de la banda.
The Beggining presenta un riff con buen groove que pide una aceleración en la base rítmica a gritos y la banda se la proporciona. Tienen energía, suenan con adrenalina y esos estribillos cargados de Groove en el medio tiempo siempre son un acierto.
Tienen un sonido muy europeo y los veo dando el salto al viejo continente si un sello europeo apuesta por ellos y logran una pequeña gira, que está muy difícil pero es posible. Roots of Damnation es el tema mas técnico de todo el trabajo con buen trabajo en la guitarra, atmósfera para el estribillo en las partes mas lentas del trabajo, constantes cambios de ritmo presentados por un solo de bajo y vuelta a empezar de forma lente y progresiva con cada músico aportando su granito de arena.
Asherah sigue la buena estela del álbum y es que esa atmósfera a lo Nile funciona para después tirar de Blast Beats y sonar brutales, hay que recordar que tanta agresividad no es una casualidad, por ejemplo, esta banda colombiana participa en un tributo a Burzum.
The Bridge to the Unknown de nuevo con ese trémolo a toda velocidad combinado con los blast beats un sonido muy europeo similar a Decapitated, Hate, Vader.... algunas pinceladas de Groove, Hardcore, un poco de atmósfera industrial, muy completo y variado. Tratan de tener un par de pinceladas comerciales a golpe de melodía pero suenan tan agresivos que al final eso es lo que mas destaca un buen trabajo.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,5/10

Kelly Carmichael " Heavy Heart"

Kelly Carmichael " Heavy Heart" Rock Usa 2018
01. Shadows Will
02. Desires Tragedy
03. Soupers
04. The Palmist
05. The Way She Heals
06. Vine of the Soul
07. Starless Divine
08. Heavy Heart

No hay información sobre este artista, es americano y ficha por Dogstreet Records para debutar con este buen álbum de Heavy/ Doom y rock inspirado en los años setenta. Shadows Will es un tema oscuro donde su voz nasal y el pedal que utiliza en la guitarra para la distorsión, combinado con esos pasajes acústicos nos traslada a los setenta pero donde falta el aporte de un bajista o un batería y sobre todo de una mejor producción.
Desires Tragedy es un tema a caballo entre el rock de los Led Zeppelin y el Southern Rock en su vertiente mas agresiva y sucia y pienso en la banda Point Blanck por ejemplo, siempre realiza este artista un buen trabajo en la guitarra.
Soupers es un tema que esconde toda la tragedia y esa ambientación cultural que se llevaba en esa década donde triunfaban por ejemplo las películas de catástrofes y el cine de terror, buen trabajo de la guitarra de nuevo con ese toque sureño y acompañada de un piano.
The Palmist es un tema que hubieran firmado los Black Sabbath, está completamente influenciado en los cuatro primeros álbumes de la banda con Ozzy Osbourne, la misma lentitud, la psicodelia y el aire oscuro, aunque obviamente sin la magia negra y sin la técnica de los Black Sabbath aún nivel muy inferior pero haciendo visible esa influencia tan obvia.
The Way She Heals es una mezcla entre Black Sabbath y todas aquellas bandas de los setenta que llevaban su camino como Necromandus, Sorcery, Pentagram, Dust....etc. Suena genial este álbum las cosas como son pero le falta técnica para darle ese aire progresivo a las composiciones.
También le falta un acompañamiento instrumental de mas peso y cierta oscuridad como en temas of the Vine of the Soul, me gusta mucho Kelly Carmichael como cantante por cierto, es un calco del cantante de Necromandus.
Starless Divine sigue la buena estela como Heavy Heart, siempre deja un estupendo sabor de boca pero le falta todos esos ingredientes que no son pocos. Un proto metal de los primeros setenta que te recuerda a bandas como: Cream. The Misunderstood, Pärson Sound, Coven, The Firebirds, Sudden Death, Night Sun, Flower Travellin Band... estamos hablando de la época mas creativa para el Rock y también la mas oscura y es que la industria musical era otra cosa y las bandas sentían realmente lo que hacían eran tiempos mágicos para la música pues este artista se deja influenciar por todas esas bandas que marcaron un antes y un después.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 2/5
Producción: 2/5

Puntuación: 5,75/10

With all my Hate " Dehumanized Depths"

With all my Hate " Dehumanized Depths" Brutal Death España 2018
01. Into the Void
02. The Whisper of Traitor
03. Distubed Obssesion
04. Euthymia
05. Omnipresent
06. Dehumanized
07. Depravity
08. Depths
09. Covenant of Hate
10. Holometabolous
11. The Hatred Perseverance
12. Sick Delusions

Óscar: Cantante, Guitarra, Bajo, Batería Programada
Gabriel Artina: Batería



Es una banda procedente de Almería que nació como proyecto en solitario. El líder de esta banda es Óscar que pasó por bandas como Catasthropic Evolution, Deceit, Die You, Holocaust, Endless, Reincarnation, Nalisea, Ad Noctum... todo un veterano de la escena de Almería.
Este es su tercer trabajo y mejora en todos los aspectos respecto a los anteriores. La incorporación mas importante es la de Gabriel a la batería que le da un aire mas agresivo al trabajo como en Into the Void. Seguimos enfrascados en el álbum con The Whisper of Traitor con su ataque masivo de Blast Beats y constantes cambios de ritmo, voz gutural tirando de shrieks y Growls, muy típico del Brutal Death con alguna que otra pincelada de Slamming que se agradece.
Disturbed Obsession arranca con una intro que no aporta nada para luego mezclar Brutal Death con Goregrind con todo el protagonismo para la batería y con una producción mejorable. Hay otro tipo de temas como Euthymia mas cortos y directo al grano donde la banda ejecuta a la perfección todas sus cartas. No hay excesiva creatividad esto no deja de ser otra banda que emula a Suffocation y Dying Fetus, pero es algo común a la escena del Brutal Death de los últimos años que está bastante estancada.
De manual el tema Omnipresent con esos clásicos ritmos a la batería de este estilo musical o el trémolo acelerado de la guitarra siempre con una tonalidad mas baja, quizás lo mas logrado son los solos de guitarra y se marca uno limpio, siempre corto y con cierto aspecto técnico.
Dehumanized trata de acercarse al medio tiempo con la atmósfera que generan las guitarras pero con la base rítmica siempre acelerada que le falta un punto en la producción para dotarla de mas agresividad y nitidez, este tema contiene el mejor cambio de ritmo de todo el trabajo y el primer gran aporte al bajo.
Turno para Depravity, un tema que no llega a los dos minutos de duración, lento con el bajo marcando el ritmo y mucha distorsión a las guitarras, no aporta gran cosa pero al menos trata de ofrecer algo diferente y siempre es de agradecer.
Depths es un corte como los primeros del álbum, acertado ritmo de batería pero desdibujado por momentos los ritmos de la guitarra, no tienen feeling alguno a nivel compositivo. Me sobran un par de temas como Covenant of Hate que es incidir una y otra vez en la misma idea.
Holometabolous es el tema mas largo y el que mas matices contiene. Vamos cerrando el trabajo con un medio tiempo agresivo donde las voces no terminan de destacar y donde tratan de marcarse ritmos de Shred a lo Suffocation como es The Hatred Perseverance, quiero destacar la atmósfera que generan en los pasajes lentos como lo mas destacable. Cerramos el plástico con Sick Delusions, un tema donde la banda vuelve a apostar por recrear una atmósfera, es una especie de outro instrumental a modo de despedida. El caso es que es un producto agresivo y que mejora sus anteriores álbumes.
https://withallmyhate.bandcamp.com/
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6,25/10

Santi Leal " Aquelarre Químico"

Santi Leal " Aquelarre Químico" Heavy Metal España 2018
01. Guerra Santa
02. Serpiente Tóxica
03. El Bruixot
04. Mi Mejor Actriz
05. Flora y Fauna
06. El Candidato
07. Resurrección
08. Vagabundo Elíptico
09. Sangre y Arena
10. Aquelarre Químico
11. La Ley de la Gravedad
12. Prefiero Ser Gato

Santi Leal: Cantante, Guitarra
Sergi Riera: Bajo
Eric Rovira: Batería



Santi Leal es un veterano de la guerra del Vietnam que vivió en plenitud los ochenta y ahora decide debutar en solitario. Su primera banda fue Blutaxt con los que estuvo del 85 al 91. Del 91 al 93 ficha por Hangar 18 con los que graba un álbum.
En los noventa se pasa a la era de Ophiucus con los que saca un álbum en 1995. Estuvo un año en Pyramid, banda de metal progresivo y en el 2013 se unió al breve y confuso regreso de los ochenteros Zeus. Ahora en solitario y con tino.
Buena producción con potencia y nitidez cada instrumento, interesante. Guerra Santa abre el álbum y recuerda al clásico tema del metal catalán de toda la vida, es más, es un tema que suena a Evo y Zeus al 100% sobre todo al regreso de Evo, el puta Pasta, la letra muy infantil.
Serpiente Tóxica es un tema construído a base de blast beats con unas letras ridículas que es lo peor de todo el álbum para eso que se marcara un álbum instrumental. Es potente el tema y juega con el Heavy/ Thrash muy a lo Annihilator.
El Bruixot es una sorpresa de lo mas agradable pues juega con el Rock progresivo pero con andaluz y recuerda a bandas míticas como Triana o Gualdalquivir, al menos en el arranque del tema porque enseguida cambia de ritmo y se planta en un rock en medio tiempo.
No tiene mala voz Santi Leal aunque tampoco tenga una gran voz. Mi mejor actriz es una balada a medio tiempo que está demasiado vista, muy previsible pero al menos con buen gusto compositivo. Flora y Fauna es un tributo a Queen pero con el rollo moderno en la producción que parece que se exige hoy en día, una atmósfera que mata por completo al tema, no pega ni con cola.
El candidato está a caballo entre el metal electrónico y el metal clásico y es que es así todo el trabajo de forma constante, todos los arreglos son puro maquillaje que resta mas que suma, la manía de los artistas de hoy en día que quieren sonar " actuales". No se enteran que sus mejores armas en este caso es la versatilidad en la guitarra y esos breves destellos progresivos o cuando tira de creatividad y rock andaluz... pero esta especie de metal electrónico para después marcarse un Funk es simplemente nefasto.
Resurrección es seguir cuesta abajo y sin frenos, ya completamente indefinido y desfigurado tira de mezclas que no te llevan a ninguna parte y no sabes con lo que te va a salir, un tio que lleva desde los ochenta en esto debería saber lo que queríamos de el y no creo que sea esto.
Vagabundo Elíptico es un tema incomprensible, acompañamiento veloz, momentos acústicos, hasta que llega el cambio de ritmo el tema no arranca. Al menos Sangre y Arena nos regala el mejor solo de guitarra, de nuevo ese toque andaluz progresivo aunque el resto de acompañamiento sobra.
En la recta final del álbum tan solo podría resaltar a Aquelarre Químico como único tema salientable. Es un gran guitarrista de eso no cabe duda, muy variado y que le gusta jugar con diferentes estilos musicales pero pierde mucho la comba y acaba sonando errático. Demasiada variedad y exageradas añadiduras para recrear una atmósfera mas actual que le sienta como un tiro a todos los temas, salva el álbum gracias a su creatividad en algunos momentos pero no es suficiente.

Feeling: 2/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 4,75/10

Benito Lertxundi " ...eta maita herria, üken dezadan plazera"

Benito Lertxundi "   ...eta maita herria, üken dezadan plazera" 1975 Folk Euskadi
Atarratzeko gazteluko kantua
Beti penetan
Lehen floria
Erregek gizon ederrik
Udaberrian
Txori erresiñula
Jaun baruak
Urzo lüma gris gaixoa
Maria Solt eta Kastero
Nere maitea
Basoilarrak

Benito Lertxundi: Cantante, Guitarra

Su dilatada carrera habla por si sola. Cuando escucho Atarratzeko Gazteluko Kantua me sigo emocionando. Quizás es uno de los temas mas emotivos que se hicieron en Euskadi es como ponerle a un galego el Oliñas Veñen o cualquier canción popular que cantan en sus fiestas populares, estamos orgullosos de lo nuestro y no vamos a caer en la trampa que nos están poniendo de sentirnos españoles, primero somos gallegos, vascos en mi caso, catalanes.... porque es nuestra tierra, nuestra familia y nuestra vida y ahora que está de moda el fascismo democrático disfrazado de patriotismo, defendemos a capa y espada la lengua propia y las costumbres locales, viva Euskadi amigos.
Lo que mas me gusta de Benito Lertxundi es como supo orientar su carrera hacia determinados focos sin perder nunca su identidad. Este hombre que le encanta la pintura y trabajar con la cerámica hace música artesanal de todas las maneras y es tan sencillo como una voz y una guitarra acústica, no hay mas cera que la que arde.
Eso sí, con el paso de los años fue incorporando de forma sabia ciertos elementos para enriquecer su idea musical como es por ejemplo una voz para hacerle los coros, un violín por aquí y por supuesto con el paso de los años acabo colaborando con una orquesta sinfónica.... caía de cajón.
El caso es que estamos en los setenta y tiene mucho mérito la carrera que hizo por los tiempos duros que corrían, pero eso es un tema que ya tocamos. Yo diría que a nivel instrumental este es su mejor álbum, el que mas elementos incorpora.
El no es Paco de Lucía a la guitarra acústica y no es Halford a las voces, no destaca en ninguno de los dos aspectos pero tiene algo que lo hace especial y diferente y que hace que te escuches todo el álbum y aunque no seas vasco que te haga sentir como en casa.
Un poco de Country, temas acústicos que en ciertas partes recuerdan a los Led Zeppelin, banda que escuchó Lertxundi en sus  tiempos de estudiante y por supuesto un acercamiento al Folk, eso es lo que mas me gusta de su música que paso del Pop de cantautor al Folk y fue un paso nada traumático que sus fans aceptaron perfectamente.
Las letras pues son desde escritores como Fernando Pessoa o poetas diversos pasando por cantos típicos de Euskadi o odas a la naturaleza, todo de forma suave, emotiva y tributando a Euskadi y su cultura, es un clásico este trabajo.