jueves, 13 de diciembre de 2018

Aria " Проклятье морей"

Aria " Проклятье морей" Rusia Heavy Metal 2018
1. Гонка за славой
2. Варяг
3. Эра Люцифера
4. Трудно быть богом
5. Пусть будет так
6. Всё начинается там, где кончается ночь
7. Живой
8. Убить дракона
9. Дым без огня
10. От заката до рассвета
11. Проклятье морей


Vladimir Kholstinin: Guitarra
Vitaly Dubinin: Bajo
Maxim Udalov: Batería
Sergey Popov: Guitarra
Mikhail Zhitnyakov: Cantante

Solemos hacer introducciones para presentar el trabajo de una banda pero en el caso de Aria creo que ya sobran, porque pese a que cantan en ruso están a la altura de Judas Priest, Iron Maiden, Savatage o Mercyful Fate, son una leyenda.
Pioneros o uno de los pioneros del metal en ruso siempre quisieron cantar en su idioma natal porque su mercado es muy basto. Vladimir Kholstinin fue el fundador de esta banda en 1985 en la ciudad de Moscú y único superviviente. Tuvieron su época de oro con Kipelov al micro, los primeros cinco álbumes de esta banda son caviar auténtico, pero sobrevivieron bien a la marcha del cantante y después de varios cambios de cantante en el 2011 llegó Mikhail Zhitnyakov de 39 años que es un clon de Kipelov.
Conocidos como los Maiden rusos, la verdad es que esta banda la única razón de porque no son conocidos a nivel mundial y son venerados tan solo en la comunidad Underground es que son rusos y cantan en ruso y pasan completamente del mercado internacional... reglas del mercado, no hay otra razón.
Este es el decimosexto trabajo de Aria, el tercero con Zhitnyakov al micro y quiero repasar los últimos movimientos de la banda. En el 2011 su nuevo cantante debuto con Phoenix ( vamos a poner los títulos de los álbumes en inglés para no hacerlo tan lioso) Este era un trabajo muy ambicioso con muchas partes acústicas y otras progresivas. En el 2014 llegaría Through all Times un álbum que empezaba muy bien pero que se desinflaba en la recta final. A caballo de todo, un poco de metal clásico, algo de Power y tintes progresivos.
Después de este trabajo, gira aniversario, álbum en directo, gira sinfónica acompañados con una orquesta y ahora nuevo trabajo cuatro años después de su anterior obra. Llega a nuestras manos Curse of the Seas y la idea de la banda es muy clara, quieren hacer un guiño a sus viejos fans, este trabajo pretende sonar como los primeros cinco álbumes de Aria y en concreto es un calco del Hero of Asphalt... para gustos colores, pero a mi me parece su obra mas significativa.
Гонка за славой ( Race of Glory) es el primer tema. Guitarras dobladas agresivas pero a la vez melódicas y aceleradas en un inicio donde echo falta mas mordiente en bajo y batería pero clásico y agradable a fin de cuentas. Atención al solo de guitarra y el trabajo que generan en el riff melódico porque es un calco de la era dorada de los Maiden por algo les llaman los Maiden rusos.
Варяг ( Varangian) arranca con una intro a piano seguida por sintetizadores para recrear una atmósfera épica muy en la línea de los Virgin Steele. Ojo al cambio de ritmo, la melancolía que nos otorga el riff, si amas el metal se te pondrán los vellos de punta y apretaras el puño porque son los Aria de siempre, los del Megalomania ( 1985) With Whom are You? ( 1986) Hero of Asphalt ( 1987) Playing with Fire ( 1989) Blood for Blood ( 1991) La época sagrada de Aria o Apust en ruso. Un estribillo melancólico, el típico cambio de ritmo melódico de los Aria de siempre, con la gorra.
 Эра Люцифера ( The Lucifer Era) arranca con distorsión pero luego se queda en un Hard Heavy a lo Dokken en un medio tiempo que la verdad, poco tiene que ver con ellos. Eso sí, el solo de guitarra es puro sentimiento pero aún así, desentona. Трудно быть богом ( It's Hard to Be a God)  Es un tema de difícil digestión pues le dan muchas vueltas a una idea muy simple y se complican la vida sin necesidad, estos dos temas, son buenos temas pero bajan el listón un tanto. Los toques sinfónicos de este tema pues como os dije en los últimos tiempos colaboraron con una orquesta sinfónica así que no es de extrañar que aparezcan violines antes del solo de guitarra.
Пусть будет так ( So be It) Acústica y solos limpios melódicos con la clásica melodía apagada y melancólica rusa de toda la vida de los Aria y muy para fans de Scorpions y sus baladas. El cambio de ritmo muy previsible aunque en el solo de guitarra nos sorprenden con un riff muy teatral.
Всё начинается там, где кончается ночь ( Everything Begins Where the Night Ends) Es el tema que recupera el pulso metalero para este trabajo con la garra perdida pero no deja de ser un tema de lo mas sencillo que pretende tener un ligero sentimiento Folk y de metal clásico.
Живой ( Alive) Buscando la atmósfera, ese toque técnico y progresivo del Hero of Asphalt y encontrándolo porque estamos ante el tema mas creativo de todo el trabajo, el mas técnico y el mas virtuoso a la guitarra con un ritmo fresco y simple que suena a rock blando pero que es bastante creativo. Muchas partes diferenciadas en este corte, con un cambio de ritmo de Jazz Fussion de una calidad..... son los Aria amigo, que quieres, son así de buenos.
 Убить дракона ( Kill the Dragon) Es un tema al galope de metal clásico con una producción un tanto floja. De nuevo quieren dar una atmósfera gótica, siniestra que la verdad es que no les pega nada, intentan rizar el rizo en ocasiones pero aún así se agradece los intentos de sonar algo creativo, que aunque está bien pues hay que decir que suena demasiado blando.
Дым без огня ( Smoke without Fire)  presenta el tema con el ritmo mas acertado de batería con buen acompañamiento acústico y un riff progresivo que me recordó a los Queensrÿche, el inicio del tema es muy esperanzador pero después le intentan dar un toque sinfónico y progresivo que baja un tanto la intensidad pero aún así estamos ante uno de los mejores temas del álbum.
От заката до рассвета ( From Dusk till Dawn) por fin una buena dosis de Heavy Metal sin paliativos, ritmo acelerado, guitarras con mas peso y contundencia y el cantante que se amolda a la melodía y a la garra, porque es muy versátil, en cuanto a técnica es un tema mucho mas sencillo pero era necesario un poco de potencia al trabajo.
Проклятье морей ( Curse of the Seas) es el tema que cierra el trabajo y que le da título al álbum con unos 12 minutos de duración. Inicio acústico muy medieval y Folk, toques sinfónicos, algún momento progresivo y melodía lenta... no cuaja.
Este es un trabajo donde quieren regresar al Heavy Metal clásico de sus primeros cuatro álbumes y a la vez el toque sinfónico y de música clásica que vienen desarrollando en los dos últimos años de su carrera. El álbum arranca muy esperanzador hasta el punto de que creemos que podemos estar ante el mejor álbum de Aria de los últimos veinte años al menos pero se va desinflando poco a poco. Es un buen trabajo, pero algo parado por momentos, exceso de melodías, poca garra en la producción, cumplidor pero no mejora los dos últimos trabajos de Aria.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 2/5

Puntuación: 7/10



Medina Azahara " Trece Rosas"

Medina Azahara " Trece Rosas" Hard Rock España 2018
1.Trece Rosas
2.Libres Sin Nada
3.La Lucha
4.No Mires Atrás
5.Tu
6.Donde Sopla El Viento
7.Solo Son Cobardes
8.A Medina Azahara
9.Ana Y Raquel
10.Mi Pequeño Corazón
11.Dame Tu Aire
12.Nunca Me Rendirè
13.Brindemos Esta Noche

Nacho Santiago: Batería
Manuel Ibañez: Teclados
Juanjo Cobacho: Bajo
Paco Ventura: Guitarra
Manuel Martínez: Cantante


Esta mítica banda cordobesa creada en 1979 sigue haciendo historia y están mas prolíficos que nunca. Este es su decimonoveno álbum de estudio, a estas alturas de la película no tienen nada que demostrar pero están frescos como una rosa, nunca mejor dicho, en plena fase creativa. Trece Rosas  es un homenaje a las trece mujeres, varias de ellas menores de edad, que fueron fusiladas por el franquismo, hace ahora 79 años, cuando ya había terminado la Guerra Civil y se iniciaba la represión de la dictadura.
Trece Rosas empieza con un nodo y cuenta esta trágica historia que fue llevada hace poco a la gran pantalla. Destaco lo emotivo de la letra, como siempre el embrujo de Manuel " Inmortal" Martínez y le llamo inmortal porque sigue cantando igual que en 1979 lo suyo es brujería casi. La calidad de don Paco Ventura con un trabajo de guitarra entre neoclásico y Shred que recuerda a Giardino de Rata Blanca.
Libres sin nada es un canto a los inicios de la banda de nuevo la influencia de Deep Purple y de los Rainbow solo que con una batería acelerada, el estribillo de Pop Rock melódico como siempre y el aire andaluz que está impregnado en cada tema, con energía.
La Lucha arranca con un solo pletórico que me recordó a MSG solo que ellos le dan un aire Aor muy en la línea de bandas españolas como son los veteranos Pedro Botero, para luego buscar el tema al galope y la melodía para que Manuel Martínez se luzca y el tema vaya increscendo con buenos arreglos en el estudio, quiero escuchar este tema en directo.
Siempre lo dijimos en Metalbrothers.es, la clase de Medina Azahara traspasa fronteras, otra cosa es que nos guste mas o menos porque quizás tuvieron fases excesivamente comerciales en su carrera pero la clase esta ahí y en este trabajo están sembrados y son unos abanderados de Andalucía y el andalucismo porque lo llevan en la sangre como demuestran en no mires atrás, le quitas todo el maquillaje a este tema y ves la sombra de los Triana para nuestro gusto, una de las mejores bandas que dio España, a nivel creativo, diría incluso que son insuperables.
Tu quizás es una balada demasiada enfocada hacia el Pop y su aire sinfónico es demasiado blando pero cuando llega el solo de Ventura echa por tierra esta afirmación, puro sentimiento y es que es un solo muy en la línea de Slash en las baladas de los Guns and Roses.
Donde sopla el viento es un tema pensado para los viejos fans de la banda, su clásico necesito respirar se refleja en este tema. Intenso solo son cobardes, es como unir Rata Blanca con Axel Rudi Pell pero con el ingrediente melódico de los Medina Azahara.
A Medina Azahara es un soplo de aire fresco y un tema con mas garra en la guitarra, me recordó a los Ago que han regresado este año y sacado un álbum y es una banda por la que paso Ventura por sus filas. Ana y Raquel es otra balada, buena letra por cierto, que habla sobre la igualdad de género y el respeto absoluto hacia los gustos sexuales de cada persona, oye, me quito el sombrero. Otras bandas de rock te hablan de fiesta, mujeres y coches y poco más y los Medina Azahara en los últimos tiempos están mas creativos que nunca y tocando todos los temas, es lo que tiene ser veterano, se han ganado el respeto de toda la comunidad rockera hace muchos años y hacen lo que les da la gana.
Balada acústica con mi pequeño corazón, quizás se hace algo empalagoso tanta balada y me sobraba el acompañamiento al teclado porque la acústica habla por si sola, con sentimiento. Se agradecen esas aceleraciones y temas mas veloces como Dame tu Aire donde regresan a los años ochenta que tanta gloria les brindaron.
Mas sinfónico es el tema nunca me rendiré que contiene el trabajo de teclados mas creativo de todo el trabajo y se acerca al Power Metal e incluso al progresivo de la mano del genio Ventura que suelta todo lo que lleva dentro en este soplo de aire fresco que se te cuela por la ventana. Brindemos esta noche es la despedida una especie de himno melódico.
Los Medina Azahara vuelven al redil con un álbum que no deja cabo suelto. Miran al pasado con un par de temas bastante potentes que recuperan su mejor época, hay baladas emotivas aunque un poco ñoñas pero sobre todo hay calidad por un tubo en el plano compositivo y las letras mas comprometidas y acertadas en un canto a la buena música, a Andalucía y a la libertad, solo queda el aplauso para unos artistas que llevan en esto toda la vida.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,5/10

Sumeru " Summon Destroyer"

Sumeru " Summon Destroyer" Doom/ Stoner Australia 2018
01. Inanis Kultus
02. The Temple
03. Summon Destroyer
04. Embrace the Cold
05. Kala Ratri
06. Durga! Durga!
07. Rivers of Lethe
08. A New Ritual

Reg Barber: Bajo
Andres Hyde: Batería
Peter Bursky: Guitarra
Chris Wilson: Guitarra
Matt Power: Cantante
Pat Taylor: Bajo

Una banda actual acorde a los tiempos que corren así definía el sonido que busca Sumeru en sus composiciones como dice el Hombre Rancio " Metal Collage", es decir, mezcla de estilos. Un poco de Black, Doom y Death y finalidad de Sludge.
Sumeru es una banda de Sidney que fue creada en el 2009, los australianos presentan su segundo larga duración que por momentos suena atronador. Inanis Kultus presenta la típica introducción atmosférica oscura que podría valer para cualquier género musical extremo para después presentar The Temple con esa misma atmósfera y apostando por riffs de Death Metal a lo Autopsy para plantarse a continuación en un medio tiempo con raíces en el Stoner que recuerdan a los Mastodon en sus inicios.
Uno de los temas mas sugerentes es Summon Destroyer por el ritmo que presenta, una voz típica del Hardcore y una potencia en la base rítmica que recuerda al Thrash/ Death acompañada de la atmósfera oscura típica de los noventa, un tanto comerciales por momentos.
Una mezcla de estilos puede ser algo excitante si es llevada bien a cabo, ellos lo hacen de forma fluída como demuestran en Embrace the Cold pero sin pasión y me explico, no se dejan llevar por la creatividad y la ambición en ningún momento y siempre van directos al grano buscando un acompañamiento rítmico contundente y un estribillo bien diferenciado sin mas historia.
Ese es el primer problema que me encuentro en la escucha de este trabajo otro son las intros como la de Kala Ratri, nada personales y poco que ver con los temas que después vamos a escuchar a continuación, en esta intro nos encontramos con acústicas y un violín que son buenas ideas pero no le dan profundidad y al final quedan como un pegote pues no tienen nada que ver con lo que nos vamos a encontrar después.
En el apartado donde mas brillan es en el Death Metal como demuestran en Durga Durga pero un Death Metal sencillo y comercial al igual que Rivers of Lete donde mezclan Death and Roll con Hardcore, esto es un arma de doble filo pues basicamente son una banda de Doom y en este territorio no brillan ni convencen en ningún momento, convirtiéndose en el principal escollo a la hora de escuchar este disco y familiarizarse con el sonido de la banda.
No me familiarizo en ningún momento con el sonido de la banda porque por un lado buscan intros acústicas y atmosféricas de gran calado emocional a lo Black Sabbath y con el toque comercial, atmosférico y oscuro de los Mastodon como en A New Ritual pero como dije sin sonar a Doom o sin la profundidad del Doom. Tienen buenas cosas pero quieren esa fusión de estilos musicales con pinceladas comerciales a lo Metallica o Mastadon y suena fluída pero no convence porque es como si no tuvieran un estilo propio y cada tema fuera de su padre y de su madre, sobre todo el último corte que está bien pero que suena 100 % a Metallica y que nada tiene que ver con los anteriores.
https://sumeru.bandcamp.com/
Álbum Completo

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción. 3/5

Puntuación:  6/10


Skull Fist " Way of the Road"

Skull Fist " Way of the Road" Speed Metal Canadá 2018
01. You Belong to Me
02. No More Running
03. I Am a Slave
04. Witch Hunt
05. Way on the Road
06. Heart of Rio
07. Better Late Than Lever
08. Don't Cross Me
09. Stay True


Zach Slaughter : Cantante, Guitarra
Casey Guest : Bajo
Johnny Nesta: Guitarra
JJ Tartaglia: Batería

La escuela canadiense de metal revival sigue presente y al mando de las nuevas bandas de Metal clásico que tratan de hacerse con el legado de los Judas Priest, Iron Maiden o Riot. Tercer trabajo para esta banda de Toronto que tiene una influencia clarísima de Iron Maiden en todas sus composiciones, solo que apuestan por un sonido que mezcla metal americano blando, Speed Metal y Nwobhm a partes iguales.
You Belong to Me es la fiesta de la guitarra con un solo que nunca se acaba, donde se ve la influencia de los Iron Maiden mezclada con el dinamismo, la rapidez y la melodía de los Strypper en sus primeros tiempos antes de ser una banda tan comercial.
Veamos como se defienden en el medio tiempo. No More Running es un tema con un ritmo de bajo muy marcado que acompaña un solo melódico desde el inicio y arreglos melódicos Nwobhm y el clásico Hard Heavy americano de toda la vida a lo Rough Cutt o Quiet Riot.
I am Slave es un tema de puro Speed Metal con un plus en el sonido de la batería que no tenían los anteriores temas, siempre buena melodía y energía muy positiva en las composiciones, un calco del Thundersteel de Riot sin rozar ni por asomo la magia de ese álbum.
Mas interesante me resultó Wich Hunt, un medio tiempo con un riff muy pesado que va de menos a más, es como mezclar la melodía de los Dokken con los temas mas oscuros de Dio en sus inicios, la idea no es mala y el tema suena algo potente, algo que requiere un sonido como el que buscan estos canadienses y que no es su punto fuerte.
Skull Fist es una banda que juega en la liga de Enforcer, Ram, Cauldron, Axxiom, Stallion, Volture, White Whizzard, Evil Invaders, Striker, Midnight Malice, Ambush.... las bandas llamadas a liderar un cambio en el mundo del metal clásico y no porque hayan inventado nada nuevo sino porque son las que mas tirón tienen, permitidme añadir a la lista a los griegos Saboter.
Pero escucho temas como Way on the Road o Heart of a Rio y me decepción es máxima. Los Skull Fist siempre me parecieron una buena banda pero están en tierra de nadie y el problema es de compleja solución, tu no puedes apostar como hacen ellos por temas con la típica subida de tono en el estribillo que es un truco barato del Pop.
Tu no puedes apostar por un metal tan blando que busca el estribillo comercial de los Scorpions o un sonido similar a Rainbow como en Better Late Than Never, porque te bajas de esa lista sagrada de nombres de bandas que deben sustituir a Judas Priest cuando estos decidan retirarse.
Hay que sincerarse, uno escucha el Firepower y lo compara con todos los álbumes que sacaron este año o en pasados las bandas que cite y no hay color, el Firepower es el mejor álbum de metal del año y me atrevo a decir de la última década, pero es que lo de Judas Priest es otro rollo, ellos son dioses.
Pero voy al grano, pese a que Judas Priest siguen siendo los amos, Ram está haciendo muy bien las cosas y está por el buen camino que marcó Judas Priest por otro lado están los Strike que tienen cosas de Judas Priest pero que han apostado por el Aor y el Hard Heavy con muchos aspectos comerciales en su música, dos caminos diferentes, todas las bandas de Nwothm o de metal clásico pretenden sonar similar a estas dos bandas y los Skull Fist con este trabajo están completamente desubicados.
Stay True y Dont Cross Me son dos temas comerciales pero sin excesivo gancho y demasiado vistos, no creo que este sea el camino a seguir pero Skull Fist se me cae de mi apuesta para ser una banda importante de futuro, el álbum es divertido pero la falta de ambición y creatividad en este trabajo es total, salvan porque son buenos y tienen gancho pero de esta banda hay que esperarse mucho mas que un álbum facilón.

Feeling: 2/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 6/10


Hierarch " Alter Ego"

Hierarch " Alter Ego" Black Metal España 2018
1. As the Last Light Dies
2. Pilgrimage to Nowhere
3. Ceremony
4. Mourner at the Shore

L: Guitarra, Bajo, Batería, Teclados
A: Guitarra, Cantante

Black Metal sencillo y eficiente de toda la vida es lo que nos ofrece este proyecto del que tengo muy poca información. Para empezar se trata de una banda que nació en 1993, seguramente como proyecto individual y en esa temporada escribió un par de temas muy influenciado por Bathory, Mercyful Fate, Masters Hammers...etc.
Esos temas no llegaron a ver la luz y en el 2017 el señor " L" retomo esos temas y trata de darle un enfoque mas actual y para ello cuenta con una mujer apodada " A" que pone su voz y su guitarra al servicio de Hierarch. La producción es casera pero aún así salvable, hay mucha parte de teclado en los temas lo cual le da un aire tétrico y clásico que me resulto muy familiar y metalero recordándome a los Mercyful Fate, todo lo que vino después en el Black ortodoxo griego y checo de finales de los ochenta, esta muy influenciado por la banda de King Diamond y de eso trata el tema As the Last Light Dies, solo que le dan un aire mas macabro y agresivo.
Pilgrimage to Nowhere es un tema interesante a golpe de Blast Beats que suena macabro y donde se pasan al Black Raw de forma eficiente, el típico trémolo acelerado de toda la vida y pensamos en Mayhem, Darkthrone, Immortal... toda una oda al viejo Black de toda la vida.
Ceremony arranca con atmósfera conceptual para después buscar el riff clásico, se nota que lleva en este circo desde 1993 porque como guitarrista tiene muchas tablas, quizás la base rítmica de este tema no es la acertada porque suena a Hardcore/ Crust Punk y no tiene demasiado que ver con el riff, que suena oscuro en su desarrollo y pese a que no nos esperan demasiadas sorpresas ya que la estructura de los temas es bastante repetitiva y predicible, tampoco es una banda extremadamente cañera.
Mourner at the Shore.... regresa al primer tema, a su esencia, quiero decir. Este trabajo está compuesto por cuatro temas que forman un bocadillo, el pan sería el primer tema y el último donde aparecen los teclados y juegan la carta del Black ortodoxo, en cuanto al fiambre serían los dos temas del medio que es puro Black raw nórdico donde suenan previsibles, faltos de agresividad aunque oscuros y clásicos, desde luego sus temas de Black ortodoxo a golpe de teclado son mas ambiciosos en un plano creativo y sería el camino a seguir para futuros temas para esta banda.
https://hierarch-official.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

White Coven " Overseas"

White Coven " Overseas" Hard Rock España 2018
01. Woman
02. Brief old tale
03. Moonroom
04. Farewell
05. The razorback (instrumental)
06. Your time is over
07. Sedative
08. Coven
09. Overseas


Sara Lapiedra: Cantante
Mario Gutierrez: Guitarra
Juan Cervera,: Guitarra
R. David Bueicheku,: Guitarra
Carlos Viejo: Bajo
Daniel Penón: Batería
Josete Melendez: Teclados, órgano, piano

Producto nacional y del bueno, del que mira al mercado internacional para labrarse un hueco a base de talento y creatividad. Los White Coven son una banda del 2018 con un sonido de 1971, después de lanzar una demo vuelven a la carga con su primer larga duración.
Lo suyo es un Hard Rock retro como demuestran en Woman donde quiero destacar la gran labor del batería dándole cierta creatividad aunque la producción era bastante mejorable también destacar la labor de Sara Lapiedra al micro aunque para mi gusto se adorna bastante.
Brief old Tale es sencillez en estado puro pero funciona a la perfección gracias a un buen trabajo de guitarras y esos coros suaves agudos que te transportan directamente al MK1. En un plano creativo obtenemos en Moonroom el primer tema de gran calidad compositiva con un acompañamiento muy suave y buena labor a la percusión y es un tema que le queda como un anillo al dedo a su cantante. Sin caer en lo que hoy en día buscan todas las bandas de rock setentero que es tener una atmósfera de Occult Metal con una base rítmica de Jazz Fussion ya logran el efecto.
Farewell es un tema acústica que va de menos a mas donde mezclan Southern y Country a partes iguales, me falta electricidad pero la idea es buena y siempre logran el efecto retro de trasladarnos a la década mas prodigiosa para la música, los años setenta.
The Razorback es un tema instrumental de tres minutos de duración que es una mezcla entre Rainbow y Deep Purple solo que con menos electricidad, les falta técnica y creatividad pero es una banda con carácter que hace bien los deberes.
Your Time is Over es un tema con unos coros muy Funk y Soul y con el teclado y el saxofón y la trompeta le dan un aire orquestal y divertido a la composición y buen solo de guitarra en el tramo final del tema que me recordó a Carlos Santana en sus inicios.
Turno para Sedactive que es un tema que va de menos a mas en cuanto a intensidad y que con buen acompañamiento acústico y un ritmo pausado introduce esa esencia bluesera que siempre funciona y una atmósfera típica del Space Rock con cierto tinte oscuro que nos transporta a otra historia, demostrando así que pueden abarcar mas géneros.
Vuelven al órgano Hammond con el tema Coven, como ya dije para mi gusto les falta electricidad y sobre todo ese golpe de efecto mas creativo, dejarse llevar por la psicodelia y no presentar una estructura de temas tan predecible. Finalizamos con Overseas y sus diez minutos de pausa y suavidad total recordando a las bandas nacionales de rock sinfónico y progresivo como son Asfalto y Bloque, salvo en el tramo final que se ponen las pilas y echan leña al fuego con un estribillo muy intenso y con gancho y un solo de guitarra de la escuela americana mas reciente, interesante trabajo, les queda mucho camino por recorrer y por mejorar pero me parece una banda con una personalidad y un sonido único para lo que suele ser habitual en España.
https://whitecoven.bandcamp.com/album/overseas
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7/10

Striker " Play to Win"

Striker " Play to Win" Canadá 2018 Heavy Metal
1. Heart Of Lies
2. Position Of Power
3. Head First
4. On The Run
5. The Front
6. Play To Win
7. Standing Alone
8. Summoner
9. Heavy Is The Heart
10. Hands Of Time
11. You've Got Another Thing Coming [Bonus Track]
12. Run For Your Life [Bonus Track]


Chris Segger: Guitarra
Dan Cleary: Cantante
Adam Brown: Batería
Timothy Brown : Guitarra
Wild Bill : Bajo

Es una de las bandas del momento dentro del Heavy Metal clásico, los Striker buscan que una vez que los Judas Priest decidan retirarse hacerse con su legado y peso dentro del metal clásico, luchan con Ram, Enforcer, Wolf, Skull Fist, Speedtrap o Ambush por hacerse con el primer puesto como mejor banda de Heavy Metal de la actualidad pero yo diría que junto a Ram son las dos bandas mas preparadas para hacerse con el puesto de Judas Priest.
Su carrera empezó en el 2007 y este ya es su sexto trabajo, van lanzados y no nos dan tiempo a digerir su anterior obra que aún salió el año pasado. Heart of Lies es un corte con mucho groove y una base rítmica alocada y acelerada que recuerda al Painkiller siempre copiando la fórmula de los Judas Priest con esos solos de guitarra de Speed Metal desde el inicio, se instalan en el medio tiempo y sacan adelante un estribillo pegadizo. En el tramo final del tema, gracias a su pegadizo riff la banda nos regala un acercamiento al Us Power Metal mezclado con arreglos sinfónicos que recuerda a Iced Earth.
Position of Power tiene toda la energía, el dramatismo y la melodía en las guitarras de la era sagrada de Judas Priest: Screaming for Vengeance- Defenders of the Faith con el gancho en los estribillos del Turbo, solo que estos canadienses tienen un sentimiento mas melódico y rockero en sus composiciones, la melodía me recordó a los canadienses Triumph y bandas de Aor.
Head First es un tema con inicio acústico seguido de un solo limpio muy en la línea de Scorpions solo que enseguida aceleran la maquinaria y nos sorprenden con Funk como te hacía Gary Moore en los ochenta  y buscando los coros de bandas comerciales como Fifth Angel o Def Leppard, está claro que con este trabajo quieren dar el gran salto pero no se yo si sonaran iguales en el directo.
On the Run es un corte con un riff hipnótico y melódico muy en la línea de los Strypper, excelente aceleración de la batería con acompañamiento acústico y subida de tono a base de Groove, fórmula muy explotada pero que siempre funciona y que sirve de nuevo un estribillo que abarca todo el tema con coros agudos y buscando el solo acelerado de la guitarra.
The Front suena calcado a MSG y Whitesnake, lo dicho anteriormente, peligrosa frontera la que está cruzando Striker, está claro que quieren triunfar a todos los niveles y de forma masiva, por eso en este trabajo han realizado un acercamiento mas que evidente al Hard Rock solo que con una tonalidad en las guitarras que sigue recordando a Judas Priest.
Play to Win sigue sonando a Whitesnake mezclado con Def Leppard en sus buenos tiempos, una vez pasado el efecto sorpresa, mantienen el tipo porque son excelentes compositores pero aún así suena todo a cromo repetido, pero mantienen cierta magia gracias a sus riffs prodigiosos.
Standing Alone es un nuevo acercamiento melódico y de nuevo al Aor de los ochenta y pienso en Foreigner o Survivor. Parece sencillo el mundo del Aor pero no lo es para nada, porque los gustos del público son cambiantes, acústica y teclados muy pomposos en este tema, aprovechándose de la espectacular voz de su cantante.
Summoner es un corte que arranca atmosférico y se echa en falta algo de caña que por fin llega... desde el primer tema no volvieron a sacar el látigo y lo hacen con este corte de Power/ Thrash y Speed Metal con bestialidad y buscando el solo limpio, sin gancho pero al menos potente, me recordó a los Saxon del Inner Sanctum.
Heavy is the Heart es un corte melódico de nuevo y que va de menos a mas y busca la melodía con adrenalina pero yo me quiero quedar con ese solo prodigioso de Hard Rock melódico y envolvente que te roba el corazón. Finalizamos con Hands of Time... donde se pasan de tuerca porque una cosa es introducir elementos comerciales al Metal y otra es sonar a Pop.
Que tienen una calidad brutal nadie lo duda, que son unos compositores eficaces tampoco, pero no se como van a recibir sus fans este trabajo porque es un acercamiento al Hard Rock mas comercial con excelentes temas pero han perdido por el camino energía, metal pesado y garra en la guitarra... van a perder muchos fans por el camino pero también ganaran nuevos.

Feeling: 4/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 3/5

Puntuación: 7,75/10

Wrathchild America " Climbin' the Walls"

Wrathchild America " Climbin' the Walls" Thrash Metal Usa 1989
1. Climbin' the Walls
2. Hell's Gates
3. No Deposit, No Return
4. Hernia
5. London After Midnight
6. Candy from a Madman
7. Silent Darkness (Smothered Life)
8. Time ( Pink Floyd Cover)
9. Day of the Thunder


Jay Abbene: Guitarra
Shannon Larkin: Batería
Brad Divens: Cantante, Bajo
Terry Carter: Guitarra

Me imagino que la gran mayoría no conocéis a esta banda y no sabéis lo que os perdéis, pues sin ser ningunos genios es una banda muy divertida. Esta es una banda procedente de Baltimore y creada en 1979 con el nombre de Atlantis. En sus primeros tiempos era una banda de Thrash Metal que después se paso al Heavy Metal cuando firmaron un contrato con Atlantis Records.
Hay dos puntos fuertes en esta banda, uno es su cantante Brad Divens, tiene una voz muy rockera que me recuerda a los cantantes de Riot y también esa energía del Hard Heavy se deja sentir. Los temas son muy originales sobre todo en las partes de los solos de guitarra como el de Climbin the Walls, que es el tema que da título al álbum, un estribillo típico del Hard Heavy que nos recuerda a los Riot para después ofrecer un riff y solo de lo mas complejo con un gran puente instrumental. Solo de guitarra dividido en tres secciones, el típico solo de los Judas Priest, una parte de Blues de gran valor y cambios de ritmo de Thrash, parece simple pero no lo es, lo que mas valoro de Wrathchild America es su originalidad.
Otro tema destacado es Time que arranca con un solo de guitarra acústica que introduce la melodía para después instalarse en un medio tiempo con mucho sentimiento donde todo el protagonismo vuelve a recaer en el solo de guitarra, con melodía y sentimiento clásico se nota que es una banda que surgió en los setenta.
Si quieres mayor complejidad tienes London After Midnight un corte que arranca con un solo del bajo y que introduce una atmósfera absorvente y oscura de echo es un tema dedicado a Jack el Destripador, llegan a rozar la psicodelia y se instalan por primera vez en un esquema de Thrash Metal, blando eso sí, pero de inmensa calidad compositiva.
Candy from a Madman es un tema típico del Us Power Metal combinado con el Hard Heavy y el Speed, esto en los ochenta estaba muy de moda, lo que tiene esta banda es que te planta unos riffs creativos y absorventes que te enganchan y el acompañamiento es de primera y además cada tema es una historia diferente. Day of the Thunder vuelven a la pegada un Thrash con acompañamiento acústico a lo Annihilator y unos redobles de batería con la influencia de los Iron Maiden que siempre tuvieron pero llevándolo a un terreno mas comercial y practico sin tanta pomposidad, mas directos al grano. No Deposit no Return es rock básico en estado puro donde el bajista nos vuelve a dejar muestras de su gran calidad, una banda diferente.

Medina Azahara " Las Puertas del Cielo"

Medina Azahara " Las Puertas del Cielo" Rock Andaluz 2014
1. Latidos
2. Juegos a media luz
3. Aprendimos a vivir
4. Niños de cristal
5. Somos ángeles
6. Hoy quiero vivir
7. Morir junto a ti
8. Déjame soñar
9. Eres estrella errante
10. Un grito de amor
11. La voz del poeta
12. Grita
13. ¿ Por qué nos mienten?
14. Gracias a vosotros


Latidos es un tema introductorio que no llega al minuto de duración con unos ritmos arabescos, algo que ya hicieron a lo largo de su carrera en muchas ocasiones. Para el tema juegos a media luz compusieron un videoclip. La carrera de Medina se divide en dos partes, la primera muy diferenciada con tres álbumes seguidos de rock andaluz con toque de rock sinfónico y progresivo y el resto de su discografía de un rock mas blando y comercial, algunos álbumes comerciales y directos al grano y otros con esta atmósfera oriental, en unas ocasiones tirando del folklore marroquí y en otras de ritmos orientales menos definidos, pero es algo que ya no sorprende a estas alturas.
Aprendimos a vivir es un medio tiempo con unas guitarras de puro rock and roll que va creciendo en intensidad poco a poco, en fin, nunca es una sorpresa lo que hacen y la única creatividad de su carrera estaba en sus tres primeros álbumes pero aún así, su buen gusto compositivo hace que tengan tanto éxito. Siempre tienen un tema comprometido de causa social y ese es niños de cristal.
Somos ángeles es quizás de los temas mas adictivos de todo el trabajo, en un álbum donde le achaco que hay un exceso trabajo en los teclados que no permiten brillar todo lo que deberían a las partes de la guitarra, el problema de todos estos temas de las puertas del cielo es que todos están tan vistos que te suenen a cualquier tema de los Medina de los últimos diez años, cromo repetido, escasa o casi nula creatividad y temas todos ellos de lo mas previsible sin excesiva chispa, como se suele decir, un día mas en la oficina para ellos, sin mas historia.
Hoy quiero vivir es la balada, excesivamente ñoña aunque el cambio de ritmo está logrado. Morir junto a ti es una nueva balada, dos seguidas se hace excesivamente empalagoso y es una especie de himno a medio tiempo que roza el Pop por momentos. De los pocos temas salvables del álbum es déjame soñar, porque en la base rítmica tiene un ritmo mas alto, porque el trabajo de guitarra está mas orientado hacia el progresivo y porque el señor Ventura le saca brillo a la guitarra en el solo.
Cuando tienes la exigencia de componer un nuevo trabajo cada dos años no siempre vas a estar acertado. Este trabajo es pura rutina para ellos y en su discografía no ocupa ningún puesto en concreto, temas directos al olvido y es que es imposible estar siempre acertados. Por eso valoro tanto su nuevo trabajo trece rosas, porque en esta aboragine de componer temas cada dos años han logrado un álbum con garra que no pasa desapercibido. Hasta aquí la discografía de los Medina Azahara, una banda ilustre dentro del panorama rockero nacional con una discografía solvente en su mayoría y de notable éxito.

Un tipo muy especial

1977 Usa comedia 84 minutos. Director: Joan Rivers. Guión: Joan Rivers. Música: Peter Carpenter. Fotografía: Lucian Ballard. Productora: Laugh or die.  Reparto: Billy Crystal,  Alex Rocco,  Doris Roberts,  Joan Prather,  George Gobel,  Marlene Barr, Adam Anderson,  Billy Barty,  Imogene Coca,  Jack Fletcher,  Alice Ghostley, Sheree North,  Ron Rifkin,  Tom Poston,  Charlotte Rae,  Linda Thompson, Michael Keaton,  Joan Rivers,  Susan Krebs,  Hap Lawrence,  Barry Dennen, Valerie CurtinSinopsis.: Cuando el profesor Lionel Carpenter tiene, por fin, su primera experiencia sexual, algo extraño e inesperado ocurre: se queda embarazado. Ahora todo el mundo quiere sacar provecho de la situación, incluso el mismísimo presidente.

Martin Benka

Martin Benka (nacido el 21 de septiembre de 1888 en Kostolište; † 28 de junio de 1971 en Malacky) fue un artista expresivo eslovaco.


Benka es considerado uno de los fundadores de la pintura moderna eslovaca. Él recibió su formación artística en Hodonín y en Praga, donde trabajó desde 1913 hasta 1939 como artista independiente. En 1939 regresó a la República Checa y dirigió a una escuela de arte. Benka fue miembro del Consejo Nacional Eslovaco.

Benka trabajó como pintor, artista gráfico e ilustrador. Además, realizó estudios sobre instrumentos, y diseñó varias estampillas. Su antigua casa de campo alberga el Museo Martin Benka.

Pegaso 1953

La realización de los lujosos turismos Pegaso, dentro de un programa de industrialización autárquico, se fundó en la búsqueda de un símbolo que representase el orgullo del país por su pasado industrial perdido. En aquel momento estaba muy presente la referencia a los lujosos Hispano-Suiza que eran construidos en las mismas instalaciones del barrio industrial de La Sagrera (Barcelona), donde se fabricarían los Pegaso. Su diseñador técnico fue el ingeniero Ricart. Con la fabricación de estos coches se daba prestigio y publicidad a una marca que acababa de nacer.


La necesidad de organizar un aprendizaje de calidad fue otro de los motivos. Se consideraba que un proceso lento, con altos índices de rechazo, como es el aprendizaje, daría como resultado un producto caro, pero con niveles de calidad muy elevados. La idea de fabricar en pequeñas series, con altos estándares de calidad, un automóvil deportivo de lujo, se adecuaba a aquel planteamiento. El alto coste del producto final permitía compensar los costes de un proceso largo y caro.

Otra característica de los Pegaso era que gran parte de las piezas eran realizadas en la propia fábrica, sin apenas subcontratación. Solo algunos componentes se adquirían a terceros y otros, como el equipo de encendido Bosch, las ruedas con llantas de aluminio Borrani, los frenos Lockheed, etc., eran de importación.

Para llevar a cabo estos proyectos, Ricart contaba con la ayuda de buena parte de la plantilla de ingenieros de Alfa Romeo, que le habían acompañado en su regreso a España tras la II Guerra Mundial, que trajo consigo la derrota de la Italia fascista. La fábrica italiana había sido puesta en 1936 bajo la dirección del Instituto Ricostruzione Industriale (IRI)9​ creado por Mussolini, y al finalizar la guerra varios de sus directivos fueron acusados de colaboracionismo con los alemanes y el propio director general fue asesinado en Milán.

huevos con tocino


Bubka

Fue poseedor del récord mundial de 6,15 metros, establecido en pista cubierta el 21 de febrero de 1993 en Donetsk (Ucrania) durante casi 21 años hasta que el francés Renaud Lavillenie superó por un centímetro la marca en la misma reunión y en el mismo estadio, dejando el récord del mundo en 6,16 metros. Aún sigue en posesión del récord del mundo al aire libre con una marca de 6,14 metros establecido en Sestriere (Italia) el 31 de julio de 1994.

Se retiró de las competiciones en 1997 debido a múltiples lesiones en el talón. Tras su retirada ha seguido carrera como dirigente deportivo, representante de atletas ante el Comité Olímpico Internacional y parlamentario en su país natal.

Recibió el Premio Príncipe de Asturias de los Deportes en 1991 y fue portador, en 2004, de la llama olímpica de Atenas 2004 cuando ésta pasó por Ucrania.

En Agosto de 2015, Bubka se presentó a las elecciones por la presidencia de la IAAF donde le venció el también ex-atleta Sebastian Coe por un total de 115 votos para su rival, mientras que Bubka sólo 92 votos de las 207 delegaciones que votaron.

miércoles, 12 de diciembre de 2018

la dictadura en Mongolia

La invasión de Ungern a Mongolia, inmortalizó su nombre y alteró el curso del destino de ese país. Después de la Revolución de Octubre luchó contra los comunistas en el ejército del atamán Semiónov y antes de venir a Mongolia fue hecho general. Ungern viajó cientos de kilómetros a caballo a Hovd al haber oído las noticias de que debía ser liberado.

Cuando Ungern entró en Mongolia cerca del río Onon los vecinos le dieron una bienvenida calurosa. Los mongoles supusieron que el mismo Zar lo había enviado para expulsar a los soldados chinos y liberar Mongolia.

Los mongoles, cuyo odio a los chinos había alcanzado un punto crítico, vieron al Barón Ungern como su salvador y se unieron a su ejército y le dieron provisiones frescas. Él era consciente de las expectativas de los mongoles y procuró despertar el apoyo mongol diciendo que su objetivo era liberar Mongolia de los chinos, restaurar el Bogd Khan a su trono legítimo y restaurar su autonomía.El Barón Loco reclutó a mongoles para reforzar sus fuerzas y atacó Hüree el 26 de octubre de 1920. Después de diez días de batalla Ungern no tenían ninguna otra opción, sólo retirarse. Fue capaz de movilizar a muchos mongoles diciendo que él liberaría al Bogd de los chinos y repondría la religión. Este ruso se puso un deel mongol (traje nacional) con la insignia de un general sobre el hombro, se proclamó budista y nutrió los proyectos grandiosos de reanimar el Imperio de Gengis Kan. A principios de 1921, realizó un ataque sorpresa sobre los chinos, entró en Bogd y rescató a Bogd Khan y Enh Dagina; la batalla continuó durante aproximadamente diez días y Hüree fue liberada el 4 de febrero de 1921. Los chinos escaparon al norte hacia Hiagt.

Ungern planificó devolver a los reyes de Mongolia, China y Manchuria al poder. Como un primer paso, puso al Bogd Khan de nuevo en el trono, restauró la autonomía y formó cinco ministerios. En reconocimiento a su hazaña por devolver su autonomía, el Bogd Khan concedió a Ungern con el título de Hoshoi Chin Van. El nuevo gobierno envió una declaración a países extranjeros buscando el reconocimiento para la autonomía de Mongolia.

El Hoshoi Chin Van empezó su programa que más tarde le haría ganar el epíteto de Barón Sanguinario. Afirmó que adoraba a Gengis Kan y confiaba en los mongoles, pero aborrecía a los bolcheviques y los judíos, de los cuales había muchos en Hüree. Un sádico Coronel Sepailoff fue designado gobernador de Hüree por Ungern. Era insano y un asesino natural. No estaría satisfecho hasta que todos los judíos y partidarios bolcheviques en Hüre fueran asesinados. Las tropas de Xu Shuzeng que fueron concentradas cerca de Kalgan planificaban otra ofensiva. Una gran batalla ocurrió cerca de Choir donde murieron aproximadamente entre tres y cuatro mil soldados chinos, marcando el final de la unidad militar china de Little Xu.

Ahora que el Kanato de Mongolia se había hecho un bastión de los Guardias anticomunistas Blancos de Ungern, las autoridades en Moscú y Verjneúndinsk tuvieron que tomar medidas de emergencia. Los Sóviets comenzaron a conducir dos políticas diferentes con respecto a Mongolia. El Komintern y las autoridades de la sección del Extremo Oriente de la Oficina siberiana no quisieron perder Mongolia. Fueron sumergidos en el romanticismo revolucionario. Su objetivo era encender las llamas de la revolución en el Extremo Oriente y por esta razón debían entrenar a revolucionarios. Enviaron al Ejército Rojo a Mongolia para expulsar a las Guardias Blancas y no se preocuparon de si Mongolia era parte de China.


La cuestión estaba siendo considerada más pragmáticamente en la Comisaría del Pueblo de Asuntos Exteriores y otros círculos diplomáticos. Ellos creían que la cuestión debía ser resuelta en Pekín; Mongolia era una parte de China y pensaron que aquellos mongoles que se acercaron a ellos para ayudar al contrario en China eran demasiado ingenuos. Pidieron permiso para enviar al Ejército Rojo a «su» territorio para luchar contra Ungern.

El Komintern creó un partido político armado con la teoría revolucionaria para administrar este gobierno y establecer un ejército nacional.

Dos proyectos fueron desarrollados para derrocar a Ungern y su división de caballería asiática. En 1920-21 Shumyatskii perfiló el plan de crear una unidad mongola revolucionaria, armándola y conduciendo a la Guardia Blanca hacia la frontera. De otro lado el Ejército Rojo los encontraría. El plan calculado por el gobierno de la República del Extremo Oriente era totalmente diferente ya que pidieron al Ejército Rojo que avanzara hasta Hüree. La contradicción entre los dos proyectos no era que el Ejército Rojo ocupara Hüree sino en las dos actitudes diferentes hacia la revolución en Mongolia. El Primer ministro de la República del Lejano Oriente N. Matveyev y el Comandante del Quinto Ejército A. Matiyasevich consideraron el avance del Ejército Rojo en Hüree un acto imprudente. La ocupación de Hüree era una cuestión diplomática y por ello ésta debía ser considerada por separado de Ungern.

Cerca de 850 personas son ejecutadas sobre las órdenes del barón entre febrero y agosto de 1921.

Ungern

Nacido en Graz el 29 de diciembre de 1885jul./ 10 de enero de 1886greg.1​ en el seno de una familia alemana, pasaría su infancia en Estonia (entonces parte del Imperio ruso) y su capital Reval.2​ Por vía materna era descendiente de una familia noble radicada en Wimpffen am Neckar, Baden-Wurtemberg, mientras que por vía paterna descendía de la aristocracia alemana del Báltico.3​ Tras el divorcio de sus padres se asentó junto con su madre y bajo la supervisión de su nuevo padrastro, Oscar von Hoyningen-Huene en una finca de la localidad estonia de Jerwakant.4​ Tras graduarse en la Escuela Militar de Pavlovsk, sirvió en Siberia, donde quedó cautivado por el estilo de vida nómada de pueblos como los mongoles y los buriatos.

Durante la Primera Guerra Mundial, combatió en Galitzia y fue considerado un oficial valiente, aunque temerario y de mente inestable, al punto que el general Piotr Wrangel llegó a mencionar en sus memorias que tenía miedo de promoverlo a un rango superior. Tras la Revolución de febrero de 1917 fue enviado por el Gobierno provisional ruso al Extremo Oriente ruso, como subordinado del general Grigori Semiónov, para establecer una presencia militar leal en aquella región.El primer ministro Magsarjav del gobierno de Ungern decidió silenciosamente lanzarse en su terreno con el gobierno de la gente y el 21 de julio de 1921 masacró a los rusos blancos en Uliastai. Hacia el final del año los ejércitos blancos en Mongolia occidental habían sido o destruidos o expulsados. El ejército de Oremburgo fue localizado cerca de Chuguchak en Sinkiang. Habiendo aprendido de la enorme hazaña de Ungern en Mongolia, escaparon hacia el este, pero encontraron al Ejército Rojo en Shar sum. El general se rindió y fue detenido. Fue ejecutado silenciosamente. Las tropas conducidas por Baikalov y Khasbaatar fueron sitiadas durante cuarenta y dos días por los remanentes de las unidades Blancas. Hacia enero de 1922 la parte occidental de Mongolia casi totalmente había sido liberada de las Guardias Blancas. El Ejército Rojo permaneció allí como ya habían concedido una demanda de ellos para quedarse en agosto de 1921.


Un gran número de factores ayudaron a hacer notorio al Barón Sangriento. Uno de ellos era el libro titulado Bestias, Hombres y Dioses, escrito más tarde por el profesor polaco de la Universidad de Omsk, Ferdynand Ossendowski. Viajó por el Este de Mongolia y Hüree, trabó amistad con Ungern y atestiguó las batallas entre los blancos y los comunistas, y escribió sobre ellos con elocuencia.

Otra elemento que hizo de Ungern una leyenda era el oro enterrado y los objetos de valor de la División de Caballería Asiática. Su valor es insignificante comparado al oro de Turín que desapareció hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, sin embargo, según Ossendowski, fueron ocultados muchos objetos valiosos y 1800 kilogramos de oro, plata y piedras preciosas. El tesoro del futuro Imperio de Gengis Kan fue enviado por «el Barón loco» a un banco en Jailar debido a la llegada del Ejército Rojo. Los soldados que llevan los tesoros fueron incapaces de cruzar la frontera mongola y enterraron todos los tesoros en las estepas del este de Mongolia. Hasta ahora nadie ha encontrado el escondrijo y los rumores que rodean al tesoro se han convertido en leyendas.

callejón sin salida

El problema del independentismo catalán es un callejón sin salida.... que interesa a muchos, salvo a la población. Los líderes catalanistas están en un callejón sin salida, para empezar que nisiquiera están de acuerdo entre ellos. Lo segundo es que siempre están alimentando el fuego cuando la prioridad no debe ser el independentismo, debe ser la propia Catalunya y el bienestar social.
Los líderes te hablan cada día de una cosa, vía escocesa, vía eslovena... meteduras de pata una tras otra. No vale el apoyo de Palestina o Kosovo, no vale que regiones que no son consideradas países te apoyen, se necesita el apoyo de la Unión Europea y no tienen ese respaldo. Tampoco tienen el beneplácito de la inmensa mayoría del pueblo catalán digamos que si hubiera una hipotética votación sobre si o no a la independencia, no tengo muy claro que ganase la indepedencia, seguramente sería un resultado de lo mas ajustado.
Tampoco la sociedad española está avanzada en este sentido y el independentismo catalán no es cosa de ahora, eso es lo que no entienden los partidos políticos, hay que remontarse a los tiempos de Macía e incluso antes.
Está claro que lo mas normal es que hubiera un referendum como el escocés, los ingleses están preparados y los españoles no lo estamos, ni para esto ni para irnos de la UE como hacen los ingleses, simplemente no lo estamos y mientras las cosas no cambien los independentistas catalanes deberían pisar el freno, dirigir Cataluña y ganar votos porque con esta tensión que provocan sus dirigentes los pierden y además que alimentan a la extrema derecha, si Vox obtuvo 12 escaños en Andalucía fue unicamente por la causa catalana, si esta no existiera, Vox no tendría ni un solo escaño.

martes, 11 de diciembre de 2018

Hate Eternal " Upon Desolate Sands"

Hate Eternal " Upon Desolate Sands" Death Metal Usa 2018
1. The Violent Fury
2. What Lies Beyond
3. Vengeance Striketh
4. Nothingness Of Being
5. All Hope Destroyed
6. Portal Of Myriad
7. Dark Age Of Ruin
8. Upon Desolate Sands
9. For Whom We Have Lost

Erik Rutan: Guitarra, Cantante
J.J. Hrubovcak: Bajo
Hannes Grossmann: Batería

Hoy os hablo de una de las grandes leyendas del Death Metal no tienen el cartel de otras bandas pero estuvieron en los tiempos cuando se fundo este estilo. Hate Eternal se creo en Tampa ( Florida) en 1997 pero el verdadero origen de esta banda fue en 1987 con el nombre de Ripping Corpse y llegaron a sacar un álbum  con un sonido muy similar a los Death o los Master.
Pero Erik Rutan que era el cerebro de la banda dejó Ripping Corpse para unirse a los Morbid Angel y adiós banda, una vez que se acabo su etapa en Morbid Angel, no entiendo como dejaron escapar a un guitarrista de la calidad de Erik Rutan decidió juntar a sus compañeros de Ripping Corpse y decidieron cambiarse de nombre porque a la gente le recordaba su nombre a los Cannibal Corpse y se pasaron a denominarse los Hate Eternal.
Presentan su séptimo álbum de estudio para una banda correcta a todos los niveles y que no tendrá el cartel de los Immolation, Morbid Angel, Deicide, Autopsy pero que tienen su nivel así de claro, así lo atestiguan los dos primeros temas: The Violent Fury y What Lies Beyond, quiero decir que no son tan efectivos como las bandas que cite, mas que nada porque no hay ni un solo cebo comercial en sus temas, todo es clasicismo y desarrollos largos que no son aptos para todos los estómagos.
Podían ser una banda técnica y de echo tienen riffs como el de Vengeance Striketh bastante técnicos sobre todo por la labor del bajista pero no quieren enfrascarse demasiado en el Death Técnico y siempre pretenden sonar brutales en todo momento.
Sinceramente prefiero cuando apuestan por la distorsión total y la brutalidad máxima como en All Hope Destroyed que recuerda mucho a lo que llevan haciendo en los últimos años bandas como Malevolent Creation. All Hope Destroyed es un ejemplo como utilizar los blast Beats y como estirar hasta la extenuación un riff de guitarra, máxima velocidad y oscuridad total con cambios de ritmo tan primitivos que recuerdan a los Bolt Thrower y eso ya sabéis que son palabras mayores y si no lo sabéis pues tomar nota.
Me falta pausa, me falta luminosidad y creatividad pero aún así el trabajo es tan oscuro, brutal y clásico que merece mucho la pena, un ejemplo mas de fuerza es el corte Portal of Myriad, prescinden de cualquier elemento que despiste o lleve la atención hacia otra dirección y apuestan por la vieja fórmula del Death Metal de Tampa.
Dark Age of Ruin es un medio tiempo cargado de Groove donde se permiten algo de atmósfera y recuerdan mucho a los Morbid Angel en sus buenos tiempos. Upon Desolate Sands, es el tema mas lento de todo el trabajo y el que presenta el riff mas oscuro del álbum, me sobra en la labor vocal esos coros pregrabados, el trabajo de batería resulta clave y con esos redobles de batería tan épicos introduce por primera vez cierta melodía al álbum que le sienta de maravilla.
 No me imagino mejor forma de cerrar un álbum que con For Whom We Have Lost, es decir, se guardaron para el final los dos mejores temas. Hate Eternal es una banda tan esencial, tan pura que lleva en el ADN las palabras Death Metal grabadas a fuego y representan con brutal sinceridad como nadie lo que es este estilo. No tienen mecanismo comerciales ni a la prensa a su favor y siempre nadaron contra corriente no se muy bien porque extraña razón quizás porque nunca se quisieron bajar los pantalones y venderse a la industria pero a día de hoy y eso es de total justicia, decir Hate Eternal es mencionar a una de las mejores cinco bandas de Death Metal de la actualidad y eso no se lo quita nadie, odio eterno.

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 4/5
Producción: 5/5

Puntuación: 8, 25/10


Hwæder "Of Murk Skies and Withering Mountains"

Hwæder "Of Murk Skies and Withering Mountains" 2018 Black Metal España
1.  R.I.P. (Leaden, Forgotten...)
2. Tardor eterna (Eternal Autumn)
3. Inside the Maze of Crystal Castle
4. Death of November
5. Paràsits a la pell de la Mare Terra (Parasites Above the Skin of Mother Earth)
6. Només l'odi em queda (Only Hate Remains for Me)
7. Introspective Ways to the Enki's Temple


Dagon V. Schatten: Cantante, Guitarra
Uruk: Cantante

Muy inteligente a nivel emocional la propuesta de esta banda de Black/ Post Metal procedente de Barcelona. Dos músicos de la ciudad Condal, el primero de ellos Dagon V Schatten que en realidad se llama Isaac Durán de 33 años y que procede de Virium, una banda de Black/ Thrash. Le acompaña Uruk que es cantante en los Virium.
Debutan con este trabajo, me imagino que Isaac se encargaría de toda la música y Uruk de las voces aunque no lo han aclarado. Proceden de Virium y esa energía del Black Thrash se nota sobre todo en los cambios de ritmo y en las aceleraciones como en R.I.P ( Leaden, Forgotten) donde me quiero quedar con la aceleración y el aire agresivo, épico y triste que impera en el tema que me recordó a los típicos cantos desesperados nórdicos a lo Immortal, Tsjuder y tanta leyenda junta.
Tardor Eterna ( Eternal Autumm) es un tema con un buen trabajo de la base rítmica, muy buenos elementos y bien mezclado el trabajo. Siempre logran añadir intensidad con la labor del Riff, en el tema anterior arrancaban con un pasaje acústico, el paso del Ambient al Black Raw sin previo aviso, pero en este tema pisan el acelerador desde el minuto uno.
Inside the Maze of Crystal Castle es un tema de siete minutos de duración que arranca con el trémolo de la guitarra con una tonalidad oscura y siempre con ritmos veloces, se acercan al legado del Black Raw de toda la vida, lo hacen conocedores de la causa y es que se notan las tablas en el plano compositivo.
Turno para Death of November donde regresan a la épica y es que está muy acertado Dagon con los riffs que pone sobre el tapete. Un medio tiempo con un ritmo de justicia en la base rítmica que introduce la épica para buscar la aceleración desde el inicio, pura emotividad y rabia.
Paràsits a la pell de la Mare Terra (Parasites Above the Skin of Mother Earth) es un tema mas progresivo, un riff que se sale un poco de lo que suele ser habitual en el Black Raw Metal, la mezcla está lograda, suena sucio y agresivo a la vez, siempre veloz, si tengo que echarle algo en cara a la banda es que se olvidan con el paso de los temas de ese Ambient y del Post Metal, no es que pasen a un segundo plano es que se olvidan de esos estilos y oye, yo considero que tienen capacidad para abarcarlos como demostraron en el primer tema del álbum.
 Només l'odi em queda (Only Hate Remains for Me) con este nuevo tema sigue la fiesta pagana del Black Metal, siempre con un buen trabajo. Aparece por primera vez una voz limpia y melódica en todo el trabajo acompañada por un riff lento en distorsión un tema que busca un buen cambio de ritmo donde se pasan al Pagan, me gusta la variedad y la inteligencia emocional de esta banda. Tema de doce minutos que no aburre en ningún momento pues la construcción del tema es lógica y por fin aparecen elementos del Post Metal en el tema aunque no demasiado elaborados, lo de esta banda es el Black emotivo sin más.
 Introspective Ways to the Enki's Temple es el último tema del trabajo donde aparecen unos sintetizadores que le dan un aire pagano a lo Burzum, un aire pagano y celta diría yo, una especie de Outro instrumental, cinemática y ambiental. Buen trabajo en líneas generales, coherencia en la composición, chispazos de calidad y aroma clásico, mucha adrenalina, muy profesional.
https://hwaeder.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Feeling: 3/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3/5
Producción: 4/5

Puntuación: 7,5/10

Medina Azahara " La Memoria Perdida"

Medina Azahara " La Memoria Perdida" 2012 Rock andaluz
1. Sevilla
2. Un nuevo sol
3. Corazón herido
4. La última batalla
5. Libertad y luz
6. Al despertar
7. Mil colores en tu corazón
8. Busco
9. quiéreme o déjame
10. Algo cambio
11. Rumor
12. Al pie de la alhambra


Recordad que en su anterior trabajo le dedicaron un tema a Málaga pues ahora toca Sevilla con videoclip incluído en la ciudad hispalense. Me gusta mucho mas que el tema Málaga, tiene una parte melódica en la guitarra muy interesante, el tema desprende ese aire andaluz que les acompaña siempre y hay un buen trabajo en la guitarra, palmas y aire flamenco, está lograda la canción. En cuanto a un nuevo sol pues me recordó a los viejos Medina cuando en sus primeros tiempos tenían esa influencia de los Rainbow y de los Deep Purple, un poco de rock básico siempre sienta bien y además tiene un aire bluesero que lo mezclan con su filosofía andaluza que queda bien. Corazón herido es una balada que arranca con piano y acaba arrancando, excesivamente orientado hacia el Pop, tanto que parecen Camela y todos esos cantantes que fusionan pop con flamenco. La última batalla es un tema con colaboraciones y es un tema suave pero que entra a la primera.
Cuando Paco Ventura se desmelena todos salen ganando y libertad y luz tiene un trabajo mas agresivo en la guitarra, quizás algo tapado por el teclado, es como volver al álbum Tánger, plagiarse a uno mismo no es delito y en el caso de Medina es una costumbre muy sana. Siempre hay algún tema que baja la nota ese es al despertar para luego subir las prestaciones con mil colores en tu corazón, también debo mencionar la producción, la mejor que tuvo la banda.
Busco es un tema que lanzaron en su gran clásico " paseando por la mezquita" es una revisiónde ese tema. ... como echo en falta a los Medina mas progresivos y en ese sentido viene quiéreme o déjame  a mi me recuerda a un tema de Mocedades. Algo cambio tiene una gran atmósfera y un trabajo de percusión que suma, no engancha pero con el paso de las escuchas te das cuenta de que es el tema con mas elaboración de todo el trabajo.
Uno de los puntos álgidos de este trabajo es rumor que gran ritmo al galope con un solo de guitarra del señor Ventura que es de primera y el tema tiene mucho ritmo, como siempre los quejíos de Martínez le ponen todo el sentimiento. El disco tenía que acabar con un homenaje a su tierra y le dedican un tema a la Alhambra a la que por supuesto le ponen esos toques orientales para darle una mayor veracidad. En los últimos años los Medina estuvieron muy rutinarios, con su último trabajo, trece rosas me parece el mejor álbum que sacaron en estos 18 años últimos.



V8 " El fin de los Inocuos"

V8 " El fin de los Inocuos" Heavy Metal Argentina 1986
1. La gran ramera
2. Ciega ambición
3. No enloqueceré
4. El vivo sustento del inquisidor
5. Antes que los viejos reyes
6. Salmo nº 58
7. El fin de los inocuos
8. Trágico siglo
9. Reina ciega


Ricardo Iorio: Bajo
Alberto Zamarbide: Cantante
Miguel Roldán : Guitarra
Adrián Cenci: Batería

El último trabajo de los V8 y el menos bueno. Ricardo Iorio cogió los mandos de la nave, sin Osvaldo Civile que había emprendido su nueva aventura con Horcas y sin su sustituto, Walter Giardino que duró en la banda un suspiro y que tuvo numerosos encontronazos con Iorio que acabaron por separarlo de la banda, su sustituto un Miguel Roldán por aquella bastante desconocido ... por aquella, porque después hizo una carrera estratosférica. Guitarrista de una banda tan mítica de Argentina como es Logos del 91 hasta el 2013.
Otro que hizo carrera en Logos fue el cantante Alberto Zamarbide en cuanto al batería Adrián Cenci, entraba en la banda para sustituir a Rowek, también hizo carrera en Logos y en la actualidad está en Almática, En cuanto al señor Iorio, pues primero creo Hermética y después se pasó a Almafuerte, grupo con el que está en la actualidad.... como véis, tanto ex como los últimos inquilinos de V8 han echo historia en el metal argentino.
Después de este trabajo lo dejaron, la falta de oportunidades, los roces entre diferentes miembros y la falta de interés pues cada uno ya estaba pensando en lanzarse hacia una nueva aventura musical . La banda lo dejó en 1987 pero en 1996 regresaron para un único show en Obras que editaron con el nombre de Homenaje, un concierto en que el estaba Osvaldo Civile, Rowek, Alberto Zamarbide y Miguel Roldán, también participó el mítico Pappo ( Riff) que falleció en el 2005, mas o menos como Osvaldo Civile, dos grandes que nos dejaron. Este trabajo tuvo mucha polémica ya que Iorio no participó y la enemistad se hizo todavía mayor, V8 ya no volverán nunca, eso lo tengo mas que claro.
Este último trabajo es muy variado, contiene buenos momentos pero está alejado de la magia de sus dos primeros álbumes, eso sí, hay buenos momentos y la portada es épica. La gran ramera es un tema anodino de puro rock and Roll que recuerda a Deep Purple y fue la pista que siguió Rata Blanca. Ciega ambición si que es un buen tema de Speed Metal muy oscuro que recuerda a los primeros tiempos de la banda. El rock acelerado con elementos de Speed Metal de No enloqueceré con un solo de guitarra melódico atmosférico propio de la Nwobhm y también de los Iron Maiden . Seguramente el tema mas creativo del trabajo sea El vivo sustento del inquisidor, buen tema. En definitiva, un trabajo postular con una banda que ya estaba desecha y con unos músicos que ya estaban pensando en otras aventuras musicales pero tenían tanta clase que pese a eso y la pésima producción pudieron sacar adelante este último trabajo de los gran V8.
https://www.youtube.com/watch?v=ROChjmXgTHk
Álbum Completo

Wrathchild America Biografía



Los orígenes de esta banda se remontan a 1979 cuando se hacían llamar Atlantis pero con este nombre no llegaron a grabar ningún trabajo y por motivos legales ( ya existía una banda con ese nombre) tuvieron que cambiarse de nombre a Tyrant en 1980, en honor a un tema de Judas Priest del Sad Wings of Destiny, mismo problema y cambio de nombre en 1981 Wrathchild, al cabo de unos meses tuvieron que añadirle el America porque ya existía en Inglaterra una banda llamada Wrathchild.

Debutaron de forma independiente en 1983 con una demo titulada Danger Us que repartieron por el circuíto local de Baltimore, donde la banda nació y donde tocó en todos sus pubs. Un sonido entre la Nwobhm y Judas Priest como influencias. La verdad es que les costó mucho arrancar su carrera y que estuvieron a punto de dejarlo en infinidad de ocasiones pero finalmente, cuatro años después salió una nueva demo de forma independiente y pagada de su propio bolsillo titulada Days of Thunder, donde la banda se dejaba influenciar por la escena del Thrash.
Entonces les llega la gran oportunidad y fichan por Atlantic Records para editar en 1989 su primer trabajo " Climbin the Walls" con la producción de Mark Dearnley ( que trabajo con bandas como Krokus, Loudness, Ozzy, Motörhead, Yngwie Maalmsteen) y en la mezcla un clásico como era George Marino que llegó a ganar un Grammy por su labor y que colaboró con las mejores bandas, incluso con algunas españolas como Ángeles del Infierno.
El sello puso a sus mejores hombres a trabajar, las críticas fueron muy positivas gracias a la originalidad de la banda pero la promoción no fue buena y las ventas fueron muy pobres, tampoco la gira era lo que se esperaba la banda que quería cruzar Usa de punta a punta y no fue así. En 1991 por contrato sacaron su último trabajo con Atlantic Records, 3- D, con los mismos resultados, buenas críticas y pobres ventas y el sello no les renovó y decidieron dejarlo 1992.
Aunque mas que dejarlo lo que hicieron fue cambiar de nombre y de estilo musical, la banda se rebautizó como Souls at Zero, una banda de Groove, algo muy acorde con aquellos noventa, una banda que estuvo en activo del 92 al 96 y que sacó dos álbumes sin mas historia.
En el 2017 el líder de esta banda Brad Divens, sacaba un video en Facebook donde salía tocando viejos temas con sus compañeros de Wratchild America, anunciando así que volvían juntos pero desde aquel video ya paso un año y medio, no sabemos nada mas de ellos.

Cob : el objetivo es el Play Off


Es uno de los presupuestos mas bajos de la categoría junto a Araberri y Canoe pero hacen las cosas tan bien a todos los niveles que el objetivo no puede ser la salvación.
El Cob Ourense cuenta con el mejor entrenador de toda la categoría y además, respecto al año pasado con una plantilla mucho mas equilibrada , profunda en la rotación y talentosa.
En cuanto al Basket moderno consta de varias claves: Balance defensivo- rotación - físico y versatilidad... todo eso lo tiene el Cob.


- El Cob cuenta con cinco jugadores que son top en la categoría: Pepo Vidal, Jhornan Zamora, Rodríguez, Rozitis y Watson.

- El Cob tiene a diferencia del año pasado que jugo en el puesto de base con un anotador compulsivo pero que no creaba juego, cuenta este año con un base cerebral que hace jugar como Pepo Vidal y que puede anotar también, a mi me recuerda a Maxi Stanic.

- El Cob una plantilla amplia y versátil con jugadores como Rodríguez que puede jugar de alero o de cuatro, puede jugar con dos bases en cancha, Zamora también tiene físico para jugar de cuatro, puede jugar con dos pivots juntos.... hay polivalencia y profundidad de plantilla.

- Es uno de los mejores equipos a nivel defensivo de la competición, llevan 6 victorias y 6 derrotas y de esas seis derrotas compitieron en todos los partidos con opciones de victoria salvo el día del Betis.

- Decían que el equipo no tenía triple. Sin contar con ningún especialista claro, Ott, Vidal, Rodríguez y Zamora pueden anotar y cuidado con Muratovic y Masters que si tienen el día pueden fusilar.

- La fortaleza interior del Cob es impresionante: Rozitis y Watson presentan números estelares y son la mejor pareja de pivots de la competición.


A este Cob solo le falta que Van Wijck y Ott que son dos veteranos de Leb Oro aporten a nivel ofensivo, que no lo están haciendo. En el caso de Van Wijk le han adelantado en la rotación: Rodríguez, Zamora, Watson y ahora mismo Muratovic, el Cob necesita a estos dos jugadores para avanzar a nivel ofensivo.

- Que Muratovic y Masters vayan creciendo con el paso de los partidos y sean mas regulares sería sumar 9 jugadores de nivel a la plantilla con el complemento de Okeke, Stefanutto y Pluta, que son jóvenes, sin experiencia y cuyo papel es endurecer los entrenamientos, ganar experiencia y salir a morder los pocos minutos que tengan, el Cob es solvente y debe mirar a los Play Off como objetivo, si no tienen problemas de lesiones, claro.

Podemos cuesta abajo y sin frenos



De ser el partido con mas intención de voto hace relativamente poco tiempo a estar sin rumbo y perdiendo votos a marchas forzadas, estas son algunas de las razones:

1) No tienen una red estatal, tienen que unirse a otros partidos y surgen las discrepancias: Comunistas, anarquistas, independentistas, republicanos, anti-sistema, ecologistas.... podemos no tiene ningún sentido ni ningún programa.

2) Su líder, Pablo Iglesias es el líder menos valorado de los cuatro principales partidos. Errejón lo haría mucho mejor pero el no permite el paso y sigue hundiendo a su partido


3) No hay autocrítica, pierden tres escaños en Andalucía y ni una voz crítica

4) Hoy en día todos los partidos políticos hacen política sobre Catalunya, los únicos que se han mostrado siempre tibios son Podemos y eso lo pagan bajando sin frenos en las encuestas.

5) Les sucede lo mismo que a Ciudadanos, hacer oposición la hace cualquiera, es vivir de los errores ajenos. No hay programa ni unidad.

6) Han confundido al enemigo. Cuando hubo el boom podemita los peperos ya nos avisaron de que eran guevaristas, chavistas, golpistas, pro- etarras.... una magnífica publicidad para sumar votos Podemos... ahora Pablo y su equipo está haciendo lo mismo con Vox, cuidado que viene el lobo que son la extrema derecha... Vox no es el enemigo de Podemos, ellos tienen que liderar la izquierda o intentarlo.

7) No hay programa alguno, solo viven de la corrupción del PP, a cada caso de corrupción que casi es a diario, ya sale un podemita a poner el grito en el cielo.... ya sabemos que el PP está podrido hasta la raíz, ya tenemos a la sexta para recordarlo día y noche, propón algo nuevo.... pero es que Podemos no tiene nada que proponer como Vox o Ciudadanos, son pura pantalla y partidos surgidos por la crisis que aparecen y desaparecen sino al tiempo.

8) Podemos no tiene una ideología clara, no representan a nadie, yo como republicano no me siento respaldado por este partido.

Vox el partido con programa irrealizable



Fruto de una crisis, fruto de la insatisfacción pero siempre surge la extrema derecha de forma elegante, disfrazada o sin careta como es este caso.

Vox tiene un programa basado en el independentismo catalán, copian el modelo de Ciudadanos, el señor Rivera e Inés Arrimadas se creen el adalid del españolismo y la unidad patríotica, es lo que les hizo subir como la espuma en Catalunya y Andalucía. Vox copia eso, solo que lo radicaliza o lo explica de forma mas llana y contundente, sin tanta frase echa. Cuando hay cabreo generalizado un discurso populista es el que es aceptado por la masa, la masa no piensa, el individuo si.

Todo son brindis al sol, quieren prohibir las autonomías por el gasto público, en realidad quieren aplastar el independentismo en todas las regiones españolas y que volvamos a los tiempos grises cuando te miraban con cara de perro por hablar euskera, gallego o catalán. Para eso habría que cambiar la constitución.

Quieren prohíbir la memoria histórica pero se permiten decir quién fue el culpable de la guerra civil española... de risa.

Todo es un mal chiste : expulsión de inmigrantes sin papeles

Vox opta también por eliminar el acceso gratuito a la atención sanitaria a inmigrantes ilegales y propone un sistema de copago para aquellos en situación legal que lleven menos de diez años en España, garantizándoles únicamente servicios de urgencia.... el mejor de sus chistes.

Lo mejor de su ideario racista es levantar un muro en Melilla. Por supuesto.... son la camiseta de moda.... pero ¿ Cuando durará esa moda? El día que Sánchez o cualquier otro presidente acabe con la cuestión catalana, entonces se quedaran sin programa y Ciudadanos y Vox se quedan sin el 90 % de su programa.

Tierra de pasión

1932 drama romántico. Usa 83 minutos. Director: Victor Flemming. Guión: Jhon Lee Mahin. Fotografía: Harold Rosson. Productora: Metro Goldwyn Meyer. Sinopsis: Un matrimonio llega a una plantación de caucho en Indochina, regentada por un hombre duro, al mismo tiempo que una aventurera. Surge así un peligroso triangulo amoroso.
Red Dust es sobre todo una película Pre-Code. ¿Que significa esto?. Se trata de un film realizado en años anteriores a la efectividad del Código Hays (Julio 1934) que estableció líneas de conducta moral para un cine que, con la llegada del sonoro y especialmente durante la gran depresión se había refugiado para sobrevivir financieramente en temáticas tales como "blood and guts" (sangre y tripas) o "hot cha-cha", en traducción libre, ritmos exóticos calientes.

En este contexto, Jean Harlow, máximo exponente de la seducción vive al lado y además nos hace reír, es la vamp (pero menos) idónea, cercana al espectador pero con la frescura suficiente para "hot cha-cha" a un regimiento. Clark Gable es un sinvergüenza y mujeriego que intenta dárselas de duro pero que, si las faldas se levantan más de lo socialmente aceptable, pierde el oremus y si las faldas se resisten también. Y por último Mary Astor es la resistencia (no francesa) pero que se muere de ganas por arremangarse sugerentemente bajo la "rain" monzónica.

Prostitución, adulterio, y los principios éticos y morales en remojo tropical, es el activo de un film donde Indonesia, el caucho y su proceso de elaboración son la excusa para amoralidades varias que distraían a la audiencias "liberales", que las otras empezaban a pirrarse por Shirley Temple.

Red Dust es el antecedente de otro film mítico: Mogambo de John Ford con Ava Gardner, Grace Kelly y el propio Clark Gable. Cambiando escenario (la acción se desarrolla en África) y pecado (en España el adulterio se tornó incesto) el "menàge" revivió en el 53, con un código Hays vigente, aunque "nominalmente" mas que otra cosa.

Como curiosidades: La película se rueda fundamentalmente en estudios, hirviendo agua en tetera y empapando la frente de los actores para conseguir el efecto sudor tropical. Las polillas se sueltan antes de cada rodaje, etc. Además, por aquellas fechas se suicida Paul Bern el esposo de Jean Harlow en circunstancias poco claras (se barajan temas financieros, de impotencia sexual o incluso de una madre excesivamente dominante). El caso es que a la MGM le interesaba no perjudicar la carrera de su estrella y echó la suficiente tierra para ocultar el asunto.

5 años más tarde moría Jean Harlow. La leyenda estaba servida y desde entonces, la mansión fantasmal, cuentan los "cuartos milenios", ha sido objeto de fenómenos paranormales, ya saben, gritos y susurros pero sin Bergman.

Pegaso Z-102

Con ENASA se asentaba la base de una industria automovilística nacional en un momento de total aislamiento económico y político de España. Las necesidades de aquel momento eran primarias: camiones, tractores y tecnología. Así, sobre los restos de Hispano-Suiza nació ENASA, cuya prioridad era la producción de vehículos de transporte pesado y público.


Hacia 1968, ENASA consigue hacerse con el control de la empresa rival SAVA. Adquirió su fábrica en Valladolid y heredó de ésta su modelo J4, a la vez que eliminó de su gama todos los modelos de camiones que hacían la competencia.2​

La empresa mantuvo su sede central en las antiguas instalaciones de Hispano-Suiza en La Sagrera, hasta que en 1980 se trasladó a la Zona Franca. En marzo de 1984 adquiere la empresa británica Seddon Atkinson por el simbólico precio de una libra a su anterior socio International Harvester.3​

En 1990 fue vendida al consorcio Iveco, perteneciente a Fiat Group, aunque la producción de camiones y motores para autobuses Pegaso no cesaría hasta 1995.

Ariegé

El departamento fue creado durante la Revolución francesa, el 4 de marzo de 1790 en aplicación de la ley del 22 de diciembre de 1789, cuando se fusionaron los Condados de Foix y de Coserans.


Se ha hecho una solicitud ante el Conseil d'État francés para cambiar el nombre del departamento a Ariège-Pyrénées. De acuerdo con los partidarios del proyecto, la mención Pyrénées permitiría situarlo mejor para así promoverlo en toda Francia.

Cara de Plata

La obra presenta la historia de los Montenegro, una familia hacendada de la Galicia rural del siglo XIX. Se plantea el conflicto entre Juan Manuel, el patriarca y cacique local, un hombre poderoso, altanero y sin escrúpulos y su hijo pequeño, apodado Cara de Plata. Aquel ha iniciado un enfrentamiento con la iglesia al impedir el paso del abad por las tierras de la familia y secuestrando, de paso, a la que era su ahijada Sabelita. Ésta se enamora de Cara de Plata, pero acaba convirtiéndose en amante del padre, lo que hace estallar el conflicto entre ambos. El abad desafía a Don Juan Manuel y éste envía a su hijo a combatir al grupo del religioso, en la esperanza de que sucumban sus dos enemigos.

La obra no se estrenó en un escenario hasta 45 años después de haber sido escrita. Concretamente en el Teatro Moratín de Barcelona el 23 de diciembre de 1967, con dirección de José María Loperena y protagonizada por Luis Prendes (Juan Manuel), Vicente Parra (Cara de Plata), Silvia Tortosa, Ramón Durán, Paquita Ferrándiz y Eugenia Zuffoli.

En 1991 hubo una interpretación conjunta de las tres obras que componen la trilogía, dirigida por José Carlos Plaza y con José Luis Pellicena como Juan Manuel y Toni Cantó como Cara de Plata

En 2005 se representó en el Teatro María Guerrero de Madrid, con dirección de Ramón Simó e interpretación de Chete Lera (Juan Manuel), Jesús Noguero (Cara de Plata), Bárbara Goenaga , Lucía Quintana, Maite Brik y Susi Sánchez.

W.E.T " Earthrage"

W.E.T " Earthrage" Hard Rock Suecia Hard Rock 2018
01. Watch the Fire
02. Burn
03. Kings on Thunder Road
04. Elegantly Wasted
05. Urgent
06. Dangerous
07. Calling out Your Name
08. Heart is on the Line
09. I Don't Wanna Play That Game
10. The Burning Pain of Love
11. The Never-ending Retraceable Dream
12. Elegantly Wasted (Acoustic Version) (Japan Bonus Track)

Robert Säll: Teclados
Erik Martensson: Guitarra, Bajo, Teclados
Jeff Scott Soto: Cantante
Magnus Henriksson: Guitarra
Robban Bäck: Batería


El supergrupo sueco liderado por el cantante puertoriqueño Jeff Scott Soto presenta su tercera placa en los mismos términos que siempre. Soto se rodea con músicos de Talisman y Eclipse y crea un Hard Rock melódico clásico y bien ejecutado, siempre son una apuesta segura.
Watch the Fire tira de groove para darle intensidad a un estribillo donde Soto está como pez en el agua, coros en la parte final del tema y el típico truco de ir bajando el volumen poco a poco, lo que se suele hacer cuando no se sabe como finalizar un tema. Burn es un tema donde entran los teclados en acción para darle un aire Aor al tema muy alegre, intenso y ochentero, recordando a la etapa dorada del Aor y con una producción moderna.
Sinceramente de todos los proyectos en los que está metido Jeff Scott Soto este es sin duda el mejor. Kings of the Thunder Road es un estribillo adictivo como casi todos los que pululan por este trabajo y con un solo de guitarra alegre y la clase base rítmica distorsionada y lejana, lo que se lleva hoy en día en las producciones del Rock. Elegantly Wasted es otro tema que tira hacia el Aor pero en este caso suena algo ñoño.
Urgent es clasicismo en estado puro, me recuerda a tandas cosas... empezando por Joe Lynn Turner cuando editó el Rescue You, su gran obra maestra y pasando por los Foreigner, solo que nos brindan un cambio de ritmo que no te esperas y aportan algo de dinamismo al tema.
Dangerous arranca con un ritmo acústico algo atmosférico que pretende emular a Talisman, Eclipse, Europe...etc, por ahí van los tiros en todo momento. El tema tiene un ritmo adictivo y saben ir de menos a más aunque siempre son muy previsibles... pero con elegancia.
Las baladas bajan muchísimo el listón como es el caso de Calling out Your Name, se disfruta de la enorme voz de Soto pero poco más. Heart is on the Line  es un tema que arranca con piano y sigue después con unos ritmos muy suaves que rozan el Pop Rock y que siguen bajando el nível hasta los mínimos, es un trabajo que va de mas a menos en todo momento.
I dont play the Game no tiene feeling alguno pese al intento de sonar a Aor al estilo de los Signal, Journey, Toto en su etapa mas comercial, no funciona, los últimos temas son casi de relleno. Lo que le falta a este álbum es mas rock, menos producción y mas guitarreo, trabajan muy bien los estribillos y algunos muy logrados como es el caso de The burning Pain of Love, muy eurovisivo, al igual que el Aor puro y duro a golpe de teclado de The Never-ending Retraceable Dream. Es un trabajo pensado para el mercado japonés así de claro.
Un Hard Rock/ Aor muy comercial, con elegancia, bien ejecutado, con un cantante absolutamente Top y que se disfruta en un par de escuchas pero con el paso de ellas va perdiendo toda su efectividad y es que este estilo está muy estancado.

Puntuación: 5,75/10