viernes, 22 de septiembre de 2017

Nostoc " Ævum"

Nostoc " Ævum" Costa Rica Groove progresivo 2017
Temas:
1. A path to ascend
2. Saturnian mindscope introspection
3. The artisan
4. Imbued in Aether
5. Transmute
6. The anamnesic voyage
7. Delirium

Freddy López: Guitarra, Cantante
David Miranda: Guitarra
Emanuel Calderón: Batería
Jorge Camacho: Bajo


Vivimos en una época donde todos los estilos musicales se mezclan, lo que unos han denominado Metal Collage, pues en eso, los Nostoc, son unos maestros. Es una banda de San Isidro ( Costa Rica), creados en el 2010, después de una demo y un single debutan con su primer larga duración que saldrá al mercado en el mes de agosto.
A Path to Ascend deja las primeras impresiones. Voz gutural, aires de los noventa, mucho groove y rozando el metalcore por momentos y con pinceladas de Death Metal y un gran trabajo en la sección rítmica. No prescinden de la atmósfera como demuestran en Saturnian mindscope introspection, tengo curiosidad en saber como sonaran estos temas en el directo.
El groove es la filosofía de esta banda pero adopta muchas formas diversas como el ataque de Thrash/ Death que presenta The Artisan, caótico y conciso a la vez, seguramente uno de los temas mas adictivos de todo el trabajo.
Imbued in Aether arranca con forma de Death Metal mezclado con Hardcore, muy de la escuela americana, todas las bandas de este país siempre miran hacia Estados Unidos. El desarrollo del tema es muy tècnico con un riff progresivo y adictivo.
Transmute sigue por la buena senda. Lo que mas me llama la atención de esta banda es que nunca bajan el nível de intensidad, siempre sonando aguerridos y con un mundo musical todavía por desarrollar, en este primer trabajo tiran de agresividad pero dejan entrever que la melodía también puede ser lo suyo. The anamnesic voyage es como un rodillo que te aplasta sin piedad. El ritmo de batería es todo un acierto y está genialmente acompañado por los riffs cargados de un groove iracundo. A medida que van desarrollando el tema siempre aparece esa atmósfera mezclada con la oscuridad.
Delirium es el último corte de este buen trabajo. Un tema que va de menos a mas y con un final explosivo, no son mancos estos chicos. Además es una banda atrevida como demuestran en este último tema con una duración de 11 minutos en los que no bajan en ningún momento la intensidad e incluso se permiten el lujo de sonar creativos en alguna fase del tema.
¿ Futuro o presente? Yo considero que Nostoc ya son toda una realidad. Lo mas positivo de esta banda es que son capaces de congregar a fans del metal en cualquiera de sus vertientes, una banda que presenta un buen debut y la promesa de algo todavía mejor de cara al futuro.

Puntuación: 7/10

Force Majeure " The Rise of Starlit Fires"

Force Majeure " The Rise of Starlit Fires" Power Metal Finlandia 2017
1. Gemini Rising
2. Apocalyptic Hearts
3. Blessed by the Wolves
4. The Great Starfall
5. Church of Steam
6. Pantheon of my Passion
7. The Darkening
8. Subarctic Showdown

Nylund: Batería
Jussi: Guitarra, Bajo, Teclado
Ojanen: Guitarra, Bajo, Teclado
Tuomas: Bajo
Lang: Cantante


Power metal melódica en su vertiente mas " Happy" con esta banda de Finlandia creada en 1998. Tercera entrega para ellos y no han logrado todavía el reconocimiento internacional, ni creo que lo lograran con esta tercera entrega.
Gemini Rising es un tema construido con un riff básico a lo Accept y un mediotiempo acompañado por unos teclados que recrean una atmósfera primitiva a caballo entre Stratovarius y Blind Guardian, previsible en todo momento. Apocalyptic Hearts es el momento Helloween que siempre meten en todos sus álbumes. Doble bombo, riffs melódicos a toda pastilla y lo mas destacado es el aporte del bajista en las aceleraciones y la estupenda voz de su cantante.
 Blessed by the Wolves tiene un cambio de ritmo logrado donde bajan los decibilios e introducen un riff que recrea intensidad y atmósfera a partes iguales mientras la batería vuelve a introducir los ritmos veloces, bien construido y con energía, saliéndose un poco de sus clichés comerciales y haciendo un Heavy Metal con momentos a lo Judas Priest interesantes.
Es de esa clase de bandas que nunca decepciona pero que tampoco logran dar un salto de calidad, siguen en zona de confort con su tercera entrega. Hay temas como The Great Starfall que quizás estén demasiado sobrecargados en su producción. En otros se pasan con los pasajes a teclados como en Church of Steam, toda una equivocación esa mezcla de Power melódico con metal Sinfónico y progresivo blando y comercial, no es donde pueden destacar.
Phanteon of my Passion es lineal y tedioso por momentos, solo salvado por el buen hacer de su cantante. Hay momentos interesantes en el tema The Darkening, dura seis minutos y me sobra la mitad del tema. Pero al menos el estribillo suena intenso, no sé si el cantante logrará mantener este impresionante nível en los directos, si lo consigue, ver a Force Majeure en directo va a ser muy divertido, porque aunque no son una banda creativa, nada potente, al menos construyen estribillos aguerridos y clásicos y con el chorro de voz de su cantante, puede ser agradable escucharles.
The Subarctic Showdown no aporta nada nuevo, pero el momento del solo de guitarra está bien estructurado y tiene una melodía a lo Helloween que es lo que siempre te imaginas que harán... y efectivamente, lo hacen. Eso es lo malo de Force Majeure que tema por tema vas adivinando lo que van a hacer y que suena a mas de lo mismo. Hay cientos de bandas detrás de este sonido y esta no es una banda que vaya a aportar nada nuevo. Lo positivo y quizás donde deberían centrarse mas son en los momentos de Heavy Metal y dejar de lado el Power Happy Metal donde no destacan nada. Trabajo lineal, irregular, blandito con algún que otro momento de interés y poco más.

Puntuación: 5,5/10

Marty Friedman " Wall of Sound"

Marty Friedman " Wall of Sound" metal neoclásico Usa 2017
Temas;
1. Self Pollution
2. Sorrow and Madness
3. Streetlight
4. Whiteworm
5. For a Friend
6. Pussy Ghost
7. The Blackest Rose
8. Something to Fight
9. The Soldier
10. Miracle
11. The Lat Lament


Marty Friedman: Guitarra, Bajo, Teclados
Jeremy Colson: Batería

Es difícil reseñar un álbum instrumental de un guitarrista virtuoso pero siempre es una delicia escuchar material de esta calidad. Con Marty Friedman llegamos a un dilema moral y es que el mismo juega a la confusión. ¿ Que te puedes esperar de Marty? Porque cada álbum en solitario tira de un estilo musical diferente.
Marty Friedman siempre será recordado por su paso por Megadeth, confieso que la era Friedman- Menza- Ellefson- Mustaine fue brillante a mas no poder y cuando Friedman - Menza se bajaron del carro perdí todo el interés en la banda de Mustaine. Muchos relacionan aún con Megadeth al señor Friedman y resulta que lleva guerreando toda su vida.
Martin Adam Friedman tiene 54 años nació en Maryland y en la actualidad reside en Japón. Por la profesión de su padre residió en Hawaii donde forma sus primeras bandas, la primera de ellas se llamo Aloha en 1982 que se acabo cambiando de nombre a Hawaii , la primera banda hawaiiana de metal de Power/ Speed que llegaron a sacar dos álbumes.
Pero a el lo que siempre le gusto fue el neoclásico por eso creo la superbanda de Shred/ Neoclásico Cacophony donde compartió virtuosismo con otro enorme guitarrista como es Jason Becker, dos álbumes de Cacophony punto final en 1989.
Guitarrista de Megadeth de 1990 a 1999. Su trayectoria en Megadeth tiene puntos muy altos como el Rust in Peace, Countdown to Extinction, álbumes controvertidos como Youthanasia y Critpic Writtings y auténticas bazofias como Risk... de todo.
Como reside en Japón suele colaborar con músicos japoneses, por eso creo la banda Metal Clone X de Death/ Shred junto a músicos japoneses y ya edito dos álbumes. Pero lo que le ocupa mas tiempo es su carrera en solitario que ya inició en 1987 y que nunca aparco. Este es su doceavo álbum y cada trabajo es un mundo. Debuto en 1988 con un álbum de Shred a lo Michael Angel Battio, los dos siguientes álbumes ( Ya estaba en Megadeth) sonaban mas metaleros y ambientales. El resto de su obra se mueve entre el Rock típico japonés ( país que ama y se acostumbro a su cultura hasta el punto de ser un lugareño mas)
En estos momentos centra sus esfuerzos entre el rock melódico y comercial japonés mezclado con Shred y mucho neoclásico, no sin ofrecer pinceladas técnicas de metal extremo.
Escuchar estos temas es como comer Sushi. La envoltura de algas y arroz sería el envoltorio extremo que le pone a todos los temas y el salmon, wakame o atún sería el neoclásico y el rock melódico con el que nos sorprende en cada tema.
Me resultaria difícil quedarme con algún tema o mejor dicho tendría que decir fragmento porque cada tema es un microcosmos pero por ejemplo el riff a lo Blackmore tan melancólico de Whiteworm para luego regresar a un Groove metalero de lo mas potente a lo Jeff Waters me parece original.
Clásico es el tema For a Friend donde tira de melodías setenteras a lo Uli Jon Roth y Axel Rudi Pell, clásico a mas no poder. Pero intenta una mezcla extravagante entre rock y diversas fusiones de estilos que incluso se acercan a la electrónica como intento Satriani en su día en temas como Pussy Ghost.
Pero a los mas clásicos decirles que hay neoclásico a lo Yngwie y del bueno en The Blackest Rose o Streetlight. Es injusto que a Marty siempre se le pida agresividad y que recuerde una y otra vez su etapa en Megadeth porque es algo que abandono hace muchos años y se desligo por completo, basicamente es un guitarrista melódico y lo lleva demostrando desde antes de ingresar en Megadeth, en los tiempos de Cacophony así que hay que ser justos con el.

Puntuación: 6,75/10

Seer " Vol. III & IV: Cult of the Void"

Seer " Vol. III & IV: Cult of the Void" Doom/ Sludge Canadá 2017
Temas:
1. Ancients Sand ( Rot Preacher)
2. Acid Sweat
3. They Used Dark Forces
4. Burnt Offerings
5. I: Tribe of Shuggnyth
6. II: Spirit River
7. III: Passage of Tears
8. संसार [



Bronson Lee Norton: Cantante, guitarra acústica
Madison Norton: Batería
Peter Sacco: Guitarra
Josh Campbell: Bajo, Sintetizadores
Kyle Tavares: Guitarra, Sintetizadores

El nuevo trabajo de los canadienses Seer sale editado a través del sello Art of Propaganda, saldrá editado el 7 de julio y os anticipamos nuestras primeras impresiones. Esta banda de Vancouver se creo en el 2014 y después de editar dos Ep, ahora debuta con su primer larga duración.
Ancients Sand ( Rot Preacher) es un tema hipnótico gracias a sus ritmos Stoner que le otorgan un dinamismo al tema que lo lleva en volandas. Es un corte con ciertos aspectos de rock gótico y es una mezcla de Sentenced, Grand Magus y los Type o Negative... esta última banda, la gran influencia de los Seer.
Acid Sweat es todo un tributo a los Black Sabbath pero todavía con mayor distorsión. Voces limpias combinado con voces guturales en los estribillos de todos los temas del trabajo. Tienen pegada, feeling compositiva.
They Used Dark Forces es un tema donde el Sludge se deja notar por primera vez. Un estilo del que nos ofrecen breven pinceladas, buscando mas la melodía y el Stoner. Es una banda que va a triunfar en Europa, un poco de los Neurosis mezclado con el Sludge, le senta bien al trabajo un tema mas agresivo.
Burnt Offerings es regresar a la casilla de salida. Esa especie de Stoner/ Heavy Metal y un mínimo de Sludge para recrear una atmósfera muy épica y con rock setentero como gran influencia para desarrollar un tema dinámico y melódico.
Entramos en la recta final del álbum y lo hacemos con un tema dividido en tres partes donde nos regalan su vertiente acústica.  I: Tribe of Shuggnyth, es un tema acústico e instrumental que a mi personalmente me traslada a los primeros tiempos del Southern Rock y que sirve de introducción para . II: Spirit River sigue por el camino instrumental pero con mucha mas profundidad. Evoca ritmos setenteros de los Led Zeppelin pero a la vez busca una profundidad intelectual a caballo entre el Avantgarde y el Shoegaze que es uno de los momentos estelares del álbum. Siguiendo los pasos del Gothic Doom a lo My Dying Bride por momentos como con la tercera parte de la trilogía.
Puede que los últimos cuatro temas acústicos finales nos corten un poco el rollo porque recordemos que los primeros temas empezaron con mucha energía, pero dos caras tan diferenciadas dentro de un mismo álbum, nos sirve para analizar todas las posibilidades que tiene esta banda, que son muchas.

Puntuación: 8/10

Rift " Super Killer Fragile"


Rift " Super Killer Fragile" 2017 Thrash Inglaterra
Temas:
1. March of Nimrod
2. Rift - Abomination of Desolation
3. Diminish
4. Ghosts from Ruins
5. Flames of Hate
6. The day the sky Exploded
7. The Seer
8. Fear God
9. Super Killer Fragile

Formación:
Rod Boston. Bajo
Jay Graham. Batería
James Stephenson: Guitarra
Simon Jones: GUitarra, Cantante


Debutantes pero veteranos. Presentemos a esta banda inglesa, al bajo Rod Boston ( Mirrorblack, Ravens Creed) Jay Graham a la batería ( Ravens Creed, ex Skyclad) James Stephenson a la guitarra ( Torment) y finalmente el veterano Simon Jones como guitarrista y cantante ( Holosade, Sabbat)
Sabbat es la mejor banda que dió el Thrash inglés y junto a Coroner la mejor banda de Thrash del viejo continente, son un mito, por desgracia lo dejaron en el 201o, también estuvo en los Holosade que editaron un álbum en los ochenta, Heavy/ Thrash del bueno... un músico veterano que sabe lo que se hace.
. Rift - Abomination of Desolation es un tema con pegada con unos riffs en cascada con una tonalidad aguda y muy metalera que calan desde el primer momento. Sin maquillaje, un Thrash crudo, auténtico y primitivo, obviamente suena a Holosade, Sabbat, las bandas por donde paso este enorme guitarrista y a derivados como Coroner o Dark Angel e incluso un poco a los inicios de los Testament.  Diminish es puro Thrash al galope y con cambios de ritmo acelerados.
Ghost from the Ruins es un mediotiempo que tiene un cambio de ritmo muy intenso y que tira de un estribillo que te devuelve a los ochenta. Buen solo dividido en varias secciones, metal inglés... el acero inglés siempre al rescate del Heavy Metal, son los número uno, hay que admitirlo.
Flames of Hell es un tema mas machacón y oscuro, un mediotiempo que tiene destellos de los Slayer en sus primeros tiempos. Free Speech Talking es un tema que no llega a los cuatro minutos de duración. Nos regalan un tema cargado de adrenalina, velocidad y sobre todo técnica en la base rítmica. Los riffs de esta banda siempre son clásicos e intensos. Tienen unos estribillos que suenan adictivos gracias al envoltorio tan clásico que presentan.
The Day the Sky Exploded es un Heavy/ Thrash en su inicio que recuerda a los Megadeth en sus inicios, hasta que poco a poco se desligan por completo de esa influencia y con agresividad acaban sonando al típico Thrash inglés de los ochenta, mas emparentado con el americano que con el alemán. Pensad en bandas como Slammer, Xentrix, Arbitratater, DAM, Toranaga, Anihilated, Reanimation o los Deathwish por citar unos cuantos. Por cierto este tema presenta un estribillo adictivo muy trabajo con un riff rítmico que introduce cierta melodía que recuerda a los Sodom de la última época.
The Seer y Fear God componen un bloque de hormigón armado con los ingredientes de siempre: velocidad, energía, clasicismo en la composición, solos limpios y pulidos. Ponen el broche de oro con el tema mas cañero y crudo de todo el trabajo, Super Killer Fragile, un tema que me recordó a los canadienses Razor. Brutal el debut de esta banda.
https://riftmetalband.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Puntuación: 8,5/10

Grimlet " Theia: Aesthetics of a Lie"

Grimlet " Theia: Aesthetics of a Lie" Death técnico Portugal 2017
Temas:
1.El gran dark maestrum
2. Scorching Vision
3. Aesthetics of a lie
4. 2:1:0
5. Still beneath the horns
6. Knee- Deep in the dead ( Covariance Version)


Claudio Aveiro: Bajo
Antonio Branco: Guitarra
David Carvalho: Cantante
Filipe Gomes: Batería
Flavio Almeida: Guitarra


Tercer trabajo en estudio para esta banda procedente de Coimbra. Arrancaron su carrera en 1999 y  después de siete años, en los que la banda cambió de formación. Vuelven con las pilas cargadas y con ganas de agradar, son una banda muy original.
El gran dark maestrum es un tema de puro Death old school que sirve para introcurnos al siguiente corte, Scorching Vision, es un tema a golpe de D- Beats y con un trémolo en la guitarra atmosférico y siniestro que recuerda a los Autopsy. Es un tema de ocho minutos de duración con numerosos cambios de ritmo, donde siempre logran darle una carga atmosférica a los temas y unos cambios de ritmo de Death/ Thrash que recuerdan a los Vader.
Un tema que me recuerda a los grandes del género es Aesthetics of a Lie, elllos son capaces de sonar clásicos a lo Death de Chuck Schuldinner pero a la vez, tienen cierta melodía las composiciones que te recuerdan a los Desultory.
2:1:0 es el tema mas agresivo del álbum. Saben conectar con el público actuál de este género. El Death es un estilo musical que está viviendo una segunda etapa dorada gracias a bandas revival que buscan plasmar el sonido de los grandes clásicos. Lo mismo que lo que buscan en el Thrash, solo que las bandas de Thrash suenan ya sin creatividad y el Death se presta mucho más a la mezcla de sonidos. Los lusos nos dejan destellos de gran calidad, como un cambio de ritmo lento donde se introduce riffs doblados que suenan muy épicos, hasta suenan metaleros por momentos.
Still Beneath the Horns es la otra cara de la banda. Ritmos mas técnicos en la sección rítmica que recuerdan a Nile. La utlización del Groove y una mayor suciedad en la producción, es un tema que estoy seguro que sonará mucho mas agresivo en directo que en el estudio, y eso es una cualidad muy positiva para los Grimlet, además de que sus composiciones tienen feeling.
Knee- Deep in the dead ( Covariance Version), es una cover de los Covariance. Curioso que hagan una versión a una banda francesa de Black atmosférico, creado el mismo año que ellos, pero es un tema que consiguen hacerlo suyo.
En definitiva la vuelta de los Grimlet presenta un saldo positivo. Clasicismo absoluto en las composiciones, nada nuevo bajo el sol. Se dedican a recojer lo mejor de cada huerta. Un poco de Death melódico sueco en sus raíces a lo Desultory, el Death/ Thrash de los Vader y tributazos a Death, Immolation o Obituary. Los amantes del Death tienen una cita con este trabajo.

Puntuación: 7,75/10


Oceano " Revelation"

Oceano " Revelation" Deathcore Usa 2017
Temas:
1. Dark Prophecy
2. Lucid Reality
3. Path to Extinction
4. The Great Tribulation
5. Illusions Unravel
6. Majestic 12
7. Final Form
8. The Event
9. Human Harvest
10. Revelation

Adam Warren: Cantante
Scott Smith: Guitarra
Chris Wagner: Bajo
Andrew Holzbaur: Batería


Oceano es una banda de Chicago creada en el 2006 de Deathcore. Han pasado por diferentes etapas, es una banda aclamada en Estados Unidos, no tanto en Europa donde les falta romperla todavía y lo intentaran con su nueva obra.
Es normal que Oceano puedan hacer girar de tres meses por Estados Unidos, es una banda agresiva, con un puntito comercial mas que evidente en su música y que mezcla estilos hasta hacer de su música una especie de argamasa indefinida donde lo único que podemos decir es que suena violento y moderno... al menos ante una escucha superficial porque si prestamos atención, todos los entresijos de este álbum saldrán a la luz.
Dark Prophecy es una especie de Intro atmosférica. Influenciados por las bandas de los setenta progresivas, Pink Floyd a la cabeza, solo que ellos le dan un aire oscuro, hoy en día eso que llamamos " Occult Metal" que simplemente es añadirle una capa sonora cinemática muy oscura a los temas, está de moda.
Lucid Reality destaca por los D- Beats de la batería y el Groove en los riffs, la pregunta es como sonorá esta banda en el directo, la verdad es que no creo que ni la mitad de efectiva que en estudio.
Esa capa de oscuridad la extienden a todos los temas, del Occult Metal al Avantgarde, de este al Sludge... pero sobre todo es Metal Industrial.
The Great Tribulation es un tema con una base rítmica de Thrash y Nu Metal que recuerdan a los Sepultura cuando se hicieron comerciales, es el tema mas acelerado del trabajo. Illusions Unravel mezcla de forma inteligente los Blast Beats de la batería que aceleran el tema con una atmósfera lenta y decante que sirve de contrapunto.
Los temas no superan los tres minutos de duración y cortes como Majestic 12 y Final Form buscan una y otra vez de forma insistente provocar los mismos efectos en el oyente. El caso es que una primera escucha resulta impactante. La voz del cantante tira de Growls y Shrieks, una voz gutural muy grave, típica del Brutal Death y no del Hardcore.
Es un Deathcore muy pomposo. En una primera escucha la oscuridad te atrapa y la brutalidad del D- Beat con el Groove y la voz gutural pero a medida que pasan los temas el efecto sorpresa se diluye por completo, porque siempre hacen lo mismo una y otra vez. Deathcore mezclado con elementos de metal Industrial y hasta con pasajes melódicos a la guitarra con riffs limpios, condensados en apenas un par de segundos, porque recordemos que los temas son muy cortos. Algunos dirán que han inventado la pólvora, que esto es lo mas creativo del mundo. Deathcore mezclado con metal Industrial, Nu metal y hasta elementos de metal melódico.... el resultado asombra a una primera escucha y te hace bostezar en las siguientes.

Puntuación: 3,5/10

Heresiarch " Death Ordinance"

Heresiarch " Death Ordinance" Black/ Death Nueva Zelanda 2017
Temas:
1. Consecrating Fire
2. Storming Upon Knaves
3. Harbinger
4. Ruination
5. The Yoke
6. Iron Harvest
7. Lupine Epoch
8. Rigtheous Upsurgence
9. Desert of Ash

N.H: Cantante
C.S: Guitarra
N.O: Batería


¿ Nueva Zelanda vs Black/ Death Metal? Me apunto. Es una etiqueta negra de máxima garantía de calidad dentro del Underground. Banda formada en Wellington en el 2008 Previamente han editado una demo y dos Ep.
Ahora debutan con su primer larga duración el caótico Death Ordinance Un trabajo que será publicado por Dark Descent Records el siete de julio, nosotros adelantamos trabajo y os lo servimos ya sobre la mesa. Bandas similares en cuanto a sonido podría citar unas cuantas, la primera que se me viene a la mente son los Diocletian. Pero también son muy similares a Revenge y los canadienses Conqueror.
Me gusta esa pincelada de Sludge que hay en la brutal distorsión del tema Consecrating Fire, un tema de Death/ Doom con una distorsión atroz, la producción es una de las mejores que escuché en mucho tiempo, parece extraído de una caverna en medio de un festín caníbal.
Storming upon Caves es un tema que genera fealdad y odio a partes iguales. Blackened Death Metal acelerado y especial atención al trabajo técnico de la batería que a base de platillo genera una percusión enmarañada, compleja y que colabora a darle siempre ese aspecto caótico a los temas de esta muy buena banda.
Harbinger es una oda clásica a los Blasphemy y los Holocausto y su particular y primitiva mezcla de Black/ Death, sin atmósfera, caótico, con una mezcla entre estos dos estilos sin pulir pero agreviva y por momentos con un sonido que roza lo esquizoide. El mismo camino sigue Ruination, solo que es un tema con unos cambios de ritmo de puro Death Metal que recuerdan a Morbid Angel en su buena época.
The Yoke es un tema que te devuelve al Death/ Doom, siguiendo la estela del primer tema, tan solo que ahora incoporamos un nuevo matiz, los ritmos tribales a la batería que le da un sentir muy épico al tema. Me gusta el trabajo de distorsión tirando de pedal y de un sonido muy clásico que por momentos es una mezcla entre Crust y Death Metal como en Iron Harvest.
Lupine Epoch es un tema con dos ingredientes muy bien mezclados, los D- Beats y el clásico riff de Blackened Death a lo Blasphemy, entre medias un solo alocado y sin afinación, añadiendo mas leña al fuego, buscando el caos por el caos.
 Rigtheous Upsurgence y Desert of Ash, no son temas estelares.... no hay highlights en este trabajo pero es uno de los mas regulares que escuché en los últimos tiempos. Quién este ajeno a este estilo musical le sonará a locura simplemente, pero es un caos perfectamente organizado. Juegan en la liga de los Diocletian, una de las bandas mas reconocidas a nível mundial dentro del metal mas extremo... pero hay una diferencia con ellos, los Heresiarch son mas agresivos y menos atmosféricos que los Diocletian. Menos técnica y mas leña al fuego, interesante trabajo.

Puntuación: 8,25/10

Morana " Morana"

Morana " Morana" Black Pagan Metal Montenegro 2017
Temas:
1. Budenje
2. Cas Onaj Kad se Rodih
3. Morana
4. Volkodav
5. San

Nemanja Grbovíc: Cantante, Guitarra, Bajo
Ivan Radnic: Batería

Estos dos músicos proceden de la capital de Montenegro, Podgorica. La ciudad fue conocida como Titogrado en los días de la antigua república de Yugoslavia o Yugoslavija como se dice en serbio. Podgorica es la única ciudad industrializada de todo Montenegro, una ciudad dedicada a la manufacturación, la banca y la metalurgia, el país está saliendo poco a poco del pozo que supuso la guerra de los balcanes.
Podgorica es tan grande como Santiago de Compostela, no llega a los 20000 habitantes con zona metropolitana incluida y es un crisol de culturas. Montenegrinos, serbios, bosnios, albaneses- kosovares, gitanos y magiares. Esta banda procede del barrio de Tuzi, la zona mas prolífica a nível cultural de este pequeño país.
El Heavy Metal es algo que practicamente no existe en Montenegro. Pienso en los años ochenta y la mayorías de bandas procedían de Belgrado, Sarajevo y Zagrev... las tres principales ciudades de la república yugoslava. Es decir, si pienso en la zona de los Balcanes tendría que decir que Serbia, Croacia y Bosnia siempre tuvieron una fuerte tradicción metalera y que en cambio Montenegro, Eslovenia y Macedonia no tienen ninguna.... sobre todo Montenegro.
Según la Metal Archives tan solo hay trece bandas de metal en Montenegro, no hay escena y la mayoría graba sus álbumes de forma casera y digital. Los Morana quieren romper el localismo y triunfar con su primer trabajo.
Les falta un largo camino por recorrer pero son una banda que me llamaron la atención. Cantan en su idioma lo cuál me parece muy positivo, estoy completamente en contra de la globalización y defiendo a ultranza los valores nacionales de cada pueblo. No desarrollan sus temas y nos encontramos con temas de dos a tres minutos... muy simple y me falta profundidad.
Las letras de Morana siempre versan sobre la naturaleza y la soledad del ser humano. Utilizan intros de lluvía practicamente en todas sus canciones y sus temas suelen presentar elementos acústicos y otros pasajes entre batería y bajo, sin mas instrumentalización.... precisamente es en este aspecto en el que más destacan, es una banda cuya melodía simple y escasa de técnica, consigue transmitir, solo gracias al sentimiento que le ponen a todos sus temas.
Cuando aparece el Black Metal, que practicamente aparece en todos los temas, pues nos encontramos ante un Black acelerado que tira de Blast Beats y que recuerda a un cruce entre Immortal y los Marduk, sencillo a más no poder. El mejor tema de este Ep de debut es Volkodav. Aún están muy verdes, pero tienen sentimiento. La labor en Metalbrothers.es como reseñistas, aparte de darle visibilidad al Underground es conseguir traeros metal desde todos los rincones del planeta.
https://moranaofficial.bandcamp.com/album/morana
Álbum completo

Ironflame " Lighting Strikes the Crown"

Ironflame " Lighting Strikes the Crown" Power Metal Usa 2017
Temas:
1. Firestorm
2. Marching On
3. The Gorgon
4. Heavy Metal Warriors
5. Eternal Night
6. Fallen Glory
7. What we have Sown
8. Shadow Queen

Andrew Della Cagna: Todos los instrumentos


Sorpresa mayúscula la que te otorga escuchar este trabajo. Andrew Della Cagna es un multinstrumentalista americano de origen italiano que reside en Estados Unidos. Cuando este álbum cayo en mis manos me imagine que era el típico trabajo individual con escasa profesionalidad y mas pasión que otra cosa, pero aquí hay seriedad, hay feeling y una auténtica oda al Heavy Metal.
Este multinstrumentalista esta curtido en mil batallas ( Dethroned, Obsequiae, Umwilling Flesh)  y para el directo se hace rodear de los músicos de la banda Dofka, una banda de Power Metal activa desde 1989, se nota la veteranía.
¿ Te imaginas un cruce entre el Holy Diver de Dio y el Thundersteel de los Riot? Es lo que te espera en este trabajo, abróchate el cinturón que vienen curvas. Firestorm es un tema de lo mas sencillo, precisamente lo difícil es hacerlo sencillo, transmitir, tener feeling... todo eso es muy complicado y simplemente con un riff doblado, melodía entre Power Metal y Speed melódico logran meternos en el bolsillo.
Marching On es un tema al galope que alterna con un pasaje de twin guitars, hay que ser metalero para entender que después de 30 años aún se te pone la piel de gallina escuchando temas de este calibre. Los Ironflame logran conectar con los grandes clásicos.
The Gorgon le pone una marcha más al trabajo. Tema acelerado con una mayor agresividad y un ritmo al galope que presenta un groove que le da mas atmósfera y agresividad, clásicos a mas no poder. No falta la típica oda al metal como Heavy Metal Warriors, es un cruce entre Judas Priest y Accept, de nuevo volviendo a apostarlo todo por el Speed Metal. Es lo de siempre, Ironflame no inventa nada, pero su sencillez y su enorme gancho compositivo te atrapan. El estribillo de este tema te acompañara mientras te duchas durante una larga temporada.
Eternal Night ofrece un mediotiempo donde combinan el Heavy Metal de los Dio en la era Vivian Campbell mezclado con el Epic Metal y la receta de Yngwie Malmsteen para sus dos primeros álbumes, ese neoclásico mezclado con el Power Metal, funciona.  Fallen Glory tira de un épico mediotiempo que recuerda a Virgin Steele o a los Warlord. Siempre logra riffs espaciados y sencillos que con el clásico ritmo al galope logran recrear una atmósfera épica. What we Have Sown recupera la esencia de los dos primeros temas, es decir, regresan a la casilla de salida y se pasan del nuevo al Power Metal mas tradiccional. Finalizamos con Shadow Queen, otra oda a Dio en su época de gloria. Un tema muy intenso con unos riffs que resultan hipnóticos.
No puede ser mas sencillo y clásico lo que Ironflame nos ofrece pero es imposible escucharlo una vez sola, vuelves a escucharlo una y otra vez y siempre acabas coreando y con el puño en alto. Álbum de músicos salidos de la escena ochentera de Ohio que saben lo que buscan y nos ofrecen metal clásico en vena.
https://ironflame-music.bandcamp.com/releases
Álbum Completo

Puntuación: 8,25/10

Saxon " Solid Ball of Rock"

Saxon " Solid Ball of Rock" 1990 Hard Rock Inglaterra
1. Solid Ball of Rock
2. Altar of the Gods
3. Requiem ( We Will Remember)
4. Lights in the Sky
5. I Just Cant Get Enough
6. Baptism of Fire
7. Aint Gonna Take It
8. I am on Fire
9. Overture in B Minor/ Refugee
10. Bavarian Rhapsody
11. Crash Drive

Paul Quinn: Guitarra
Biff Byford: Cantante
Nigel Glocker: Batería
Nibbs Carter: Bajo
Graham Oliver: Guitarra

Una de las cosas que mas gracia me hace del mundo del metal es cuando promocionan un álbum. Siempre te dicen que es lo mejor que hicieron en toda su carrera, si tiene malas ventas al cabo de un año o dos cuando tengan nuevo material sobre la mesa te dirán que reniegan de ese álbum.
De 1983 hasta 1995 los Saxon abandonaron por completo el Rock primitivo que practicaban y las pocas pinceladas de Heavy Metal que tenían sus temas y se metieron de lleno en el Hard Rock melódico, el Hard Heavy en ocasiones e incluso el Aor en el Destiny del 88, el antecesor de este álbum.
Byfford cuando compuso el Dogs of War y regresó por fin al metal dijo que el público metalero era el único que perdonaba una mierda de disco y declaró también que su época mas comercial era cosa pasada como si de una pesadilla se tratará. Pero mira tu por donde a finales del 2017 los Saxon editaron un recopilatorio que recoje toda esa época comercial y el mismo Byfford declara que es una época gloriosa. Vale, se trata de un negocio y hay que vender, lo comprendo pero aún así no deja de provocar la risa, el caso es que la etapa comercial de Saxon es infumable.
Ellos vieron que no podrían continuar así y trataron de regresar a los orígenes rockeros de la banda, un álbum en tierra de nadie como es este, con temas de Rock potente y duro, con " himnos", con pinceladas comerciales como no y también con algún que otro esbozo de Heavy Metal, obviamente mejora mucho el Destiny pero aún así no deja de ser un disco flojísimo.
Saxon es una banda de segunda o tercera fila que están encumbrados en la élite del metal, por la potencia vocal de su cantante, por lo que defiende este el metal y porque llevan haciendo metal toda la vida, aparte tienen el favor de las discográficas. No voy a restarles mérito y a decir que no se lo merecen pero musicalmente para mí son el mismo caso que Accept, una banda a nível creativo de tercera división y lo demostraron por enésima vez con este álbum.
Hablando de Accept, calco barato del Balls to the Wall en el tema Solid Ball of Rock. Pincelada de Rock mezclado con Speed Metal en el tema Altar of Gods... y lo mas triste de todo, imitación de U2 mezclado con Aor en Requiem ( Will Be Remember)
La parte final del álbum al menos es algo creativa con Bavarian Rhapsody, pero es un álbum muy menor de temas sueltos, sin dirección musical alguna que trata de contentar a todos y satisface solo a los amantes de la música comercial mas facilona... no tiene délito ser una banda comercial, lo que tiene délito es ser una banda comercial como Saxon y no tener feeling ni personalidad alguna a la hora de componer, otro trabajo mediocre de esta banda inglesa.
https://www.youtube.com/watch?v=mEFhACLwY9Q
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Saxon " Destiny"

Saxon " Destiny" Hard Rock Inglaterra 1988
1. Ride Like the Wind
2. Where the Lighting Strikes
3. I Cant Wait Anymore
4. Calm Before the Storm
5. S.O.S
6. Song for Enma
7. For Whom the Bells Tolls
8. We are Strong
9. Jericho Siren
10. Red Alert

Byford: Cantante
Graham Oliver: Guitarra
Paul Quinn: Guitarra
Paul Johson: Bajista
Nigel Durham: Batería

Horripilante trabajo y el momento mas bajo de la carrera de Saxon una carrera en la que parecía imposible tocar mas fondo pero se superaron con el peor álbum de su carrera, del que reniegan en la actualidad... aunque puestos a renegar deberían renegar de al menos cinco o seis álbumes, pues todos los que van de 1983- 1995 son infumables pero este se lleva la palma.
Echaremos de menos  a Dawson al bajo, este dejó la banda por problemas matrimoniales, en teoría una baja temporal pero nunca quiso regresar a los Saxon. Su puesto lo ocupa Paul Johnson, nula presencia en el álbum, testimonial, salieron perdiendo claramente.
El sonido de la banda es comercial al máximo, la portada ya nos da muy mal rollo. Pierden las directrices que les dio Emi en sus inicios con este sello, un rock pomposo pero al menos poderoso que intentaba imitar a los Def Leppard... todo eso se acabo.
Es un trabajo sin feeling, con una producción muy pobre, con temas rockeros muy comerciales con tintes Aor que no transmiten absolutamente nada. Ellos son los Obús ingleses, una banda que lanza un álbum con tres Hits y siete rellenos, emulando la fórmula americana.
Los hits de este trabajo son Ride Like the Wind, tema comercial donde los haya pero con buenos coros y sobre todo los buenos solos de Olivier, el mejor guitarrista que paso por los Saxon. El otro hit es la balada I Cant Wait Anymore, destinada unicamente para el Billboard y sonar día y noche en las radios, su torpe intento de volver a crear otro 747 ( Strangers in the Night)
El problema es que son temas sin solera ninguna, previsibles al máximo como Whre the Lighting Strikes que no llegan ni a los cinco minutos de duración pero que parece que dura media hora. Base rítmica soporifera, un bajo inaudible y unos ritmos de batería blandos que son anodinos y suenan siempre igual. Coros sin garra y el peor Byfford que recuerde en mucho tiempo, lineal, intentando sonar siempre melódico y sin la garra ni el vozarrón que le caracteriza. Todo queda destinado a los solos de guitarra y hasta se marcan un AC/DC como en el tema For Whom the Bells Tolls... si este álbum saliera este año y tuviera que puntuarlo le daría un 1 por esos dos temas pero los otros ocho son de película de terror, mediocridad en estado máximo.
https://www.youtube.com/watch?v=jGTOmpk7LZY
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Fuxan os Ventos " O Tequeletequele"

Fuxan os Ventos " O Tequeletequele" 1977 Galiza Folk
1. Tempo de mazalo liño
2. O carro
3. Unha mao, amigo
4. Foliada de Nadela
5. Romance da rufina
6. Cantiga do berce
7. Balada dos sete mariñeiros
8. Cantiga de as Encrobas
9. Foliada
10. Brazos pra sepultura

Todos sus miembros procedían de distintas aldeas de Lugo y se conocieron en el conservatorio de Lugo y en la catequesis. Esta banda obtuvo un éxito rotundo actuando en Cataluña, Euskadi, Lisboa, Bruselas, París, Zúrich, Brest y participando en festivales celtas como el de Lorient.
Esta banda iba por las aldeas galegas para documentarse y extraer todo el jugo a nuestras canciones tradiccionales. Ellos cantaban temas que se escuchaban en aldeas galegas pero los hicieron populares. No tocaban por dinero era una banda de hondo sentido patríotico y Mini y los suyos se definian como una banda de acción cultural.
Al rescate de la tradicción gallega. Phillips- Fonogram intentó que cantaran en castellano a lo que se negaron en rotundo. De todo el catalogo nacional de Phillips, los Fuxan eran la banda que mas discos vendía. Entonces surgió una extravagante polémica.
Juan Pardo que había formado duo en los sesenta con Junior, el que sería marido de la Durcal, empezó su carrera en solitario y canto temas de poetas gallegos. Algo que sentó fatal a las bandas como Fuxan os Ventos y en general las bandas que se dedicaban al Folk galego.
¿ Porque les sentó mal? Pues porque bandas como Fuxan entre otros muchos, llevaban muchos años cantando temas de poetas galegos como los de Ramón Cabanillas, nacido en Cambados y que componía poemas en galego de hondo sentido patríotico... algunos de ellos prohíbidos por la censura franquista, que intentó aniquilar ( sin ningún éxito) la cultura y el idioma galego, al igual que intentaron mutilar la cultura y el idioma en Euskadi y Catalunya... intentando crear una España de cultura única y aplastar los independentismos... ¿ Os suena la historia? Porque es muy similar a lo que está sucediendo hoy en día en Catalunya. El caso es que poemas de Cabanillas estaban prohíbidos entre otros poetas y los Fuxan os Ventos estaban muy mal vistos por el poder y les prohibían canciones. En cambio Juan Pardo tuvo todas las facilidades del mundo para cantar en su álbum de debut poemas de Ramón Cabanillas y los periódicos lo ensalzaron como si fuera el pionero de esto, cuando Fuxan y muchos otros ya llevaban muchos años haciendo esto. No se que tecla tocó Juan Pardo para estar bien visto por la prensa y el poder el caso es que 33 músicos del Folk escribieron un artículo denunciando esto.
Este es para mi gusto, el álbum mas mítico y sentido de los Fuxan os Ventos. Un álbum que se cotiza mucho hoy en día y que jamás pasa de moda, porque es la historia de nuestros padres y abuelos y se la pasaremos a nuestros hijos.
https://www.youtube.com/watch?v=X70uSC05mt8
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Fuxan os Ventos " Fuxan os Ventos"

Fuxan os Ventos " Fuxan os Ventos" Galiza  Folk 1976
1. Fuxan os Ventos
2. O Lelo
3. Canción para escribir mañá
4. Canto de cego
5. Labrego
6. Irmaus
7. No Oscuro
8. O Afiadore
9.Compañeira
10. Alala de pena
11. Miña Mai
12. Aradiño
13. O Lobo

Antón Castro, zanfona, mandolina, voz
Xosé Vázquez, percusión tradicional y voz.
Pedro Lucas, gaita, flautas y voz.
Xoan L. Fuertes Saavedra, bouzuki, guitarra, violín y voz.
Carmen Vázquez, voz.
Tereixa Novo, voz.
Maruxa Fociños, voz.
Alfonso Fernández, voz.
Moncho Díaz, voz, guitarra, flautas.

No tienen demasiado que ver con la clase de géneros musicales que tratamos pero Fuxan os Ventos es una banda surgida en plena dictadura Franquista que lucho por la defensa de la cultura Galega y que son imprescindibles a la hora de entender el desarrollo musical posterior en nuestro país y patria, Galicia.
Esta banda se formó en 1972 en Lugo y participaron ese mismo año en un Festival de Folk que acabaron ganando. Al año siguiente participaron en el III Festival Ría de Ares de Pontedeume, logrando también el primer puesto y los festivales de Ferrol y Madrid, logrando siempre reconocimiento y siendo la primera banda galega en triunfar en Madrid.
En 1975 el grupo sufre su primera escisión, al surgir dos tendencias en el grupo, una mas orientada hacia el Folklore universal y otra comprometida con la cultura gallega, fue la segunda la que se impuso. Giraron por todo Lugo con la gira Galicia canta ó neno, que era una gira conceptual de como es la navidad en Galicia.
La gira fue un éxito y le llegaron propuestas para grabar su primer disco, en un principio no querían grabar ningún álbum solo girar pero cambiaron de idea. Llegaron a un acuerdo con Philips- Fonogram y recibiendo garantías de que la discográfica no intentaría cambiar su idea musical. 
Este es el primer álbum de una auténtica leyenda de la música galega que hay que escuchar con la mano en el corazón y la lágrima en el ojo, así decía siempre mi padre. Hay dos temas que me emocionan especialmente uno es Labrego y el otro Irmaos. Conectan con la Galicia Celta y hablan de profesiones tan comunes por los pueblos gallegos como el Afiadore o incluso se permiten hablar de caciques y el inmenso daño que han echo a la Galicia rural. Increíble que Fuxan os Ventos lograra sobreviviren tiempos tan duros, una banda galleguista con letras para gallegos pero una música valorada en todo el mundo. Simplemente supieron como nadie recojer todas esas tradicciones gallegas y darle su toque personal.
https://www.youtube.com/watch?v=awUnvXyJYQA
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Marcha sobre Xove 1977

Unas 7.000 personas - 12.000, según fuentes cercanas a los organizadores- participaron el domingo en la Marcha sobre Xove, en Lugo, en señal de protesta por el proyecto de construcción de una central nuclear en Rogodola, en la costa lucense.La marcha, que había sido convocada por la Asamblea Nacional Popular Gallega, se inició en Vivero, desde donde los participantes marcharon andando hasta Xove, distante unos quince kilómetros. En el punto de salida se concentraron unas 2.000 personas llegadas desde todos los puntos de Galicia, desde Madrid, Asturias, Vizcaya y León. La larga fila de manifestantes llegó a alcanzar los dos kilómetros de longitud, pese al mal tiempo.

La concentración se asentó en la playa Esteiro, próxima al lugar previsto para la construcción de la central, donde intervinieron representantes de casi todos los partidos nacionalistas de España.Desde 1973 hasta mediados de los años 80 continuaron las protestas, siendo las más importantes las de 1977 y 1979. La gota que colmó el vaso fue el descubrimiento de una falla debajo del terreno sobre el que se iba a instalar la central. No es comparable a la situación de Japón, que es uno de los lugares del mundo más peligrosos sísmicamente, pero sí hay riesgo de terremotos en Lugo como se demostró en los años 90. Los estudios determinaban que en caso de incidente nuclear el área de contaminación sería de 100 kilómetros a la redonda.
El no definitivo se hizo esperar cinco años más. No fue hasta 1984, con el Gobierno de Felipe González, cuando se canceló el proyecto de instalación de centrales en varios lugares de la geografía española. Esta noticia tan solo fue la confirmación de lo que ya se sabía, que Xove no iba a tener central nuclear. Posteriormente hubo industrialización en el municipio, por medio de Alcoa. pero sin riesgo nuclear.
Hay que señalar que el pasado domingo día 13, en el mismo lugar, se celebró otra manifestación antinuclear convocada por CCOO y USO, en la que tomaron parte menos de un centenar de personas.

Barcelona 6 Eibar 1 ( a siete del Madrid: joderos)


Se esperaba un Eibar presionando muy arriba y a la contra. La verdad es que el resultado es algo abultado para lo que se vió en el terreno de juego, dispusieron los de Mendilibar de dos tiros al palo y un mano a mano contra Ter Stegen.
El partido tiene una lectura sencilla, el Barca se vió con un 2-0 en la primera parte con goles de Messi de pena máxima y de Paulinho de cabeza a la salida de un corner. Tras el descanso, el show de Messi que con espacios abiertos y un Eibar intentando meterse en el partido sacó tajada con cuatro goles y asistencia, su show habitual.

Esta victoria sabe a gloria porque el Trampas está ahora mismo a siete puntos. Seguro que remontan y no tiran la liga, ahora la prensa de Madrid nos dará la murga con el espíritu de Juanito y conjura para la remontada... siempre lo hacen, en realidad hacen tres cosas: Conjura, lloriquear y pasarle la presión arbitral al Barca, cosa que llevan haciendo desde los tiempos de Unicef en la camiseta blaugrana y buscar culpable para cortar cabezas: Bale y Benzema.
Pero no todo es dicharachero en el Barca. Luís Suárez no jugó pero tanto mejor, está de pena como también está de pena Deulofeu... y pensar que tenemos que estar sin Dembelé cuatro meses... aún así hay brotes verdes muy interesantes. Semedo es un lateral como Dios manda, que tanto necesitaba este club. Paulinho nos hace comer día a día nuestras palabras a todos los que nos cabreamos con su fichaje ( mi caso) y a todos los que se mofaron ( Madridistas) no solo tiene un disparo potente y llega desde la segunda línea sino también que se supo asociar con Messi y eso no tiene precio. Me encanta la progresión de Denis Súarez y aún tengo esperanzas de que André Gomés espabile y ofrezca algo. En cambio de jugadores como Alcacer, Turam, Digné, Mascherano e Iniesta ( aunque sea pecado nombrarlo) ya no cabe esperar nada así que equipo muy justito y a confiar en que Messi siga desprendiendo magia y busque aliados para su causa: en estos dos últimos partidos sus alíados fueron Denis y Paulinho.

Warzone Biografía


Warzone era una banda de Hardcore punk formada en Manhattan en 1983 y son uno de los pioneros del movimiento Punk Neoyorquino. Banda politicamente incorrecta asociada al movimiento Skinhead del que se quisieron desligar en mas de una ocasión.
Es cierto que la ideología de la banda era de ultraderecha sobre todo en sus primeros tiempos y que la música de la banda en los primeros ochenta estaba muy influenciada por el Oi! siempre con la bandera sureña a cuestas que aparte de representar el Southern Rock que es un estilo musical sin ideología política alguna, también representa cosas muy rancias como el segracionismo del Ku Kux Klan, también se intentaron desligar de eso a medida que pasaban los años.

En su primer álbum The Real Enemy dejaron de lado el Oi! y se pasaron al Punk y con algún elemento interesante de Heavy Metal, lo mejor de esta banda quitando de lado sus letras y su ideología es su enorme evolución musical como banda.
En 1986 ya eran los líderes absolutos de la escena Hardcore neoyorquina. El único miembro que estuvo en todas las épocas de la banda fue su cantante Raymond Barbieri, siempre hubo numerosos cambios de formación. Por cierto, que ex miembros de esta banda estuvieron en el debut de los Agnostic Front, los Warzone son una banda Underground de culto dentro de la escena del Hardcore Punk y alimentaron a muchas bandas en el plano creativo pero también muchísimos ex miembros de Warzone estuvieron después en las bandas mas punteras del Hardcore americano.
Por cierto que su líder, Barbieri, falleció en septiembre de 1997 de una neumonía a los 35 años, ese fue el fin de la banda. Aparte de cantante estuvo en la Us Navy y recibió tratamiento médico costeado por el ejército durante su enfermedad.
Salieron muchos lanzamientos posteriores de Warzone después de su muerte porque dejó mucho material escrito. Empezaron dentro del Oi! y del movimiento Skinhead, evolucionaron después hacia el Punk y mas tarde se pasaron al Crossover. Los conciertos de Warzone se caracterizaban por su violencia , Barbieri siempre cantaba en el foso rodeado de su público, no le gustaba cantar subido al escenario, sus músicos tocaban y el calentaba al público.


El conde Drácula

España/ Alemania Terror. 1970 Serie B. 98 minutos Director: Jess Franco. Guión: Jesús Franco. Música: Bruno Nicolai. Fotografía: Manuel Merino. Productora: Filmar. Reparto: Christopher Lee, Klaus Kinski, Herbert Lom, Fred Williams, Jack Taylor, Paul Müller, Jesús Puente, Jose maría Martínez, Jesús Franco, Enma Cohen.
Sinopsis: Durante el comienzo del rodaje en 1969 una de las localizaciones que escogieron para filmar fueron los estudios Balcazar, clausurados en 1973, situados en el municipio de Esplugas del Llobregat  El equipo de producción planeaba utilizar los estudios cinematográficos Barrandov Studios, situados en Praga, pero por problemas de presupuesto hubo que desechar la idea. Las escenas del sanatorio del profesor Van Helsing fueron rodadas en los estudios Tirrenia situados en  Pisa ( Italia) Algunos exteriores de segunda unidadfueron filmados en Francia​ Los exteriores del Castillo de Santa Bárbara  situado en el centro de la ciudad de Alicante, fueron utilizados como escenario para la película, siendo reusados por el director en 1972 en el rodaje de la película Drácula contra Frankestein 

Después de visionarla, no me cabe duda de que Coppola engulló todo el cine referente "al conde" antes de hacer su versión, y desde luego tomó muchas referencias de esta película para su própio Drácula. Referencias que, por cierto, no se encuentran en las de la Hammer. El Van Helsing de Franco, por poner un ejemplo de muchos, sería totalmente caracterizado e imitado por Anthony Hopkins en la versión de Coppola. Otras de sus muchas similutes son: la transformación en animales del conde, su bigote, su rejuvenecimiento a lo largo de la historia... etc etc etc...

Y es que ciertamente, y le pese a quien le pese, es la versión más fiel al libro que he visualizado (que no a la obra de teatro como tantas otras), obviando, claro, las diferencias típicas en las adaptaciones que no son pocas (como el personaje de Renfield que en esta versión sobra casi por completo ya que es mudo y su interacción en el argumento es mínima, además la actuación de Kinski es horrorosa). Pero a grandes rasgos esta película es con diferencia la que tiene más similitudes con el libro.

Entrando en el producto como tal, mencionar que la producción es totalmente desastrosa. Muchos de sus planos de cámara son horribles, las interpetaciones bastante mediocres, y las localizaciones y atrezzo, a grandes rasgos, casi de risa. Pero hay un detalle que me ha gustado mucho: la ambientación. Creo que la película tiene un ambiente especial y bien logrado, ayudado por una música que, aunque no es maravillosa, sí tiene un "leit motiv" inquietante e inspirado. 

Esta película es uno de esos raros casos en que el "todo final" o la suma de las partes supera a las partes por separado. Aunque no cuenta con el presupuesto de las obras de la Hammer (ni con nuestro querido Peter Cushing), creo que el resultado final es bastante superior a muchas de ellas. Una causa posible es esa especie de "falso realismo" que acompaña a la película, ese extraño ambiente, quizás debido al toque "amateur" en los planos de cámara y las localizaciones, que es lo que posiblemente la hace "especial". La autentica pena es el desenlace final, algo abrupto y acelerado. 

Para acabar, invito a cualquier fan del conde a visualizar esta película, ya sea como mera curiosidad o para disfrutarla, como lo he hecho yo, sin prejuicios de ningún tipo... ah, por cierto... muy inquietante Soledad Miranda...

Rodaje de un director de culto de la serie b española: Jess Franco y su versión de Drácula

Durante el comienzo del rodaje en 1969 una de las localizaciones que escogieron para filmar fueron los estudios Balcázar, clausurados en 1973, situados en el municipio de Esplugas de Llobregat. El equipo de producción planeaba utilizar los estudios cinematográficos Barrandov Studios, situados en Praga, pero por problemas de presupuesto hubo que desechar la idea. Las escenas del sanatorio del profesor Van Helsing fueron rodadas en los estudios Tirrenia situados en Pisa, Italia. Algunos exteriores de segunda unidad fueron filmados en Francia.1​ Los exteriores del castillo de Santa Bárbara, situado en el centro de la ciudad de Alicante, fueron utilizados como escenario para la película, siendo reusados por el director en 1972 en el rodaje de la película Drácula contra Frankestein
El director de cine pere portobella  tomó planos del rodaje de la película de Jesús Francocon la intención de rodar una especie de making off inspirado  por las tomas originales de la película. El metraje, conocido como Cuaderuc, vampir,, comparte escenarios y personajes con la película de Franco a excepción del sonido, que fue editado por Carles Santos. Fue una película prohibida por el régimen franquista, y en 2008 fue recuperada por la distribuidora Sherlock Films


Aunque la película El conde Drácula tiene a Christopher Lee en el papel del protagonista, no es una producción de la Hammer sino que fue producida por  Harry Alan Towers (1920 - 2009), esposo de la actriz austriaca María Rohm  (n. 1945), que interpreta el papel de Mina Harker.

Soledad Miranda, que en la película interpreta a la joven Lucy , víctima de Drácula, había trabajado diez años antes del rodaje en una película de Jesús Franco en un papel menor. A partir de El Conde Drácula el director madrileño volvería a contar en varios de sus títulos, entre ellos la cinta de culto Vampyros Lesbos (1971), nueva revisión al mito erótico del vampiro en la que Miranda interpreta a la condesa Nadine Carody, trasunto femenino de Drácula. Esta cinta fue una de las primeras en explorar la sexualidad lésbica de los vampiros  ​ y encumbró a la actriz sevillana a la fama internacional, si bien esta fue efímera debido al accidente de tráfico que sufrió en 1970, y en el que perdió trágicamente la vida .

Klaus Kinski, que asume aquí el papel de Renfield , interpretaría el del propio Drácula nueve años más tarde en la película de Nosferatu de Herzog , un remake-homenaje a la película Nosferatu el vampiro (1922) de Murnau.
Como novedad planteada en esta versión, El Conde Drácula es la primera adaptación de la novela original en la que Drácula rejuvenece al beber sangre humana conforme avanza la historia.

Freddie Francis

Nacido en Islington en Londres, Inglaterra, Francis se encaminó primeramente en la carrera de ingeniería. En la escuela, por una redacción sobre películas del futuro, ganó una beca para el politécnico de la Universidad del Norte de Londres en la ciudad de Kentish. Abandonó los estudios a los 16 años, y pasó a trabajar como aprendiz con el fotógrafo Louis Prothero. Freddie se quedó con él durante seis meses. Durante ese período de tiempo ellos realizaron fotografías para una película de stanley lupino filmada en Ealing. Esto lo llevó a convertirse en claquetista, ayudante de cámara y foquista. Su primera película como claquetista fue The Marriage of Corbal.

En 1939, Francis entró en el ejército, donde pasó los siguientes siete años. Finalmente fue seleccionado como operador de cámara y director en la Unidad Kinematográfica del Ejército (Army Kinematograph Unit) en Wembley, donde trabajó en muchas películas de práctica. Sobre esto, Francis dijo: «La mayor parte del tiempo estaba con varias unidades de filmación dentro del servicio y así conseguí un poco de experiencia en todas las clases de trabajo, incluyendo operador de cámara y editando y, generalmente, siendo un comodín.»
A su regreso a la vida civil, Francis pasó los 10 años siguientes trabajando como operador de cámara. Entre las películas en que trabajó durante este periodo figuran el libertador (1950), los cuentos de Hoffmann  (1951), la burla del diablo(1953), y moby dick (1956); fue colaborador frecuente de los directores de fotografía christopher challis (nueve películas) y oswarld morris (cinco películas). Su primera colaboración con Morris fue la salamandra de oro
Estuvo en la segunda unidad de Moby Dick. Entonces continuó hasta convertirse en director de unidad principal de fotografía en a hill in korea, filmado en Portugal. Filmó películas prestigiosas como un lugar en la cumbre(1959), Sábado noche, domingo por la mañana, hijos y amantes, the innocents, , considerada como una de las mejores películas en que participó.
Francis recibió muchos premios de la industria, incluyendo, en 1997, un premio internacional de la American Society of Cinematographers, y, en 2004, el premio especial de la bafta. Falleció en el 2007

Catalina Lercaro

"La Laguna es uno de esos lugares donde los viejos palacios encierran sus leyendas y sus fantasmas", apunta un reportaje del programa Cuarto Milenio sobre el fantasma de Catalina Lercaro. La nave del misterio de Iker Jiménez recupera la leyenda de la joven que prefirió suicidarse antes de consumar un matrimonio de conveniencia y que tras su prematura muerte se convirtió en una "presencia espectral que se perpetúa a lo largo de los siglos". Es el caso paranormal más famoso del municipio y acaba de ser desmontado por un estudio de la Universidad de La Laguna (ULL) y el Instituto de Astrofísica de Canarias (IAC).
Carlos Javier Álvarez, profesor del Departamento de Psicología Cognitiva, Social y Organizacional de la ULL, es uno de los miembros del Foro de Ciencia y Pseudociencia formado por investigadores de ambas instituciones que han enterrado el mito propagado por los periodistas de lo oculto y mentalistas durante la última década. "Llevábamos mucho tiempo con ganas de analizar esta leyenda para comprobar si lo que sucede tiene una explicación lógica y racional", admite Álvarez.
Según detalla el experto, las voces, los ruidos, las corrientes de aire y las diferencias de temperatura que los defensores de lo mágico atribuyen al fantasma en la Casa Lercaro, sede del Museo de Historia y Antropología de Tenerife, "no tienen ningún componente paranormal". "Si uno cree en algo está más predispuesto a encontrar evidencias y a dar significado a las cosas que suceden. Es un mecanismo de nuestro cerebro que explica por qué la Virgen solo se le aparece a los creyentes y no a un ateo ni a un budista. Tendemos a atribuir significados a estímulos ambiguos o extraños. Es lo que ocurre cuando vemos una cara en una nube, por ejemplo. También nos inclinamos a encontrar evidencias que confirmen nuestras creencias y a desechar las pruebas que las contradigan", señala.
Sonidos ´anómalos´
Durante la investigación, un equipo de científicos se instaló en la Casa Lercaro, en la Calle San Agustín. Tomaron fotografías en las estancias del Palacio, analizaron los posibles sonidos anómalos, midieron la temperatura de forma continua en todas las habitaciones y colocaron grabadoras en distintos puntos del edificio para captar posibles psicofonías.
Las conclusiones de la investigación fueron claras: no se encontró rastro del fantasma de Catalina ni se percibió ningún fenómeno que no pudiera atribuirse a causas naturales. Entre los resultados, destaca la ausencia de sonidos extraños y que los únicos cambios de temperatura registrados fueron en aquellas zonas con corrientes de aire, como la entrada de la famosa cocina, flanqueada por dos puertas una enfrente de la otra y que dan al patio.

En la segunda planta, y debido a la fragilidad y movimiento de las viejas vigas de madera del suelo como de las propias vitrinas, cuyos cristales vibran, los pasos de una persona o cualquier movimiento son transmitidos a varios metros de distancia, produciendo un fenómeno perceptivo curioso, como si alguien estuviera caminando en otra parte. Las vitrinas, próximas entre sí, producen reflejos de luces, sobre todo cuando se está a oscuras o con poca luz.
Tanto las voces que fueron grabadas como las percibidas fueron las de personas que pasaban por las dos calles colindantes a la casa. Todos los sonidos grabados y percibidos correspondieron a los esperados en cualquier casa antigua, como el crujir de las maderas o el viento colándose por las rendijas. Tampoco se encontró ninguna presencia extraña en las fotos realizadas.
Además de echar por tierra la teoría de la casa encantada, Carlos Álvarez, el arqueoastrónomo del IAC, César Esteban, y el resto del equipo también recordaron que ni la investigación realizada por el propio Museo de Historia, ni ninguna otra, han logrado certificar que Catalina Lercaro haya existido. "Nadie ha encontrado evidencias aún. Además, la casa nunca tuvo un pozo. Había un aljibe pero era tan estrecho que nadie podría haberse arrojado dentro", matizó ayer el profesor de Psicología de la Universidad de La Laguna.
Otro de los académicos que participó en el estudio es el doctor en Filosofía por la ULL Ricardo Campo. En un artículo publicado en el blog Circuloesceptico.org, Campo admite que el detonante para que las dos instituciones científicas más importantes de la Isla se embarcaran en este trabajo fue un artículo publicado en un periódico local en el que una supuesta médium daba la ubicación exacta del cadáver de Catalina en un rincón del patio. "Al leer esa propaganda acrítica, nos dio la impresión de estar leyendo una crónica medieval de actividades brujeriles", afirma y añade que "era increíble que se publicase semejante artículo", tan sorprendente como que salgan a la luz tantos otros que hablan de apariciones de Ovnis, espíritus o imágenes religiosas.

Autobiografía de un Yogui

Autobiografía de un Yogui es una obra basada en la obra del gran yogui y swami hindú Paramahansa Yogananda, impulsor del Raja Yoga en Occidente.
Autobiografía de un Yogui se llegó a convertir en uno de los libros más leídos del mundo. Ha sido llevada al cine y esta es la primera vez que llega al teatro. En este texto, Paramahansa Yogananda nos cuenta con facilidad y mucho sentido del humor los acontecimientos increíbles que fue viviendo a lo largo de su vida. Una obra única que no dejará a nadie indiferente.


“Leí la autobiografía de un yogui hace 30 años y dejó en mi una impresión honda y duradera. Yo estaba pasando una crisis de tipo profesional, aparentemente profesional, pero en realidad se trataba de algo más profundo. Entonces cayó en mis manos el libro de Yogananda, poesía y conocimiento. La aventura vital de un hombre buscando el misterio último de la existencia y la certeza final de haberlo encontrado. La historia es entrañable, humana, sencilla y de gran belleza.” - Rafael Álvarez El Brujo.

martes, 19 de septiembre de 2017

Schafott " The Black Flame"

Schafott " The Black Flame"Alemania Black Thrash 2017
Temas:
1. Conflagration
2. Ostara
3. The Black Flame
4. Azazaels Dream
5. Eucharistic Birth
6. Total Cleansing
7. By the lust of the Witch
8. Sow the Salt
9. Satans Throne

Nemesis: Bajo
Assassor: Batería, Cantante
Wraith: Guitarra
Molester: Guitarra



Banda alemana de jóvenes talentos. Su batería y cantante, Assasor procede de la banda de Death Metal los Abyssous. Su guitarrista Wraith de los metaleros Steelclad. Desde la ciudad alemana de Dresden, los Schafott nos presentan su primer larga duración, un álbum de Black/ Thrash que suena clásico a mas no poder y muy metalero.
Este trabajo saldrá publicado el 25 de agosto por High Roller Records, un sello que suele elegir muy bien sus bandas y no iba a ser menos. ¿ Dije Black/ Thrash? son mucho mas que eso, principalmente son una banda de Speed metal muy oscura.
Conflagration es una especie de Intro que nos deja un aperitivo en forma de riff donde la banda nos regala un buen solo con sabor a la Nwobhm en su vertiente mas oscura. Siguen con su cosmos particular con el machacón, lascivo y acelerado Ostara, con sus típicos cambios de ritmo muy Thrashers, con riffs agudos, acelerados y muy épicos que ponen la intensidad y recuerdan a los primeros tiempos de los Mercyful Fate y con un buen hacer y agresividad en todo momento.
The Black Flame sigue con la aceleración en estado máximo, me gustan esas breves pinceladas de Punk que me recuerdan a mitos como Bombarder, Evil Blood, Venom o los Nme. Azazaels Dreams es la típica construcción de guitarras que se van pisando a un ritmo veloz, mientras el batería tira de platillos antes de provocar una arrancada. Ese trabajo de guitarras, siempre intenso y buscando la referencia metalera de los ochenta, le da un sabor diferente a su música.
Eucharistic Birth es sin duda el mejor tema de todo el trabajo. Es el mas agresivo, eso para empezar, también es el que suena mas Thrasher de todo el álbum y un Thrash añejo que recuerda a Morbid Saint o los viejos Sodom con esos coros y aires Punk que recuerdan a sus primeras demos... benditos Sodom, siguen influenciando a cientos de bandas tantos años después de su debut.
Total Cleansing es una oda a los Celtic Frost y los Bathory y en líneas generales a todas esas bandas que impulsaron el metal extremo. Pero son mucho mas que eso, estos Schafott, lo demuestran con el tema By the lust of the Witch y su aire Doom que recuerda a los Saint Vitus, tétricos y con mucha clase, antes de provocar una arrancada que suena mas a Death que a Thrash... quieren quedarse con todas las cartas de la baraja, también me recuerdan a los alemanes Poison.
Sow the Salt recupera el Heavy Metal mas oscuro y machacón, ritmos lentos que se acabaran por acelerar siempre con un gran trabajo de guitarras y mucha oscuridad en la producción del álbum.  Finaliza el trabajo con Satans Throne, donde echan absolutamente toda la leña al fuego con un ritmo de batería que te introduce en su guerra particular y los riffs mas afilados del álbum.
Clasicismo a raudales es lo que nos ofrece Schafott en su primer trabajo, el 25 de agosto a través de High Roller tenéis cita con ellos. Black, Death, Thrash, Punk... sobre todo mucho Speed Metal y mucha y guitarreo constante, no lo dejéis pasar, los Metalbrothers.es no os recomiendan cualquier disco, solo lo mas selecto.

Puntuación: 8/10